Filme

O nascimento de uma sexta arte
Ensaio sobre o cinematógrafo
Ricciotto Canudo
Traduzido por Yves São Paulo
Ricciotto Canudo (1877-1923) foi um poeta, romancista e crítico de cinema italiano, frequentemente referenciado como o responsável pelo título de "sétima arte" ao cinematógrafo, ainda nos idos da década de 1910. Seu ensaio de 1911, aqui reproduzido integralmente em tradução inédita, faz parte de uma primeira compreensão de Canudo sobre a nova arte, contando o cinematógrafo como sendo a sexta arte, muito em inspiração do que haveriam feito filósofos como Kant e Hegel antes dele, que listavam cinco artes. É somente em 1923 que Canudo publicará seu Manifesto das Sete Artes, onde apontará o cinema como sendo a sétima arte, incluindo à lista a dança faltante na primeira incursão. Contudo, o leitor encontrará neste O Nascimento de uma Sexta Arte um ensaio de fôlego, defendendo o Cinematógrafo como arte, própria ao mundo moderno, realizando o exercício de pensar a novidade tanto em seu aspecto estético, quanto ontológico, oferecendo rico material aos estudiosos de filosofia da arte, e em particular aos estudiosos da arte cinematográfica.

Desde a morte de Cristo no ano 33 d.C., aos primeiros relatos escritos a respeito Dele, por volta dos anos 60 e 70 d.C., têm-se um período de aproximadamente trinta anos de disputas teológicas, no qual surgem diversos modos de interpretar a pessoa de Jesus. Entre essas formas de interpretação, surge um cristianismo que, inspirado no Gnosticismo, prega um Jesus ressuscitado que vive dentro de cada pessoa. Essa característica é identificada no apócrifo de Maria Madalena, descoberto em Nag Hammadi, no Egito. Apócrifo, porque não reconhecido ou não aprovado no cânon da Igreja Católica. Tal apócrifo, por sua vez, não mostra somente como se deveria viver em Cristo, mas, ainda, como a liderança de uma mulher, em meio a um grupo de apóstolos homens, gerou, e continua a gerar, conflitos dentro do cristianismo. Ainda, nos primeiros séculos d.C., alguns movimentos filosóficos inspirados nas culturas grega e egípcia, como o próprio Gnosticismo, foram considerados movimentos heréticos pela Igreja que se fixava. Sob esta perspectiva, e mediante uma comparação entre a Madalena apresentada no texto do cânon e a Madalena apresentada no apócrifo, realizar-se-á, no presente trabalho, uma leitura crítica do filme "Maria Madalena", de Garth Davis, de modo a identificar como a figura da apóstola de Cristo vem sendo trabalhada no contexto atual, de uma sociedade que, ao século XXI, persiste em, ou necessita, compreender o papel exercido por essa mulher na história do homem que foi considerado por muitos, e principalmente pelos cristãos, como o "Filho de Deus".

Esse livro nasceu após a conclusão de minha dissertação
de mestrado, onde analisei os filmes do diretor Hayao Miyazaki.
Existiam certas questões e características de seus filmes nas quais
me apegava, muitas dessas são facilmente identificáveis e em todos
os anos acompanhando os trabalhos do diretor sempre me
deparava com os mesmos temas, a respeito das questões humanas,
a preservação da natureza, características pacifistas, entre
várias outras, mas além destas havia uma que se destacava, e que
acreditava ser a maior preocupação do diretor e o foco de seus
filmes, a figura da mulher.

Este ensayo realiza una lectura heterotópica de Aguirre, La ira de Dios, una disección del filme bajo el concepto de heterotopía, desarrollado por Michel Foucault en su ensayo ”Of Other Spaces”. Foucault señala que la heterotopía es “Una especie de contestación simultánea, mítica y real del espacio..(24)”. Este concepto a través de algunos principios, logra subvertir el binarismo tiempo/espacio, permitiéndonos observar un plano más amplio de la Historia,  en el cual se rescata el protagonismo de la Naturaleza.

