Disegno, rappresentazione, teoria e storia della rappresentazione

Il contributo presenta il metodo adottato per lo studio dei progetti di chiese a pianta centrale realizzati da Bernardo Antonio Vittone e raffigurati nel suo trattato. Al fine della analisi delle logiche compositive sottese ai singoli edifici, si è affrontato il ridisegno di ogni singola opera, la ricerca dello schema geometrico di base, la modellazione tridimensionale, effettuate sulla base dei disegni del trattato confrontati con le incisioni preparatorie.

The paper presents the method adopted for the study of projects of central plan churches made by Bernardo Antonio Vittone and depicted in his treatise. To analyze the compositional logics underlying each building, it has made the redesign of every single work, has been researched the geometric pattern, was created the three-dimensional infographic models, all made on the basis of the drawings of the Treaty, compared with the preparatory engravings.

Urban planning and landscape has traditionally made use of the construction of visual and morphological models required for checking the third dimension relations between contexts and projects, more profitably than the “zenithal” mapping.
Physical models, the maquettes, built with traditional technologies, can now be integrated with other devices that allow to improve and broaden the field of investigation, in a plurality of forms of representation, which extend from the physical to the digital model: this has allowed us to enhance the effectiveness of the physical model, as well as the more usual concept phase of the project and morphological checking of spatial relationships, to the control of relations between planimetric structure and three-dimensional shape, between perception and vision of overall volumes, enriched by the dynamic representation of the conditions of solar radiation at different stages of the year.
The use of traditional models integrated with urban and environmental simulation techniques today is therefore a useful experimental field that is based not only on their empirical use, but explores new potentials, enriched with technology upgrades; simulation - in all experimental fields - in fact makes use of the models, including in the term "model" a wide variety of objects, from simple acts of visual communication, to the symbolic reproduction of complex systems.
But "simulation" also means to achieve the effect of something else, go beyond immediate appearances, which often deceive, and a model as a symbolic representation of the current situation, can be used in relation to certain aspects, instead of given situation. The simulation runs all therefore the reality by means of three basic functions: the reduction, simplification, prediction.
So the urban and landscape simulation models allow to support the exploration of components primarily visual, along with other aspects that may return a larger number of parameters to test its overall sustainability.

Il paesaggio fin dall’antichità viene letto, riconosciuto o ricostruito tramite le sue rappre- sentazioni e la storia dei metodi espressivo/rap- presentativi utilizzati.
Possono essere individuate tre fasi distinte nell’evoluzione della sintassi della raffigurazione: la prima legata all’abbandono della chiave paradigmatica e simbolica dei disegni ereditati dal ’300; la seconda caratterizzata dalla presenza di rappresentazioni mongiane misurate e leggibili mediante riferimenti scalari. La terza fase dettata dall’uso dell’elaboratore elettronico e dalla possibilità di modellare e visualizzare in 3D. Il concetto sotteso ai termini “sincronico” e “diacronico” deriva dagli studi di linguistica condotti da Ferdinad De Saussure, secondo il quale la dimensione “sincronica” indaga una lingua indipendentemente dalla sua evoluzione nel corso del tempo, mentre la componente “diacronica” è legata alla variabile temporale. Per utilizzare una figura metaforica l’aspetto “sincronico” è legato allo scatto di una fotografia (quindi una rappresentazione statica), mentre l’aspetto “diacronico” ad una ripresa video (ossia una raffigurazione dinamica od in movimento).

Saggio sull'importanza, la storia, la funzione, del Manuale dell'Architetto, ed una ricerca, svolta per il corso di Rappresentazione 2, col docente Vittorio Ugo, relativo ad un'ipotesi di manuale dell'architetto "ideale", partendo da un'ipotesi di indice perfetto.

