Sinestesia

Prefazione di Tarcisio Lancioni, postfazione di Giorgio Grignaffini.

Si può parlare di sapore di un film? Se al cinema il canale sensoriale solleticato in partenza è quello audiovisivo, certe pellicole riescono in modo sorprendente ad andare al di là dei loro limiti, e trasmettere agli spettatori un senso più "difficile" com'è quello del gusto. Attraverso l'analisi di film come Mangiare bere uomo donna, Ratatouille o Pranzo di ferragosto, Lorenzo Bianciardi indaga la capacità del cinema di spingersi oltre la pura rappresentazione del cibo, per scoprire i confini segreti dei sapori: un terreno a metà tra il semiotico e il fisiologico, che esprime in sé una passione per la differenza. Il gusto che è palato, inscindibile dalla componente fisica, ma anche piacere, con la sua dimensione passionale, e infine conoscenza, per il legame già etimologico del sapore al sapere. Nel cercare il gusto dentro le immagini, questo libro finisce così per toccare anche l'essenza stessa del cinema: un mezzo che è rappresentazione e insieme evocazione, descrive la realtà ma è anche capace di andare dritto al cuore delle emozioni. E perché no, delle sensazioni.

A pesquisa investiga o processo criativo sinestésico da artista plástica Melissa McCracken (1980-), a fim de encontrar conexões entre as artes visuais e musicais, e a partir disso, apresentar alternativas para a integração destas expressões artísticas na educação básica. Analisamos sua criação, através de entrevistas, vídeos e o seu site, e propomos uma atividade didática a partir de seu processo.

Vasili Kandinsky (1866-1944), precursor del arte abstracto lírico, liberó a la pintura de su dependencia del mundo natural, pero se convirtió en el proceso en un marginado que dedicó su carrera a profundizar en la abstracción para comunicar la "necesidad interior" del artista por un arte espiritual transformador.
El crítico de arte, Juan Carlos Flores Zúñiga, explica en su nueva crítica para Ars Kriterion E-Zine sobre la última retrospectiva de su producción en el Museo Guggenheim de Bilbao, España, que la propuesta emocional y espiritual de Kandinsky es el resultado de la alienación y su lucha por el alma en un mundo materialista.

Una nuova forma di incredulità, diceva Bernard Stigler in riferimento a quella che chiamava "immagine discreta", ma questa incredulità si dovrà pur esercitare su un corpo.
Proprio su questo gioca Maisie Cousins (n. Londra 1992 – vivente), giovane fotografa inglese, della quale analizziamo un corpus di sette fotografie selezionate dalla sua produzione.
A questo scopo, approfondiremo il concetto di visione aptica, per disambiguare il meccanismo attraverso il quale vista e tatto si influenzano. Ci concentreremo inoltre sulla dimensione forica che attraversa questo insieme complesso ed avanzeremo ipotesi in merito all’effetto di senso che tutto ciò produce.
Proprio in merito alla connivenza di sintassi sensoriali che caratterizza queste immagini, in particolare le prime quattro del nostro corpus (figg. 1-4, §§3-5), specifichiamo che ci concentreremo sul rapporto che la sintassi del tatto intrattiene con la sostanza visiva: anche se le immagini del corpus sarebbero passibili di un’analisi relativa, per esempio, alla sintassi dell’olfatto, ci limiteremo, per esigenze redazionali, a prendere in considerazione solo vista e tatto.
Per quanto invece riguarda le ultime tre foto (figg. 5-7) (che compongono un “Trittico”, §6), ritorneremo specificatamente sul problema dello sguardo.
Infatti, pur sempre in una coerenza tematica e poetica con le altre, in queste gli effetti percettivi prenderanno avvio da una difficoltà di iconismo visivo primario.

Este trabalho investiga a relação entre a sinestesia e a significação musical, analisando como a transposição de sensações atua nas remissões extrínsecas à estrutura musical. Verificou-se como se podem encontrar sinais da atuação da sinestesia nas três dimensões do objeto simbólico definidas por Nattiez/Molino: dimensões poiética, neutra e estésica. Procurou-se definir e diferenciar os conceitos de sensação, percepção e sinestesia, analisando também a relação entre a sinestesia como condição neurológica e a metáfora sinestésica. Investigou-se a sinestesia como forma de escuta, propondo uma escuta sinestésica consciente, que se acrescentaria à forma de escuta a partir das expectativas estilísticas proposta por Leonard Meyer. Para exemplificar tal escuta, fez-se a descrição de uma escuta sinestésica da obra Baku-Pari, de Guilherme Nascimento. Foi realizada uma análise da relação entre os elementos apontados
na escuta sinestésica e a estrutura da obra, procurando  estabelecer pontos de interseção entre os níveis neutro e estésico. Em entrevista com o compositor, procurou-se identificar elementos sinestésicos no discurso sobre seu processo criativo. Verificou-se também se ouvintes leigos, participantes de corais amadores utilizam referências sinestésicas na descrição de suas escutas musicais e se há
convergência nas sinestesias percebidas, ou seja, até que ponto as sinestesias são compartilhadas ou são subjetivas.

