Instalação

Concerns us in mapping an image production that extrapolates directions traditionally agreed to the term, thinking
another joint of image, incorporating it mainly to the territory of research in art in Pará. In this clip of the research
project we focus on the issues of modes of spatial image in exhibition environments in the Pará art circuit. Headed
a reading of a body that acts as an image that communicates and is an integral essence of these spaces. From
this perspective, we speak of a contemporary body that is increasingly infiltrated within the local production of
visual arts.

Resumo: Este artigo tem como objetivo trazer a contribuição de artistas da sound art ou arte sonora, para o pensamento artístico e estético de linguagens concernentes ao campo das artes visuais, em especial, a instalação. A partir do conceito de campo expandido, forjado pela teórica de arte Rosalind Krauss, o elemento sonoro será considerado como articulador das obras mapeadas. O campo expandido do som será problematizado visando a amplitude de sua presença na construção de poéticas do espaço e da participação (interatividade) junto aos circuitos de arte contemporânea e arte tecnológica atuais. Palavras-chave: instalação sonora, sound art, arte sonora, performance. As possibilidades advindas a partir de incrementos na tecnologia do fazer e pensar artísticos refletem as instâncias nas quais as sociedades atuais globais se constituem. Toda uma gama de máquinas, engenhocas, programas, produtos e serviços surgem e se inserem no cotidiano urbano das grandes e médias cidades, transformando cenários e contextos. Do século XIX para cá, com o advento de três grandes revoluções tecnológicas-a eletromecânica, a eletroeletrônica e a digital-com as máquinas produtoras de linguagem que essas revoluções subsequentemente trouxeram, a fotografia, o telégrafo e o cinema, na primeira, o rádio e a TV, na segunda, o computador e todos os seus anexos e extensões, na terceira, as relações entre arte e ciência passaram a ser mediadas pelos aparatos tecnológicos (SANTAELLA, 2012:105). As relações entre arte, tecnologia e ciência representam hoje uma frente de ação e criação que desperta cada vez mais interesse não apenas de pesquisadores/as independentes e artistas multimídia, mas também de instituições acadêmicas e programas de fomento. A interdisciplinaridade enquanto método e procedimento de trabalho se torna uma maneira de construir sentidos e poéticas que passa pela intersecção entre diversas áreas do conhecimento, através de projetos colaborativos que têm como eixo reflexões acerca do mundo que habitamos e que compartilhamos. A interação entre diferentes áreas do saber na concepção e execução de obras de arte que se colocam (ou são colocadas) sob a desígnia da instalação tende a ser interdisciplinar, assim como colaborativa.

Rosalind Krauss, em seu texto A escultura no campo ampliado publicado originalmente em 1979 pela revista October, propõe uma nova abordagem do espaço que ultrapassa radicalmente os limites da noção tradicional da escultura na produção artística tridimensional, como marco da passagem para a pós-modernidade. Este se tornou um texto de referência. Proponho-me aqui a destacar as principais colocações e fazer alguns comentários na tentativa de contribuir com o aprofundamento das reflexões que as questões sobre o espaço suscitam no campo da arte. Ao final, Proponho uma abordagem no estudo dos mecanismos que envolvem as questões espaciais na criação artística, voltada para a natureza da relação entre obra e interlocutor.

Esta pesquisa busca investigar a presença da água como material e poética na arte contemporânea. São consideradas as representações históricas e as conotações da água na arte e na cultura, porém o que se destaca são as inovações trazidas pelo emprego da água enquanto matéria, e as conseqüências fenomenológicas que esta utilização traz.
O trabalho abrange tanto o estudo de obras de diversos artistas contemporâneos, brasileiros e internacionais, bem como a análise e comentários oriundos da criação de obras por mim mesmo, enquanto artista. Desta forma, busca-se uma interação entre o pensar e o fazer artístico, afirmando a autonomia da criação em arte. Foram identificados núcleos de análise que englobam os artistas e as obras, mas que constituem categorias fluidas e interdependentes.
Foi realizado um estudo original sobre as relações entre os fenômenos físicoquímicos da água e suas conotações simbólicas nas obras de arte contemporânea.
Os conflitos entre a natureza e a cultura permearam todo o trabalho, revelando-se uma questão de grande importância em minha própria poética como artista. Pude identificar interesses pessoais e afinidades por alguns artistas, bem como localizar pontos fundamentais discutidos em meu trabalho artístico.