L’architettura ha sempre vissuto della doppia anima della rappresentazione slegata dalla realizzazione. Un’opera di architettura può vivere svincolata dalla materia con cui è concepita? Può bastare la sua rappresentazione a renderla immortale all'infuori dalla sua fattibilità?
Piranesi, Boullè e Sant’Elia ci raccontano di opere incredibili totalmente slegate da un contesto di fattibilità sia reale che teorica.
La rappresentazione dovrebbe portare un’idea a essere realizzabile nelle sue linee guida. Tuttavia se questo è facilmente comprensibile nel campo delle altre arti, più labile diventa nel caso dell’architettura. In uno schema ipotetico che pone la rappresentazione come media del piano estetico e, agli estremi di questo, il visibile e l’invisibile - concepito e concepibile, le altre arti si districano chiaramente in tale campo, mentre l’architettura si sviluppa in maniera più complessa divenendo “creazione” già nel suo stadio progettuale. L’architettura vive quindi di diversi livelli di visibilità e il progetto può essere non meno vero della sua versione realizzata.
Se però l’architettura ottiene già nel suo stadio progettuale la dignità di rappresentazione definitiva, cosa la distingue realmente dalle altre arti?
Un modello tridimensionale o un plastico sono meno sculture di un nudo di Prassitele? Uno schizzo di Zaha Hadid è meno dipinto di un Picasso? Un allestimento scenografico, pur nella sua effimerità, è meno opera d’arte di una performance d’avanguardia?
I sistemi di rappresentazione nascono in un ambito dialettico tra il significato dell’opera con il suo contenitore e il significante con il suo contenuto. La rappresentazione oggi è veramente così importante per il significante di un’opera tanto da sostituirsi al suo significato? Siamo arrivati al punto di considerare la rappresentazione come un punto di arrivo piuttosto che un mezzo? E’ ormai così vicina la rappresentazione dell’architettura all’essere assimilabile a una delle altre arti maggiori?

Studio del sistema paesistico storico dei Navigli della Martesana e di Paderno
L'identità storico-paesistica dei navigli alla luce delle fonti documentarie ed iconografiche  (1° parte – novembre 1999  /  2° parte – aprile 2000)
Abstract
Elenco e fonti delle illustrazioni riprodotte  (1° parte)
Elenco e fonti delle citazioni trascritte e delle illustrazioni riprodotte (2° parte)
Bibliografia

A complete manual of Perspective from 0 to 6 vanishing point, including the curvilinear perspective.
Master the curvilinear perspective with four, five and six vanishing point.
Sketch  futuristic cars or the ultimate mp3 player by freehand technique.
Have fun with anamorphic projections and stereo drawings for a 3D effects.
Circles, shadows, people, reflections, and much more.
There is also a 5 languages Dictionary and Terminology page. (Italiano, English, Español, Français, Deutsch).
The book is in Italian.

Louis Kahn, tra il 1965 ed il 1968 lavorò intensamente al progetto per il convento delle Domenicane presso Media, in Pennsylvania. Questo progetto, benché non realizzato costituisce una delle tappe più significative della sua ricerca. Si prende qui in considerazione il percorso che, dalle prime vaghe idee, ha condotto alla straordinaria composizione della pianta del convento, in cui un’elegante complessità viene determinata da un’idea coerente che soggiace ad una sola regola geometrica.
Per potere studiare il percorso seguito da Kahn, si sono analizzati i suoi schizzi, come anche i disegni elaborati dai collaboratori dello studio. Studiando e schematizzando ogni disegno si è potuto ordinare cronologicamente e ricostruire criticamente l’intero processo.
Il percorso progettuale può essere diviso in quattro fasi fondamentali. Partendo dall’idea di creare «una comunità di edifici», Kahn ha verificato gli ingombri dei singoli corpi ed ha tematizzato le varie funzioni richieste dalla committenza. Nella seconda fase ha iniziato a disporre i vari edifici in relazione al sito, tentando di organizzarli secondo giaciture geometriche, determinando spesso spazi ed ambiti fortemente sovradimensionati. In una fase intermedia, anche in risposta alle critiche della committenza, Kahn ha prodotto una grande quantità di disegni per verificare le possibilità di variare la forma del convento mantenendo ferme le relazioni tra i vari edifici. Nella quarta fase la pianta si è ridotta fortemente di dimensioni e sono stati eliminati i corpi di congiunzione tra i vari edifici, che iniziarono a connettersi direttamente l’uno con l’altro rendendo superflui corridoi e corpi di disimpegno. Nella versione finale il convento si riduce ad un recinto aperto, composto dalle schiere di celle, che accoglie sette corpi di forma quadrata fittamente connessi.
Nel progetto, fortemente influenzato da opere significative dell’architettura romana antica, come la Villa Adriana, giungono a maturazione idee che Kahn sviluppava dal 1951, con i progetti per la casa Fruchter, la casa Fischer, il Jewish Memorial Centre, ed il S. Andrew’s Priory a Valyermo. In ciascuno di questi edifici, in modo solo apparentemente paradossale, ogni parte si giustappone alle altre come se volesse sfuggire alla regola compositiva che essa stessa contribuisce a determinare.

