Facultad De Artes

, nació en Coyoacán el seis de julio del cero siete (1907) y fue una pintora y poetisa mexicana. Frida creció en la famosa Casa Azul en Coyoacán, junto a su papá Guillermo Kahlo. Alemán, nacionalizado mexicano y su mamá Matilde Calderón. Frida tuvo tres hermanas, Matilde Adriana y Cristina; menor que ella once meses y un hermano Guillermo que murió a los pocos días de nacer. Además, Frida tenía tres hermanas mayores por parte de padre, Luisa, Margarita y María muerta al poco de nacer también. La infancia de Frida está marcada por las diversas enfermedades que padeció, dejándole secuelas permanentes; una pierna más delgada y nueve meses en la cama. Su padre como forma de animarla y para que le sirviera de rehabilitación, la animó a practicar diversos deportes, como el fútbol o el boxeo. A diferencia de la buena relación que mantenía con su padre, la relación de Frida con su madre está marcada por altibajos, no siendo ésta una constante en su vida. En mil novecientos veintidós (1922), ingresó en la Escuela Nacional Preparatoria de ciudad de México, donde quería estudiar medicina. Será aquí donde conocerá a futuros intelectuales y artistas mexicanos, como Salvador Novo y el que sería su novio; Alejandro Gómez Arias, entre otros. Frida ingresaría en el grupo de Los Cachuchas, llamados así por las gorras que usaban. Se autodefinían como un grupo político crítico de la autoridad y de las injusticias. Frida comenzó a trabajar como aprendiz en el taller de grabado e imprenta de Fernando Fernández Domínguez, un amigo de su padre que le enseñaba a dibujar copiando a Anders Zorn y el diecisiete de septiembre de mil novecientos veinticinco (1925), Frida sufrió un grave accidente de tráfico. El autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía. Padeció severas lesiones, entre ellas la múltiple fractura de la columna vertebral y la pelvis. Según ella fue una de las formas más violentas de perder la virginidad. Se tuvo que someter a diferentes métodos de recuperación que la marcarían para siempre, como corsés de yeso o mecanismos de estiramiento. Durante su larga convalecencia comenzó a pintar de manera constante y así es como la pintura cobra un lugar central en su vida. manuelverdugo.com

Archivo de presentación para charla creada y expuesta en Madriguera Café Art Shop (Loja) en 2016, y luego en la Universidad Técnica Particular de Loja en 2019.
Es una lectura del acercamiento y proximidad entre el arte, el diseño gráfico y la publicidad, por medio de criterios interdisciplinares.

La prensa y la crítica han señalado que el mérito de la galardonada serie Mozart in the jungle: Sex, Drugs & Classical Music, reside en acercar la música clásica, concebida como "alta cultura" o cultura superior, al pueblo, entendido como masa. Nos preguntamos si esta comedia ligera, con todos los rasgos de un producto mainstream, se erige en una mirada colonialista y clasista o permite algún resquicio para la reflexión y la crítica contrahegemónicas. En otras palabras, comprobaremos si, como se pretende, el discurso de la serie supone una defensa del espíritu artístico como algo popular, una defensa del arte como algo político frente a los intereses puramente comerciales, o en cambio refuerza las dicotomías entre una cultura elevada (auténtico arte "por el arte") y una cultura inferior (banal producto de consumo), basadas en la identificación de la primera con unas élites privilegiadas y de la segunda con la clase trabajadora.


Press and critics have considered that the merit of Mozart in the jungle: Sex, Drugs & Classical Music, consists on bringing the classical music-conceived as "high culture" or superior culture-closer to the working-class, understood as mass. We wonder if this light comedy, which has all the mainstream product characteristics, raises itself as a colonialist and classist perspective or allows any chinc in order to make any counter-hegemonic thought or critic. In other words, we are going to verify if (as it attempted), the discourse of this series stands up for the artistic spirit as something popular, if it defends the art as something political against purely commercial interests or on the contrary it reforces the dichotomy between a high culture (genuin "art by art") and an inferior culture (banal consume product), based on identifying the first with elites and the second with the working-class.