Resumen: A partir del pensamiento del filósofo francés Maurice Merleau-Ponty (y refiriendo di-versos pensadores de distintas tradiciones filo-sóficas) ofrezco aquí una descripción de lo que llamo "sensación virtual" e "imaginación sensorial" para caracterizar ciertas capacidades de nuestra experiencia corporal que permiten superar la oposición entre percepción e imaginación, y hacen posible la experiencia estética, el arte, la cultura, y la vida humana y el pensamiento en general.

Abstract: From the thought of the French philosopher Maurice Merleau-Ponty (and referring to different thinkers of different philosophical traditions) I offer here a description of what I call "virtual sensation" and "sensory imagina-tion" to characterize certain capacities of our bodily experience, which allow us to overcome the opposition between perception and imagination , and make possible the aesthetic experience , art, culture, and human life and thinking in general.

En el mundo “artístico” en el que me desenvuelvo, trabajar con música de fondo no es un mero adorno o capricho del momento, es más bien una necesidad. Si esto lo extrapolo a planos generales, la música está presente en todas y cada una de las actividades que se crean en torno al mundo del graffiti. Encuentros de muralistas y graffiteros, juntas para pintar, pintar a la intemperie en un muro, etc.; cada una de estas actividades, para cada uno de los artistas graffiteros, es imprescindible trabajar con música y la explicación para ello, es que no se puede lograr un cierto nivel de abstracción, sin que no haya una concentración previa con la música de fondo. Parece ser que trabajar en el exterior, sólo escuchando el paisaje sonoro de la urbe no es suficiente o más bien, carece de lo necesario para poder llevar a cabo composiciones en los muros que –aunque el común de las personas no entienda o le interese– requieren un gran nivel de cohesión y simbiosis con los colores, formas y mensajes cromáticos, técnica que se pule en el tiempo. Ante esta situación, que es evidente para mí y para mi creación artística, se me generan ciertas preguntas respecto a ¿cuál es la influencia de la música en el trabajo artístico del graffiti? o más allá ¿cuánto altera el resultado final de la obra, el trabajar con música?, y en el ámbito psicológico ¿la música puede alterar o modificar el estado de ánimo con el cual uno crea en el muro? Y así podría seguir dándome vueltas en dudas, que sólo me afirman que claro, si la pintura (ya sea en el muro, en una tela o en un papel), es la exteriorización visual del alma y los sentimientos del creador, la música también explicita esta experiencia y también puede modificar el resultado de ella, en cuanto a forma y fondo.

© 2016
Luis Pedro Hurtarte Caceres
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This thesis documents the process of developing a method for translating structures and word relations in poetry to architecture. It also analyzes the main feelings and sentiments of the poems and tries to find a representation of it in architecture.

The first chapters present some references and sources of inspiration as well as the main challenges, possibilities and limitations of the project. General concepts are clarified and basic questions are considered. The conclusions made in this first step, will shape the further stages of the project.

In the following chapters, the process of translating poetry to architecture is described. The process is described from beginning to end , presenting briefly all the steps involved. Once the overall process is explained a detailed insight into each individual step is given. This includes the reasons why some elements of poetry are considered equivalent to some elements of architecture, the tools used to analyze the text and create the geometry, and the databases used for the analysis.

In order to showcase the function of the resulting method, a group of poems are analyzed and the final outcome is presented.

To conclude this paper, a series of ideas for a further development of the project are suggested. These include possible geometric sets, applications and improvements to the current state.

Con este trabajo se pretende profundizar en el conocimiento de las aportaciones de la sinestesia a la cultura audiovisual moderna y contemporánea, a través del estudio de las manifestaciones artísticas existentes a lo largo este período. En esta investigación abordaremos la sinestesia desde el punto de vista de la psicología experimental y la neurobiología, diferenciado ésta del arte sinestésico y profundizando en la relación de ambas con la creatividad. Por otra parte, nos centraremos en la audición coloreada por ser el tipo de sinestesia más común y estudiado a lo largo de la historia. A través del estudio de la relación entre el sonido y el color desde el punto de vista de la teoría artística y la ciencia, conoceremos los intentos realizados a lo largo dela historia por establecer correspondencias entre el sonido y la imagen, las similitudes existentes entre la imagen y el sonido en su vertiente terminológica, además de los ejemplos de aplicación práctica de esta relación. Por otra parte, conoceremos los intentos de vinculación entre el sonido y el colora través del estudio de la pintura de los siglos XIX y XX, además de la evolución de otras representaciones gráficas de la música, tales como los sistemas de notación musical en el siglo XX. Finalmente, mostraremos un ejemplo de pintura musical en el siglo XIX, a través de la obra Variaciones de Jesús de la Iglesia, que fue presentada en 2012.