The analysis of two Renaissance drawings offers the occasion for a discussion of light in ecclesiastical architecture.
The first exemple considers the well-known drawing – drafted on parchment by Giovanni di Gherardo Gherardi da Prato in competition with Filippo Brunelleschi for the dome of Santa Maria del Fiore – which constitutes both the first fifteenth-century graphic testimony concerning the natural illumination of the church’s interior, and the only drawing contemporary to its construction that has survived and is datable to 1425.
The second drawing is a “studio dal vero” by Baldassarre Peruzzi of Santo Stefano Rotondo in Rome, dating from the beginning of the sixteenth-century. It offers a perspective view of the interior of the monument, portraying a system of artificial lights as evinced by the sharp double-shadows on the pavement, and which remind one of the contemporary studies of Leonardo da Vinci. Because of the importance it attributes to light, this drawing is an unicum among those depicting ancient structures all along  the Renaissance. It is precisely with the depiction of light, with the irregularity of its reflections and of its shadows, that this study gives the impression of a captivating and suggestive space, actualizing ancient architecture as if it were visible to the present. And it is also thanks to the pictorial sensibility of Peruzzi, who knew how to combine a philologic spirit with an unsurpassed expressive naturalism in the Renaissance’s corpus of architectural drawings

Generalmente, quando si indica il cielo, si alzano gli occhi verso l’alto e si guarda in direzione verticale, nella sua infinita altezza; d’altro canto spesso non si nota come il cielo compaia anche all’orizzonte, di fronte ai nostri occhi. È estremamente interessante interpretare la cultura progettuale attraverso proprio queste diverse visioni del cielo e in particolare leggere le espressioni architettoniche orientali così aliene ai nostri stilemi occidentali: la millenaria cultura cinese riproietta nelle città i segni dei Mandala, rappresentazioni geomantiche che nascono dalla visione del cielo lungo la verticale; l’architettura giapponese esprime invece la sua concezione dello spazio guardando proprio lungo la direzione orizzontale, in un rapporto concreto con il mondo osservato.
La cultura nipponica presenta quindi una sua particolarità che può risultare, nella sua diversità, estremamente ricca di spunti. C’è una parola chiave, Ma, che racconta di un diverso modo di leggere l’architettura e il paesaggio. L’ideogramma che raffigura tale concetto è composto dai due segni raffiguranti la porta e all’interno la luna: la concezione dello spazio in Giappone è quel determinato momento in cui la luna può essere vista da dentro uno shogi, la porta-finestra delle case giapponesi. L’estetica del Ma, parola traducibile forse con l’ambiguo termine “intervallo”, indica quindi sì una porzione di spazio, quello frontale racchiuso nella porta, ma anche una porzione di tempo, quello in cui appare la luna. Il progetto diventa espressione del rapporto tra uomo e natura, con lo spazio e il tempo che sono legati poi alla vitalità dell’azione e non sono mai rarefatti in forme eteree. I risultati architettonici raggiunti da questa cultura, la ricerca che si cela in questa diversa visione del mondo e della natura diventano poi espressione della sacralizzazione dello spazio attraverso il progetto del tempo.Sono emblematici gli esempi di Ise e la sua rituale ricostruzione, o il Toori, la porta sacra, dell’isola di Miyagima che subisce le variazioni della marea. La ricerca del Ma è poi rintracciabile nell’estetica contemporanea nipponica che, pur subendo il fascino e gli influssi del mondo occidentale, si ritrova comunque legata alla sua tradizione ed esprime, con nuove forme, ricerche progettuali antiche, come mostrano i progetti di Toyo Ito così legati alle forme naturali e al contempo così slegati dal contesto, o le architetture eteree e sconvolgenti dei Sanaa che definiscono nuovi Ma.

