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Usted debe saber
Este no es un libro académico de dibujo de figuras; ni cubre los
conceptos básicos del dibujo de la forma humana. Lo que hace
este libro es explorar y examinar mi enfoque creativo personal
para dibujar y estilizar la figura humana. No podría haber
obtenido nada de este conocimiento sin haber pasado muchas
horas en cursos introductorios practicando los fundamentos
del dibujo de la forma humana. Un curso introductorio de
dibujo de figuras cubriría principios como: proporciones
básicas, volumen, escorzo, anatomía, luces y sombras, etc., etc.
- estas son cosas que no cubro en este libro. Hay docenas de
libros fantásticos que cubren estos principios de una manera
mucho más completa. En otras palabras, no se moleste con
este libro si se siente un poco ligero en las instrucciones
básicas, no lo diseñé de esa manera.
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LA META INALCANZABLE
Descripción general
Existen muchos enfoques diferentes para dibujar la figura
humana, ninguno de los cuales es el camino "correcto" o el
único camino. Ciertamente, no creo que mi enfoque sea más
válido que el siguiente, pero hay razones por las que me he
inclinado por dibujar de esta manera y, con suerte, eso arrojará
algo de luz sobre este proceso.
Como joven animador tradicional, me enseñaron que dibujar la
figura en poses rápidas era una práctica esencial para
cualquier aspirante a animador que quisiera aprender a
dominar el gesto de la figura humana. Si bien esta práctica
sigue siendo cierta, esperaba que los gestos rápidos de la
figura también pudieran convertirse en una obra de arte
estéticamente agradable. Al darme cuenta de que el dominio
absoluto de dibujar la forma humana nunca es realmente
alcanzable, seguí tratando de encontrar nuevas formas de
dibujar la figura y experimentar creativamente. Me
preguntaba, ¿qué es más importante para la práctica, la técnica
frente a la creatividad, la precisión frente al diseño? No estoy
seguro de tener estas respuestas todavía, pero mi búsqueda
para encontrarlas, a través del dibujo de la figura, sin duda ha
sido divertida. Este libro es una colección de mis experimentos
sabiendo muy bien, que probablemente nunca encontraré la
respuesta. Disfrutar.
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Crayón Conté
Mientras que otros artistas usan lápices de carboncillo,
carboncillo de vid y pastel, he descubierto que el crayón de
Conté es mi herramienta favorita para dibujar gestos. Conté
viene en varios grados de dureza, siendo el grado 2B el que
más me gusta usar. Si eres un artista de mano más dura,
piensa en in-
invirtiendo en un grado más duro de Conté.
Nota: Al comprar su Conté, asegúrese de que los palitos de Conté no
estén rotos dentro del embalaje. A veces, el Conté se maneja mal, lo
que puede destruir su usabilidad. Ahórrese un viaje de regreso y
examine el Conté antes de salir de la tienda.
Advertencia: ¡A Conté le gusta terminar en tu cara! Después de dibujar
con Conté, con frecuencia encontrarás manchas negras en tu nariz.
Cómo sucede eso, para los estudiantes y para mí, es un misterio. Así
que mire un espejo antes de dejar su bloc de dibujo para una
entrevista de trabajo.
Bloc de notas de prensa
Una libreta de papel periódico de 18” x 24” le dará suficiente
espacio para dibujar. Cualquier marca servirá. Mi preferencia
personal es el papel periódico liso en lugar del rugoso. Rough
tiene mucho más diente, lo que deja un poco más de textura en
su dibujo. Voluntad suave
lucir más suave y limpio.
bloque de papel de lija
Para afilar el Conté, se necesita un bloque de lija. Es
esencialmente una pieza de madera con tiras de papel de lija
adheridas. Muchos estudiantes hambrientos han descubierto
que un trozo de papel de lija de la ferretería funciona
también.
Episodio 1
Afilando tu Conté
Cosas que necesitas: cuchillo X-Acto, Conté y bloque de papel
de lija.
