Teoría Y Crítica Del Arte

La crítica del arte se presenta en la posmodernidad como el modo de pensamiento idóneo para el acercamiento a diversos objetos artísticos, ya sean plásticos, visuales, espaciales o gráficos. Los estudios de la crítica del arte como fenómeno histórico, como forma de pensamiento de un periodo y como práctica artística, permiten la reflexión y la generación del conocimiento sobre el objeto de arte. Las artes y la misma crítica son un registro de la percepción de una coyuntura espacio-temporal; la percepción es el paso inicial para la apreciación de la obra de arte y se impone como uno de los principales productores de sentido con la participación subjetiva del receptor-consumidor del arte.


Palabras clave: Percepción, crítica del arte, documentación, producción de sentido

Este artículo examina el rol estético, pedagógico, comunicativo, político que expresiones visuales como el dibujo, la fotografía, el video, la ilustración gráfica, entre otras formas visuales cumplen en relación a conflictos socio-ambientales generados por proyectos mineros y del petróleo en el marco de una economía extractivista. Lo visual deviene de este modo en una potente herramienta de educación crítica y política.

Palabras claves: extractivismo, petróleo, minería, arte, comunicación, gráfica, educación, resistencia, protesta, lucha, invasión.

Feminismo, feminidad e historias del arte es, ya, un célebre ensayo en el campo de la crítica de arte, un libro de importancia capital tanto en la trayectoria de su autora, Griselda Pollock, como en la historia y en la crítica de arte feministas. La primera edición en inglés (Londres, Routledge, 1988) representó un trabajo pionero en las investigaciones de Pollock, tendientes a construir un sustrato teórico que articulara las perspectivas críticas del marxismo y el feminismo, en relación con los aportes de los estudios culturales y el psicoanálisis. La acertada decisión de la editorial Fiordo de publicarlo traducido al español, para promover un mayor conocimiento y reconocimiento de esta perspectiva de análisis histórico-estético, constituye un valioso aporte a la comunidad académica y artística del mundo hispanohablante, que desde hace dos décadas viene accediendo a traducciones parciales o fragmentarias de la obra de Pollock.

Actualmente la Semiología (ciencia que tiene como objeto de estudio el proceso de significación), ha podido clarificar, cada vez con más precisión, los distintos procesos semióticos en las obras de arte y diseño; esto gracias a la integración disciplinaria de los diferentes avances experimentales en Biología, Psicología de la percepción y neurociencias, sus resultados son la aplicación del análisis semiológico aquí expuesto, derivado  del método científico. Presentada por primera vez en el libro “Curso de Semiología para artistas y diseñadores” por el Dr. Jaime Jiménez Cuanalo, dicha metodología ha sido aplicada innumerables de veces en la cátedra de Semiología en la ESAV (Escuela Superior en Artes Visuales) desde 2001 y, a su vez, sus resultados han sido corroborados y evaluados por el departamento de investigación de Posgrado en Artes de la Universidad de Guanajuato,  incluyendo la que este autor desarrolla de momento en el doctorado en Artes de dicha universidad.

El pictorialismo moderno. Amanda Bouchenoire y sus visiones poéticas es un ensayo que aborda cómo la obra de la fotógrafa gala ilustra con claridad la delimitación entre sus creaciones y la fotografía utilitaria con el propósito de beneficiar los atributos pictóricos.

Investigación sobre la didáctica de las estrategias de lectura aplicadas a la formación y ejercicio profesionales de los críticos de arte que propone una aproximación concreta a la enseñanza-aprendizaje de las estrategias de lectura para la crítica de arte.

Este capítulo analiza obra videográfica del artista Miguel Ángel Cárdenas, hace parte del libro Al mismo tiempo: Historias paralelas del video arte en Colombia, publicado por la Fundación Gilberto Álzate Avendaño (FUGA) como parte del Premio Nacional de Curaduría Histórica (2016) que hizo posible la investigación llevada a cabo por la autora y el también investigador, Juan Guillermo Bermúez.