Le ricerche di Enrico Bernard sviluppano l'analisi  delle sinergie neorealiste tra letteratura e arti visive nel crogiolo della seconda metà degli anni Venti e i primi Trenta. La caratteristica peculiare del primo neorealismo, ( in particolare Bernari, e Zavattini sull'epistolario dei quali si fonda questa ricerca) consisterebbe nelle interconnessioni, osmosi e profondi legami artistici e teorici con le altri arti, quelle figurative in particolare. In questa sezione si esaminano i rapporti tra pittura e letteratura neorealista,

A partire da una sintetica riflessione sulla geometria del mondo classico e dalla descrizione dei rapporti armonici, musicali e dimensionali, dall’antichità fino al Rinascimento, nello studio si analizzano le più comuni costruzioni geometriche degli ovali a quattro centri, mostrando come esse non determinino figure con un rapporto armonico tra gli assi. Di conseguenza, utilizzando queste costruzioni, in ciascuna pianta ovale si deve rinunciare ad applicare, a meno di grossolane approssimazioni, la teoria della proporzione. Invece, costruzioni dell'ovale che utilizzano come triangolo generatore un triangolo rettangolo con i lati di lunghezza proporzionale ai numeri 3, 4 e 5, cioè il cosiddetto ‘triangolo sacro’, consentono di disegnare una famiglia di ovali in cui il rapporto tra gli assi è un rapporto armonico. Il volume è corredato da esempi che mostrano come in alcune architetture antiche siano state utilizzate queste costruzioni, la cui origine ancora ci sfugge e che sono state del tutto escluse dai trattati di disegno e di geometria. Nel volume si definiscono e si commentano, inoltre, l’ovale aureo, l’ovale diagoneo e l’ovale equilatero.

"Il saggio è dedicato alla realizzazione di un repertorio dei problemi classici della Geometria Descrittiva per mezzo degli strumenti informatici, alla ricerca di soluzioni più generali e innovative, facendo riferimento al manuale di F. G. M. (Frère Gabriel Marie, al secolo Edmond Brunhes) che ha conosciuto varie edizioni tra il 1877 e il 1909, con una postuma del 1920 e che, recentemente, è stato riproposto in edizione anastatica dall’editore Jacques Gabay. Si tratta di un manuale particolarmente significativo per due ordini di motivi: il primo è senz’altro la mole dell’opera, che raccoglie più di settecento problemi, non elementari, spesso corredati di note relative alla loro evoluzione storica; il secondo è il carattere innovativo, rispetto ad altre opere coeve, carattere che riguarda non solo le soluzioni proposte criticamente ma anche i contenuti. I metodi della Rappresentazione: in pianta e alzato, matematica, numerica, vengono qui approfonditi e messi a confronto nella risoluzione dei problemi proposti da Frère Gabriel Marie: 505, 506, 507, 508, 509, 509I, 509II, 510, 511, 512, 513, 514, 515, 516, 517, 518, 519, 520"

Il contributo è dedicato alla formazione del linguaggio settoriale del design e al suo ruolo nella storia della lingua italiana del Novecento. L’emanciparsi della nuova disciplina dall’architettura — fin dagli anni Trenta del Novecento — e il suo rapido affermarsi nella realtà produttiva del boom economico italiano negli anni Cinquanta costituiscono le basi per la formazione di una lingua speciale. La lingua del design unisce e investe di nuovi significati gli elementi appartenenti sia ai linguaggi dell’arte e della tecnica sia alle lingue di filosofi ed economisti. Nel Novecento la prima pubblicazione dedicata interamente alla produzione artistica in serie, «Stile industria», diretta dall’architetto e designer Alberto Rosselli, proponeva una gamma di testi del tutto aderenti al pluristilismo della nuova disciplina — il design, nonché alla peculiare individualità di tutti i suoi artefici: da artisti ai teorici dell’architettura e del design, dai progettisti ai critici d’arte agli ideatori di messaggi pubblicitari. Il periodico trimestrale, poi bimestrale, di Rosselli accompagnò dal 1954 al 1963 la crescita della società italiana del boom economico, toccando un insieme di fenomeni e processi riguardanti diversi strati della popolazione coinvolti nella produzione e nel consumo dei beni. Col passar del tempo, e la progressiva acquisizione dell'importanza del design non soltanto nell’industria ma anche nella società, la lingua speciale della scrittura del e sul design divenne una delle fonti di innovazione dell’italiano, non soltanto a livello lessicale, con i tecnicismi affermatisi nell’uso, ma anche nella promozione di un modello testuale descrittivo, ricco di epiteti e termini astratti ("atmosfera", "comfort", "creatività" e "creativo", "essenzialità di linee", "funzionalità", "interazione"), costruito con periodi ampi e figure retoriche, in diversi testi pubblicitari di largo consumo.