El proceso: Paso 1: con un cuchillo X-Acto, afeite su Conté de
modo que la punta del palo tenga aproximadamente media
pulgada de largo. Desea que el punto Conté sea bastante
agudo. Esto le permite tener diferentes bordes para elegir
cuando comience a trabajar en sus dibujos. Trate de tener un
borde plano fuerte, un borde muy afilado y un borde medio. El
proceso de afeitado puede ser complicado, por lo que es
posible que desee hacerlo sobre un bote de basura.
Paso 2: una vez que haya rasurado el Conté, ahora está listo
para el bloque de papel de lija. El bloque de papel de lija refina
el afilado para lograr un buen borde. Mientras gira el Conté,
frótelo hacia arriba y hacia abajo con el papel de lija hasta que
haya creado una punta redonda en forma de aguja.
LA PUNTA
BORDE MEDIO
BORDE ANCHO
Conté
ahorros
ple de
aquellos
dibujar
o no
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Experimentando con el medio
A medida que comience a experimentar, preste especial
atención al uso de los bordes ancho, mediano y fino de su
herramienta. Dedique mucho tiempo a experimentar con los
tres bordes diferentes. Tenga en cuenta, mientras dibuja, variar
la presión del Conté sobre el papel, lo que le dará una variedad
de grosor de línea. Esto crea interés y profundidad en sus
dibujos. Debes tener algunas líneas oscuras y gruesas muy
bonitas mezcladas con algunas líneas suaves para dar la ilusión
de volumen. Querrás asegurarte de pasar tu borde ancho en tu
papel varias veces antes de la primera línea de tu dibujo. Esto
ayudará a suavizar las irregularidades en el Conté.
Una herramienta simplificada como Conté ayuda al artista a
relajarse y concentrarse en las formas más generales. A veces,
tendemos a ponernos muy tensos y como fideos cuando
usamos un lápiz o un bolígrafo. Esta herramienta entrena al
artista para que se relaje. Conté también lo alentará a dibujar
con el hombro en lugar de con las yemas de los dedos
sosteniendo el Conté como si fuera un pincel. El hombro
dibujará formas grandes y anchas y arcos amplios, mucho más
que las yemas de los dedos.
'Dejar ir' cuando calentamiento arriba
el hombro. En lugar de preocuparte
demasiado por crear una hermosa obra de
arte, trata de concentrarte más en relajarte
y liberar tu creatividad. Trate de no analizar
en exceso cada línea durante el
calentamiento; sólo impedirá su creatividad.
Haz un esfuerzo para permitir que tu
cerebro cometa errores. He encontrado con
frecuencia que muchos errores que he
cometido terminan convirtiéndose en
"momentos de Einstein".
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Sin borrador
Conté es un poco más ceroso que el carbón o el nupastel; por
lo tanto, funciona bastante bien para dibujos más rápidos. Una
vez que escribe una línea, no se borra fácilmente, por lo tanto,
debe aprender a aceptar la línea y trabajar con ella de todos
modos. La ausencia de dibujo sustractivo genera confianza y
permite errores felices, que rara vez experimentamos cuando
borramos todo el tiempo.
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Busque comentarios
Al igual que con todos los proyectos artísticos, asegúrese de
que otros (artistas y no artistas) critiquen su trabajo. A veces
estamos cegados por nuestros propios logros hasta el punto
en que ya no exploramos más vías de mejora. Otro truco que
me gusta usar es mirar mi trabajo en un espejo. Es posible que
se sorprenda de los errores que aparecen al ver su trabajo al
revés.
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Episodio 2
Dibujo de borde ancho
Trate de dibujar con el borde ancho solo por un tiempo. No te
rindas después de los primeros dibujos. Es posible que
inicialmente no sean bonitos. Esta técnica limita su capacidad
para dibujar detalles y obliga a la mano y al ojo a ver las
grandes formas y curvas de la forma. Esto ayudará a entrenar
tu ojo para ver el gesto general y cómo se relaciona con la
forma como un todo.
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Medir o no medir
Es posible que haya recibido capacitación previa sobre cómo
medir el cuerpo con el pulgar o un palo. Trate de negar este
impulso de medir y, en cambio, vaya con la intuición, o lo que
se siente bien. La idea con este proceso es desarrollar una
herramienta de medición intuitiva para proporciones humanas.