El presente artículo es un análisis del poema "Era un aire suave" de Rubén Darío, realizado a partir de la decodificación de los símbolos utilizados por el poeta y la deconstrucción de los elementos asimilados de la tradición cultural europea. Así, entre los principales temas desarrollados se encuentran la sinestesia, la interrelación entre distintas obras literarias, pictóricas y musicales, la intertextualidad entre Darío y los poetas del siglo XIX francés, la formación de la sensibilidad modernista y la creación de un sujeto poético universal y atemporal.

El presente articulo propone una breve introducción al pensamiento sinestésico musical (unión de los sentidos). Se presenta una aproximación a las relaciones entre nota musical y color propuestas por Arcimboldo, Castel y Bishop; así como las relaciones entre centro tonal y color por Skriabin, Rimsky-Korsakov y Asaf'ev. Un parte central del artículo está dedicada al comentario de las ideas sinestésicas del compositor Alexander Skribian.

Pantagruele e compagni, dopo una lunga sequela di avventure, arrivano finalmente davanti alla “Dive Bouteille” per interrogarla.
Bacbuc, nobile pontefice, invita Panurge a compiere i gesti di rito: lo fa inginocchiare, gli fa baciare la fontana, gli fa eseguire tre danze dionisiache, lo fa sedere a terra tra due seggi preparati appositamente per la cerimonia e, infine, aperto un libro rituale, gli suggerisce di porre le sue domande cantando in versi. Ed ecco che per François Rabelais (1494-1553) l’interrogazione assume proprio la forma della bottiglia, che in modo del tutto sorprendente risponde: “Trink”, cioè “Bevi”.

Este libro quiere proporcionar una imagen actualizada de los conocimientos adquiridos en dos siglos de estudio, desde comienzos del siglo XIX hasta hoy, sobre la sinestesia.
Está dirigido a los estudiosos, a los estudiantes de universidad y a conservatorios, a los que, incluso en contextos disciplinares diferentes, quieren descubrir los orígenes históricos de la sinestesia, las explicaciones neuroscientíficas, o experimentar con sus posibles aplicaciones en el lenguaje, las artes y el diseño.
El libro es el resultado de la colaboración internacional de un acreditado grupo de estudiosos que han participado en al menos en uno de los Congresos de Sinestesia: Ciencias y Arte (2005, 2007, 2009, 2012), organizado por la Fundación Internacional Artecittà, il Politecnico di Milano, la Universidad de Granada y la Universidad de Almería.

Este artículo trata del lenguaje que se usa para describir la vivencia subjetiva del color y toca dos tipos especiales de experiencia: la acromatopsia y la sinestesia. Éstos son descritos brevemente desde la neurofisiología y, más en profundidad, desde la fenomenología. Se ofrecen ejemplos de estas particularidades en relación con el arte plástico.

Este trabalho investiga a relação entre a sinestesia e a significação musical, analisando como a transposição de sensações atua nas remissões extrínsecas à estrutura musical. Verificou-se como se podem encontrar sinais da atuação da sinestesia nas três dimensões do objeto simbólico definidas por Nattiez/Molino: dimensões poiética, neutra e estésica. Procurou-se definir e diferenciar os conceitos de sensação, percepção e sinestesia, analisando também a relação entre a sinestesia como condição neurológica e a metáfora sinestésica. Investigou-se a sinestesia como forma de escuta, propondo uma escuta sinestésica consciente, que se acrescentaria à forma de escuta a partir das expectativas estilísticas proposta por Leonard Meyer. Para exemplificar tal escuta, fez-se a descrição de uma escuta sinestésica da obra Baku-Pari, de Guilherme Nascimento. Foi realizada uma análise da relação entre os elementos apontados
na escuta sinestésica e a estrutura da obra, procurando estabelecer pontos de interseção entre os níveis neutro e estésico. Em entrevista com o compositor, procurou-se identificar elementos sinestésicos no discurso sobre seu processo criativo. Verificou-se também se ouvintes leigos, participantes de corais amadores utilizam referências sinestésicas na descrição de suas escutas musicais e se há
convergência nas sinestesias percebidas, ou seja, até que ponto as sinestesias são compartilhadas ou são subjetivas.

Esta pesquisa introduz um olhar sobre a música vocal de Claude Debussy, sustentado pela
abordagem de alguns elementos de uma análise fenomenológica de Hurssel, pelas reflexões
sobre o imaginário de Gilbert Durand e Cornelius Castoriadis, e pela abordagem da Estética
da Recepção de Hans Robert Jauss. Os pensamentos artísticos e a vida do compositor, bem
como sua inserção no imaginário e no contexto histórico europeu do século XIX, são
estudados junto com a abordagem de sua obra, com intuito de captar as motivações artísticas e
sentidos e significados que constituíam o seu universo musical. Unindo poesia, imagens e
música, é realizada uma análise simbólica da canção C’est l’extase langoureuse, poema de
Verlaine, pertencente ao ciclo Ariettes oubliées.

