Canto Lírico

Al pari del più popolare “Barbiere di Siviglia”, “La Cenerentola, ossia La bontà in trionfo” rappresenta la massima espressione del genio rossiniano nonché del teatro musicale di tutti i tempi. Realizzata in soli 24 giorni secondo la proverbiale velocità del maestro appena venticinquenne, l’opera debuttò al teatro Valle di Roma il 25 gennaio 1817 conseguendo un riscontro che, seppur non disastroso come per il “Barbiere” dell’anno prima, non fu certo esaltante. Ciò non dispiacque al suo autore che, secondo le cronache dell’epoca, ne preconizzò l’imperituro trionfo.

En 1885, Alessandro Parisotti publicó una antología de partituras de arias barrocas titulada Arias antiguas Italianas, en una versión para para canto y piano. Este libro se convirtió desde entonces y hasta la actualidad en el texto obligado de las cátedras de canto de todos los conservatorios del mundo, imponiendo la lengua italiana como idioma natural del canto, dejando de lado importantes y antiguas tradiciones del arte lírico como la francesa, la inglesa o la española, y ayudó a instalar el canon del canto lírico italiano. Con el ánimo de dotar las cátedras de canto de América Latina y España de un material didáctico de índole similar, pero escrito originalmente en idioma español, se ofrece aquí una antología análoga a la de Parisotti, Arias antiguas del Nuevo Mundo, contentiva de arias, villancicos, cantadas y oratorios barrocos en lengua castellana, compuestas en Hispanoamérica durante los siglos XVII y XVIII. Se trata de un repertorio prácticamente desconocido, pero de inmenso valor musical e histórico, cultivado en catedrales, conventos, iglesias y cortes de la América colonial durante el período de dominación española. Aquí están representados compositores como Manuel de Sumaya, Esteban Ponce de León, Tomás de Torrejón y Velasco, José de Orejón y Aparicio, Juan de Herrera, Rafael Antonio Castellanos, Manuel José de Quiroz, Esteban Salas o José Francisco Velásquez “el joven”, quienes ejercieron su oficio en México, Cuba, Perú, Guatemala, Colombia y Venezuela, escribiendo música equiparable en calidad musical y técnica a la de sus contemporáneos italianos.
El fin de este libro es difundir entre los cantantes líricos, y muy especialmente en las cátedras de canto de América Latina y España, un repertorio que hasta ahora ha sido de muy difícil acceso. El proyecto fue financiado con fondos de la Fundación Grammy Latino para ser difundido con una licencia Creative Commons a través de la web, por lo que la distribución de esta partitura así como su ejecución pública y grabación en disco es absolutamente libre y gratuita.

In terms of scholarly research, there is little written about performance practice of vocal music from the Amazon region. The education of performers in this area being a major concern of the author provoked an interest in the necessity of documenting ideas and practices with the finality of providing the performer with a means of resolving questions of interpretation.
The focus of the work will be centered entirely on works of Waldemar Henrique a composer from the Brazilian state of Pará. His works are almost entirely based on Amazonian folk lore, and, as such, more clearly represent the region in the opinion of the author.