Estudio por parte del obrero artístico Efrén De la cruz, sobre los aspectos características, ejercicios, temas con relación y percepciones sobre la Inspiración.

Por falta de información al respecto, me di a la tarea de recabar información del tema y expandirlo a partir de mi experiencia como persona y como artista plástico, llegando a temas que a priori pueden verse como poco relacionados entre si, pero con mas detalle se revelan enlaces en diferentes tipos de conocimiento y percepciones

Abstract

Beuys es el heredero directo de toda la tradición del Idealismo y el arte Romántico del Centro y el Norte de Europa. En su educación serán fundamentales las lecturas de Novalis, Holderlin, Schiller, Jean Paul, Tieck, Nietzsche, Hegel, Kierkegaard y más tarde el teósofo y educador Rudolf Steiner, auténtica columna vertebral de sus teorías sociales que ya había influenciado poderosamente a otros artistas de esta tradición romántica como Kandinsky. A lo largo de su itinerario, Joseph Beuys  pretendió acabar con la idea del arte como una práctica aislada para configurar un concepto “ampliado” del arte , abriendo el horizonte de la creatividad más allá del ghetto del arte.

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Paul Klee, un artiste allemand, a souligné la lutte éternelle des êtres humains pour synthétiser la « vision intérieure » avec « l'expérience extérieure ». "J'ai vu l'ange dans le marbre et je l'ai sculpté jusqu'à ce que je le libère." - Michel-Ange "La beauté est l'illumination de l'âme!" - Poète-théologien O'Donohue, Art et vie psyché-psychique inconsciente Carl Jung Art-Créativité , l'imagination et la beauté [divine] La Renaissance italienne était l'épicentre du mouvement de la Renaissance - qui était en effet un mouvement et servait de conscience sociale au même titre que l'était le siècle des Lumières - et, outre les artistes immortels tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, et Raphaël, il y avait un certain nombre d'autres artistes importants comme Masaccio, Fra Angelico, Piero Della Francesca et Sandro Botticelli qui ont réalisé des réalisations importantes menant à la Haute Renaissance. Léonard de Vinci a observé que « le plaisir le plus noble est la joie de comprendre ». C'est quelque chose auquel je peux personnellement m'identifier puisque ce que j'écris est « compréhension » contre l'illumination - en partie parce que je crois que la véritable illumination n'est pas vraiment possible sans comprendre la conscience-spiritualité - que la psychologie dominante avec ses préjugés matérialistes réprime (sévèrement) !
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Bienvenido/a, este portafolio habla brevemente sobre las distintas artes graficas, realizado por Loly Gómez durante el curso de 2do año académico en la facultad de bellas artes de la Universidad de La Laguna, sin mas que decir, espero sea de tu agrado y pases un buen rato leyendo y/o aprendiendo.

RESUMEN:
El antecedente de este trabajo, además de toda su obra cinematográfica, es que durante largos años de estudio y de conversaciones con antropólogos Ruiz se internó en el mundo de los cuentos folklóricos. Después de esa experiencia descubrió que en muchas ocasiones el folklore de cada país tiene elementos comunes con el de otros. "Hay mitos vikingos -dice- que son parecidos a los chilenos. Los cuentos folklóricos unen más que separan".

En "La Recta Provincia", nombre con que se autodenominaban los "brujos" de Chiloé, están las claves del cine de Ruiz: una mezcla del presente y del pasado, de los vivos y los muertos, de lo real y su reflejo, de la vigilia y del sueño, de la realidad y los espejos.

Desde el punto de vista narrativo la historia se afirma en las convicciones de siempre del realizador. Tal como lo señala en su libro "Poética del Cine", algunas de ellas provienen de su crítica a la "teoría del conflicto central" elaborada por el cine norteamericano que "es el único país del mundo -afirma Ruiz- en el que el cine haya desarrollado desde temprano una teoría narrativa y dramática global (...) que se ha vuelto palabra de ley."