Nelle facoltà di architettura le discipline afferenti all’area della
Rappresentazione hanno assunto, soprattutto nell’ultimo decennio, un peso
sempre più crescente nella formazione del futuro progettista, stimolandone,
attraverso la Geometria Descrittiva, le capacità di comprensione e di immaginazione
dello spazio e delle mutue intersezioni tra le superfici che lo configurano;
sviluppandone l’attitudine analitica condotta sul manufatto esistente,
attraverso il Rilievo nelle sue più innovative modalità applicative garantite dai
recenti strumenti digitali; potenziando nello studente, con il Disegno tout
court, la piena cognizione dei rapporti esistenti tra rappresentazione e costruzione,
tra disegno e edificio, uno degli scopi principali nell’educazione architettonica
contemporanea.
Tuttavia, la funzione della Rappresentazione va bene al di là della semplice
descrizione di edifici esistenti o solo progettati: a fronte delle implicite e ovvie
limitazioni del linguaggio grafico nel prefigurare in due dimensioni ciò che in
realtà ne ha possedute, ne possiede o ne possiederà tre, esso nasconde al suo
interno illimitate potenzialità espressive e comunicative. Così, se le immagini
planimetriche di un edificio sollecitano la scoperta delle sequenze spaziali e dei
rapporti tra le parti che lo costituiscono, mentre le sezioni, e in genere gli elevati
tutti, mostrano come si gerarchizzano reciprocamente gli spazi, la rappresentazione
digitale consente oggi di innescare processi complessi di modellazione
formale, complice anche la possibilità di animare le più disparate superfici
nei più impensati regimi luministici.
Se, allora, il compito dell’architetto è quello di prevedere gli edifici futuri
attraverso la costruzione di disegni, appare ancor più rilevante che i futuri
architetti apprendano non tanto come disegnare edifici, quanto come progettare
i propri disegni.
Le tesi di laurea raccolte in questo volume – discusse negli anni compresi tra
1999 e il 2002 dai docenti e dai tutors del Corso Professionalizzante per
“Tecnico rilevatore del patrimonio architettonico e dell’ambiente costruito con
l’ausilio di tecnologie avanzate”, e del Corso Professionalizzante FSE per
“Disegnatore CAD metodi scientifici per l’interpretazione e la rappresentazione
dell’architettura”, e presentate durante le attività seminariali in quegli stessi
corsi agli studenti che ne hanno fatto oggetto di esercitazione – hanno accettato
questo presupposto ‘ideologico’, mostrando come l’interpretazione sub
specie geometrica, e la conseguente rappresentazione configurativa degli spazi
e delle immagini studiate dai giovani laureandi scateni una consapevole creatività
nella ricerca, sempre inserita nella rigorosa cornice fornita dalla scientificità
dei metodi di studio adottati. Così dipinti rinascimentali, esempi di stereotomia,
pannelli nipponici classici, forme sofisticate di ‘quadraturismo’ italiano,
indagini su preziosi edifici storici etc., sono tutti temi che, pur nella loro
diversità e specificità, risultano associati dalla comune volontà di usare le
enormi potenzialità dei metodi scientifici della Rappresentazione per svelarne
l’intima natura geometrica e il recondito potenziale simbolico.