El presente trabajo ofrece un análisis sobre un fenómeno particular en el canto de orden “culto” o “académico”: la pronunciación de la vibrante alveolar en el canto lírico francés. Partiendo del conocimiento que en la lengua francesa, la vibrante más utilizada y que de hecho caracteriza a esta lengua, es la vibrante uvular, cuya naturaleza es gutural. Dicho análisis se realizó observando tres ejemplos de cantantes destacados en el ámbito operístico internacional cuyas nacionalidades son diferentes y dan pie al contraste o comparación: Luciano Pavarotti, Jonas Kaufmann y Roberto Alagna.
Se ofrece, en primera instancia, un marco teórico que permite entender el funcionamiento de las vibrantes que en este trabajo se observan: la vibrante alveolar y la vibrante uvular. Posteriormente se presenta un marco teórico sobre la técnica de canto lírico específicamente, abordando desde aspectos históricos del nacimiento de esta técnica, conocida también como belcanto y cuyo origen es italiano, hasta aspectos meramente técnicos para entender el funcionamiento de las vibrantes que se analizan en este trabajo.
En el segundo capítulo, sobre el canto, también se habla acerca del aspecto artístico que, evidentemente, esta disciplina conlleva y que resulta un factor importante para el origen del fenómeno observado, pues implica aspectos de dicción y articulación que son, al final de cuentas, los que logran hacer de esta investigación un trabajo bidisciplinario.
Finalmente se presenta el análisis en forma, tomando como instrumento de observación los primero ocho versos del aria de ópera La fleur que tu m’avais jetée de Georges Bizet, una pieza del repertorio operístico francés conocida internacionalmente e interpretada por un sinnúmero de tenores. En este caso, como ya se mencionó, se presentan tres cantantes célebres y reconocidos por las interpretaciones que han hecho de esta pieza en particular, uno que encabezó la lista de los mejores tenores de la segunda mitad del siglo XX (Pavarotti) y los otros
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dos (Alagna y Kaufmann), tenores que actualmente están en la lista de los mejores cantantes con este timbre tan peculiar y recurrido por compositores por sus alcances y belleza.
Este trabajo, poco estudiado hasta ahora, es de importancia tanto para la lingüística como para el canto. La disciplina artística del canto se favorece especialmente de la fonética, ya que siempre se pretende una articulación y dicción cercanas a la perfección para, con esto, lograr transmitir el mensaje deseado a la vez que se cuida la técnica vocal estudiada. Precisamente, es la técnica vocal del cantante lírico la que, en ocasiones, lo llevará a realizar “ajustes” en la fonética del texto que canta para conservar la belleza y calidad artística en su canto, como veremos en el análisis de este trabajo.

Alessandro Parisotti (1853-1913) publicó en 1885 Arie antiche, una antología de arias y canciones barrocas italianas a solo de los siglos XVII y XVIII de compositores de ese período, en versión para voz y piano. Su idea era rescatar un repertorio de canciones y arias totalmente desconocidas para su época y proveer modelos del arte del canto italiano. Logró un inmediato éxito editorial, publicó dos volúmenes adicionales en 1890 y 1900. Esta antología se constituyó en una de las piedras miliares del movimiento de música antigua, y muy pronto se ganó el favor de las cátedras del arte lírico, convirtiéndose en libro de texto obligado en todos los institutos de enseñanza de canto, lugar que todavía ocupa de forma indisputable. Su amplia difusión
coadyuvó a imponer el italiano como lengua “natural” del canto, dejando de lado tradiciones como la alemana, la inglesa, la francesa y la española. Con el ánimo
de rescatar una de estas tradiciones –la española, y más específicamente, la hispanoamericana– emprendimos el proyecto titulado Arias Antiguas del Nuevo Mundo. El libro –inspirado en Parisotti- contiene arias para voz y piano en castellano compuestas durante los siglos XVII y XVIII en las capillas musicales de la América colonial. Se trata de un repertorio virtualmente desconocido por los cantantes de hoy, pero de inmenso valor musical, literario, histórico y pedagógico. Ponemos así a disposición en una edición de uso, un repertorio de muy difícil acceso. El proyecto fue financiado por la Fundación Cultural Grammy Latino, y publicado por la Universidad Central de Venezuela bajo licencia de Creative Commons. Este artículo expone los criterios editoriales e interpretativos del trabajo, y procura comprender su importancia para una educación musical acorde con los valores más genuinos de nuestra historia cultural latinoamericana.

Capítulo dedicado a la vida y trayectoria profesional de la pianista Sofía Knoll, quien vivió desde los años treinta en Argentina.  Sus vínculos con Juan Carlos Paz, el Grupo Renovación, la Agrupación Nueva Música, el Ballet folclórico dirigido por el bailarín Joaquín Pérez Fernández y sus lazos con la lírica a partir de su  relación con el barítono Norberto Carmona. Contiene correspondencia entre Sofía y Juan Carlos Paz.