Nuno Ramos-objetos e sons. Nuno Ramos (São Paulo, 5 de março de 1960) é um artista híbrido: músico, artista plástico, escultor e escritor vem desde meados da década de oitenta apresentando initerruptamente uma grande variedade de trabalhos que se entrelaçam em suas linguagens, plataformas e materiais sensoriais. No início de sua trajetória, Ramos apresentou no MAM, em coletivo denominado "Casa 7", uma série de pinturas sobre papel kraft. Eram pinceladas de uma tinta grossa preta aplicada a rolo; o papel kraft, com sua coloração marrom e textura lisa, recebia a tinta num movimento e densidade versus lisura e quietude. As pinturas estavam exibidas num formato retangular colocados no papel "ao comprido". Hoje tenho a impressão de que o movimento pictórico das obras poderiam se assemelhar a um movimento similar ao de Amílcar de Castro 1. Conheço Nuno Ramos há exatos 35 anos quando fui morar em São Paulo, e acompanho sua obra desde daquela exposição no MAM em 1995. No programa da exposição "Hora da razão" 2 ele diz num movimento de clara Sinestesia 3 : "É a luta da música contra a matéria que Hora da razão procura, a seu modo, captar." De lá para cá, até sua mais recente obra exposta no Rio de Janeiro, "Grito e Paisagem", ("Tem algo de uma paisagem literal, feita mesmo de matéria, uma exacerbação da matéria que precisa virar som, virar onda, grito, meio como o 'O grito' de Munch 4 " (RAMOS, programa da exposição, 2017) nunca deixei de acompanhar sua trajetória e visitar suas exposições, passando ainda a prestar atenção especial na relação 1 Amilcar de Castro (Paraisópolis, 8 de junho de 1920-Belo Horizonte, 21 de novembro de 2002) foi um escultor, artista plástico e designer gráfico brasileiro. 2 Hora da Razão-A obra é composta por estruturas de vidros assimétricas e irregulares que estão cobertas por um elemento sólido feito de breu. Ao som do samba homônimo de Batatinha, as peças "choram", escorrendo o material continuamente sobre as superfícies e sobre o piso da galeria, originando, literalmente, o choro negro. Dentro delas, monitores de vídeo apresentam Rômulo Fróes, Paulo Climachauska e Nina Becker cantando a música. 3 Sinestesia 3 é junção, sensação, é perceber dois ou mais elementos dos sentidos num mesmo acontecimento ou evento. Comum na poesia aparece na música e nas artes plásticas. 4 Edvard Munch, (1863-1944) foi um pintor e gravador norueguês. Autor das obras "O Grito" e "A Menina Doente" foi um dos maiores representantes da corrente expressionista do século XX

Resumen: La presencia de diseños en tela parecidos y originarios de las tierras bajas y de los Andes surcentrales sugiere que estos podrían derivar de visiones inspiradas por el consumo de sustancias psicoactivas. Nuevas tendencias en los estudios regionales proponen que los diseños de cada región son expresiones sinestésicas de tales expe-riencias. En las tierras bajas, los diseños geométricos se asocian comúnmente al complejo chamánico, aunque están presentes también en el dominio paralelo de actividades femeninas. En los Andes, los dos ciclos comparables son el complejo bélico masculino –posiblemente asociado anteriormente con el consumo de alucinógenos– y el tejido y otras actividades productivas que se encuentran en manos de las mujeres. Se examina el impacto visual de estos dos ciclos en la iconografía regional, la clasificación de los motivos y las maneras creativas de transformar motivos en nuevos diseños. Como en las tierras bajas, el conjunto de prácticas aplicadas en la elaboración textil se repiensa como técnicas perspectivistas (sensu Lagrou), derivadas del mundo vivido de ontologías transformadoras (sensu Viveiros). En lugar de diseños con significados fijos, ahora enfrentamos los patrones alternantes de gestalt, diseños inestables, juegos entre simetría y asimetría, el interior y el exterior de espacios tridimensionales y el uso diferencial de formas geométricas y figurativas.

Abstract: Clues to possible links between South-central Andean textile practices and lowland graphic art Abstract The presence of common designs in highland and lowland fabric arts suggests that these might derive from the visions inspired by consuming psychoactive substances, and emerging trends in regional studies propose that the designs of each region are synesthetic expressions of such experiences. In the lowlands, geometric designs are commonly associated with the shamanic complex, although these are also present in the parallel domain of female-centred creative activities. In the Andes, two comparable cycles are male warfare, possibly associated previously with the consumption of hallucinogens, followed by weaving and other productive activities in women’s hands. The visual impact of these two interrelated cycles is examined in regional iconographies, the classification of motives, and creative ways of transforming motives into new designs. As in the lowlands, the creative practices used to produce Andean textiles are now viewed as ‘perspectival’ techniques (sensu Lagrou), derived from this lived worlds of transformative ontologies (sensu Viveiros). Instead of designs with fixed meanings, we now confront alternating gestalt patterns, unstable designs, plays between symmetry and asymmetry, the inside and outside of three-dimensional spaces, and the differential uses of geometric and figurative forms.