Tema di questa ricerca è proprio lo studio e l’analisi storica
e configurativa di un edificio che più di ogni altro, da
parte dello scrivente, sembra incarnare questo doppio temperamento
di quelle architetture che intrattengono rapporti tettonici
e figurativi tanto con il mondo Alto (quello celeste)
che con il mondo Basso (il fenomenico quotidiano), delineandosi
come solide reificazioni di princìpi compositivi astorici,
fondati su presupposti rituali giudicati eterni nell’alveo
delle dottrine che li hanno generati: il tempio di Angkor
Vat.
Suprema espressione dell’architettura templare khmer,
Angkor Vat è qui assunto ed analizzato come terrena e tridimensionale
manifestazione di un’architettura definita mandalica,
con riferimento ai quei complessi schemi devozionali
piani che, combinando patterns geometrici (circolari, quadrati
e triangolari), dovrebbero indurre nell’osservatore uno stato
di mistica e controllata estasi. Infatti, non solo l’intero complesso
urbano di cui l’edificio partecipa è un mandala a scala
territoriale, quale proiezione terrestre della costellazione del
Drago (assai rilevante per i miti iniziatici cambogiani) ma il
singolo tempio è anche luogo di applicazione di particolari
strategie di osservazione dei corpi celesti e dei cicli stagionali,
fortemente impreganti di un humus induista.
Il contesto antropologico-religioso che ha visto nascere
Angkor viene qui indagato nel primo capitolo (MICROCOSMO
E MACROCOSMO), in cui trovano spazio le maggiori tesi e dot-trine dell’Induismo, storicamente nate dall’unione dell’antica
religione vedica con il brahmanesimo. L’illuminazione che
fonda l’esperienza estatica induista sarà in questa sede invocata
come una potente metafora ‘proiettiva’ ante-litteram, ma
priva di connotati geometrici, capace di motivare alcune delle
scelte configurative presenti nell’architettura templare classica
indiana e cambogiana.
Nel secondo capitolo (IL CIELO DI PIETRA), dopo una breve
esegèsi dei caratteri precipui dell’architettura khmer, vengono
analizzate nel dettaglio sia la struttura essoterica, evidente
e fisicamente esperibile, di Angkor Vat, che i suoi profondi
caratteri esoterici, tanto nella sua struttura intimamente
devozionale che nel suo trasmutare, quasi alchemicamente,
da luogo dei rituali di circumbalzione a strumento astronomico
finissimo attraverso il quale osservare il moto apparente
delle stelle secondo complesse strategie di allineamenti, non
solo astronomici, perché carichi di un recondito simbolismo
religioso.
Lo studio di alcuni siti archeo-astronomici, in particolare
quello settecentesco realizzato dal maharaja Jai Sing presso
Jaipur, costituisce l’ossatura dell’appendice (GEOMETRIE
CELESTI), che si configura in tal modo come un’ideale panoramica
su esperienze analoghe a quela cambogiana, realizzate
però in diversi contesti culturali e temporali.

Le opere non realizzate, incompiute, distrutte o trasformate radicalmente, hanno spesso esercitato il fascino del “cosa sarebbe potuto essere”, influenzando architetti, archeologi e studiosi dei Beni Culturali, che variamente si sono esercitati nel cercare di immaginare e visualizzare le caratteristiche di un luogo prima della sua trasformazione o di una parte di città se un’opera non realizzata si fosse concretata. Questo è stato fatto nel pensiero che l’interpretazione accurata sul luogo possa permettere di recuperare ad una conoscenza corretta le sue ragioni e ricostruire un patrimonio di informazioni trasferibili e coerenti, capaci di ricomporre i motivi sia delle realizzazioni che delle mancanze, che delle vicende della sua distruzione o trasformazione. Un'operazione che nell’ambito dell’Architettura richiede una comprensione del progetto sotteso e un percorso a ritroso verso le idee originali che lo hanno generato. Un processo che qui si riassume nel termine "Retroprogettazione".