São exploradas as contribuições teóricas que o pensamento coreográfico  traz  para  os  estudos  da  instalação  e  vice-versa. Propõe-se que a relação coreográfica do espectador com a obra é imanente em algumas instalações e diferencia-se da 
lúdica, dramática ou de pura entrega sensorial participação comumente
associadas a essa linguagem. Simultaneamente, são analisadas obras de dança contemporânea que têm se aventurado no 
da  linguagem  tridimensional,  através  de  esculturas  corporais limite e  instalações  coreográficas.  Intenciona-se  instaurar  um  jogo de  significações,  verticalizando  nos  conceitos  de  coreografia  e 
instalação, e atentar para o que pode se revelar desse processo

Yoko Ono é uma ativista, cantora, compositora, cineasta e artista plástica vanguardista japonesa. Suas obras são reconhecidas por todo o mundo pelo fato de serem caracterizadas pela provocação, introspecção e pacifismo. A escolha dessa artista chama a atenção pela obra "Ceiling Painting", que utiliza de dois aparatos, não tão tecnológicos, para gerar uma atenção volátil do espectador e transmitir uma mensagem. Mesmo aqui não falando de aparato tecnológico voltado para cinema e vídeo, acredita-se que o presente trabalho tem como objetivo analisar algumas definições já conhecidas nos textos: "A visão que se desprende-Jonathan Crary" e "Máquinas de imagens-Cesar Baio".

Talvez poucas áreas apresentem de maneira tão intrínseca quanto
desafiadora as interfaces entre Design, Arte e Tecnologia como os games. Neste sentido, a produção acadêmica demonstra, hoje, acompanhar o vigor, a diversidade e a maturidade que o desenvolvimento destes jogos vêm demonstrando. É o que podemos perceber no dossiê desta edição do DATJournal, cujos textos trazem novas e instigantes reflexões sobre este objeto de estudo metamórfico e absolutamente interdisciplinar.

Game arte no contexto da arte digital - Lúcia Santaella
Curadoria em jogo: o papel do curador de jogos digitais - Anita Cavaleiro
Entre a cultura popular e a indústria de massa: o videogame enquanto meio de apropriação cultural por parte do público - Julia Stateri
Gameart: arte e conscientização ecológica - Suzete Venturelli, Anelise Witt, Artur Cabral Reis, José Loures
Roteiros de uma poética: A derrubada do Sarrià - Alckmar Luiz dos Santos
Metodologias e ferramentas de design para exergames - Bruno Santana Oliveira, Sérgio Nesteriuk
Videogames e o desenvolvimento  de habilidades cognitivas - Silvia Laurentiz
Jogos digitais, automação e algoritmos: jogos para aparelhos ou para seres humanos? - Fabrizio Augusto Poltronieri

Não por acaso, os artigos desta edição que não foram inseridos no
dossiê - ainda que não abordem a questão dos games em si - não deixam de ter, de alguma forma e em alguma medida, uma relação com o lúdico.

Sopro - Milton Sogabe, Fernando Fogliano, Fabio Oliveira Nunes, Soraya Braz, Carolina Peres e Cleber Gazana
O design como método para a implementação de processos produtivos relacionados com a criação de instrumentos musicais em Portugal:
A criação de uma campana de trompete - Ermanno Aparo, Fernando Moreira da Silva, Liliana Soares
Reflexões sobre o emprego de técnicas e materiais na construção do acervo tátil em museus - Elizabeth Romani e Juliana Harrison Henno
Imagens Biomédicas e novos designs do corpo na arte contemporânea: Tori Ellison - Regilene A. Sarzi-Ribeiro

Instâncias de sentido em arte sonora ressignificam conceitos e práticas vigentes em circuitos contemporâneos de arte, incitando provocações que refutam a suposição de que Não era mais que um ruído. Por meio da análise crítica de determinados trabalhos, que se localizam nos espaços 'entre' técnicas e teorias, articulações poéticas se estabelecem enquanto investigações interdisciplinares. Partindo da constatação da chamada "virada sônica" enquanto instância derivativa de um campo expandido entre imagem e som, esta tese se ocupa em ressoar os efeitos de deslocamento de ênfase para o fenômeno sonoro como significador de propostas estéticas. Para tanto, são consideradas as multidimensionalidades da experiência perceptiva no que se referem ao instante sempre renovado do acontecimento estético. A escuta é entendida assim, como elemento imersivo capaz de realizar aberturas semânticas dadas a entrelaçar construtos teóricos enunciadores das funções imaginativas do som. Por fim, consideraremos a desobediência tecnológica como metodologia experimental reificadora de abordagens que reverberam as sonoridades como instâncias de uma poética em expansão.