Esse texto foi publicado em co-autoria alguns anos atrás. Faço a sua revisitação a partir do material que tinha levantado e que foi usado parcialmente na primeira publicação. Essa revisitação é que constitui a sua novidade, para além da sua inserção nomeio de tantos outros textos que falam sobre a África e suas diásporas de forma paixonante. Dito em outras palavras, falar de uma realidade que me é cara e do jeito
que entendo que deve ser dita. O filme de Kim Nguyen, “Menina ‘Rebelle’, Komona”, lançado em 2012, é a minha fonte principal de inspiração para continuar a refletir sobre o meu país, a República Democrática do Congo, que chamarei aqui de RDCongo. Faço minhas reflexões a partir do que considero como a crítica social da
história do Congo do cineasta Kim Nguyen, dos ritos da guerra e fabricação de crianças-soldados, do feitiço e da resistência feminina contra a violência da guerra e da violação de direitos das crianças na RDCongo. Passaram-se seis anos desde que o filme em análise foi lançado e apesar dos esforços realizados para colocar fim a guerra no meu país e combater as ações que violam os direitos de viver em paz de crianças, meninas e meninos e mulheres, os governantes e ‘senhores de guerra’ da RDCongo e dos países vizinhos, movidos pelo interesses particulares, e em cumplicidade com o capital econômico e político internacional não se interessam para que haja uma paz douradora.

A Wicca, conhecida como bruxaria moderna, é uma
religiãoneopagãcom origem nos anos 50 e popularização
principalmente a partir dos anos 90 com o surgimento de diversos
livros e filmes, de ficção ou não, que permeiam o universo da
magia, base dessa religiosidade. Em meio a este cenário, destacase o filme Jovens Bruxas, dirigido por Andrew Fleming e lançado
em 1996 pela Columbia Pictures. O longa aborda a história de
cinco jovens que encontram na bruxaria a sua religião e unem-se
em torno dela. O presente trabalho tem como objetivo fazer um
comparativo entre a religiosidade apresentada no filme e sua
correspondência na Wicca, e analisar de que forma Jovens Bruxas
contribui para desmistificar a visão negativa sobre a bruxaria e
representá-la sob a ótica de uma religião legítima.

CASOTI, Letícia Moreira; VIDAL, Leonardo da Silva; ROCHA, Ana Raquel Coelho. Consumo e identidade étnica: o caso do filme Pantera Negra. In: IX Encontro Nacional de Estudos do Consumo, 2018, Rio de Janeiro. Anais... Rio de Janeiro, 2018. 17 p.

Este ensayo intenta analizar los filmes Pepi Luci Bom y las otras chicas del montón, Laberinto de Pasiones, Entre Tinieblas, Abrazos Rotos y La piel que habito, del cineasta español Pedro Almodóvar desde la lectura "Entre el límite y el exceso" de Omar Calabresse.

Este artigo pretende a realização de uma antropologia do cinema a partir do filme Tatuagem (Dir. Hilton Lacerda, Brasil, 2013) para pensar temas caros às discussões políticas LGBTs contemporâneas. Tatuagem traz à tona antigas possibilidades do estar junto para os “modos de vida”, como a amizade, num tempo como o atual em que os moldes da família e do casamento tradicional passaram a compor os mais caros ideais coletivos LGBTs. O filme também aponta a possibilidade de se pensar o deboche e o humor camp enquanto formaspolíticas legítimas e contestadoras, ainda que ocupem um lugar periférico em termos políticos. Nesse sentido, esse trabalho também vai pensar numa festa que não existe mais, o carnaval do Roma, realizado na cidade de Florianópolis, do final dos anos 1970 até o ano de 2008, reconhecido no período como um carnaval LGBT que reunia moradores e turistas que performavam e carnavalizavam nesse território suas identidades. Defendo que a força política desse carnaval e das manifestações narradas em Tatuagem está em grande medida ancorada nas desestabilizações e deslocamentos que pressionam os campos de gênero e sexualidade estabelecidos socioculturalmente.
Programa de Pós-Graduação em Ciências Sociais - UFJF v. 12 n. 2 jul. a dez. 2017 ISSN 2318-101x (on-line) ISSN 1809-5968 (print)

O presente artigo tece reflexões acerca do filme "Narradores de Javé" como recurso didático para o ensino dos Direitos Culturais, observando a interlocução entre os conteúdos a serem estudados e como o filme os aborda, mormente no que se refere às temáticas da memória e identidade coletivas, história e memória oral, patrimônio cultural e educação patrimonial; bem como a importância da participação social à efetivação desses direitos, buscando, a partir disso, encetar questionamentos que promovam a reflexão e preocupação referente à memória coletiva dos sujeitos envolvidos no processo educativo. Para que seja possível realizar tais reflexões, é importante que anteriormente se possa compreender a utilização de filmes no processo ensino-aprendizado, considerando para isso a realidade do ensino jurídico; e o que são Direitos Culturais e sua importância social. A partir disso, pode-se fazer um paralelo com parte de seu conteúdo e as temáticas abordadas no filme, além de proporcionar uma percepção dos benefícios e frutos dessa metodologia e a modificação da percepção dos sujeitos frente aos Direitos Culturais que lhes são inerentes.