Dissertação do curso de Pós-graduação lato sensu da Faculdade Unyleya no Curso de Retórica e Oratória em Língua Portuguesa.
Investiga-se, com embasamento nos conceitos de identidade nacional e diversidade linguística, a interpretação da canção de erudita brasileira, principalmente a de caráter regional, tendo como objeto de estudo comparativo dois ciclos de canções de César Guerra-Peixe: Trovas Alagoanas e Trovas Capixabas. A pesquisa relaciona essas composições para canto lírico de cunho nacionalista com a diversidade linguística e cultural de cada região a que se refere, observando seu texto, contexto e sonoridade musical  a partir das canções folclóricas regionais.
Identificando-se as diversidades linguísticas do Espírito Santo e Alagoas, tais como sotaques e sonoridades vocais típicas das canções folclóricas de cada região, analisando os textos das canções de acordo com o contexto e cultura e relacionando com as questões de diversidade e identidade regionais do ponto de vista da linguística, pretende-se chegar a uma interpretação expressiva da identidade nacional.  Discute-se também como a estética interpretativa do cantor lírico, que sofre grande influência do idioma e sonoridade vocal italiano, pode buscar uma identidade mais brasileira tanto na pronúncia como no timbre e fraseado musical, contribuindo assim com a valorização da cultura nacional. 
Tendo em vista os poucos estudos interdisciplinares entre a linguística e  musicologia, pretende-se contribuir para uma maior inter-relação entre as áreas, por meio de um tema em comum que é a questão da identidade e diversidade da cultura nacional, podendo interessar aos profissionais da área de letras quanto da música.

Esta historia mítica, como la relatan Ovidio y Virgilio –si bien con variantes–, sugiere el arquetipo de la amada como fuente de inspiración musical. Se trata de un prototipo, además, que ha ido transitando a lo largo del tiempo, habida cuenta de que diferentes músicas del mundo –remotas y actuales, escritas y orales, cultas y populares– atesoran la imagen de la figura femenina como generadora del canto; así podría analizarse, aunque no sea ahora este nuestro propósito, desde variadas disciplinas sustentadas sobre el comparatismo entre las artes, tales como la mitocrítica y el mitoanálisis, a partir del armazón metodológico de G. Durand, así como la antropología musical o la etnomusicología.

L’epiteto di ‘decima Musa’, com’è noto, venne conferito a Saffo dagli antichi stessi, a tal punto preda dell’incanto soffuso nei suoi versi da ricondurli a un’origine divina, olimpia. La decima Musa ebbe tuttavia un differente destino, rispetto alle sue nove ‘sorelle’: divenne infatti fonte di ispirazioni innumerevoli non solo in virtù della facoltà poetica, ma anche grazie alla sua persona (o meglio, personaggio), che fu ri-creato – spesso in chiave leggendaria – dagli autori che a lei si volsero. Seguire nel tempo le orme di una Musa è impresa sempre ardua; particolarmente ardua, nel caso in cui la Musa risorga di continuo, non esclusivamente come spirito e afflato di bellezza, ma, si è detto, anche e soprattutto in qualità di personaggio.
I testi riuniti nel presente volume, che risalgono tutti ai decenni fra Settecento e Ottocento, offrono una testimonianza (senza pretese di esaustività, ma rappresentativa della coeva scena letteraria italiana) delle continue rinascite del personaggio-Saffo. Lo studio e la cura di tali opere costituiscono un attraversamento di generi letterari molteplici e compositi: dalle traduzioni ai liberi rifacimenti delle liriche attribuite a Saffo sino alle biografie, dal teatro tragico al ballo mitologico (con varie ibridazioni e contaminazioni) è la storia di un’intera stagione di cultura a dispiegarsi, sul filo di un unico motivo conduttore, sotto gli occhi di chi legge, specialista o appassionato che sia, a conferma della vitalità inesauribile di Saffo quale sorgente non solo di racconto, ma anche di nuove idee sulla poesia, di nuovi modi di fare poesia.