Esta tesis doctoral, estudia la autenticidad y la originalidad de las pinturas de Alonso Cano, a través del análisis multidisciplinar de cada una de las obras pictóricas que conforman su producción.
Partiendo de los estudios del hispanista americano Harold Wethey, entre otros muchos, y mediante el estudio exhaustivo de las fuentes documentales y bibliográficas existentes, se ha llevado a cabo la revisión y la autentificación del catálogo razonado de la obra pictórica de Alonso Cano. El fin último de este trabajo, ha sido el de establecer de forma imparcial, qué número de obras atribuidas a este autor están debidamente documentadas y justificadas, y por tanto, deben ser consideradas como obras auténticas de Cano, y cuáles, por el contrario, carecen bien de documentación, o bien de indicios formales o técnicos, que prueben y justifiquen su atribución a Cano, y que por tanto, deben ser desestimadas y excluidas de su catálogo razonado.
Establecido el corpus pictórico de Alonso Cano, se ha analizado la originalidad de la obra pictórica de este autor y su evolución cronológica, mediante el estudio formal, iconográfico y científico-técnico de la misma.
El estudio técnico de la obra pictórica de Alonso Cano, que ha sido posible gracias a la colaboración de numerosos museos, instituciones y universidades, que nos han facilitado desinteresadamente los análisis científicos de muchas de las obras de este artista, nos ha permitido aproximarnos al proceso creativo de éste, y extraer algunas conclusiones a cerca de ciertas particularidades técnicas, que parecen repetirse en obras realizadas en una misma etapa creativa. Por otro lado, el estudio técnico de su obra, nos ha hecho percatarnos de la importancia que este tipo de trabajos científico técnicos tienen para el conocimiento riguroso de un autor, y del valor que este tipo de publicaciones especializadas, tienen para los investigadores.
A través de esta tesis doctoral, se pone además de manifiesto, la importancia y la necesidad de colaboración interdisciplinar entre expertos de distintas áreas de conocimiento, que faciliten la tarea de autentificación de una obra de arte. El fin último de autentificar el catálogo razonado de un autor, en este caso de Alonso Cano, no es otro que el determinar la verdadera valía de éste y la de su obra.

Estudio institucional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en una de sus facetas como centro docente, en concreto de la enseñanza de la pintura a lo largo de la primera mitad del siglo XIX (hasta 1844). Aspectos de análisis de su estructura interna (órganos directivos, tipos de académicos, profesorado, etc.), y planes de estudio (asignaturas, disciplina escolar, premios), además de las exposiciones públicas, colecciones artísticas y bibliográficas, así como censura de publicaciones artísticas.

RESUMEN: Un artista muestra en su obra los conocimientos adquiridos, tanto técnicos como culturales. Más aún en el barroco, gracias a su herencia humanística. Velázquez utiliza una serie de juegos lingüísticos que trascienden la palabra, adentrándose en el lenguaje de la imagen, donde metáforas, sinonimias e ironía aparecen con la misma fuerza que en las obras escritas. De tal manera, mediante la conjunción de sintagmas icónicos, crea sentencias semánticas, cargadas de un significado velado que tan solo está al alcance de algunos elegidos. Así lo prueban algunas de su más grandes pinturas, donde confirma con el tiempo una realidad estética y formal que tiene un fin único: mostrar el tema principal del cuadro bajo su estilo más singular y propio. PALABRAS CLAVE: Velázquez, pintura, barroco, lingüística, iconografía. TITLE: Velázquez, painter and scholar. Linguistic turns in "The Fable of Arachne" ABSTRACT: An artist shows his acquired knowledge in his work, both technical and cultural, especially in the Baroque, thanks to its humanistic heritage. Velázquez uses a series of linguistic games that go beyond the words and get into the language of the image, where metaphors, synonyms and irony appear with the same strength as in written works. In this way, through a combination of iconic phrases, the artist creates semantic judgments with a veiled meaning, only to be understood by the best ones. All these qualities are shown in some of his greatest paintings, in which Velázquez confirms an aesthetic and formal reality, developed along the years, that has a single purpose: to show the main subject of the picture in his own style.

En este trabajo se sintetiza un método interpretativo para saber el significado de la fotografía de manera clara y objetiva basado en la Semiología (Ciencia que tiene por objeto de estudio el proceso de significación). Dicho método es aplicado en la Maestría en Fotografía de ESAV, Tijuana, BC. México.