Studio del sistema paesistico storico dei Navigli della Martesana e di Paderno
L'identità storico-paesistica dei navigli alla luce delle fonti documentarie ed iconografiche:  (2° parte - aprile 2000)

Parallelamente alla rassegna delle immagini più interessanti relative alle vicende storiche dei navigli della Martesana e di Paderno, tratte sia dalla documentazione archivistica che dalle rappresentazioni iconografiche e assai efficaci per cogliere la sensibilità percettiva del passato, altrettanto significative per la conoscenza e la salvaguardia dell’identità storico-culturale dei luoghi indagati sono poi le fonti letterarie, specchio a loro volta della mentalità e della cultura che le hanno prodotte. Attraverso la lettura delle più importanti citazioni letterarie riguardanti i due navigli e il loro contesto paesaggistico, scelte tra gli esempi più significativi, è infatti possibile seguire nel tempo le diverse testimonianze tramandate, completando  il quadro che emerge dalle rappresentazioni iconografiche.
I testi di maggiore interesse riguardano in particolare sia gli scritti narrativi e poetici che i resoconti di viaggio o le guide turistiche, così come la trattatistica storica in materia di scienze agronomiche, idrauliche, geologiche e tecniche.

Sommario
Introduzione pag.  3
La trattatistica storica pag.  3
I resoconti di viaggio e le guide del passato pag. 39
La letteratura narrativa e poetica pag. 51
Elenco e fonti delle citazioni trascritte pag. 82
Bibliografia    pag. 84

Between the end of the 19th and the beginning of the 20th century, as a result of the radical change in the outlines of study for the technical school, in Italy quickly increased the offer of didactic books dedicated to the geometric and architectonic drawing. These works supplied basic knowledge of geometric tracking, a first approach to the various methods of representation and some introductory lessons on architectonic orders.
New ministerial outlines in 1876 made explicit reference to the works of Owen Jones, Auguste Racinet and Jules Bourgoin, so that a substantial part of the scholastic study regarded the analysis and the graphic reproduction of intricate geometric patterns of medieval inspiration.
The volume Elements of geometric drawing by Gregorio Izzi, published in Palermo since 1903, is distinguished in this publishing survey for a rare peculiarity. The book is characterized by an extraordinary graphical cure and a great attention to the quality of the plates. Many of them show the geometric mosaics from the Cappella Palatina in Palermo. These plates turn out to be a new version of some drawings pubblished in a ponderous book about the Cappella Palatina illustrated in 1872 by Andrea Terzi. In all probability, when Gregorio Izzi was young, he had been a member of his team.
Izzi’s work shows as in Palermo, at the beginning of 20th century, also in the narrow field of educational books, the publishing trade was animated by a deep cultural sprightlyness

Nel mese di luglio del 1825, l’architetto-disegnatore Jean-Jacques Lequeu (Rouen 1757-Parigi 1826) confeziona gran parte dei lavori di una vita trascorsa al tavolo da disegno per donarli alla Biblioteca del Re (oggi Biblioteca Nazionale di Francia) appena un anno prima di spegnersi nel suo appartamento di Parigi al numero 33 di rue Saint-Sauveur. Da quel momento il gruppo di disegni appartenuti all’architetto normanno costituirà una delle collezioni più eterogenee e ricche di contenuti di tutto il département des estampes et de la photographie, dove oggi sono custoditi. Di questa insolita raccolta fanno parte alcuni volumi manoscritti corredati da tavole magistralmente acquerellate – come quelle della Architecture Civile e della Nouvelle Méthode – ma anche una serie di fogli contenenti vari progetti mai realizzati, ritratti e autoritratti ghignanti, figure di sessi maschili e femminili, mappe e cartografie, disegni di entomologia, di botanica e meccanica, un breve trattato sulla tecnica dell’acquaforte, un diario su un presunto viaggio in Italia e un breve componimento su come lavare la biancheria, tingerla e inamidarla. Un vertiginoso susseguirsi di temi che giustifica il proliferare di epiteti attribuiti negli anni a Lequeu da parte della storiografia.
Il già complesso apparato grafico è accompagnato dalle vicende biografiche dell’autore, ricche di fasi ambigue e colme di nodi ancora da sciogliere, ulteriormente aggrovigliati dallo spettro di Marcel Duchamp che aleggia sull’opera del disegnatore e che alcuni vedrebbero a capo di una congiura patafisico-surrealista, atta a dar battaglia alle idee moderniste di Le Corbusier.
Bollato spesso frettolosamente come il meno celebre tra gli architetti della triade kaufmanniana, oggi Lequeu non è più uno sconosciuto, eppure sono ancora numerosi i vuoti da colmare e altrettanti gli spunti nuovi da proporre nello studio di questa enigmatica figura.
Il volume parte da questi “frammenti” di carta, inchiostro e colore tracciando un percorso che approfondisce un’infinitesima parte del patrimonio grafico regalatoci da Lequeu, ovvero la Nouvelle Méthode appliquée aux principes élémentaires du dessin, tendant à perfectionner graphiquement le tracé de la tête de l’homme au moyen de diverses figures géométriques, un breve trattato sul disegno della testa umana e delle singole parti che la compongono, datato 1792. Lo studio viene condotto attraverso l’utilizzo degli strumenti del disegno e dell’analisi grafica, ritenuti più adeguati a riempire talune lacune interpretative oltre che ad offrire quel rinnovato punto di vista che l’indagine dell’opera di Lequeu meriterebbe. La scomposizione grafica delle tavole del trattato, parallelamente allo studio del manoscritto, mette in evidenza il contrasto tra la bizzarra unicità del metodo e la profonda, a tratti disarmante e macchinosa, coerenza delle costruzioni geometriche, assegnando all’opera di Lequeu un posto di tutto rispetto a fianco dei trattati più celebri. Forse è proprio il fascino perturbante sprigionato dalle abbacinanti tavole trattate al lavis la causa principale che negli anni ha distolto lo sguardo dello studioso. I disegni di Lequeu, infatti, fino ad oggi non erano mai stati analizzati da vicino con gli strumenti del disegnatore.