En el texto evoca el primer enunciado de esa teoría: "una historia tiene lugar cuando alguien quiere algo y otro no quiere que lo obtenga. A partir de ese momento (...) todo los elementos de la historia se ordenan alrededor de ese conflicto central". El precio de esto, agrega, es que ella "nos obliga a eliminar todas aquellas otras (acciones) que no incluyen ninguna confrontación".

Esto sería un "concepto depredador: un sistema de ideas que devoran toda otra idea" acerca de cómo narrar una historia. El punto es que de este modo, tal como sostiene Ruiz, no hay equivalencia entre el conflicto central y la vida de todos los días, que tantas veces tiene que ver con decisiones inconscientes y accidentales de la vida cotidiana.

Me parece que la hegemonía de la teoría del conflicto central, que nos tiene absolutamente domesticados, nos priva de otras posibilidades narrativas muchos más amplias y a menudo más enriquecedoras. La receta narrativa del cine norteamericano a la que alude Ruiz hace que las películas inspiradas en ella sean tan predecibles y, por eso, aburridas.

Volviendo a Ruiz, en "Poética del Cine", refiriéndose a la receta en que se traduce la teoría del conflicto central, señala que "nuestros raptores nos hacen prisioneros de la voluntad del protagonista; y al final de la película somos entregados a nosotros mismos, sólo que más tristes que antes y sin otra idea que la de embarcarnos en otra historia igual."

Pasando a otro tema, les cuento que además de la serie para TV se realizó el largometraje de "La Recta Provincia" que hace poco fue seleccionado por el Festival Internacional de Cine de Roma  para su estreno mundial. Allí también se exhibirá, en un acontecimiento inédito, una retrospectiva de 51 películas de Ruiz. Por si eso fuera poco, se le entregará el mítico premio Maestro del Cine, que antes recibieron Hitchcok, Godard y otros cineastas destacados.

This proposition presents a design and artistic research focused on the soil that aims to generate active and poetic forms of reflection around the fragile interdependence of human and non-human lives in an increasingly precarious urban environment, emphasised by the current ecological crisis. In order to engage in such reflections, this practice-oriented research —led by designers, architects, artists and educators— collects relational modes of material interdependence in the region of Valparaíso, Chile, by exploring veins and clay pits for pottery making that are relevant and known by artisans and artists of this area.

ABSTRACT

One increasingly reads about different aspects of the death of philosophy. One reason or cause being its institutionalization, as just another academic discipline, while research universities demand their tenured professionals to produve endless streams of really irrelevant publications, resulting in dealing with more detailed, microscopic issues and fabricated ‘problems’. The professionalization of philosophers created other problems of this socio-cultural practice.
The dying out of philosophy is not only cased by external social and cultural factors, but also by internal factors such as its methods and those concerning its subject-matter.
I have explored the above in the context of meta-philosophy. In the process I also investigated the nature, the subject-matter and theories of philosophy of art, aesthetics and theory of art. It is mostly about these explorations of art that the contents of this piece is concerned with.
All this is an exercise with words as the verbal means are the traditional instruments of doing philosophy. These tools not only enable the doing of philosophy but also creates limitations and limits to philosophizing. This will remain the case until the discourse develops other (for example visual, auditory, computational, etc) means to develop its many levelled and multi-dimensional practice - and in the process questions and overcomes its anthropo-centered bias.