Rumba cubana: hija de la guaracha y de negros y mestizos criollos, aculturados y libres. Negro curro del siglo XIX es guarachero, el negro cheche del siglo XX es rumbero. Música Afrocubana es mito y no ciencia, científicamente es música cubana a secas, Parte IV. Mi artículo en el portal madrileño @Neupic, líder en el novedoso y revolucionario sistema del periodismo de autor (o sea el dueño del medio no te dice o te presiona sobre lo que tienes que escribir), que es el Periodismo del siglo XXI
https://neupic.com/articles/rumba-cubana-hija-de-la-guaracha-y-de-negros-y-mestizos-criollos-aculturados-y-libres

En 1931, la joven II República española, creó en el seno del Centro del Estudios Históricos (CEH) de la Junta para Ampliación de Estudios e Investigaciones Científicas (JAE), a instancias del nuevo reponsable de la Dirección General de Bellas Artes, Ricardo de Orueta, el Fichero de Arte Antiguo. Con ello se trató de aprovechar no solo la alta competencia y profesionalidad de los miembros de las Secciones de Arte y Arqueología del citado centro, a las cuales se encomendó su confección, sino también los nuevos usos de la fotografía enfocados al estudio del patrimonio artístico del país, los cuales habían llevado ya al CEH a formar un estimable fondo fotográfico dedicado a este fin, que serviría de base a la nueva inicativa. Pero además, con esta iniciativa se añadía una nueva finalidad administrativa: la de colaborar, catalogando el patrimonio histórico-artístico español, a poner fin al continuado expolio que venía sufriendo este en las últimas décadas. También se pretendía superar con ello loables pero poco efectivas medidas anteriores, como la de confección del Catálogo Monumental de España por provincias, empresa en la que se venía trabajando desde 1900 con resultados poco eficaces y que, ahora, pasaría a un segundo plano, situándose bajo la misma custodia y actuación adicional del nuevo Fichero. Junto a estos antecedentes que propiciaron la creación como tal del Fichero de Arte Antiguo, el joven régimen republicano y su muy estimable legislación en defensa del patrimonio artístico-cultural o Tesoro Artístico –como se prefería denominar entonces– también fue dotando de nuevos cometidos a este reciente recurso profesional y administrativo. La guerra civil, aunque frenó la continuad de la labor del Fichero y afectó de manera considerable a sus profesionales, también necesitó de la integración de éstos y el ejemplo del proceder en el mismo para aplicarlos a los nuevos instrumentos administrativos en defensa del patrimonio que necesitó ir creando, como fue el caso de las Juntas de Incautación y Protección del Tesoro Artístico. Acabado el conflicto bélico se fundó en 1939 el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), heredero de la JAE y de sus centros; entre ellos el CEH y sus secciones de Arte y Arqueología, que pasaron a conformar el nuevo Instituto Diego Velázquez, al que también quedó vinculado el Fichero de Arte Antiguo. Hoy resultan muy poco conocidas las finalidades y la compleja trayectoria seguida por este Fichero de Arte Antiguo, en cuyo desarrollo también se fueron imbricando los propios cambios de consideración respecto al concepto del patrimonio artístico y sus fórmulas de estudio y protección. Todo ello se aborda en este trabajo.

El presente trabajo aspira a ser una contribución a la filosofía de la crítica. En él se discute el  “programa descriptivista" de Jean-Marie Schaeffer y el "programa evaluacionista” de Noël Carroll. Su propósito es integrar estas dos teorías acerca de la crítica de arte, que no ve como antagónicas, sino como complementarias entre sí. Para ello  distingue tres tipos de juicios relativos al arte: los juicios estéticos, los juicios teleológicos y los juicios normativos de la crítica. Estos últimos involucrarían tres operaciones que son interdependientes: la apreciación subjetiva, la descripción objetual y la evaluación razonada, conjugando así aspectos descriptivos y evaluativos.

Texto publicado con motivo de la noticia de que Damien Hirst nunca vendió For the Love of God y que el remate de  Diego y yo, de Frida Kahlo, en Sotheby´s estuvo precedido por el rumor no comprobado de otra subasta donde la artista «vendió» más caro.