Palavras-Chave: arte sonora, artes visuais, virada sônica, escuta, campo expandido.


Instances of meaning in sound art resignify current concepts and practices in contemporary art circuits, inciting provocations that refute the assumption that It was nothing more than a noise. Through the critical analysis of certain works, which are located in the spaces 'between' techniques and theories, poetic articulations are established as interdisciplinary investigations. From within the findings of the so-called "sonic turn" as a derivative instance of an expanded field between image and sound, this thesis is concerned with resonating the effects of an emphasis shift to the sound phenomenon as a signifier of aesthetic proposals. For that, the multidimensionalities of the perceptual experience are considered in their reference to the always renewed instant of the aesthetic event. Listening is thus understood as an immersive element capable of performing semantic openings given the intertwinings of theoretical constructs that convey the imaginative functions of sound. Finally, we will consider technological disobedience as an experimental methodology that reifies approaches that reverberate sonorities as instances of an expanding poetics.

Key-Words: sound art, visual arts, sonic turn, listening, expanded field.

A presente pesquisa buscou observar a documentação das obras classificadas como instalações no acervo do Museu de Arte de Brasília (MAB). A partir de referenciais teóricos da história da arte e da museologia, o intuito é apresentar aspectos relevantes para a construção crítica da prática museológica voltada às artes visuais contemporâneas. Para tanto, o artigo expõe brevemente um conceito possível de instalação, ao mesmo tempo em que trata da problemática que envolve a sua preservação e reapresentação, por meio de um estudo particular do MAB.

E se os impossíveis não forem tão impossíveis como imaginamos? E se os impossíveis forem apenas regimes de existência que todavia não ganharam materialidade na realidade de certo contexto? Essa pesquisa discute a tentativa de fazer o impossível, possível por meio da arte. Diante da exploração, da expropriação, da assimetria, da desigualdade e da extinção em massa, a tese propõe que a arte deve assumir sua responsabilidade pelo viver e morrer em um planeta devastado, e produzir outras atualizações nas imaginações e nas percepções de quem compartilha da experiência artística. A pergunta que mobilizou a pesquisa foi: Que proposições que podem incidir na realidade e permitir a emergência do que se considera improvável ou ainda impossível de acontecer? Em busca de respostas, a tese aborda três trabalhos de arte - carnet de desidentidad planetaria e hacia, fruto de proposições da autora, e Altamira 2042, de Gabriela Carneiro da Cunha. Os trabalhos emergem como força que impele à variação dos possíveis em certos contextos. As considerações realizadas têm como referência Aílton Krenak, Donna Haraway, Viveiros de Castro, Suely Rolnik, Vladimir Safatle, dentre outras. Por fim, o texto expõe alguns desdobramentos animados pelas práticas artísticas e pelas reflexões realizadas durante a busca pelas co-incidências entre arte contemporânea e pensamentos indígenas.

Esse material é guia e estabelece pontos de partida para o desenvolvimento da disciplina História das Artes III, em curso superior de Arte-Educação. Notamos pelo título do texto e de suas subdivisões que o foco volta-se para a arte e seus movimentos no século XX. É claro, que em poucas páginas não são contempladas todas as técnicas, gêneros ou autores relevantes do último século. Ainda assim o e-book guia os estudos na disciplina, apontando para influentes manifestações artísticas e seus ecos na contemporaneidade.

A materialização da obra de arte total está conjugada nesta tese, plástica e teoricamente. Visando o diálogo e a reflexão com as práticas artísticas contemporâneas no domínio da instalação e da performance, a partir da minha casa e os seus objetos como instalação, abordo questões como: quotidiano, domesticidade, banalidade e legitimação, que atravessam todo o meu discurso artístico e constroem um manifesto que pretende pôr tudo isto em comum.
Pretendo dar visibilidade às problemáticas: feminismo, género e espaço doméstico e reivindicar a casa, como espaço global e economicamente viável para as mulheres, a partir das plataformas digitais.
A coexistência destas temáticas traduz uma fusão entre arte e vida, que tem como resultado a obra total que é a instalação Breviário do Quotidiano #8 – Os regimes acumulativos dos objetos e as suas determinantes, que implica a imersão do vivenciador neste decorado.