Resumen:
Consultado Peter Sloterdijk acerca de ¿qué obras recomendaría?, responde: En primer lugar, El nacimiento de la tragedia, de Nietzsche, una teoría del arte. En segundo lugar, a Andy Warhol, con su libro: The philosophy of Andy Warhol. From A to B and back again (‘Mi Filosofía de A a B y de B a A’). Este originalísimo libro constituye no sólo una crónica de la vanguardia artística de New York y su particular fauna, sino a través de un repertorio de frases y agudas observaciones Warhol nos ofrece lo que es fundamentalmente una crónica del american way of life, de su glamour y decadencia. Entre sus frases memorables no se puede dejar de citar entre otras: «Shopping is much more american than thinking» (‘comprar es mucho más americano que pensar’). O «Nunca me molesto en arreglarme o en tratar de ser atractivo porque simplemente no quiero que nadie se comprometa conmigo; descuido mis buenos atributos y destaco los malos, de modo que tengo un aspecto espantoso y llevo los pantalones equivocados y los zapatos equivocados y llego en el momento equivocado con amigos equivocados y hablo con la gente equivocada, y si aún así, alguien se interesa por mí huyo y me pregunto. ¿En qué me equivoqué?… El asunto es que conocer a una persona más me resulta simplemente demasiado difícil, porque cada nueva persona ocupa más tiempo y espacio…»

¿Qué es el arte? ¿Cómo definirlo de la manera más universal y consistente posible? Lógicamente, una definición de arte implica establecer un límite entre lo que supuestamente es arte y lo que no lo es. Por ello, afinar en la definición es esencial para hacer justicia a la riqueza de las expresiones artísticas de la humanidad y a la legitimidad de una pluralidad de interpretaciones sobre su significado.

El libro es el resultado de las investigaciones llevadas a cabo por  alumnas y alumnos pertenecientes a Licenciaturas y Maestrías de diferentes programas educativos que estudian actualmente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro.

Las reflexiones llevadas a cabo comenzaron con el “Simposio de Alumnos investigadores en Artes y Humanidades” que organizamos los coordinadores de este libro. El Simposio buscó exponer, dialogar y debatir acerca de las temáticas artísticas, humanísticas, estéticas y similares que se abordan dentro de la investigación universitaria actual del estado de Querétaro y del país por parte de la comunidad estudiantil de educación superior dedicada al estudio, aplicación y metodologías de prácticas y teorías de las temáticas mencionadas. Para ello, se expusieron dos líneas de investigación enfocadas tanto en las reflexiones teóricas como en la aplicación e intervención de las Artes y las Humanidades.

Monterrey capital del estado de Nuevo León es considerada la tercera área metropolitana más poblada del país con un número de 4.6 millones de habitantes, sólo después de la ciudad de México y Guadalajara.
Monterrey es por tradición una economía manufacturera, con lazos en Estados Unidos al ser favorecidos con su posición geográfica. Además, ha sido reconocida como la capital industrial del país, lo cual aparentemente ha eclipsado la importancia de su valor cultural y artístico.
En un sentido práctico, el hecho que Monterrey históricamente se ha mantenido a la vanguardia en diversas ramas industriales, como la cervecera, los alimentos, el acero, vidrio y cemento, ha desfavorecido el reconocimiento a los hombres y mujeres regiomontanos que han aportado significativamente al desarrollo artístico. Sin embargo, esto no evitó que el arte, como un espacio de creación y diálogo, también se afirmara como una plataforma que encontró un particular desarrollo en la ciudad.
Durante la segunda mitad del siglo XX prosperaron varios proyectos, entre ellos la creación de museos, diversificación de talleres, apertura de galerías y el surgimiento de instituciones de educación superior en este campo. La profesionalización en el campo de las artes visuales en 1983, a través de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León fue un suceso de valor no sólo académico, sino un elemento sustantivo en el agitado curso del arte en la ciudad. Logrando esta formalización tras haber nacido en 1943 como la Escuela de Pintura, para después transformarse en 1948 en el Taller de Artes Plásticas (TAP). Posteriormente, se obtuvo el 30 de abril de 1980 que la Universidad autorizara a la Escuela (después de ser el Taller de Artes Plásticas, cambió al Taller de Artes Visuales, y un poco después pasó a ser Escuela de Artes Visuales) a ser reconocida como una dependencia académica y no sólo una dependencia administrativa, tal como lo narran Enrique Ruiz y el Dr. Armando Flores en el libro Artes plásticas de Nuevo León: 100 años de historia siglo XX (2000). Con esto se lograron inaugurar los niveles técnicos y técnico superior. Finalmente, en julio de 1982 el Consejo Universitario aprueba el plan de estudios de la Licenciatura y en diciembre de 1983 se aprobó la solicitud para elevar el rango de la Escuela a Facultad. Posteriormente algunas otras instituciones extendieron sus campos académicos hacia esta disciplina, pero fue ésta la pionera en integrar este grupo de saberes.

