Estética e Teoria da Arte

The purpose of this study is to analyze, through Schiller’s perspective, the question of man in relationship with the absolute, considering the action of beauty: an instrument of human elevation. The aesthetic, moral and religious spheres are intimately connected in the masterpiece On the Aesthetic Education of Man in a Series of Letters which, inspiring this research, points to a transformation horizon through aesthetic which promotes civilization. According to the author the way man passes through until he meets his final goal, even if unachievable, is a tendency that is carried inside himself, as a capacity of self transformation. Beauty emerges as the key to harmony and mediation. The way passed through from the physical man to the aesthetic one and, soon, to the moral one can lead him to meet the world moral author.
Keywords: Schiller/Aesthetic Education/Philosophy/Religion
Resumo: Este estudo tem o propósito de analisar, sob a perspectiva de Schiller, a questão do homem e sua relação com o absoluto, mediante a atuação da beleza: instrumento de elevação humana. As esferas da estética, moralidade e religiosidade encontram-se intimamente entrelaçadas na obra A educação estética do homem numa série de cartas que, inspirando esta pesquisa, aponta um horizonte de transformação, através de uma estética civilizadora. Segundo o autor, o caminho que o homem percorre para o encontro de sua meta final, mesmo que inatingível, é uma tendência que carrega em si próprio como potencialidade de autotransformação. A beleza surge como chave para harmonização e mediação. O caminho percorrido, do homem físico para o estético e, logo a seguir, para o homem moral pode levá-lo ao encontro do autor moral do mundo.
Palavras-chave: Schiller/ Educação estética/ Filosofia/Religião

Tradução de "Todas as manhãs do mundo", de Pascal Quignard, realizada a partir da edição original francesa publicada pela Gallimard em 1991, cuja referência completa é a seguinte: QUIGNARD, Pascal. "Tous les mantins du monde", Gallimard (Folio), Paris, 1991. A primeira versão desta tradução foi concluída em 1995. No ano de 2020, foi inteiramente revista.

Este livro fornece um estudo panorâmico-introdutório sobre os principais debates e autores que, ao longo dos últimos 2.500 anos, definiram, estudaram e avaliaram as artes ocidentais, criando um cânone sobretudo europeu. Mostra e desconstrói como as teorias e histórias sobre diferentes mídias – teatro, literatura, pintura, escultura, arquitetura, fotografia, cinema, arte contemporânea – repetem e variam certas ideias para lidar com e até reprimir o poder das artes. Baseando-se em autores contemporâneos – ameríndios, antropólogos e filósofos –defende a necessidade de decolonizar os estudos das artes, focando no Brasil como estudo de caso.

Em seu segundo ano como professor na Universidade de Frankfurt, Theodor W. Adorno leciona dois cursos de estética. Um deles era dedicado a "Origem do drama barroco alemão", a habilitação de Walter Benjamin rejeitada pelo mesmo departamento de filosofia em 1925. Ao demarcar a obra do colega e amigo como um dos textos centrais da estética contemporânea, Adorno desafiava o meio acadêmico consolidado e apresentava ao público as linhas desviantes de um pensamento hermético. O texto que se segue é uma tradução das atas redigidas pelos alunos que participaram de suas aulas.

By his second year as Professor at Frankfurt University, Theodor W. Adorno presents two courses on aesthetics. One of them was devoted to "The Origin of German Tragic Drama", Walter Benjamin's habilitation these which were rejected by the same Philosophy Department in 1925. Marking his friend and colleague's work as a central text to contemporary aesthetics, Adorno challenged the established academic environment and introduced to the public the deviant lines of an hermetic thought. The following text holds a translation of the minutes written by the students which have taken part in his lectures into Brazilian Portuguese.

Este ensaio enfoca a Oikema-projeto para uma casa de prazeres, um bordel público desenhado pelo arquiteto iluminista Claude-Nicolas Ledoux, publicado em 1804. Discute-se-o a partir dos seguintes tópicos: arquitetura como mediadora entre experiência pública e privada; arquitetura e sensações; arquitetura e gênero; arquitetura e heterotopia. Palavras-chave: Ledoux, Claude-Nicolas, Arquitetura-iluminismo, Arquitetura e gênero
(texto originalmente apresentado no 14 Congresso Internacional Estética Brasil)