Puede que no sea 100% preciso, pero como dije antes, ¿qué es
más importante, la precisión o el diseño? Sin embargo, si no
tiene ningún conocimiento de las proporciones, le recomiendo
que estudie para que pueda construir sus dibujos a partir del
conocimiento y no solo de las conjeturas.
BORDE MEDIO
BORDE ANCHO
BORDE DE PUNTA FINA
BORDE ANCHO
BORDE MEDIO
BORDE DE PUNTA FINA
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la forma completa
Una de las cosas más difíciles de conquistar es cómo observar
el cuerpo humano. Para la mayoría de nosotros, lo vemos
como un grupo de miembros individuales que forman un todo.
El problema con eso es que cuando "miramos" el brazo, el
muslo o el hombro como miembros individuales, nos distraerá
de ver su relación como un cuerpo completo. La capacidad de
ver la forma humana como un todo, en lugar de una colección
de diferentes miembros, masivamente
mejora su capacidad para diseñar con eficacia.
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Para entrenar el ojo para ver la forma completa como un todo,
en lugar de solo partes individuales, es importante identificar
los ritmos de la forma. Me hago preguntas como: “¿Cuál es la
relación entre la cabeza y el tobillo, qué pasa con la palma de la
mano y la rodilla o el ritmo a través del cuello, bajando por la
columna y a lo largo de una pierna?”
Observe las líneas rojas en los siguientes dibujos. Indican los
ritmos entre las partes del cuerpo.
Estos dibujos son poses de 1-2 minutos.
Episodio 3
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¿Cuánto tiempo tomó este dibujo?
La gente frecuentemente quiere saber cuánto tiempo tomó
hacer estos dibujos. En mis clases de dibujo de gestos,
normalmente comenzamos con poses de 2 a 3 minutos. Si
siento que realmente necesitamos relajarnos, descenderemos
hasta las poses de 10 segundos. La mayoría de los dibujos en
estas dos primeras sesiones tienen un límite de tiempo de 1 a 3
minutos. Más tarde, cuando exploramos la luz, la sombra y la
ropa, estiramos el tiempo de 5 a 8 minutos. Algunos de los
dibujos creativos hacia el final del libro pueden caer en la zona
de 15 minutos, pero ese es el límite. Descubrí que la mayor
parte de lo que se necesita aprender para dibujar la forma
humana sucede dentro de los primeros 2 minutos. Es entonces
cuando se toma el 90% de todas las decisiones críticas.
Después de eso, todo es solo la guinda del pastel. Entonces, sí,
¡tendemos a pasar por muchos blocs de dibujo!
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Intente cambiar a un rotulador de pincel de
vez en cuando. Puede ser muy difícil, pero
aprenderá a ser muy eficiente con cada
línea.
sesenta y cinco
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Paso a paso
Aquí hay algunas demostraciones paso a paso. Es difícil para mí
explicar exactamente cómo dibujo el formulario de forma
procesal. Con toda honestidad, es diferente cada vez. A veces,
primero dibujo las formas de las sombras. Otras veces,
comenzaré con una forma gráfica. Comúnmente comenzaré
con la cabeza y, ocasionalmente, comenzaré con las caderas.
En aras de demostrar un procedimiento que puede ayudar al
lector, aquí hay uno bastante seguro:
Paso 1 - Se ponen los ritmos básicos de la forma.
abajo primero.
Paso 2: se agregan formas simples. Paso 3: algunos
detalles adicionales para describir el
forma
Paso 4 - Luz y sombra.
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Aquí es donde la forma realmente comienza a cobrar vida. Sin
luces ni sombras, tienes que describir la profundidad de la
forma con líneas de contorno. Solo hay dos tipos de bordes de
sombra que uso en el dibujo de gestos, sombras de forma y
sombras proyectadas.