RESUMO Desde os primeiros anos de sua infância, por motivo da morte materna, a soprano Vera Janacopulos, nascida em Petrópolis/RJ, passa a viver na Paris do início do século XX, polo de efervescência cultural da Belle Époque. Neste cenário musical, desenvolverá as suas habilidades artísticas, travando conhecimentos com a vanguarda musical do período, da qual se tornará reconhecida difusora. À documentação inédita contida no acervo que pertenceu à cantora, atualmente sob a guarda da Biblioteca Central da UNIRIO, foi somado um extenso levantamento em hemerotecas e arquivos nacionais e estrangeiros. A totalidade das informações traduziram a sua importância enquanto artista, seja através do quantitativo de concertos realizados em importantes salas de espetáculo das capitais da Europa, América do Norte, América do Sul e Ásia, seja na sua atuação junto a maestros e orquestras de notabilidade reconhecida. Utilizando como suporte teórico conceituações dos sociólgos Norbert Elias e Pierre Bourdieu, agregados a outros correlacionados à Nouvelle Histoire e à micro-história, pretendemos demonstrar como a rede de sociabilidades desenvolvida pela cantora junto ao núcleo de produção musical russa atuante na capital francesa de então (principalmente os compositores Igor Stravinsky e Sergei Prokofiev, com quem estabeleceu profundos laços de amizade), propiciou à mesma papel de destaque, que se traduziu na sua atuação em concertos de relevância para a difusão da dita música moderna russa, impulsionando a carreira da cantora no seu meio de atuação. E, subsequentemente, como a partir do estabelecimento de laços de convívio com demais músicos da dianteira musical que coabitavam Paris (a cantora somou ao seu rol de amigos pessoais músicos como Manuel de Falla, Francis Poulenc e Darius Milhaud-dentre outros) e agregando ao seu repertório composições de vertente musical espanhola e francesa contemporânea em curso naquele meio musical, ela ampliou o seu espaço de atuação. Desta forma, estabeleceremos as estratégias de atuação que permitiram a vinculação da trajetória artística de nossa personagem à importante música de vanguarda do início do século XX e que a tornaram reconhecida como notória defensora deste repertório específico.

Resumo: O presente trabalho tem por escopo apresentar as conclusões parciais da pesquisa em andamento denominada Vera Janacopulos e a música do século XX, no tocante às práticas de interpretação da cantora para a música vocal deste século. Destaca-se como objetivo a intenção de desvelar o modus interpretandi desta personagem, reconhecida por seus pares contemporâneos pelo seu grau de excelência na execução desse tipo de repertório, de forma a subsidiar cantores em sua performance de concerto. Para tanto, este artigo utiliza como fonte de pesquisa material inédito do Acervo Vera Janacopulos, sob a guarda da Biblioteca Central da UNIRIO. Desde a doação desta documentação a esta Universidade, o material, de grande valor histórico, ainda não foi catalogado e permanece na obscuridade. Para subsídio teórico nos apoiaremos no manual de canto de Lilli Lehmann (cantora reconhecida na sua época, que também foi professora de canto de Vera, e a quem ela credita toda a sua técnica vocal), no tratado A arte do canto, de Manuel Garcia (um dos primeiros estudiosos de fisiologia vocal e da arte do canto) e em Richard Miller (reconhecido teórico em técnica vocal da atualidade). Serão abordadas as seguintes questões: voz, importância da palavra, articulação e pronúncia, acentuação fonética e melódica, expressão, medo de público e o bis. Traremos notícia também do guignol chantant, criado pela cantora como subsídio para sua prática docente. Desta forma, pretendemos trazer à luz um pouco da biografia da cantora, o seu diferencial artístico qualitativo, assim como apresentar a pesquisadores a riqueza do seu acervo. Abstract: This paper aims to partially display the search result Vera Janacopulos and twentieth century music with respect to the interpretation practice of the singer for the vocal music of the twentieth century. It stands out as objective intend to unveil her modus interpretandi, recognized by his contemporaries pairs by their level of excellence in the execution of this kind of repertoire, in order to support singers in a concert performance. For both, this article is unprecedented source of research material the Collection Vera