Norman McLaren foi um dos pioneiros da Visual Music, tendo produzido dezenas de filmes dentro deste gênero audiovisual a partir da década de 1930. McLaren é também um dos artistas da área com maior variedade de ideias estéticas para sincronização entre som e imagem, expressa de maneira bastante diversa em sua vasta filmografia. O artista trabalhou tanto com imagens abstratas quanto com filmagem de atores e diversas técnicas para a produção de seus filmes como: animação sem câmera, pintura diretamente no próprio filme, stop motion, etc. Talvez o mais importante aspecto de seu trabalho seja a sincronia que McLaren fazia, indo além de uma simples visualização da música, chegando em relações transmidiáticas entre som e imagem, onde o par constitui uma unidade inseparável. Esta sincronia vai desde correspondências diretas – onde a cada som corresponde uma imagem – até relações onde o que importa é a sensação que o conjunto audiovisual causa no espectador, utilizando soluções criativas mais sofisticadas, que criam vínculos entre elementos sonoros e visuais de uma maneira expandida e fluida, através de relações dialógicas, porém não explícitas.

Esta revisão literária sobre sinestesia apresenta parte da pesquisa de iniciação científica vinculada ao Grupo de Pesquisa em Artes-Cnpq-Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico e ao PROIC-Programa de Iniciação Científica da Universidade Estadual do Centro-Oeste do Paraná (UNICENTRO). O levantamento de publicações realizado online, em diferentes bancos de dados, objetiva possibilitar aporte teórico e metodológico sobre sinestesia nos processos criativos e no ensino escolar pela perspectiva da interdisciplinaridade. A partir desta busca, sistematizada em três etapas, aspectos quanti-qualitativos são apresentados com enfoque em 8 trabalhos que se caracterizam por: tratar a sinestesia como tema central e/ou secundário da abordagem; versar sobre ensino, educação e/ou processos criativos; apresentar o conteúdo do trabalho coerente ao título, resumo e as palavras-chave propostas no trabalho; apresentar uma visão contemporânea e inovadora. Por meio da análise inicial destas publicações constrói-se aporte teórico para as futuras etapas da pesquisa em andamento, visando contribuir com aspectos teórico-metodológicos para a atuação de professores de Arte na construção de abordagens metodológicas que contemplem as possíveis confluências artísticas.

L’avanguardia futurista ha elaborato una propria riflessione sul cinema come medium ibrido, crocevia di linguaggi ed espressioni artistiche; il presente saggio intende proporre un’analisi dell’esperienza sensoriale nel cinema futurista. Il futurismo, movimento d’avanguardia che ha esplorato differenti settori dell’arte, della comunicazione e del sapere, si è interessato al cinema in funzione della complessità dei rapporti tra società e tecnologia: allo stesso tempo, il cinema rappresentava un’altra opportunità di creare nuove connessioni tra i sensi cercando corrispondenze e complementarità nell’ambito della percezione sensoriale.

En este artículo se propone un modelo cognitivo de Creatividad Artificial, planteando la sinestesia como pilar fundamental de dicho modelo. Para ello mostraremos en primer lugar las relaciones entre sinestesia, lenguaje, metáfora y creatividad. Veremos como la sinestesia es común a todos los humanos a través de dos vías (experimentos realizados con poblaciones normales y mediante un análisis de la sinestesia en la evolución ontogénica y filogénica del cerebro). En segundo lugar veremos los problemas con los que se topa la Creatividad Artificial debidos a dos mitificaciones habituales: que sólo los genios son creativos y que la creatividad consiste en “sacar algo de la nada”. Problemas que resolveremos dando una definición de creatividad que no cae en los mitos antes mencionados y que nos llevará a considerar la sinestesia como un buen modelo para la Creatividad Artificial.

Con su énfasis en la contaminación entre las disciplinas, así como en el papel que otorgan a la integración de los sentidos humanos en la percepción del espacio, las investigaciones contemporáneas sobre las “atmósferas” habitadas tienen un antecedente apenas señalado por la historiografía: la arquitectura fin-de-siècle. En la Francia de finales del siglo XIX la sinestesia se convierte en un tema de moda que, procedente de la recién fundada estética psicológica, pronto desbordará sus primitivos límites para alcanzar la arquitectura; en Alemania, por su parte, la noción romántica de la Gesamtkunstwerk encontrará en el teatro de Wagner un nuevo campo donde las artes colaborarán para producir sorprendes ambientes oníricos. En paralelo, la percepción sinestésica se transformará en el leitmotiv de las instalaciones concebidas para el disfrute multisensorial de los miembros de una incipiente cultura de masas, y dará pie a arquitecturas tan lúdicas como técnicamente sofisticadas: las construcciones para ferias internacionales. Los ambientes sinestésicos para flâneurs, wagnerianos y hombres-masa serán, así, el germen de los pabellones electroacústicos de Le Corbusier, Iannis Xenakis o Charles y Ray Eames, y de las experiencias de integración ambiental entre las artes propias de Jean Labatut, Charles Moore y, en general, buena parte de las vanguardias de las décadas de 1950 y 1960.