Este trabalho proposto na disciplina Linguagem Verbal nos meios de Comunicação II visa aplicar as Teorias estudadas em sala de aula em um objeto de estudo relacionado aos meios de comunicação, refletindo e contribuindo para o aprendizado. Assim, o grupo escolheu o longa metragem “Pequena Miss Sunshine” dirigido por Jonathan Dayton e Valerie Faris, que será resumido na sequência, por este trabalhar com estereótipos com uma linguagem bastante incomum. Além dos textos sobre a linguagem e os estereótipos, utilizamos referências que tratam sobre a ficção, ideias e a estrutura das histórias.

La película Un marido de ida y vuelta de Luis Lucia (1957) es una adaptación de la comedia homónima de Enrique Jardiel Poncela (1939). En ella se pone de relieve una nueva concepción del tiempo con sus propias variantes y además con la noción de lo cómico. Ella se inspira parcialmente en el texto teatral de Poncela para tejer una fábula elaborada mediante la sucesión de unos cuadros temporales que enlazan los temas cruciales en Un marido de ida y vuelta. Está dividida en tres fragmentos-relatos que narra José, el protagonista principal del filme, las historias de la vida conyugal y supuestamente personales después de la muerte, materializándose en cuerpo, paseando por la casa y por las calles de Madrid.

Resumo: Este artigo analisa, com base nos estudos bakhtinianos, as relações de poder entre sujeitos no filme Nerve (2016). O objetivo é entender a relação de jogo como interação social, por um jogo instaurado num filme, de maneira estética. A importância se volta à reflexão sobre a ética valorativa, colocada em foco de maneira estética. Para se compreender como os juízos de valor constituem a obra, analisa-se a configuração arquitetônica do enunciado fílmico para ver como ele flagra situações de limite colocadas nesse tipo de jogo, que controla os participantes e suas ações. Os resultados demonstram que o filme, como enunciado estético, apresenta a maneira como jogos/aplicativos/plataformas, similares a Nerve, estimulam atos extremos por meio do controle e da manipulação. Palavras-Chave: Círculo de Bakhtin; Enunciado; Ideologia. Abstract: This article analyzes, based on Bakhtin studies, the relations of power between subjects in the film Nerve (2016). The objective is to understand the relation of game as a social interaction, by a game established in a film, on an aesthetic way. The importance turns to the reflection on the ethical values, placed in focus on an aesthetic way. To understand how judgments of value constitute the work, we analyze the architectural configuration of the filmic utterance to see how it catches limited situations placed in this type of game, which controls the participants and their actions. The results demonstrate that the film as aesthetic utterance presents how games/applications/platforms, similar to Nerve, stimulate extreme acts through control and manipulation. 1 Introdução Neste artigo, voltamo-nos à construção arquitetônica do enunciado fílmico Nerve (2016). A narrativa fílmica aborda o jogo Nerve, executado na trama por meio de um aplicativo. Os embates valorativos se estabelecem com os sujeitos que participam do jogo, por meio de seus atos, tanto como jogadores quanto como observadores. Os conceitos de enunciado, sujeito e ideologia são as noções bakhtinianas que embasam a reflexão aqui apresentada e revelam as questões hierárquicas entre grupos e

estranho das pessoas à volta consegue preservar a profundeza dos seus sentimentos através de uma aventura sensual que os aproxima ainda mais, o filme dá uma visão assustadora e apocalíptica do mundo contemporâneo afectado por doenças cada vez mais estranhas e terríveis (perdas de cada um dos sentidos: o olfacto, o gosto, o ouvido, para terminar com a vista e o tacto) perguntando se num mundo assim seria possível encontrar o amor e qual seria o papel das relações sexuais nesse jogo de despersonalizarão e desumanização das pessoas. Os protagonistas, Susan, uma excelente epidemiologista, embora insegura, infeliz e insatisfeita com a sua vida pessoal (anda perdida à procura de um homem e sempre começa relacionamentos sem conhecer uma pessoa profundamente, baseia as suas experiências em aventuras sexuais ficando magoada no fim) e Michael (um óptimo cozinheiro cuja namorada morreu com cancro e com quem ele se tinha portado como um covarde) tentam encontrar o sentido do amor.