Este trabalho apresenta e discute as análises críticas de Oscar Guanabarino abordando os cenários mundial e brasileiro relativo ao teatro lírico em 1922. O autor analisa a situação mundial da perspectiva da perda do prestígio e dos prenúncios da decadência do canto lírico, baseado na visível falta de renovação das grandes vozes que já dificultava a montagem de certas obras que requeriam um maior preparo técnico. No caso brasileiro, especificamente o do Rio de Janeiro, sua análise se articula em três eixos: a questão da demanda, a dos recursos humanos e a da infraestrutura física. Neste contexto, verifica duas hipóteses possíveis para a continuidade da música lírica: a primeira, na compatibilização entre as temporadas europeias com uma temporada sul-americana envolvendo o Brasil, o Uruguai, a Argentina e o Chile e a segunda, articulando uma estrutura local complementada por algumas montagens de companhias europeias com o propósito de intercâmbio para a elevação e manutenção da qualidade das montagens locais.

Resumo: Esse artigo apresenta um breve histórico da história da ópera no Distrito Federal, mencionando pessoas e eventos que foram significativos nesse processo. Para um melhor entendimento do texto, no tópico 2 discorreremos sobre demandas cênicas e vocais da arte operística. Nos tópicos 3 e 4 falaremos sobre a importância da subvenção pública para a ópera em todo o mundo e os desafios de se produzir óperas de qualidade com pouca verba. Na Conclusão, abordamos um pouco da história do apoio do FAC (Fundo de Apoio à Cultura) e como os editais vem mudando e se adequando cada vez mais a realidade. Também fizemos um levantamento das óperas produzidas entre os anos de 2011 a 2016 com o apoio do FAC – Fundo de Apoio à Cultura do DF, com um quantitativo de óperas realizadas e valores disponibilizados.

Palavras-chave: ópera, ópera estúdio, técnica vocal, técnica de atuação, produção de ópera, FAC/DF, AOB/DF, SEC/DF, Mozart, Menotti, Puccini, Ulmann, Britten, Donizetti

Abstract: This article presents a brief history of the history of the opera in the Federal District, mentioning people and events that were significant in this process. For a better understanding of the text, in topic 2 we will talk about the scenic and vocal demands of operatic art. In topics 3 and 4 we will talk about the importance of the public subsidy for the opera around the world and the challenges of producing quality operas with little money. In the Conclusion, we have covered a bit of the history of the FAC's support (Supporting Found for Culture) and how the edits have been changing and adapting more and more to reality. We also did a survey of the opera’s production between the years 2011 to 2016 with the support of the FAC, Supporting Found for Culture, with a number of operas performed and values made available.

Keywords: opera, opera studio, vocal technique, acting technique, opera production, FAC/DF, AOB/DF, SEC/DF, Mozart, Menotti, Puccini, Ulmann, Britten, Donizetti

O objetivo deste trabalho é comentar um texto de Oscar Guanabarino (1851-1937), publicado em 1922, que antecipa, em cerca de 16 anos, os problemas de pronúncia do português brasileiro e a necessidade de um padrão para o canto lírico, padrão este que veio a se efetivar em 1938. O artigo não pretende tratar dos aspectos técnicos ligados à fonética, dicção ou às Normas para a pronúncia do português brasileiro no canto lírico, mas oferecer uma contribuição aos aspectos históricos que vieram a estabelecer e consolidar essas Normas. A questão trafega por uma problemática mais ampla que trata de aspectos políticos, ideológicos, sociológicos e culturais que aqui se resume com a definição da identidade nacional que inclui um subproblema que pode também ser definido como a questão da identidade da arte nacional. Para o entendimento e análise do problema, adotou-se o modelo esquemático de Eric Hobsbawm para a questão da identidade nacional e um modelo esquemático correlato proposto por Mário de Andrade para a questão da identidade da arte nacional, embora o modelo esquemático de Mário de Andrade tenha sido proposto em 1927, ou seja, meia década após a análise de Guanabarino. A contribuição de Oscar Guanabarino procede de uma análise da fonética de um determinado cantor lírico comparada com a fonética do português falado no Brasil. É a partir dessa análise, portanto, que Guanabarino, se tornaria um dos primeiros intelectuais a discutir o estruturalismo do português falado no Brasil. Desse modo, sua contribuição pode ser de relevante importância histórica na consolidação das Normas para a pronúncia do português brasileiro no canto erudito.