RESUMEN La presente Investigación tiene como objetivo analizar las estrategias compositivas de las fachadas occidental y meridional del Palacio Arzobispal de la ciudad de Mérida desde los postulados teóricos críticos del historiador del arte Erwin Panofsky (1892-1968). Este texto es el resultado de una investigación realizada para el Seminario de Crítica de Arquitectura II de la Maestría en Historia, Teoría y Crítica de Arquitectura, la cual tuvo como uno de sus objetivos el estudio de una obra arquitectónica local. Haremos un análisis lo más exhaustivo posible del Palacio Arzobispal a partir del estudio de las estrategias compositivas puestas en ejercicio de análisis del texto Arquitectura gótica y pensamiento escolástico (1951) de Panofsky. Con el corpus teórico de este historiador del arte, haremos un ejercicio de reflexión crítica para ser aplicada a este edificio y con ello proceder al análisis y la comprensión de esta obra arquitectónica, empleando sus definiciones, enfoques y postulados teórico-críticos. Para ello construimos una breve biografía del arquitecto y del cliente del Palacio Arzobispal, así como el contexto sociocultural que dio origen a tal edificación; seguidamente las imágenes análogas referentes del proyectista para el diseño y conceptualización de la obra, pasando luego por analizar los temas, tópicas, principios, estrategias, reglas, parámetros y las imágenes proyectuales presentes en las fachadas occidental y meridional. Con la construcción del Palacio Arzobispal continuaría en Mérida una nueva configuración visual y arquitectónica del espacio urbano, con un sentido y objetivo plenamente "renovador" y "modernizador", transformado y reapropiado por un grupo o ente social, el cual fue, en gran medida, la Iglesia católica. El resultado de nuestra labor crítica desarrollada en esta investigación permitirá nuevas valoraciones históricas, artísticas y estéticas de este ícono de la arquitectura merideña y por ende de nuestro país. Palabras clave: Palacio Arzobispal, análisis crítico, modernización, estrategias compositivas.

¿Qué se ha estado haciendo por parte del Ministerio de Cultura para potenciar la producción artística y su difusión en tiempos de pandemia? ¿Qué políticas culturales se han implementado para apoyar a los creadores y demás implicados en el ámbito del arte y la cultura? ¿Qué iniciativas han llevado a cabo la red de museos y galerías para visibilizar las exposiciones que formaban parte de la agenda cultural de dichas instituciones? ¿Cuáles son los giros qué han tenido lugar en la obra de los artistas cubanos a raíz de la pandemia?

Resumen: Analizando el proverbio con que se titula este ensayo, su autor observa que la práctica de un arte requiere que el artista realice también una labor crítica. Ahora bien, el proceso no sería inverso; es decir, el discurso sobre el arte no puede convertirse en arte. De esta manera, el proverbio cumple una primera función de modestia y una segunda, de salvaguardia.
Palabras clave: arte, crítica, Baudelaire.
CRITICISM IS EASY, BUT ART IS HARD
A
bstract: The author analyses the proverb that forms this essay's title and observes that the practice of an art also requires the artist to perform a critical labour. The process does not work the other way around: a discourse on art cannot become art. Thus, the proverb fulfills a twofold function, firstly as an inducement to modesty, and secondly as a safeguard.
Keywords: art, criticism, Baudelaire.

En un contexto en el cual los productos de la industria cultural logran conducir la experiencia del sujeto, Adorno no renuncia a la posibilidad de oponer resistencia individual a la fuerza de un totalitarismo cultural. En este trabajo buscaremos dar cuenta de las exigencias específicas que Adorno reclama para una experiencia artística, tanto al momento de la escucha musical, como al momento de la producción musical. A su vez señalaremos que aquellas exigencias para estos dos momentos guardan fuerzas espirituales en común. Para esto, recuperaremos los conceptos de fantasía exacta y técnica que Adorno trabaja en diversos escritos. Mostraremos así cómo es posible un tipo relación con lo otro del sujeto, tanto en el momento de la escucha como en el momento de la producción musical, que no reproduzca los mecanismos violentos y automáticos de la experiencia empobrecida que la industria cultural propugna.

Review-article on César Aira's LA OLA QUE LEE. Issues discussed: Aira as critic, relation between literature and pictorial art, role of non fiction among contemporary Latin American novelists.

Reseña-artículo sobre LA OLA QUE LEE de César Aira. Entre otros temas se analiza el trabajo crítico de Aira, la relación entre literatura y arte pictórico, y el papel de la no ficción entre los novelistas latinoamericanos contemporáneos.