With its emphasis on the reciprocal influences between disciplines, as well as on the role attributed to the human senses in the perception of space, contemporary studies on inhabited “atmospheres” have a precedent barely mentioned in the relevant historiography: fin-de-siècle architecture. In France at the close of the 19th century, synaesthesia became a fashionable subject that, coming from the new psychological aesthetics, soon exceeded its original limits to reach architecture, while in Germany, the romantic notion of Gesamtkunstwerk found in Wagner performances a new realm for the arts to collaborate in and produce amazing, dreamlike ambiences. In parallel, synaesthetic perception became the leitmotiv of installations conceived for the multi-sensory enjoyment of the members of an incipient mass culture, giving rise to architectures that were technically sophisticated but also playful: buildings for international fairs. Synaesthetic atmospheres for flâneurs, Wagnerians, and crowds were the seed of the electroacoustic pavilions by Le Corbusier, Iannis Xenakis, or Charles and Ray Eames, as well as of atmospheric integration of the arts of the kind that we would see in Jean Labatut, Charles Moore, and many of the 1950s and 1950s avant-gardes.

Jogos eletrônicos são, essencialmente, uma produção
interdisciplinar, que une profissionais de diversas áreas para a
realização de uma obra multissensorial, envolvendo estímulos
visuais, sonoros e táteis. Desta forma, o jogo eletrônico oferece
um meio ideal para propor uma experiência sinestésica. Segundo
Basbaum, sinestesia é a reunião de múltiplas sensações. Perceber
uma cor ao ouvir um som é um exemplo de relação sinestésica, na
qual um sentido é associado a outro. Por meio da análise dos
jogos Rez (2001), Child of Eden (2011) e Lumines (2004), do
game designer Tetsuya Mizuguchi, verificaremos as relações entre
cor, forma, som, ritmo, movimento, gameplay e narrativa, com o
intuito de compreender como a sinestesia acontece nestas obras.
Teremos como foco a sinestesia como expressão artística, na qual
existe uma intenção de realizar a fusão entre os sentidos na
fruição obra, assim como na obra audiovisual de Norman Mclaren
e dos irmãos John e James Whitney.

The article provides insight into the insufficiently studied area of synesthesia in the art of clowning. The research methodology is based on the collection of essays by A. Berson "Laughter: an essay on the meaning of the comic". Herein laughter is regarded as a social creative proofreader, which signals that the creative driving force has been lost in the phenomenon/process. Besides, the author refers to the theory of A.G. Kozintsev. It states that at the stage of the "language Rubicon", anthropogenesis makes an evolutionary leap. After it, with the creation of language, a human being retains a direct two-element connection between signals and messages (inherited from animals), in particular, laughter. The latter is seen as something common between human being and animal. The difference is that a human responds to external signals not automatically, but selectively. The hypothesis of the study is that in the comic arts the connection between laughter stimulus and the response is formalized. The exception is the art of clowning, which goes beyond the comic, back to the tragic. It appears as a manifestation of human creative evolution, associated with the "language Rubicon". The article makes a point that a clown's laughter results from the multilevel structure of the psyche and is in a perfect step with "synesthesia of heart", love and empathy for the clown's character/masque. On the one hand, this unites it with the laughter of animals. On the other hand, this sharply distinguishes it by a strong feeling of laughter drama and tragedy. The laughter in a masque transforms tragedy into comedy. This gives reason to consider a clown's laughter in terms of synesthesia and addiction. The article is based on the author's report "Specificity of synesthesia as a form of world perception and worldview among satirists, comedians, clowns", presented at the conference "The phenomenon of synesthesia in the interdisciplinary space of scientific knowledge" (October 22-23, 2018 in Moscow, Russia).

In terms of the specific case investigated in this chapter, mystery cults provide a field of study that is extraordinarily rich in details relevant to the sensory experiences of participants. The textual, epigraphic, archaeological, and iconographic sources are replete with sensory references. Despite this rich evidential base, this category has not been a historiographical priority in the past. Our intention in the present study is to carry out a first approach to the way in which it is possible to identify the base of this sensory, or rather multi-sensory, experience. In pursuing this goal, we focus on the cult of the goddess Cybele, the mystery cult that was most popular not only throughout the Roman Empire but also in the capital city of Rome itself. The epigraphic and iconographic expressions of the cult of Cybele, as well as ancient testimonies describing both its ritual and liturgical manifestations, allow us to reconstruct a context in which we can identify the specific purpose at work in the sensory stimulation of the devotees: making the experience of encountering the deity possible through corporal transcendence.

