Teatro argentino contemporáneo

El artículo explora las convergencias entre el teatro de la crueldad de Antonin Artaud y la búsqueda paralela de Roberto Arlt en el caso concreto de su obra La isla desierta. Se apuntan las influencias rastreables en esta pieza y se señala su inspiración como originada en el símil de la caverna de Platón. Asimismo, se realiza una síntesis de estos dos proyectos teatrales, donde se exponen las afinidades, como también las diferencias entre las dos versiones de la crueldad.

El primer título de la Colección Trece Rosas se propone, de algún modo y sin pretenderlo las autoras, como resultado de la conjunción de sentidos mantenidos hasta entonces por separado, en un balance de la situación del feminismo en la Argentina. En momentos en que la palabra se pone de moda, en el que muchas que se decían tales descubren no haberlo sido nunca o, más común, que quienes pensaban que no lo serían jamás, se encuentran sumergidas en un mar en el que habían nadado siempre, en este preciso momento, es hora de hablar de feminismo con cierta precisión.

Se trabajará aquí sobre la recepción del teatro político así como sobre los discursos producidos desde la crítica periodística y académica especializada. Se sostendrá que una vasta zona del teatro político contemporáneo que aborda la última dictadura argentina propone un tipo de espectador ideal absolutamente activo. En la búsqueda de conmoción y de interpelación al espectador, el teatro contemporáneo que se refiere a los setenta interroga sobre el lugar que éste ocupa frente al terrorismo de estado. Las obras que se analizan en este trabajo se constituyen como intentos para vulnerar la inmutabilidad del espectador frente a las consecuencias del terror dictatorial, confrontando y poniendo a prueba los saberes sociales de los espectadores con aquellos específicos
del texto.

Resumen El presente artículo se centra en la puesta en escena de Marcial Di Fonzo Bo titula-da Copi (2017-2018), programada por el Teatro Nacional Cervantes como homenaje póstumo al autor mencionado en el título de la misma. Para indagar sobre la unidad teatral buscada por la puesta en su conjunto, desde una lectura de imágenes apoyada en conceptualizaciones de Georges Didi-Huberman, el artículo analiza los textos que la componen (dos obras completas, Eva Perón y El homosexual o la dificultad de expresarse, junto a otros fragmentos de obras variadas del dramaturgo, historietista, escritor y performer). En ese camino, el artículo explora los vínculos de Copi con el archivo criollo, con la historia del transformismo en el país, con el cuestionamiento a las identidades sexo-genéricas fijas, así como con el historial de la textualidad pro-hibida durante tantos años en Argentina, Eva Perón.

La presente reseña analiza el libro La escena posdramática. Ensayos sobre la autorreferencialidad (2018) de Beatriz Trastoy.
El libro consiste en seis ensayos dedicados al estudio de la producción escénica porteña actual a partir de la noción teórica formulada por Lehmann. Esta publicación da cuenta de la profundización en las investigaciones sobre el tema mencionadas anteriormente, que la autora realiza desde hace varios años, e incluso en la evolución de la noción del concepto dada a partir de sus aportes. Esto le permitió formular en cada uno de los seis textos entradas originales para pensar al teatro porteño de las últimas décadas, a la vez que abordar la obra de artistas prolíficos totalmente alejados de la estética realista, que generalmente no fueron transitados con frecuencia por la crítica y la investigación académicas.

El presente trabajo analiza la trilogía teatral escrita por Ósjar Navarro Correa, compuesta por: "Pajarito" (2011), "La persistencia de los grillos" (2014) y "Destacamento" (2016). A partir de un enfoque desde la disidencia sexo-genérica se problematizan los desarrollos que sus personajes operan en cada trama, donde el contexto de marginalidad actúa como otro protagonista.

RESUMEN: El presente artículo propone un recorrido por la música en la obra de Alejandra Pizarnik Los perturbados entre lilas, elemento de gran importancia textual y espectacular en la pieza. Para ello, este trabajo parte de la línea fundamental que constituyen las ideas de la autora argentina en torno al arte musical-conceptos provenientes, fundamentalmente, de Artaud y el surrealismo-y de su fracaso como proyecto poético y escritural que la obra refleja fielmente. ABSTRACT: The present article propose an itinerary around the music in the Alejandra Pizarnik's play Los perturbados entre lilas, element of great textual and spectacular importance in the piece. For it, this work starts out from the fundamental line constituted by the ideas of the argentinean author about musical art-concepts which comes, fundamentally, from Artaud and the surrealism-and from the failure as poetic and writing project that the work reflects faithfully.