A partir de la consideración de un alegórico árbol como objeto de estudio, donde su tronco correspondería al movimiento antifranquista Estampa Popular, la presente exposición y catálogo tiene como objetivo indagar en sus orígenes, más allá de la Guerra civil española, para demostrar que el problema de España viene de lejos y aún perdura en la actualidad. Hoy en día esta situación se comprueba al observar cómo pueden existir ciertas ramificaciones de la creación artística contemporánea que siguen manteniendo el carácter de denuncia social o se acercan el espíritu crítico de aquel. Para establecer este amplio arco cronológico donde cada artista contemplado en la muestra es testigo de su tiempo, y las injusticias o desigualdades que este trae consigo, se parte de Goya y la España negra de Solana y Regoyos para, seguidamente, introducir a algunos de los propios miembros de citado movimiento y desembocar en las creaciones de integrantes (alumnado y profesorado) de la Escuela de Arte de Cantabria (ESAC).

Gustavo Frittegotto (Arequito, 1960) y Gerardo Caballero (Totoras, 1957) son hombres de paisaje. No le dan la espalda a sus lugares; miran y entienden su tiempo y circunstancia. Se dejan llenar de distancia; la pampa no los vacía, al contrario, los colma de horizontes. La sensibilidad que une sus obras con el territorio es foto- grá ca y arquitectónica. La fotografía construye una espacialidad de viento y profundidad, la arquitectura enmarca visuales de luz y texturas. En la trayectoria de este recorrido compartido, la mirada hacia el horizonte les ha sido imprescindible para entender el paisaje como distancia. Hace años que sus obras se entrelazan en una conversación sutil.

EL ARTE COMO LIMBO
EL ARTE COMO PURGATORIO
EL ARTE COMO ENTRE
EL ARTE COMO BAÑO PÚBLICO
EL ARTE COMO TRÁNSITO
PASAJEROS EN TRANCE.
Apuntes/ inquietudes sobre la muestra “La lengua sobre el páramo” de Andrés Labaké en el Centro de Arte UNLP (Universidad Nacional de La Plata), La Plata, Argentina, 2021.

Durante los años sesenta, los lazos entre los actores del mundo del arte argentino-artistas, críticos y animadores institucionales-y sus colegas de otras latitudes fueron numerosos. Además de las ideas y conceptos que viajaron entre un continente y el otro por intermedio de libros y revistas, esas relaciones comprometieron a personas físicas que se desplazaron de una región a otra, definiendo la cambiante geografía artística de esos años. Las visitas de Pierre Restany a la Argentina constituyen, en ese sentido, un caso ejemplar. Ellas fueron parte de los proyectos de las instituciones argentinas interesadas en modernizar el medio artístico local, como el Instituto Torcuato Di Tella (ITDT) y, más tarde, el Centro de Artes y Comunicación (CAYC), que invitaron al crítico a intervenir en sus actividades. A través de estas invitaciones, Restany entró en contacto con sus pares locales y con los artistas comprometidos de una manera u otra en esos proyectos. El crítico francés llegó por primera vez a la Argentina invitado por el ITDT para integrar el jurado de los premios nacional e internacional del año 1964. Ese año, también Clement Greenberg integraría el jurado, junto a la presencia habitual del propio director del Centro de Artes Visuales de la institución organizadora, Jorge Romero Brest [Imagen 1]. En este trabajo se analiza la participación del crítico en "Las ferias de las ferias", evento organizado por Marta Minujín, para el que el crítico redactó una serie de "prefacios tipo" destinados a presentar la obra de hipotéticos artistas.

Diderot, el mentor estético de la música cubana: Dennis Diderot, gran revolucionario enciclopedista francés influyó en la música cubana con su Estética, vía la llegada de cultos hacendados franceses a Cuba que huyeron de Haití revolucionaria. Estética Parte VII. Mi artículo en el portal madrileño @Neupic, líder en el novedoso y revolucionario sistema del periodismo de autor, que es el Periodismo del siglo XXI …
https://neupic.com/articles/diderot-el-mentor-estetico-de-la-musica-cubana

En el lenguaje de programación HTML, la gramática para abrir una etiqueta que llame a un contenido específico se escribe: El título de este número de ¬Accesos </earth> arte, humanidad, tecnología, naturaleza hace referencia al cierre de una etiqueta cargada de un contenido urgente de abordar, léase: al cierre del modo antropocéntrico de ver y entender el mundo, para abrir un nuevo paradigma en el que, a partir de ahora, la buena agencia de los múltiples ensamblajes, solapamientos, mutaciones, coexistencias e interconexiones entre la humanidad, la tecnología y la "Naturaleza" será esencial.