Traçando uma leitura embasada em correntes teóricas que justificam o olhar analítico sobre o filme, dado que este é uma mídia que articula linguagem, sons e imagens sendo, portanto, passível de ampliação dos sentidos, pode ser feita uma leitura tanto numa perspectiva metodológica quanto interpretativa. Intenta-se, neste estudo, ler duas mulheres sob a ótica do diretor Alfred Hitchcock em dois longas-metragens: Notorious (1946) e Marnie (1964), objetivando a tessitura de questionamentos sobre os modos como os homens e as mulheres se relacionavam e os comportamentos femininos visados pela sociedade. Encerra-se aqui a noção de que os padrões comportamentais femininos, assim como os masculinos, são construções sócio-históricas e que estes são modelados, desde a infância, pelas instituições sociais ; assim como a noção do diretor enquanto autor inscrito numa sociedade, que faz parte e que cria dentro de um sistema de representações e práticas vigentes.

Interessa-nos compreender a forma como o filme
Curtindo a vida adoidado está articulado dialeticamente
com o seu tempo histórico. Os anos 1980 foram marcados
pela acentuação de valores pós-modernos e pelo
recrudescimento do ideário neoliberal em franca expansão.
Assim como outras produções hollywoodianas, o filme
que aqui apresentamos traça o perfil ideal de um homem
segundo a moralidade individualista da era Reagan.
Palavras-chave: Curtindo a vida adoidado; pós-modernidade; neoliberalismo.

The article deals with the film Inception and shows educational opportunities that can be considered in connection with the film. An introduction (1.) is followed by a summary of the film (2.1) and comments on the narrative concept of the film (2.2). Then it comes to the central theme of the film: the dream or dreaming (3.). Then similarities between dream and film are examined and the dream is presented as a possible metaphor for films (4.). Finally, there are considerations that show in what way the film can be used for educational opportunities (5.).

Luciane de Paula 97 Nicole Mioni Serni 98 RESUMO: Este texto refl ete acerca da concepção de gênero discursivo, tendo como base tanto a sua mobilidade quanto a sua estabilização. Para isso, centra-se na exemplifi cação de um gênero específi co: o fi lme musical. Este, visto como gênero fértil para o estudo de diálogos entre gêneros (intergenericidade), voltados ao sincretismo verbo-voco-visual. No fi lme musical, a canção e a coreografi a se retroalimentam, bem como, de certa forma, alicerçam o fi lme (e este, encontra-se fi ncado na vida, refi gurando-a simbolicamente, com acabamento estético). Pretende-se fazer uma breve discussão epistemológica sobre a concepção de gêneros discursivos e a relação arte e vida para, depois, a partir de uma rápida ilustração com um pequeno exemplo de Across the Universe colocar a discussão acerca da constituição do gênero discursivo fi lme musical à baila. Toda a refl exão está calcada na abordagem dialógica do Círculo Bakhtin, Medviédev e Volochínov. Refl etir sobre a constituição verbivocovisual do gênero fi lme musical é uma maneira de se pensar a relativa estabilidade dos gêneros na contemporaneidade. Palavras-chave: Círculo de Bakhtin; gênero; discurso; verbivocovisualidade; fi lme musical. ABSTRACT: This text refl ects about the concept of discoursive genre, having as basis its mobility as much as its stabilization. For that, this work centers on the exemplifi cation of a specifi c genre: the musical fi lm. This one, here considered as a fertile genre for the dialogic studies between genres (intergenres), focused on the verb-vocal-visual syncretism. In: the musical fi lm, the song and the choreography feed one another as well as, in a certain way, enhance the movie (and this one, fi nds itself see led in life, symbolically reframing it, with aesthetic fi nishing). This research intends to create a brief epistemological discussion about the conception of discursive genres and the relation between art and life, so that aa erwards, from a quick illustration with

O texto examina a relação entre as experiências emocionais propiciadas pelo cinema com a vida moral, particularmente a relação entre cinema, emoções e o fenômeno cognitivo-moral que chamarei “entendimento moral”. O entendimento moral é um estado mental emocionalmente engajado que envolve tanto conhecimento moral
(conhecimento de proposições morais e o controle cognitivo das relações inferenciais que elas autorizam), quanto uma dimensão afetiva e motivacional que caracteriza a moralidade. Muitos filósofos têm sustentado que o entendimento moral está ligado às emoções. Prinz argumentou que a presença de sentimentos negativos fortes em relação ao ato de matar é suficiente à compreensão do caráter moralmente errado do ato de matar (2006). Little (1995) também argumentou que o engajamento afetivo é fundamental para fazer juízos morais adequados. Uma tese similar, eu sustento, pode ser articulada em relação à tríade emoção-cinema-moralidade, ou seja, a pretensão é mostrar que o meio cinematográfico dispara respostas emocionais relativas a  situações morais ficcionais que são fundamentais para o entendimento de situações morais vividas. Para discutir a complexa relação entre cinema, moralidade e emoção analisarei rapidamente algumas características do filme Wit (dirigido por Mike Nichols), que explora uma experiência de cuidado, sofrimento e morte durante um tratamento para câncer em estágio avançado da personagem principal, a professora de poesia inglesa Vivian Bering.