Las SOMBRAS DE FORMA se crean por el desvanecimiento
gradual de la forma de la fuente de luz. Debido a que el plano
de la forma ya no está en presencia de luz, las sombras de
forma también se denominan sombras centrales: son la parte
más oscura de una sombra. Estas sombras se dibujan suaves,
con el borde medio de la herramienta.
LAS SOMBRAS PROYECTADAS son creadas por una parte del
cuerpo que proyecta una sombra sobre otra superficie. Estas
sombras se dibujan con bordes nítidos, finos y duros. No
bordes anchos y oscuros.
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episodio 4
SOMBRA PROYECTADA
FORMA SOMBRA
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SOMBRA PROYECTADA
FORMA SOMBRA
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Luz Directa
Ayuda tener una fuente de luz singular muy directa al definir las
sombras. Si usa más iluminación ambiental o luz del norte
desde una ventana grande, no obtendrá sombras nítidas.
ujo de líneas en el formulario.
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FORMA SOMBRA
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episodio 5
En los dibujos de gestos rápidos, es muy importante simplificar
la ropa y el vestuario tanto como sea posible. Debido a que no
hay suficiente tiempo en las poses para capturar cada pliegue,
debe evaluar rápidamente el patrón de pliegue generado por
el punto de tensión. Una vez que haya determinado eso, haga
el diseño del pliegue. Así es, tú los creas y los diseñas de la
manera que creas que se ve mejor. Si intenta replicar los
pliegues con exactitud, exagerará su dibujo y perderá todo su
tiempo en una pierna del pantalón, Y, no se verá tan bien como
si lo hubiera inventado.
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Fíjate en la simplificación de los pliegues. Ninguno de estos
pliegues existió así. Después de encontrar el punto de
tensión, hice el resto.
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ilustrar una idea
Estos dibujos son un poco más ilustrativos. Una vez que tenga
el Conté bajo control, comprenda la luz y la sombra, y sea
capaz de diseñar pliegues en la tela, podrá comenzar a crear
algunas ilustraciones divertidas.
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Exagerar la forma es el primer paso para añadir un poco de
creatividad a tus dibujos. Puede ser muy difícil hacer esto al
principio, especialmente si eres uno de esos artistas cuyos
dibujos dependen más de la observación que de la
imaginación. Para desglosarlo aún más, piense en la
exageración de estas tres maneras:
1. Exagerar el gesto
2. Exagerar la proporción
3. Exagerar el estilo
EXAGERAR EL GESTO es cuando empujas la pose más allá de lo
que el modelo realmente está demostrando. Puede ampliar la
postura, arquear la espalda más de lo que ve y estirar los
brazos rectos en lugar de esa ligera flexión. Su conocimiento
de la anatomía humana se vuelve cada vez más importante
aquí, porque no es fácil forzar la forma si no sabe lo que
sucede debajo de la piel.
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EXAGERAR LA PROPORCIÓN es cuando decides manipular
creativamente las proporciones estándar del cuerpo. Puede
agrandar las manos y los pies, alargar el cuello o acortar el
torso. Intente agregar 200 libras de grasa a su modelo o
agregue 200 libras de músculo. Eliminar 50 libras de masa
corporal realmente puede revelar su conocimiento de la
estructura esquelética.
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Diseñando las proporciones exageradas
Una cosa que DEBE considerar al exagerar la proporción es que
lo haga con buenos principios de diseño. No se limite a hacer
dedos enormes y dejar el resto de la forma proporcionalmente
correcta. Eso se ve raro y la gente pensará que cometiste un
error. Si su toma de decisiones está guiada por un buen diseño,
parecerá intrigante e intencional en lugar de un grave error.
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empujando la figura
Me gusta pensar en el dibujo de gestos como un viaje creativo.
Al principio, se deben aprender los principios básicos del
dibujo, como las proporciones, el volumen, la composición, el
diseño, el gesto, los ritmos corporales y la luz y la sombra. Una
vez que sienta que tiene una comprensión básica de estos
principios, puede comenzar el viaje creativo hacia la
exageración. El primer paso para dibujar desde tu mente
creativa es la capacidad de no confiar completamente en lo que
ves frente a ti.