Son numerosos los estudios que se han hecho, a lo largo de la época contemporánea, relacionando los campos auditivo y visual. En el terreno científico, en el ámbito de las correspondencias sonoridad-grafismo, cabe destacar los estudios de correspondencias palabra-imagen de Köhler (1947) y de Ramachandran y Hubbard (2001), y los de correspondencias sonido-imagen de Werner (1966), Marks (1987), Melara (1989), y Maurer y Mondloch (2005). Para Ward y Cytowic (2005), "Las similitudes perceptivas que resultan en relaciones tan ordenadas entre tono [sonoro], volumen [sonoro], luminosidad y tamaño (ver el gráfico) pueden describirse en términos psicofísicos como la codificación temporal o el procesamiento oponente, y pueden estar basados en similitudes básicas de la experiencia fenoménica". Maurer (1988) y Maurer y Mondloch (2005) postulan la hipótesis de la 'sopa sensorial' del bebé. Para ellas, el infante es receptivo a cambios en patrones globales de sensorialidad (lo que, de alguna manera, podríamos llamar una sensibilidad gestáltica, en el sentido de generalista), pero, "debido a la inmadurez de su córtex, el bebé no diferencia estímulos de diferentes modalidades [sensoriales], sino que responde a la cantidad total de energía, sumada a través de todas las modalidades. El bebé […] no es consciente de qué modalidad produjo el patrón" (2005, p. 196). Esta sopa sensorial es, por ello, diferente de la percepción de los sinestésicos adultos (que sí distinguen los tipos de inputs sensoriales específicos que ocurren simultáneamente en su experiencia), pero ello no es óbice para que ellas mismas hablen de 'sinestesia neonatal'.

Resumo Este artigo procura discutir a necessidade de se analisar os caminhos da comunicação de massa e sua influência no ramo audiovisual. Com a criação do videoclipe e sua importância no cenário da música POP mundial, essa relação ficou ainda mais presente. Ao passo que, a elaboração do clipe e as percepções sensoriais são muitas vezes negligenciadas, pelos receptores. O trabalho buscou traçar um rápido mapeamento sobre as principais análises feitas acerca da cultura de massa e a sua influência no audiovisual, desde o trabalho com conceitos envolvendo a sinestesia e a semiótica passando por um estudo de caso sobre um videoclipe de Hip-Hop, da Banda Americana. The Roots.

BERGANTINI, Loren. Sinestesia mediada pela tecnologia na arte: a interação entre voz e imagem. 2016. 124 p. Dissertação (Mestrado) – Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, São Paulo, 2016.

Avanços tecnológicos recentes inauguraram novas possibilidades estéticas devido ao  potencial de integração de diversos meios, códigos e linguagens. Algumas das consequências desses avanços foram a dissolução das tradicionais fronteiras entre as áreas artísticas e a introdução de estímulos simultâneos a vários sentidos. A inclusão do corpo e seus aspectos cognitivos em interação direta com códigos computacionais é fato irreversível na arte contemporânea e seus aspectos e consequências ainda não foram completamente compreendidos. Este trabalho tem como objetivo investigar, sistematizar e utilizar os conhecimentos sobre sinestesia na arte, destacando o caso das obras artísticas interativas que correlacionam voz e imagem. Em função disto, foram propostas: a) a realização de estudos sobre o fenômeno da sinestesia no contexto da ciência e da arte; b) a busca de uma definição fisiológica para a voz; c) a pesquisa por referências estéticas que abordaram a questão; e d) a realização de trabalhos experimentais correlacionados ao tema. Os métodos de pesquisa utilizados foram: revisão bibliográfica – a partir de um enfoque multidisciplinar, englobando referências tanto da neurociência quanto de outras áreas –, seleção e análise de trabalhos artísticos interativos contemporâneos que abordaram a questão da sinestesia e da interação entre voz e imagem, e investigação estética a partir da realização de propostas poéticas experimentais. Os principais resultados obtidos foram: a compreensão da trajetória dos estudos sobre sinestesia na ciência e a atualização dos conhecimentos sobre o assunto; apontamentos sobre a contextualização da sinestesia na arte; a definição da voz relacionada a todos os sentidos incluídos na unidade do corpo; e a realização de três trabalhos experimentais, dois coletivos sobre sinestesia e um individual que explora a relação entre voz e visualidade.

Nos interesa comprender que la implantación del código o figura de significación resulta del uso, de la aceptación de la convención. El sonido aporta un carácter espacial, rítmico, emocional y expresivo a la banda de imágenes cuando sobrepasa su mero subrayado dramático. En la construcción del enunciado audiovisual a tiempo real, la implicación fílmica puede relacionar cualquier elemento visual con un
ritmo musical concreto, un movimiento de cámara con una melodía, un color con una nota… y tal vez provocar relaciones de sinestesia en algunos individuos. Se produce
lo que Christian Metz designa como “figuras de continuidad”. Estas implicaciones comportan un carácter simbólico con el que se logra un incremento del la lógica y el sentido discursivo. En consecuencia podríamos admitir un tipo de convenciones o códigos que se repiten en la fenomenología del VJing o Live Cinema, y que devienen fundamentalmente de las interpelaciones realizadas a tiempo real entre banda de imagen y banda de sonido.

L'arte come pratica e l'estetico come dimensione della vita sensibile, della sinestesia originaria in cui già sempre siamo immersi sono i cardini sui quali si fondano i tentativi contemporanei di superamento delle moderne concezioni autoreferenziali e chiuse dell'arte per l'arte e della "coscienza estetica". L'estetico non sarebbe qualche cosa di separato dagli altri ambiti del sapere e della vita, ma al contrario sarebbe co-originario all'esperienza e la attraversa da cima a fondo. Il pensiero "pan-estetico" di Albright, che si nutre delle riflessioni sull'origine dell'opera d'arte in Heidegger e di quelle sulla corporeità estetica in Nancy, presenta tuttavia criticità e paradossi che nell'articolo vengono esaminati analiticamente, cercando di coglierne i punti di forza e di debolezza.