The materialization of the total work of art is conjugated in this thesis, plastic and theoretically. Aiming at the dialogue and reflection with the contemporary artistic practices in the field of installation and performance, having my home and its objects while an installation as the star- ting point, I address questions such as: daily life, banality and legitimation, which go through my entire artistic discourse and build a manifesto that intends to put all this in common.
I want to give visibility to the issues: feminism, gender and domestic space and to claim the house, as a global space, with economic viability for women, having digital platforms as basis. The coexistence of these themes translates the fusion between art and life, which results in the total work that is the An Archive of daily life #8 – The accumulative schemes of objects and their determinants installation, implying the immersion of the experiencer in this set.

This text will deal with the occurrence of autobiographical arguments present in the works of the artist Marta Strambi, to verify, from an atmosphere related to the artist's contexts, how the self-referential expression, related to place and genre, can be presented. The artist, when relating to dialectical processes of subjectivation, offers us a production with intelligences and sensibilities that are evidenced in the materiality of the forms that surround us as an act of confronting the dystopias of life.

Conversa realizada com a artista Georgia Kyriakakis em seu ateliê, na cidade de São Paulo, em janeiro de 2020. Baiana de nascimento, Georgia viveu e cresceu na capital paulista, onde construiu sua carreira como artista e como professora universitária. Graduada pela FAAP no final dos anos 1980, com formação ancorada no desenho, vê sua produção tomar novos rumos a partir da década de 1990, quando passa a se interessar pela materialidade do mundo, explorada através dos objetos cotidianos, do comportamento da matéria artística repertoriada e das forças implicadas nos corpos em relação ao espaço. No encontro, conversamos sobre sua formação, sobre como a geografia entrou no seu trabalho de arte, sobre a(s) fronteira(s) existente(s) entre obra e mundo e sobre o sentido do fazer artístico hoje.

Este trabalho procura refletir sobre se é possível pensar sobre a realidade do mundo, por meio da fotografia. Para tanto, parte das proposições levantadas por Susan Sontag sobre o assunto. Na
sequência, faz uma revisão teórica das proposições de Sontag à luz das reflexões trazidas por Jacques Rancière sobre imagem, operações de arte e montagem; Walter Benjamin sobre o ato de narrar; Gerry Badger e László Moholy-Nagy sobre narrar com fotos; e Gilles Deleuze sobre o pensamento
como experiência. Por último, procuramos analisar, com base nas reflexões trazidas pelos autores mencionados, como as operações artísticas da instalação Truth Study Center de Wolfgang Tillmans
contribuem para refletirmos sobre a experiência de pensar a realidade do mundo com fotografias.

Em diálogo com outras facetas da arte contemporânea, a arte sonora tem a prática de gerar obras nas fronteiras entre as linguagens artísticas, operando no campo expandido entre a imagem e o som. Essa condição interdisciplinar parece constituir também as considerações teóricas sobre as mediações tecnológicas presentes em nossas interatividades cotidianas com objetos, máquinas e circuitos.
Objetos culturalmente vinculados a contextos sonoros, em situação estética, estão diretamente relacionados à atividade da escuta, e a partir dela, ocorre um movimento que percebe e potencializa uma espécie de intimidade com o objeto, enfatizando a imaginação como função mesma da prática poética.

Trabalho de Conclusão de Curso em Artes Plásticas com bacharelado em Multimídia e Intermídia, da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, ECA – USP, sob orientação da Profa. Dra. Silvia Laurentiz, como requisito à graduação.

Investiga a relação entre arte e tecnologia, com foco em realidade aumentada, propondo como conclusão uma instalação artística interativa.

Este trabalho surgiu a partir da dúvida: "como realizar uma obra de arte acessível para pessoas com e sem deficiência?", que me ocorreu durante minha pesquisa anterior, trabalho de conclusão do curso de Licenciatura em Artes Visuais, em que conheci o trabalho realizado por três diferentes museus de São Paulo pra acessibilizar seus acervos.

Mais do que adaptar uma obra, criando recursos de apoio como maquetes e extratos sonoros, me propus a criar uma instalação que por si só já atendesse essa demanda. Eis que surge "Perme(mor)ável". Tendo como referência obras multissensoriais de Hélio Oiticica (“Bólides” e “Penetráveis”) e Bruno Munari (“Pré livros” e “Livros ilegíveis”), lanço mão também de recursos multissensoriais, explorando a textura de tecidos e plumas e o aroma de camomila, lavanda, erva doce e canela.