RESUMEN: A partir de un análisis del contexto
socio-político y artístico-cultural del estado
español en la década de los 80 del pasado
siglo, se expone un estudio crítico de los proyectos
editoriales que surgieron en ese momento
histórico en España, contraponiéndolo
con la situación de las políticas de la edición
en la escena internacional, principalmente en
Europa y Estados Unidos. Se ha realizado un
amplio trabajo de campo que ha incluido el
contacto directo con los distintos agentes involucrados
en la actividad editorial, y el análisis
de los proyectos editoriales generados
en este marco temporal y algunos precedentes.
Esta investigación toma los casos de las
revistas Figura (Sevilla, 1983-1986), Figura
Internacional, Sur Exprés (Madrid, 1988) y
Arena Internacional del Arte (Madrid 1989)
como ejemplos paradigmáticos de proyectos
de revistas que tuvieron una función aglutinadora
entre artistas, críticos y agentes culturales,
uniendo en un mismo contenedor la
producción artística, la producción editorial y
la difusión.

EDITING IN A SYSTEM OF POSITIVE ECHOES.
EDITING JOURNALS ON CONTEMPORARY
ART CRITICISM IN 1980s SPAIN: THREE EMBLEMATIC
PROJECTS – FIGURA, FIGURA INTERNACIONAL
AND ARENA INTERNACIONAL
DEL ARTE/INTERNATIONAL ART
ABSTRACT: Starting with an analysis of the
socio-political and artistic–cultural contexts
within 1980s Spain, this work provides
a critical study of the editorial projects that
emerged during this period. This is contrasted
with the editorial policies of the time on
an international level, principally in Europe
and the US. The research required extensive
fieldwork based on direct contact with the different
players involved in the publishing process
and an analysis of the editorial projects
during this period, including some important
precedents. The study examines three cases
in particular, namely the journals Figura (Seville,
1983-1986), Figura Internacional, Sur
Exprés (Madrid, 1988) and Arena Internacional
del Arte (Madrid, 1989), as paradigmatic
examples of journal projects that operated as
a touchstone between artists, critics and cultural
agents and unified artistic output, editorial
production and diffusion into one single
showcase.

En el continente americano ha sido frecuente la queja sobre la ausencia de crítica de arte sistemática y profesional. Sin embargo, cabe ponderar las siguientes interrogantes primero: ¿Debe existir o no la crítica de arte en el medio artístico? Y luego ¿Sobre qué bases?
En el presente artículo el investigador y crítico de Arte, MA: Juan Carlos Flores Zúñiga (AICA), responde a las dos interrogantes refutando, en el proceso,  la necesidad de una metodología específica para apreciar y criticar las artes visuales en un contexto de valores relativos.

Remontándonos a los tiempos del romanticismo alemán, más específicamente al círculo de Jena y su conspicuo representante, Friedrich Hegel, encontramos ya los discursos que extienden el acta de defunción del arte. Para Hegel el ápice del arte simbólico lo constituía la escultura de la Grecia Clásica, prueba irrefutable de la máxima concretización del espíritu en la obra materia:. Mientras que el carácter romántico, al introducir pasiones, ideales, subjetividades autorreflexivas, humor y comedia, sufrimientos corporales y emocionales, heroísmos y luchas, en las representaciones artísticas, promovió la liquidación del arte y con ello la decadencia de las obras, al carecer de una vía regia para la realización del espíritu. Desde aquellas lecciones de Estética que Hegel dictara en las primeras décadas del siglo 19 2en la Universidad de Jena, que constituyeron la cantera de las apreciaciones sobre el fin del arte ( o mejor dicho, del fin de un tipo de relato sobre el arte3), se han sucedido actas de defunción del arte a todo lo largo del siglo XX, al mismo tiempo que las declaraciones de la muerte de la representación, los signos carecen de la condición de equivaler la referencia de la realidad, o bien no alcanzan, como no alcanza ningún lenguaje, a reproducir, mimetizarlo todo.

La teoría hólica (del griego ‘oloς’, es decir, ‘todo’, ‘entero’, ‘global’ y ‘completo’) propone la síntesis de lo mejor de lo ya existente en epistemología y la eliminación de lo más dogmático; la amalgama de diversidad de saberes integrándolos en un todo armónico y la omisión de teorías exclusivistas.
Nuestro propósito es reconciliar dos teorías epistemológicas sobre el origen del conocimiento, las antitéticas: subjetivismo y objetivismo. De hecho, defendemos que las dos son una dualidad de la misma naturaleza diferenciándose tan sólo en el grado o posición.