Desde el renacimiento pasando por Goethe podemos rastrear esquemas colorimétricos que incluyen el amarillo entre los tonos esenciales. Sin embargo, si analizamos el espectro de ondas visibles, en apariencia resulta más natural el modelo colorimétrico RGB, ya que el tono verde queda en el centro del espectro y los tonos rojo y azul en los extremos, resultando el amarillo en una posición extraña del espectro colorimétrico como para darle una importancia especial. Sin embargo, para poder comprender la importancia del amarillo es necesario analizar la fisiología del propio ojo, ya que los conos (células fotosensibles responsables de la percepción del color) no tienen una percepción homogénea en todo el espectro cromático, sino que tiene una mayor precisión en el rango comprendido entre verde y rojo, donde se encuentra la tonalidad del amarillo. La percepción del color tiene unos condicionantes indudablemente culturales, pero también existe una gran cantidad de condicionantes fisiológicos que lo determinan. Entender las características cognitivas, desde la propia fisiología del ojo como primer órgano receptor hasta los procesos neuronales que se desencadenan para dar sentido a lo que observamos, nos permite poder abordar de forma científica diversas teorías estéticas sobre el uso del color. De esta forma, entender las características específicas del sistema cognitivo nos permite tener una mejor comprensión del uso del color en el arte, pudiendo obtener conclusiones sobre cuáles son los colores básicos a nivel cognitivo y como resulta más natural en su percepción una composición figura–fondo.

A lo largo de la historia ha habido muchos discursos que han intentado aproximarse al fenómeno del Arte. En general, dichos discursos fueron construidos a partir de las diferentes circunstancias sociales, políticas y filosóficas que marcaron los diversos momentos y contextos históricos que los rodearon. La historiografía del arte ha intentado comprender y explicar los distintos discursos que han aparecido a lo largo de la historia y ha intentado aportar una explicación para las diversas corrientes metodológicas que estas construyeron.


Throughout history, there have been many discourses that have attempted to approach the phenomenon of Art. In general, these discourses were constructed from the different social, political, and philosophical circumstances that marked the various moments and historical contexts that surrounded them. Art historiography has tried to understand and explain the different discourses that have appeared throughout history and have attempted to provide an explanation for the different methodological currents that they constructed.

Resumen.

El presente trabajo intenta, a partir de la revisión de las obras fundamentales de Jean Baudrillard, dar cuenta del origen de la personalidad narcisista, que no conoce límites entre ella misma y el mundo que exige la gratificación inmediata de sus deseos, así como la erosión de la vida íntima tenida lugar en la sociedad del espectáculo. El American way of life aparecerá caracterizado como el imperio de la seducción y de la obsolescencia decretada; un sistema que rinde culto al fetiche de la mercancía y la pornografía de la información. Finalmente, se buscará dar cuenta de cómo el consumo no es, en absoluto, la base sobre la que descansa el progreso, sino más bien la barrera que lo estanca o, al menos, lo lanza en la dirección contraria a la de la mejora de las relaciones sociales.

El rito siempre ha sido un tema difícil de ver en el relato arqueológico y, por lo tanto, su presencia se ha invisibilizado. La aproximación al arte precolombino, desde la mirada occidental, conlleva su segmentación en diversas ramas definidas para el arte, sin darnos cuenta de que su comprensión integral se presenta como una ruta clave para entender la ritualidad que caracteriza las concepciones amerindias. En dichas formas de pensamiento, tanto las personas, como las cosas y los elementos de la naturaleza se entienden como seres animados. Lamentablemente, como afirma Viveiros de Castro, la perspectiva occidental sostiene que cuanto más se desanimiza el mundo más se comprende. El presente trabajo explora las relaciones existentes entre la simetría del arte visual prehispánico diaguita y los "bailes chinos" actuales, como una expresión sincrética cuyas raíces proceden del pasado precolombino del norte semiárido chileno.