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Cuanto mejor comprenda los principios básicos del dibujo,
mejor podrá saber cómo doblar esos principios para trabajar
con sus ideas creativas personales. A veces es muy difícil
comprender este concepto. Descubrí que traspasar los límites
de la creatividad, mucho más allá de lo que crees que es
aceptable, te da una mejor comprensión de los límites. Si
nunca te alejas de la realidad, nunca entenderás dónde está
ese límite.
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empujando la figura(continuación)
A veces, me gusta preguntarme: "¿Qué porcentaje del dibujo se
basa en el modelo que tengo frente a mí frente a lo que se
basa en mi propia imaginación creativa?" Comience con una
proporción de 90/10 y, como se muestra hacia el final de este
libro, puede llegar hasta una proporción de 5/95. Aquí es
cuando realmente comienza la diversión.
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Espejo Casa Divertida
También hay un ejercicio divertido que me gusta llamar el
“espejo de la casa de la diversión”. Esto es cuando finges que
estás mirando a través de un espejo distorsionado de una
forma deformada. Este ejercicio puede impulsar en gran
medida su lado creativo sobre el lado académico de dibujar la
figura.
PROPORCIONES CORRECTAS
DE MODELO
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LA MISMA POSTURA. . . SOLO PROPORCIONES EXAGERADAS
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Luego está esta zona realmente extraña de dibujar la figura
que llamo "dibujos inspiradores". Apenas representan la figura
en absoluto, y están meramente inspirados en la pose del
modelo; pero después de eso, se trata de dejar volar tu
creatividad. Si bien esta puede ser una forma increíblemente
liberadora de dibujar, tenga cuidado de no abordar esto sin
una muy buena base de dibujo.
- o sus dibujos resultarán demasiado ilegibles.
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EXAGERAR EL ESTILO es una parte muy importante de divertirte
con tu dibujo. Esta es la tercera forma en que veo la
exageración, y se hace cuando te tomas cierta libertad
estilísticamente. Para empezar con este tipo de ejercicio, es útil
tener alguna referencia a mano. Por ejemplo, intente tener
algunos dibujos de personajes de dibujos animados clásicos de
Warner Brothers como Bugs Bunny, Wiley Coyote y Elmer Fudd.
Luego, mientras dibuja el modelo, intente incorporar su dibujo
al estilo antiguo de Warner Bros. como si fuera parte de la
caricatura. Puedes probar esto con casi cualquier estilo
artístico. Tampoco siempre necesitas una referencia; también
puedes experimentar con estilos personales oscuros y
extraños.
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Formas gráficas
Dedique algún tiempo a dibujar la figura como formas gráficas.
Este es un ejercicio muy divertido que puede parecer
demasiado simple, pero puede ser bastante desafiante.
crear un buen diseño.
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Artistas bien educados
Hay valor en dibujar de la vista y hay valor en dibujar de
nuestras mentes. Cuando dibujamos de nuestras mentes,
extraemos experiencias de nuestras vidas para dar forma a lo
que dibujamos. El resultado es un reflejo único y personal de
nosotros mismos. Ser artistas bien educados, no solo
académicamente, sino en la vida. Conozca a las personas y sus
personalidades, descubra su historia. Analice las garrapatas
individuales que tienen las personas o sus peculiaridades de
personalidad. Crear experiencias con personas reales mejorará
su conjunto de opciones creativas para aprovechar.
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episodio 8
La idea
Acababa de terminar de trabajar en guiones gráficos y una
animática para una gran producción de estudio de Hollywood,
¡y qué proyecto tan asombroso! muy divertido para trabajar,
muy divertido para dibujar. Pero cuando terminó, estaba listo
para hacer algo diferente.
Estaba en el avión volviendo a casa desde Los Ángeles, volando
de regreso a Utah, y estaba deprimido, realmente deprimido
porque me sentía muy trabajado. Sentí que estaba pasando
mucho tiempo en Los Ángeles y mucho tiempo lejos de la
familia. A veces tenemos la tendencia a dejar que nuestros
trabajos se apoderen de nuestras vidas.