Introducción al dossier sobre relaciones entre teatro y audiovisual contemporáneo, publicado en el Número 14 de la Revista digital Imagofagia (ASAECA - Argentina).
El dossier cuenta con contribuciones de destacados intelectuales: Óscar Cornago Bernal, José Antonio Pérez Bowie, Pablo Corro Penjeán, Maira Pandolfi, Carolina Soria y María Fernanda Pinta.
Desde múltiples ángulos se revisan un conjunto de relaciones que van más allá del estudio de casos transpositivos.

El presente ensayo i entiende delinear los imaginarios sensoriales que produjo el trauma de las desapariciones forzadas, la cárcel y los centros de detención en las dictaduras de Chile y Argentina. Para ello analiza, prevalentemente desde una perspectiva semiótica, piezas teatrales testimoniales –El naufragio interminable (2002) y La razón blindada (2006)– de dos representativos dramaturgos del Cono Sur: Jorge Díaz (Chile) y Arístides Vargas (Argentina). Obras en las que sus personajes luchan contra lo ‘infigurable’ de la experiencia límite de la desaparición y la muerte. Las piezas teatrales de Jorge Díaz (1930 - 2007) y Arístides Vargas, junto a otros textos producidos durante ambas postdictaduras, relevan percepciones somáticas y figuras semiotico-estésicas que la dictadura labró dolorosamente en el cuerpo social de cada uno de estos dos países.

Quais os limites entre um trabalho criativo de encenação e um trabalho curatorial? A partir da observação de duas séries de espetáculos documentários biográficos – Mis documentos (2012-2017), de Lola Arias, e os solos de dançarinos do coreógrafo Jérôme Bel (2004-2009) –, propusemos uma reflexão sobre autoria e curadoria nesse gênero de espetáculos, pois, mesmo realizando trabalhos similares, Lola Arias designa seu trabalho como “curadoria” e Jérôme Bel, não. O estudo se interessou por esse modo de produção cênica, principalmente pelos diferentes caminhos que levaram os dois artistas ao uso dessa forma e as relações autorais entre o encenador e o sujeito que compõe e interpreta sua biografia.

En este artículo recorreremos algunos enfoques teóricos para analizar la propuesta artística de la directora argentina Vivi Tellas materializada en su proyecto de teatro  documental Archivos, el cual se enmarca dentro de su macro-proyecto Biodrama. Analizaremos distintas claves que definen su modo particular de trabajar con aquellos materiales reales con los que construye sus espectáculos, reflexionando sobre las posibles implicancias éticas y estéticas de este trabajo. Un lugar privilegiado tendrán en esta reflexión las ideas de Giorgio Agamben respecto principalmente de la noción de testigo, que nos permitirán acercarnos a una hipótesis sobre el tipo de testimonio que brindan los cuerpos – de personas comunes y corrientes – y también los objetos/documentos que Tellas lleva a escena.

El presente trabajo analiza el texto dramático Apátrida, doscientos años y unos meses de Rafael Spregelburd desde los procedimientos posdramáticos señalados por el teórico Hans-Thies Lehmann con el propósito de advertir una problematización respecto del concepto de " Estado nacional ". Sostenemos que el dramaturgo a partir de la apelación a ciertos principios deconstructivos de la representación teatral no sólo pone en tensión las fronteras entre ficción y realidad sino que, también, contribuye a demarcar la imposibilidad de abordar la idea de un " Estado nacional ". Para ilustrar este aspecto, se proseguirá por analizar la estructura superficial del texto dramático.

Quais os limites entre um trabalho criativo de encenação e um trabalho curatorial? A partir da observação de duas séries de espetáculos documentários biográficos – Mis documentos (2012-2017), de Lola Arias, e os solos de dançarinos do coreógrafo Jérôme Bel (2004-2009) –, propusemos uma reflexão sobre autoria e curadoria nesse gênero de espetáculos, pois, mesmo realizando trabalhos similares, Lola Arias designa seu trabalho como “curadoria” e Jérôme Bel, não. O estudo se interessou por esse modo de produção cênica, principalmente pelos diferentes caminhos que levaram os dois artistas ao uso dessa forma e as relações autorais entre o encenador e o sujeito que compõe e interpreta sua biografia.