La Mirada de Ulises es una película de 1995 dirigida por Theo Angelopoulos. En ella, el director griego nos invita a seguir los pasos de A. un ¿ficticio? cineasta griego que busca unas bobinas sin procesar de los Hermanos Manakis. A pesar de la simple premisa, pronto descubrimos cómo la película se convierte en un ejercicio profundamente autoconsciente de tintes antropológicos y filosóficos sobre cuestiones como la identidad, la memoria o el sentido de la experiencia.
En este trabajo evaluaremos la competencia antropológica de la cinta a través de una metodología comparativa entre el lenguaje poético y cinematográfico del director griego y el andamiaje propio de la antropología. Así, analizaremos secuencias específicas del filme que aborden temas antropológicos y reflexionaremos sobre las conclusiones o preguntas lanzadas por Angelopoulos con su película.
Como resultado, descubriremos que, no solo este ejercicio cinematográfico supone un interesante ensayo etnográfico, sino que lo que comúnmente denominados como obras de arte lleva implícito un interesante trabajo de campo antropológico.

Este ensayo reúne las experiencias de cuatro personas que trabajan en el campo de la historia del arte digital y espera ser una introducción al campo arraigada en la práctica. Busca dar cuenta de la multivalencia del concepto de una historia del arte digital que se explorará brevemente en esta introducción. Esperamos que este ensayo le permita a los lectores percibir la historia del arte digital como un quehacer posible, ya sea que se aproximen a ella desde la perspectiva de la enseñanza o del trabajo académico. Además de ello pretendemos contribuir a la conversación colectiva que le da vida a la historia del arte digital en virtud de su naturaleza notablemente participativa.

La tesis se plantea en el marco del paradigma de archivo expuesto por Ana Maria Guasch. Se pretende a través de la investigación interdisciplinaria, establecer relaciones novedosas entre prácticas artísticas y científicas para llevar a cabo una producción artística que se nutra de dichas relaciones.             
Se centra en tres ejes, la revisión de la biografía visual, el papel de la materia como potencial poético jerarquizante y la relación emergente-supervivencia de las categorías orgánico-inorgánico. En el primer punto se intenta esbozar una definición de biografía visual, en dónde se imbrican por un lado el registro y el dibujo como fijación del tiempo transcurrido, y a su vez, una dinamización por el montaje.
El segundo punto el papel de la materia como potencial poético jerarquizante, intercede en la búsqueda de procedimientos que se acerquen a estrategias de abordaje científico, privilegiando la temporalidad (dimensión procesual). Por un lado comprende a la materia como potencial poético, y por el otro se despliega el laboratorio como protocolo experimental, abriéndose la posibilidad de una fenomenología de la mirada que “estetice” el experimento.
El tercer eje la relación emergente-supervivencia de las categorías orgánico-inorgánico, intercede en problematización de las categorías “orgánico” e “inorgánico” y en su relación de tensión en la imágenes científicas y artísticas. Tomando como anclaje los estudios de Aby Warburg, el concepto de supervivencia y la imagen dialéctica de Walter Benjamin, se buscará interpelar dichas categorizaciones por medio de un dispositivo conceptual:  el anacronismo, la comparación-constelación de imágenes de procedencias heterogéneas, tanto temporales como de campo.
A partir de estos tres ejes fundamentales, se propone incorporar una método de corte en clave poética, que interpele el lugar de la imagen tanto en la ciencia como en el arte, que posibilite a su vez construir una mirada fenomenológica que amplíe así las relaciones y la visualidad de las tensiones antes mencionadas.