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(continuación) Y me sentí tan abrumado, recuerdo estar
sentado en el avión y volar a casa y solo estaba escuchando mi
iPod, y esa canción de los Weepies sonó, la canción llamada
"The World Spins Madly On". Y solo recuerdo conectarme con
esas letras. Sobre cómo el mundo está girando locamente y
cómo los pensamientos, ciertos pensamientos, nos ayudan a
enraizarnos en un mundo que simplemente gira. Como
pensamientos de nuestros seres queridos, de personas que
extrañamos y personas que amamos. Nos devuelve a una base
sólida para que no estemos dando vueltas en ese mundo.
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(continuación) Y en ese momento comencé a pensar en cuánto
extrañaba, no solo a mi esposa, sino también a mis hijos, y
simplemente estar en casa. Y fue entonces cuando pensé que
tenía que hacer algo con eso, tenía que hacer un cortometraje
que se relacionara con esa emoción. Y quiero hacerlo con la
danza porque a mis hijos les gustaba mucho la danza y a mí me
encanta ver la danza contemporánea, y mi esposa solía ser
bailarina, así que todas estas ideas me empezaron a llegar.
Realmente todo sucedió en ese viaje en avión cuando estaba
experimentando esa carga. Y ahí es cuando, como artista,
tienes que hacer algo con eso.
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Preproducción
Sabía que no podía animar una hermosa danza
contemporánea, porque no soy coreógrafa de danza, y ahí es
donde entró Kor i. Kor i Wakamatsu es instructora de danza y
coreógrafa universitaria. Ella arregló bailarines para probarte
para este proyecto que estaba armando. Pasé algunas
semanas con Kori en el departamento de danza filmando
material de referencia potencial para la animación.
No quería influir en la coreografía inicial en absoluto. Kor i
haría la coreografía, pero también coreografía con los
bailarines. Entonces, los bailarines a veces decían "hey, quieren
sobre esto o qué sobre eso", por lo que también estaban
involucrados creativamente.
Mientras observaba los ensayos y los bailes, traté de visualizar
en mi mente todo lo que quería hacer en lo que respecta a la
animación y todas estas ideas seguían viniendo a mí mientras
bailaba. Y, de hecho, muchas de las modificaciones que hicimos
fueron "sobre la marcha" debido a las ideas que iban
surgiendo.
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INSPIRACIÓN
La inspiración creativa es realmente difícil de definir y aún más difícil
identificar los desencadenantes que generan el pensamiento
creativo. He descubierto que “buscar” inspiración creativa personal
no funciona para mí. Ciertamente puedo inspirarme cuando miro el
trabajo de otros artistas, pero la inspiración creativa personal llega
en momentos inesperados. Viene cuando somos sensibles a
nuestras emociones, nuestras experiencias, nuestra existencia y
otras personas.
Esa sensibilidad es muy inconsistente y va y viene inesperadamente.
Parece que somos más sensibles cuando estamos pasando por
algún tipo de experiencia altamente emocional. Ahí es cuando siento
que la inspiración creativa artística está en su punto más alto. Se
trata de descubrir una conexión personal con las fibras de nuestra
propia vida y luego usar el conocimiento y las habilidades que
hemos adquirido a lo largo de los años para crear una obra de arte
que refleje esa conexión personal. Esa carga de emoción
simplemente se desvanecerá y morirá como una emoción pasada si
no se la atiende. Sin embargo, si puede tomar esa emoción,
escribirla, documentarla y planificar la creación de una obra de arte
que defina esa experiencia, entonces acaba de recibir y actuar en
base a la inspiración creativa personal. Y ahí es donde sucede la
magia.
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Me encanta la animación tradicional y me encanta la animación
dibujada a mano, tiene vida. No es un algoritmo matemático que
calculó eso. Tiene errores. Me gusta eso.
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Para capturar con precisión el movimiento figurativo profesional de
la forma humana, usé bailarines en vivo como referencia. Sin
embargo, al igual que cuando dibujo la figura con Conte, hay una
enorme cantidad de exageración y exploración creativa en cada
movimiento. Algunas son más literales y honran el movimiento
propio del bailarín, otras se apartan por completo de la forma y se
adentran en esa zona de exploración y estilización.