El nuevo trabajo de Juan Coulasso es una experiencia fascinante. En Una obra más real que la del mundo, nos encontramos con una propuesta no sólo interesante por su construcción y el lugar que la alberga, sino también porque logra expandir y problematizar los límites de la puesta en escena. Esta es la segunda creación de la compañía La mujer mutante con la que este año Coulasso ha presentado también Carne y hueso. Aquélla comenzaba en su sala ubicada a pocas cuadras del cementerio y terminaba en la zona de la bóvedas. Acá el espectador/visitante se sumerge a través del relato coral de los actores/guías en las entrañas del Cementerio de la Chacarita-la obra transcurre en el Sexto Panteón-y también en la entrañas de la conformación de nuestra sociedad porteña. Desde el inicio la travesía implica ciertos desafíos: una vez que se saca la entrada por mensaje de wp llegan las directivas para ver la función. La cita sucede en las afueras del cementario y luego el espectador va recorriendo diferentes postas donde encuentra a distintos personajes pintorescos que pertecenen al mundo invisibilizado de la necrópolis en el cual se va descendiendo a medida que avanza el relato. El trayecto implica ir circulando por distintos pabellones de una obra arquitectónica impresionante que se mantiene prácticamente escondida. Según cuenta la historia esta obra fue diseñada y construida por la arquitecta Itala Fulvia Villa entre los años 1950-1958, tiene más de 40 mil nichos y urnas y sobretodo el paso del tiempo con su letal desidia. Un abandono histórico, edilistico, público, político y también privado porque al circular por estos laberintos el espectador se encuentra también con los muertos solitarios, que se encuentran también abandonados porque ya no tienen familia o amigos que los visiten. Uno de los personajes más importantes que revive la obra es el de la arquitecta Fulvia, que la historia invisibilizó porque era mujer y al día de hoy no se sabe dónde está su cuerpo enterreado. No hay ninguna placa que la recuerde pero la obra logra dejar su testimonio, haciéndo una reparación histórica en relación a ella. La entrada es gratuita y hay que anotarse por www.alternativateatral.com Funciones: Sábados de noviembre a las 14.30hs.

La omisión de la familia Coleman (2005) es el primer texto dramático del dramaturgo, actor y director argentino Claudio Tolcachir. Desde el momento de su estreno hasta nuestros días, esta obra no ha dejado de representarse tanto en el país como en el exterior, en distintos festivales teatrales en Latinoamérica y Europa. El fenómeno que se produjo por la cantidad de representaciones y la construcción de un público/lector es lo que lleva a estudiar esta obra en particular, paradigma de la apuesta al teatro independiente en una sala del circuito off (la casa de Claudio Tolcachir, en un ph de Boedo) hace diez años. El texto presenta lo que Macarena Trigo, Licenciada en Historia del Arte y también asistente de dirección del espectáculo y actriz en una de sus temporadas, denomina “Una poética de lo roto”. El principio constitutivo del argumento es lo que no se puede nombrar y lo que ya no permanece entero, la familia es presentada en la decadencia, exponiendo las miserias humanas en todos los niveles. En la puesta en escena se pueden ver peleas verbales y físicas, así como portazos y objetos arrojados, algo que desafía al texto escrito y le da cuerpo al texto espectacular.

Alejandro Farías es el autor de la serie de historietas titulada "Teatro en viñetas"; se trata de las adaptaciones de algunas obras teatrales que, en vez de pasar del texto escrito al escenario, han sido representadas a través del complejo lenguaje icónico-verbal del cómic. Los dramas adaptados hasta hoy son: "Venecia", de Jorge Accame y "Yepeto", de Roberto Tito Cossa (Teatro en viñetas #1), "El amateur", de Mauricio Dayub y "El cruce de la pampa", de Rafael Bruza (Teatro en viñetas #2). Pero, ¿es posible seguir hablando de “teatro” en el caso de estas interpretaciones gráficas? A partir de esta pregunta, cuya respuesta instintiva podría ser negativa, me planteo reflexionar sobre la importancia del medio en este transvase tan peculiar de un género expresivo a otro. El análisis será de tipo comparativo: a través de la confrontación entre la especificidad del lenguaje dramático y la del lenguaje de la historieta se buscarán los puntos de contacto o, al contrario, los puntos de separación que permiten hablar o rechazar la definición de “teatro en viñetas”. Pero el medio es también mediación, o sea lucha constante entre estados, ideas, conceptos en perenne trasformación: ¿qué es lo que pierde o gana la escritura dramática en su reinterpretación gráfica? ¿Y qué es lo que se pierde o se gana al elegir una adaptación icónica en lugar de una escénica? ¿A qué “reciclaje” se somete el lenguaje teatral en el pasaje a la viñeta? Etc. Del parangón entre los dos diferentes sistemas expresivos se contestará a éstas preguntas, intentando dar una definición de un género quizá nuevo como el del teatro en viñetas.

In this special theme issue, Sánchez Acevedo and I examine current theatrical practices in Argentina, as well as the work by scholars on these practices in Argentina, the US, and Europe. Our co-edited issue includes articles by top researchers and covers a wide range of perspectives, from more traditional dramaturgy to artistic political activism, and dance performances, as well as critical approaches that range from gender studies to psychoanalytic approaches, and historical accounts. Our introduction reflects on this diversity, presenting a comprehensive overview of an understudied field.