La filosofía académicamente respetable puede que sea algo más que analítica, pero, por lo menos, es analítica. Si la entendemos en un sentido amplio, como una estrategia de clarificación conceptual que incluye, en primer lugar, atender a los resultados de la investigación científica, no es un exceso sostener que, desde la inmediata posguerra, la filosofía analítica señorea la filosofía de la ciencia y la filosofía moral. Cualquier curso informado de esas disciplinas transita la mayor parte de sus horas por las sendas abiertas por Russell, Wigenstein y compañía. Vamos, que la filosofía analítica es la que cuenta. Salvo en un caso: cuando la cosa va de arte. Entonces el curso se da más que cumplido con esa tradición con un par de sesiones. Es cierto que esa no es toda la realidad, que hay filósofos analíticos entretenidos en los asuntos estéticos. Hay unas cuantas revistas, no muchas; hay, también, un conjunto de problemas que acotan el campo y las energías (la definición de arte, la ontología, las ideas de belleza, de experiencia estética o de representación) e incluso una serie de paradojas, de casos difíciles, que permiten precisar los conceptos y cribar las teorías, entre los que destacan los que atañen a la compleja relación entre arte y experiencias estéticas, a la calificación (o no) como arte de ciertas cosas bellas (o no): un paisaje, una belleza sin artista, capaz de desencadenar placer estético; una falsificación perfecta indistinguible del original, despreciada como arte; objetos comunes (ladrillos, urinarios, almacenes) considerados obras de arte porque a unos cuantos en condiciones de hacerlo les da por ahí. Entre unas cosas y otras, con esos mimbres, por decantación, se han acabado por expedir una veintena de trabajos de estética analítica que casi todo el mundo reconoce como canónicos[1]. Todo eso es verdad, sí, pero no rectifica lo fundamental: que los afanes de los analíticos pintan bastante poco en la facturación editorial de los estetas. Entre las diversas explicaciones de esa circunstancia, de por qué la filosofía analítica ha llegado tarde, y acaso mal, al tercer gran dominio clásico de la reflexión filosófica –junto con el conocimiento y la moral–, hay una que es mi favorita y que no recuerdo haber visto por ninguna parte: que en el campo del arte los analíticos no han podido ejercer aquello que saben hacer mejor, esto es, diseccionar las reglas que rigen el funcionamiento del domino a examinar. La razón es inmediata: malamente pueden diseccionar los criterios de tasación cuando desde un tiempo para acá el programa que ha regido el mundo del arte –si a eso puede llamársele programa– es que no hay criterios y que, si los hay, lo que debe hacerse es acabar con ellos, en especial en la plástica, el género que casi monopoliza las discusiones estéticas.

Ensaia-se uma análise de um háptico deleuziano na obra plástica de Fernanda Fragateiro (Montijo, 1962), enquanto proposta de espaço habitável no qual se destitui o olhar voyeurista (masculino por excelência) do seu império.

Publicado em CRUZEIRO, Cristina Pratas e LOPES, Rui Oliveira (2012), "Arte e Género: Mulheres e Criação Artística", Lisboa: Faculdade de Belas-Artes, Universidade de Lisboa.
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Analysis of a deleuzean haptic within the artwork of Fernanda Fragateiro (Montijo, 1962), as proposing an habitable space in which the (masculine) voyeuristic gaze is no longer emperor.

Published in CRUZEIRO, Cristina Pratas e LOPES, Rui Oliveira (2012), "Arte e Género: Mulheres e Criação Artística", Lisbon: Faculdade de Belas-Artes, Universidade de Lisboa.

Uma leitura admirativa do ensaio de Eugenio d’Ors à propósito de Cézanne. Este texto nada mais é que isso, uma tentativa de leitura dessa obra de 1921, na qual,  antes de qualquer coisa, acredito, pretendeu o autor pensar a obra do pintor francês como uma indagação sobre o lugar da arte e da estética na condição do pensamento ocidental. Nesse sentido, o que se pretende é menos uma apresentação erudita do pensamento de Eugenio d’Ors, do que um exercício de aproximação cuidadosa do seu pensamento; aproximar esse que se realiza pela busca do sentido provável de Cézanne, ou seja, do que este representa para d’Ors.

A presente resenha trata do livro A atualidade da teoria estética de Theodor Adorno (2020). O material que agora vem a público sob a organização de Rodrigo Duarte e Daniel Pucciarelli, ambos professores na UFMG, pode ser visto como um aporte que interessa tanto aos estudantes acerca dos temas envolvidos, quanto os leitores críticos e intérpretes da arte contemporânea. Os temas e discussões apontam, em cada capítulo do livro, não para o passado ou à teoria pura e simples, mas volta-se para o presente e futuro da arte, seus dilemas e incursões sociais via o pensamento filosófico em nosso tempo.