This paper presents a case for the study of Mattia Preti’s repertoire of drawings, including recent discoveries, as calligraphy. It examines the varied evidence which his works on paper yields to explain how the artist’s creative thoughts are transferred onto paper and the possible reasons behind his choice of methods.

The first page of the "Third book" (Venice, 1540) of Sebastiano Serlio describes the effect of natural light inside of the Pantheon. It provides also a wider exploration of the reception of antiquity about lighting system in the architectural practice and theory in Sixteenth century. The essay revolves also on the failed attempt by Giacomo Della Porta in 1591, upon request of Innocenzo IX, to alter the internal brightness of the Pantheon, closing the ‘giant eye’ with a lantern and opening three great windows in the vault. The plan is described in a document autograph by Della Porta, published by Donelly in 1986. Bettini proposes a graphical reconstruction of the project based on that document. The essay faces finally the problem set by the Pantheon to Renaissance architects: how to bring light to the chapels around the cella. A problem crucial for the development of central plan churches, as it is argued examining some projects by Baldassare Peruzzi and Michelangelo for S. Giovanni dei Fiorentini.

This essay considers the architectural setting depicted in the famous Melozzo's fresco 'Sixtus IV Founding Vatican Library', through the analysis of ancient sources (Vitruvio, Isidoro di Siviglia) and contemporary sources (Francesco Patrizi), the author draws the reconstruction of the space where the figures are arranged.

Approfondimenti dalle tesi di dottorato. Abstract in L. Carlevalis (a cura di) Linee di ricerca nell'area del disegno. XXXV Convegno internazionale delle discipline della rappresentazione, X Congresso UID. Aracne, Roma, pp 105, 109, ISSN 9788854864764

In 1878 Giuseppe Damiani Almeyda published Giacomo Barozzi da Vignola ed il suo libro dei cinque ordini d’architettura, a booklet where he asserted to be pleased that the architectonic orders according to Vignola’s rules were left out of courses of ministerial studies.
Although the estreme clearness of Vignola’s design metod, issued in thousands of books, in Damiani’s opinion it was responsible for taking the students away from the straight study of roman and greek ancient architecture.
Differently from Vignola, in his educational works Damiani did not suggest any proportional scheme. Otherwise he taugth to observe with patience and sensitivity the ancient buildings with the aim to detect the deep meaning of figures and shapes. Only by attending directly to the study of greek and roman architecture students would be able to create genuine modern forms.
Even in a period marked by a linguistical experimentalism like the end of 18th century, Damiani’s major works, such as the Politeama of Palermo, distinctly show how the revolutionary, joyful and rigorous architectonic style he developed was straightly founded on his deep and scrupulous study of classical forms.