RESUMO Neste artigo, buscamos refletir sobre a importância do figurino no cinema, ao analisar como ele é usado na construção dos personagens e da narrativa cinematográfica. Nesse sentido, nos deteremos no filme Psicose (1960), do cineasta britânico Alfred Hitchcock, e a partir da análise de seu vestuário, objetivamos aproximar os campos da moda e do cinema, para perceber como é possível estabelecer conexões estéticas entre eles. ABSTRACT In this article, we aim to reflect on the importance of costumes in the cinema, at the moment we analyze how it is used in the construction of the characters and the cinematographic narrative. In this sense, we focus on the film Psycho(1960) by the British filmmaker Alfred Hitchcock, and from the analysis of its clothing, we aim to approach the fields of fashion and film, to see how it is possible to establish aesthetic connections between them.

Pretende-se, nesse artigo, discutir a elaboração e consequências narrativas dos personagens gagos no cinema. Através da desconstrução de uma ideia antiquada da gagueira como uma resultante da timidez e do medo, ou como uma doença passível à cura. Tenta-se analisar os filmes e como esses tratam dessa singularidade humana. Além disso, é feito um breve resumo do atual retrato dessa condição de disfluência, sobre os olhos da ciência contemporânea.

Texto-relato de experiência de Kelly Demo Christ, assistente de direção do filme "Sem HPV - O Filme" (Josias Pereira, 2015). A autora narra a respeito do processo do longa-metragem realizado em Pelotas, Rio Grande do Sul, durante seu estágio a UFPEL, para a conclusão de curso de Cinema e Audiovisual.

A questão do tempo, e a sua relação com o cinema, é o fio condutor do presente artigo. Pretende-se, através de uma pesquisa baseada na prática experimental, pensar os processos psicossomáticos que podem conferir ao espetador diferentes perceções temporais, ao mesmo tempo em que apresentamos um projeto, fruto desta experimentação, que permite ao espetador intervir na narrativa fílmica de um modo disruptivo. A inspiração para o projeto que ora apresentamos, e que sucede outros projetos semelhantes no campo do cinema interativo, veio do jogo surrealista Cadavre Exquis, e, como os surrealistas, pretendemos com esta proposta criar diversas possibilidades de subversão da ordem no discurso fílmico. Palavras-chave: tempo, interatividade, narrativa fílmica, surrealismo. (Ou ser o rebanho todo Para andar espalhado por toda a encosta A ser muita cousa feliz ao mesmo tempo) Alberto Caeiro Introdução O cinema, conforme o realizador Andrei Trakovski, é a "arte de esculpir o tempo." Várias são as reflexões, e teorizações, que estudam a questão do tempo no cinema, ou melhor, do tempo do cinema, este dispositivo que possui uma temporalidade própria, mas que busca simular, a maior parte das vezes, o tempo extra-diegético-aquele que decorre fora do ecrã. De um modo geral, e seguindo as regras básicas da gramática do cinema, estudadas e difundidas desde que o relato cinematográfico foi criado por realizadores como D. W. Griffith, os filmes, através da montagem, movem-se num ritmo similar ao da realidade, seguindo

Essa pesquisa irá analisar o filme Nunca fomos tão felizes, dirigido por Murilo Salles em 1984, a partir do pressuposto de uma memória em disputa nos anos decorrentes da  ditadura  militar  no  Brasil,  em  que  a  memória  clandestina  estava,  junto  com  a redemocratização  do  país,  a  ser  discutida  devido  a  dissolução  do  AI-5.  O  filme,  então, passa a fazer um movimento de contra-poder, refutando a memória hegemônica do Estado ditatorial  brasileiro.  A  partir  disso,  também  será  analisado  a  memória  dos  herdeiros  da ditadura,  os  filhos  e  parentes  próximos  que  não  sofreram  com  a  censura  e  tortura diretamente, mas na procura de familiares desaparecidos, ou mudando-se de casa com os pais clandestinos no país.

Texto do folheto da sessão do Cineclube Tela Brasilis realizada na Cinemateca do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro em 16 de fevereiro de 2006 em homenagem aos dez anos de falecimento de Cosme Alves Netto. A exibição de Deus e do Diabo na Terra do Sol (dir. Glauber Rocha, 1964) foi antecedida pelo curta Amazonas, Amazonas (dir. Glauber Rocha, 1966) e seguida de debate com o conservador-chefe da Cinemateca do MAM Hernani Heffner.