The present text aims to explain how the use of geometrical shapes, that occurred in the works of Gilvan Samico, has interfered with the construction of the images’ space, seeking to understand some of the meanings that the woodcuts can take from that transformation onwards. To that end, the images are comparatively analyzed, considering their relationship with words and memory, their cultural traits and their temporality. Conceiving the power of the image as an object that awakens stories and memories, what is inherent to the engravings is placed in parallel with the construction of a rational mathematical thought in art. Samico’s work is marked by the survival of memory images, that is transversal in techniques, themes and form.

Keywords: Gilvan Samico. Woodcut. Engraving. History of images. Art of memory.

RESUMO:
O presente texto tem como objetivo explicar como o processo de geometrização, que ocorreu na obra de Gilvan Samico, interferiu na construção do espaço das imagens, procurando compreender alguns significados que elas podem assumir a partir dessa transformação. Para isso as gravuras são analisadas comparativamente, considerando suas relações com a palavra e a memória, seus traços culturais e sua dimensão temporal. Concebendo a potência da imagem, enquanto objeto que desperta histórias e lembranças, o que é inerente às gravuras é colocado em paralelo com a construção de um pensamento matemático racional na arte. A obra de Samico é marcada por sobrevivências das imagens da memória, que apresentam uma transversalidade na técnica, nos temas e na forma.

Palavras-chave: Gilvan Samico. Xilogravura. Gravura. História das imagens. Arte da memória.

De acordo com a teoria de Burke, aquilo que provoca terror é uma fonte do sublime, e o terror mais extremo é aquele que a subjetividade pode experimentar diante do perigo da morte – ainda que seja um pré-requisito para o sentimento do sublime, como é igualmente manifesto na teoria kantiana, que o sujeito esteja em segurança e até certo ponto distanciado da ameaça que o aterroriza. A morte, portanto, tem uma relação privilegiada com a sublimidade.  Em um texto intitulado Arte e Disturbação, Danto investiga certos tipos de arte contemporânea que parecem reivindicar um retorno às origens da arte, ao contato com o poder mágico, com as forças criadoras e ádvenas ao nosso mundo. O mais surpreendente é que, em meio a esses impulsos obscuros dos quais se pode acreditar que a arte se originou, vemos a arte vertiginosamente ligada à morte, como sugere Bataille em seu famoso texto que conecta o nascimento da arte com a conscientização humana da morte, expressa nos primeiros rituais fúnebres. Didi-Huberman, seguindo sua intuição, inscreve a origem do retrato artístico no sepultamento do rosto humano, como expressão simbólica da presença de uma ausência: o não-ser, a morte. Na arte “disturbadora” contemporânea descrita por Danto também podemos notar a presença da morte como um importante e frequente elemento na construção da obra artística. Talvez a ligação da arte com o terror da morte – nas primeiras pinturas parietais ou na contemporaneidade – seja a chave para o pensamento estético sobre o sublime.

Resumo: Este artigo analisa a relação entre as artes a partir do filme Pendular (2017), de Júlia Murat. Desde Horácio e seu "ut pictura poesis", no século I a.C., passando por G. E. Lessing, no século XVIII, com o Laocoonte, até meados do século XX, com a publicação de Rumo a um mais novo Laocoonte, por Clement Greenberg, a relação entre as artes foi investigada fosse por um paralelo entre elas, fosse por suas especificidades. No decorrer do último século, artistas como Merce Cunningham, John Cage e Trisha Brown pensaram e produziram arte tanto sob a perspectiva de seus elementos idiossincráticos, como baseado nas profundas relações entre diferentes artes. Nesse sentido, Pendular permite supor que as artes se desenvolveram sempre a partir de duas constantes: distância e aproximação. O filme aborda essa relação de equilíbrio entre as artes ao narrar o cotidiano de um escultor e uma dançarina, suas interações afetivas e artísticas, além do modo como conciliam seus processos criativos, dividindo um mesmo espaço. Como resultado especulativo afirma-se que a interação entre artes distintas permite perceber que o que leva alguém a optar por determinada expressão artística é mais do que uma familiaridade com uma técnica específica, mas o fato de determinada forma artística ser a mais adequada para expressar sua subjetividade. Palavras-chave: Filosofia da arte. Pendular. Cinema. Performance. Julia Murat.