Con questo studio intendiamo avanzare un'ipotesi circa il metodo scelto da Karlheinz Stockausen per comporre Scorpio, uno dei dodici brani che costituiscono la suite Tierkreis dedicata alle dodici costellazioni zodiacali. La particolarità di questo brano che ce lo fa apparire diverso dagli altri undici è che esso, piuttosto che essere basato sull'applicazione pedissequa al materiale sonoro di un metodo numerico, sembra sia stato ispirato proprio dalla forma della costellazione. É cosa nota che essa, fra tutte le altre, è quella più facilmente riconoscibile in quanto la distribuzione delle sue stelle sembra proprio disegnare la forma dell'insetto. Al di là dell'aspetto metodologico, riteniamo quindi che questo studio possa essere interessante per comprendere quali meccanismi mentali permettano di tradurre una percezione puramente visiva in una totalmente acustica per il tramite della scrittura musicale; detto in altri termini, tramite questa analisi crediamo di poter mettere in evidenza una delle modalità possibili con le quali avviene il passaggio da una pareidolia visiva a una pareidolia acustica. Parole chiave: costellazione, disegno, forma, pareidolia, percezione visiva, percezione acustica, sinestesia, tecnica compositiva. Introduzione-Come è stato già messo in evidenza (Kohl, 1983), nel comporre la suite Tierkreis, in tedesco Zodiaco, Stockausen è stato guidato da una dichiarata fascinazione per le ricerche astrofisiche e cosmologiche che negli anni in cui lavorava a questa come ad altre composizioni di ispirazione analoga 1 , facevano registrare continui successi nella comprensione dei meccanismi celesti. Sulla scorta di questa fascinazione creò Tierkreis, una suite di argomento astronomico e mitologico, riversando così un'ispirazione puramente cosmologica in un'opera a carattere più cosmogonico. Figure 1-Frontespizio di Tierkreis

Reseña del libro Arte, literatura y música en el París fin de siglo (1880-1900) de Sonsoles Hernández Barbosa. Madrid: Abada Editores, S.L., 2013, 334 pp. ISBN: 978-84-15289-68-5.
El París de finales del siglo XIX fue testigo del florecimiento de un fenómeno conocido como "sinestesia" (literalmente "sensación conjunta"), término que remite a la asociación o interferencia de sensaciones pertenecientes a diferentes sentidos en un mismo acto perceptivo. El concepto encierra significados diversos que remiten a los campos de la medicina, la física, la fisiología, la psicología o la teoría del arte; este último es el marco en el que se encuadra el trabajo de Sonsoles Hernández Barbosa, que aborda el análisis de los diversos modos de manifestarse la sinestesia (de ahí el título "sinestesias") en las teorías artísticas y estéticas del París fin de siècle.

In terms of the specific case investigated in this chapter, mystery cults provide a field of study that is extraordinarily rich in details relevant to the sensory experiences of participants. The textual, epigraphic, archaeological, and iconographic sources are replete with sensory references. Despite this rich evidential base, this category has not been a historiographical priority in the past. Our intention in the present study is to carry out a first approach to the way in which it is possible to identify the base of this sensory, or rather multi-sensory, experience. In pursuing this goal, we focus on the cult of the goddess Cybele, the mystery cult that was most popular not only throughout the Roman Empire but also in the capital city of Rome itself. The epigraphic and iconographic expressions of the cult of Cybele, as well as ancient testimonies describing both its ritual and liturgical manifestations, allow us to reconstruct a context in which we can identify the specific purpose at work in the sensory stimulation of the devotees: making the experience of encountering the deity possible through corporal transcendence.

In terms of the specific case investigated in this chapter, mystery cults provide a field of study that is extraordinarily rich in details relevant to the sensory experiences of participants. The textual, epigraphic, archaeological, and iconographic sources are replete with sensory references. Despite this rich evidential base, this category has not been a historiographical priority in the past. Our intention in the present study is to carry out a first approach to the way in which it is possible to identify the base of this sensory, or rather multi-sensory, experience. In pursuing this goal, we focus on the cult of the goddess Cybele, the mystery cult that was most popular not only throughout the Roman Empire but also in the capital city of Rome itself. The epigraphic and iconographic expressions of the cult of Cybele, as well as ancient testimonies describing both its ritual and liturgical manifestations, allow us to reconstruct a context in which we can identify the specific purp...

El rito siempre ha sido un tema difícil de ver en el relato arqueológico y, por lo tanto, su presencia se ha invisibilizado. La aproximación al arte precolombino, desde la mirada occidental, conlleva su segmentación en diversas ramas definidas para el arte, sin darnos cuenta de que su comprensión integral se presenta como una ruta clave para entender la ritualidad que caracteriza las concepciones amerindias.