A instalação se propõe interativa, para que o público perceba-a não apenas com a visão, mas principalmente com o toque e o olfato. Incentiva também o movimento do corpo, isto é, para investigar os detalhes da obra é necessário mover-se, posicionar-se em relação ao espaço da obra.

Descentralizar a percepção da obra de arte de apenas um sentido para vários usados em conjunto, tornando-a estimulante de formas variadas, permite que pessoas com deficiência usem suas potencialidades para entrar em contato com os elementos da obra e, a partir do que for percebido, estabelecer seus próprios significados. Por exemplo, a aparência lúdica e a possibilidade de toque atraem a atenção de quem possui alguma deficiência intelectual, criando oportunidade para a experiência com a arte, independente de qualquer limitação cognitiva. Além disso, a instalação foi construída pensando também em viabilizar a aproximação de pessoas com deficiência física ou neuromotora, usuários ou não de cadeira de rodas ou muletas.

Resumo: Ilya e Emilia Kabakov criam obras que adentram a um espaço privado dando a ver a biografia, a imparidade, a narrativa de pessoas e personagens e constroem discursividade. O artigo aborda as instalações Ten Characters e The Toilet, reflete sobre a habitação, as possibilidades de narrativa que vão sendo arquitetadas nas obras e sobre as obras. O texto ainda disserta sobre o intérieur a partir de Walter Benjamin, sobre a elaboração de discursividade de uma obra, pensando as obras como um site-specific por meio de Miwon Kwon e sobre os espaços da habitação com Michel Foucault, permeando a utopia e a heterotopia. Para além de criarem a partir de uma realidade existente, Ilya e Emilia Kabakov elaboram obras que dão espaço para a ficção, os sonhos e os devaneios de uma habitação. Abstract: Ilya and Emilia Kabakov create works that enter a private space by showing the biography, the impairment, the narrative of people and characters and build discursiveness. The article deals with the installations Ten Characters and The Toilet, reflects on the dwell, the narrative possibilities that are being architected in the works and about the works. The text also discusses the intérieur from Walter Benjamin, the elaboration of discursiveness of a work, thinking the works as a site-specific through Miwon Kwon and about the spaces of dwell with Michel Foucault, permeating the utopia and the heterotopia. In addition to creating from an existing reality, Ilya and Emilia Kabakov elaborate works that give room for fiction, dreams and daydreams of a dwelling.

Foi em uma tarde bastante abafada de março que Gabriel nos recebeu no Largo das Artes, um centro independente de arte contemporânea com ateliês coletivos, residências e exposições localizado em um casarão do século XIX, no centro histórico do Rio de Janeiro. Ali Gabriel manteve seu ateliê até dezembro do ano passado e é onde ainda guarda algumas de suas obras de maiores dimensões. Bacharel em Artes Plásticas e mestre em Design e Tecnologia, ambos pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), vive no Rio de Janeiro desde 2010, onde trabalha como professor universitário (SENAI CETIQT), designer gráfico e artista visual. Participou de exposições em diversos estados brasileiros e foi um dos artistas contemplados na quarta edição do programa Rumos Artes Visuais, do Instituto Itaú Cultural. Sua pesquisa, tanto acadêmica quanto artística, busca colocar em questão os limites do desenho, a relação do desenho com o design e, por meio de apropriações e instalações, encontrar espaços de experimentação para o que chama de desenho gestual.  Seu trabalho é bastante marcado por uma relação performática com os materiais, “unindo em sua poética a performance e a instalação como procedimentos do próprio desenho.” [1] Neste encontro, em contato com algumas de suas obras e com os materiais que dispunha em arquivo num computador pessoal, como videoinstalações e fotografias, conversamos sobre a sua formação, os trajetos intrínsecos a alguns de seus trabalhos e a força que participa, quase sempre, de seu processo criativo. (Também disponível em: https://www.revistaensaia.com/a-descricao-do-gesto)