RESUMO Este ensaio pretende analisar o impacto das coetâneas práticas de auto-representação, vulgo selfie, nas tradicionais formas de fruição do objecto artístico. As inúmeras transformações do papel ontológico do objecto artístico, decorrentes, na última década, do surgimento de novos conceitos de "socialização visual", obrigam a uma releitura do célebre ensaio de Walter Benjamin, A Obra de Arte na Era da Sua Reprodutibilidade Técnica. Com efeito, por detrás do fenómeno que a recorrente selfiezação do mundo impõe, assiste-se hoje a uma clara injunção do sujeito/observador sobre a «aura» e poder do objecto artístico. Esta notória dessacralização promove o empoderamento icónico do sujeito em detrimento da «aura» do objecto artístico, descaracterizando-o e remetendo-o para as inconscientes arenas que os enxames sociais representam. Este facto, tem motivado o ressurgimento de ameaçadores fenómenos de denuncia de "arte degenerada", promovidos por um renovado e avassalador higienismo estético.

ABSTRACT This essay focus on the impact of contemporary practices of self-representation, also known as selfie, in the traditional forms of fruition of the artistic object. The many transformations of the ontological role of the artistic object, resulting in the last decade from the appearance of new concepts of "visual conviviality" have led us to read again the famous essay by Walter Benjamin, The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction. In fact, behind the phenomenon the recurring Selfiesation of the world we witness a clear injunction of the subject/observer on the «aura» and power of the artistic object. This clear desacralisation promotes the symbolic empowerment of the subject in detriment of the «aura» of the artistic object, changing its nature and bringing us to the unconscious arenas the social swarms do represent. This fact has led to the resurgence of threatening phenomena of denunciation of "degenerative art" under a growing and overwhelming aesthetic hygienism.

Propõe-se, no artigo presente, perscrutar o modo como uma crítica feminista materialista da arte potenciará novas – e prementes – estratégias de contacto e interpretação do objecto artístico e, em particular, da arte (incomensuravelmente plural) criada por mulheres, transformando de modo profundo as condições de produção, apresentação e recepção das obras enquanto efectiva resistência à presen- te conjuntura neoliberalista. Através de um radical convocar da materialidade da obra e do corpo no contexto da prática artística e da produção teórica sobre ela, contextualizado por um projecto feminista materialista que tomará a obra enquanto processo produtivo ele mesmo, se desvincula a interpretação do objecto artístico da servitude a uma clássica (autor)idade, importando o ensinamento barthesiano da "morte do autor". Aí se conhecerá espaço à transgressiva inscrição de uma subjectividade feminina nómada, feminista, continuamente plural, capaz de abrir a leitura da obra a emancipadoras narrativas.

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Offering materialist feminism as a base to a radical art theory – politically engaged in the transformation of the material conditions of production and reception of the artworks by women –, we intend to draw an extension of historical materialism to the recognition and analysis of those conditions of production particular to women artists and in a feminist analysis of the power and production relations. Thus defending transgressive interpretation strategies – always plural – capable of recognizing the materiality, the body and a feminist nomadic subject that defies (author)ity .

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ISSN
2183–6973

e-ISSN (em linha)
2183–6981

Resumo Neste artigo proponho, mais uma reflexão sobre o conhecimento sensível do dançarino e como a partir deste conhecimento ele faz a bricolagem dos gestos funcionais para transpor em gestos dançados, e menos um relato sobre a forma e temporalidade da arte coreográfica ou descrição metodológica. Para este estudo me fundamentei sobretudo na teoria o pensamento selvagem de Lévi-Strauss e nos estudos sobre o sensível de Merleau-Ponty. Palavras-chave Arte Coreográfica/Dança Contemporânea; Pensamento selvagem; conhecimento sensível; pensamento dançante; dançarino bricolador. Abstract In this article, I mainly propose a reflection on the sensitive knowledge of the dancer and how this knowledge allows him to do the bricolage of the functional gestures in order to transpose them into danced gestures, less than a discourse on the form and temporality of choreographic art or methodological description. For this study I focused on Lévi-Strauss´s theory of savage mind and on Merleau-Ponty´s studies about the sensitive.

Algumas considerações de ordem teórica — em torno dos problemas da  Crítica e da Teoria da Arte — surgem, aqui, elaborados numa tentativa de seriação e reflexão que parte, propositadamente, de uma definição prévia de critérios tanto teóricos como práticos, o que, a meu ver, facilitarão a compreensão de alguns dos pontos concretos que se colocam na aproximação aos problemas da arte actual.
Pretende-se, através dessa breve discussão, fazer com que transpareçam aspectos relativos à sua fundamentação, por oposição a uma abordagem de carácter impressionista, que se centraria num mero plano de gosto ou de projecção individual de simpatias estéticas, deverá tornar-se antes de tudo evidente a necessidade de que este seja capaz de conceptualizar a sua abordagem a partir de uma visão compreensiva, em que os fenómenos se enquadrem segundo pontos de vista metodológicos verificáveis num plano geral.