Table of Contents

María Julia Rossi y Ana Sánchez Acevedo: Presentación

Leslie Cassagne: Una performatividad del pobre. Sobre Por el dinero de Luciana Acuña y Alejo Moguillansky

María Fukelman: La potencia dramatúrgica en el teatro independiente actual. El caso de Pablo Bellocchio

Catalina Julia Artesi: Deconstrucción del patriarcado en el teatro de Mariela Asensio

Lorena Verzero: Políticas de la representación: las artes escénicas desde los 2000

Lola Proaño Gómez: El artivismo de la Fuerza Artística de Choque Comunicativo. Diagnóstico de los puntales del neoliberalismo extremo en Argentina (2015-2017)

Jorge Dubatti: La dramaturgia en la destotalización de los teatros argentinos

Gustavo Geirola: Algunas notas sobre la praxis teatral del off argentino: modalidades, vicisitudes desde una mirada psicoanalítica

https://www.cetycli.org/publicaciones/boletines/34-boletin-19.html

Desde el propio título, El niño argentino se presenta como una pieza que pretende reflejar algún aspecto de “la argentinidad”. La puesta, los personajes y la trama proponen conflictos, temas y situaciones propios de la historia de nuestro país y de su pensamiento filosófico. No obstante, la obra no opera bajo una estética costumbrista, sino que se aleja deliberadamente del realismo mimético en pos de una marcada artificialidad. La elección de diálogos ritmados y rimados genera un distanciamiento con el habla coloquial y permite simultáneamente establecer vínculos intertextuales con la poesía gauchesca, centro del sistema literario argentino. El verso y las licencias del habla gauchesca operan como código estético regulatorio y no como lengua nacional. La artificialidad queda en evidencia para sus espectadores y se ingresa a la argentinidad desde otro ángulo. A su vez, el canon reaparece numerosas veces más dentro de la obra en forma citas y alusiones directas a los textos de Hernández y Echeverría. La literatura del siglo XX también ingresa a la obra a partir de un título y una trama calcados sobre del cuento “El niño proletario” de Osvaldo Lamborghini. Así,  la literatura deviene palimpsesto constante detrás de El niño argentino y se posiciona como lente que permite volver inteligible el relato y la nación. Lo nacional se define desde sus bienes culturales y devela la relación arbitraria entre los símbolos patrios y la nación, ya que es la propia tradición literaria en tanto dispositivo la que permite la construcción de una esencia argentina en El niño argentino. La mostración del artificio entra en perfecta sintonía con la representación de caracteres nacionales y propone una nueva forma de pensar la nación: a través de la relación entre literatura y patria.

El título Obra dispersa, que reúne buena parte de la producción dramatúrgica de Santiago Loza, podría hacer pensar que se trata de materiales disconexos, desconcentrados, periféricos. Nada más alejado. Algunos de estos textos teatrales han sido publicados en ediciones sueltas; todos tuvieron, tienen y tendrán múltiples montajes escénicos. ¿Cómo pensar, sin embargo, lo disperso como motor en la escritura de Loza?

The following essay focuses on Marcial Di Fonzo Bo’s staging entitled Copi (2017-2018), presented at the Teatro Nacional Cervantes and conceived as a posthumous tribute to the author mentioned in the title. The texts that composed it (two complete works, Eva Peron and El homosexual o la dificultad de expresarse, together with other fragments of Copi’s varied creations as writer, perfomer and strip cartoonist) are studied here in order to reflect on this theatrical unit on the basis of a reading of images supported by conceptualizations of Georges Didi-Huberman. The article explores Copi’s links with the Creole archive, with the history of drag performances in the country, with the questioning of fixed identities and, also, with the history of Eva Peron, a textuality which was prohibited for many years in Argentina.

Reconstrucción (el amo del mundo) es un breve audiovisual que puede inscribirse dentro de los formatos en que la teatralidad halló refugio durante la pandemia acaecida en 2020. De ahí que la obra se haya incluido en el Ciclo Modos Híbridos del Complejo Teatral de Buenos Aires. Con dramaturgia y dirección de Francisco Lumerman (y asesoría audiovisual de Benjamín Naishtat), Reconstrucción (el amo del mundo) proyecta un juego de cajas chinas que exige cierta complementariedad por parte de la ausencia que irradia ese otro juego imposible, presencial, interrumpido por la enfermedad.

El presente trabajo se propone leer Remar (un destino impropio) del dramaturgo y director teatral Mariano Saba como una afrenta a nuestra identidad nacional a partir de la figura de la katabasis. Este viaje de descenso nos permitirá dar con las relaciones intertextuales cuyo nudo central se apoya en el poema homérico La Odisea, para lo que hemos de revisar la configuración de personajes. La parodia por su parte, plantea el espacio de discordia en el lenguaje y pone en jaque la construcción mítica de una argentinidad que retorna y se venga, mientras nos exilia de un destino propio.