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La animación está muy impulsada por la silueta, mucho sobre la
figura. Pero es desde la distancia, lo cual es interesante, porque
muchas veces en la animación o el cine, cuando queremos mostrar
una emoción, nos acercamos y nos acercamos a esa expresión. Pero
yo no quería hacer nada de eso. No quería mover el
cámara alrededor, o introduzca un primer plano y luego una toma a
distancia. No quería usar técnicas cinematográficas para
desencadenar emociones. Quería que fuera genuino en su
naturaleza simplista: dos personas, bailando, sin expresiones
faciales, sin diálogo, dibujado a mano y con mucho simbolismo.
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La animación EF X fue mi primera carrera profesional en animación.
Cuando animo elementos de EF X como agua, humo o fuego, me
siento de nuevo como un joven animador, luchando por ser lo mejor
que puede ser. Es como revivir grandes recuerdos de maravillosas
producciones pasadas.
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Cada uno de los latidos de esta película tiene un desencadenante
personal para mí. Hay una razón y un significado para ello. Sin
embargo, no quería alimentar con cuchara ese significado con
acciones abiertas. Quería permitir que cada espectador encontrara
su propio significado personal de, por ejemplo, la figura humeante,
las alas, los pesados brazos acordonados, las sombras que varían,
etc.
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Sabía que tenía una gran tarea por delante, dos minutos y medio de
animación y 24 fotogramas por segundo. Son muchos dibujos. Pero
no es como el trabajo. Cuando miro el reloj y veo que tengo un par
de horas extra para venir a trabajar en esto, es realmente agradable.
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La animación fue dibujada en Adobe Flash. Hay 4.127 fotogramas en
los que se mueven los personajes. Y hay bastantes capas; estamos
viendo más de 20,000 dibujos diferentes. . . es como animar a la
antigua usanza, donde tenías tus papeles entre tus dedos. Para que
pudieras voltear tus papeles y observar el movimiento mientras lo
volteabas. Mientras hojeo los marcos, aunque estoy trabajando
digitalmente, se siente como el mismo proceso.
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comenzó su carrera en
1995 como animador para Feature Animation de Warner
Brother. A lo largo de los años, ha trabajado como animador,
animador de EF X, diseñador conceptual, artista de guiones
gráficos y artista de animación. Ha trabajado para Sony
Pictures, Cartoon Network, Walt Disney Studios, Marvel
Entertainment y DreamWorks Pictures en películas como Space
Jam, The Quest For Camelot, The Iron Giant, Osmosis Jones,
Spider-man 2, Spider-man 3, Where The Wild Things Are,
Ironman 2 y Cowboys & Aliens (2011). Ryan ha producido y
dirigido 4 cortometrajes que se han proyectado en más de 30
festivales de cine en todo el mundo. Desde 2003, Ryan ha sido
miembro del cuerpo docente del programa de Animación de la
Universidad Brigham Young, donde enseña guión gráfico,
dibujo de figuras y animación. Ryan tiene un BFA de la
Universidad Brigham Young y un MFA de The Academy of Art
University en San Francisco.
r yanwoodwardart.com
conteanimated.com
Volúmenes anteriores de los libros Gesture Drawing de Ryan Woodward:
Dibujos de gestos y cuaderno de bocetos de la vida (2004)
Un libro que recopila los dibujos de gestos de Ryan organizados desde gestos de diez segundos hasta gestos de 15 minutos; además, hay
algunos dibujos exagerados, creativos y refinados; y una pequeña sección de cuaderno de bocetos.
Dibujos de gestos vol. 2 (2006)
Una pequeña colección de una variedad de dibujos de gestos reunidos en la clase de dibujo de gestos de Ryan en 2006.
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Esta es una divertida caricatura estilizada realizada por mi buen amigo Jared Greenleaf, quien no solo es mi socio en el crimen, sino
también un gran amigo. Puedes ver su trabajo en: jsgreenleaf.com