Exposição decorrida na Biblioteca da NOVA School of Science and Technology, Almada de 4 novembro a 17 dezembro de 2021O Capital, corresponde a projeto de investigação iniciado em 2016 sob a designação de Dinheiro, com uma primeira exposição no ISEG, Instituto Superior de Economia e Gestão, na qual participaram dez artistas. Posteriormente foi para Múrcia, Espanha, onde se realizaram cinco exposições com a participação de mais vinte artistas, tendo sido apresentada em diversos espaços expositivos: Universidad Popular de Mazarrón, Museo de Archena, Museo Universidad de Murcia, Universidad Politecnica de Cartagena. Agora, em 2021, na Biblioteca da NOVA School of Science and Technology, em Almada, reúnem-se obras de vinte e cinco artistas numa exposição sucessivamente adiada desde fevereiro de 2020 pelos motivos universalmente conhecidos (SARS-CoV-2) com um título que apela a uma conclusão, o Capital.info:eu-repo/semantics/publishedVersio

Apresentamos neste artigo uma discussão sobre as principais abordagens à interatividade em artes, com foco em música e arte sonora. Este estudo contempla a análise do processo interativo a partir das abordagens sobre o gesto instrumental e os processos envolvidos na interação entre um intérprete e seu instrumento; sobre a participação do público e a modificação da obra como parte de sua apreciação estética ativa; e sobre o processo criativo da obra e o conjunto de relações que estruturam o desenvolvimento da obra no tempo, mantendo a unidade do projeto artístico. Procuramos aqui contemplar uma amostra dentre a variedade de perspectivas que envolvem o estudo sobre interação em artes e as principais delimitações propostas sobre o que caracterizaria uma obra como interativa. Propomos ao final uma aplicação consciente da interação em diferentes contextos, privilegiando uma abordagem ampla, focada no ponto de vista do espectador.

Este trabalho procura refletir sobre se é possível pensar sobre a realidade do mundo, procurar compreender a realidade, por meio da fotografia. Para tanto, parte das proposições levantadas por Susan Sontag sobre o assunto. Na sequência, faz uma revisão teórica das proposições de Sontag à luz das reflexões trazidas por Jacques Rancière sobre imagem, operações de arte e montagem; Walter Benjamin sobre o ato de narrar; Gerry Badger e László Moholy-Nagy sobre narrar como fotos; e Gilles Deleuze sobre o pensamento como experiência.  Por último, procuramos analisar, com base nas reflexões trazidas pelos autores mencionados, como as operações artísticas da instalação Truth Study Center de Wolfgang Tillmans, contribuem para refletirmos sobre a experiência de pensar a realidade do mundo a partir de fotografias.

Este artigo aborda a obra Measurement Room (1969) de Mel Bochner, na qual o artista promove, no encontro do desenho com o objeto arquitetônico, a problematização da funcionalidade notacional e nos direciona a uma indagação crítica sobre as formas de perceber o espaço. Questionando uma espécie de transparência que permite naturalizar a operação de medição, Bochner menciona um espaço mental no qual o sensível e o inteligível interseccionam-se e que, considerando-se as remissões entre o gráfico e o objeto nos debates sobre o desenho na arte contemporânea, pode se pensado aqui como o próprio desenho. Publicado em Anais do VIII Seminário Ibero-americano sobre o processo de criação em Artes.
This article deals the Mel Bochner's Measurement Room (1969), in which the artist problematises notational functionality by banding together drawing and architectural object, leading us to a critical discussion about the ways of perceiving space. Questioning certain transparency that allows the naturalization of measurement operation, Bochner discuss a mental space in which the sensible and the intelligible intersects each other. In the discussions on drawing in contemporary art, considering the mutual references between the graphic and the object, this space can be thought here as drawing itself.

Ilya e Emilia Kabakov criam obras que adentram a um espaco privado dando a ver a biografia, a imparidade, a narrativa de pessoas e personagens e constroem discursividade. O artigo aborda as instalacoes Ten Characters e The Toilet , reflete sobre a habitacao, as possibilidades de narrativa que vao sendo arquitetadas nas obras e sobre as obras. O texto ainda disserta sobre o interieur a partir de Walter Benjamin, sobre a elaboracao de discursividade de uma obra, pensando as obras como um site-specific por meio de Miwon Kwon e sobre os espacos da habitacao com Michel Foucault, permeando a utopia e a heterotopia. Para alem de criarem a partir de uma realidade existente, Ilya e Emilia Kabakov elaboram obras que dao espaco para a ficcao, os sonhos e os devaneios de uma habitacao.

(Another version available in English)
A exposição “Programando o Invisível”, exibiu obras do artista e cineasta Harun Farocki e questionou o papel das imagens no século XXI, particularmente aquelas construídas por algoritmos de computador para videogames. Um dos vídeos da exposição capturou o diálogo que ocorreu entre Farocki e Vilém Flusser em 1986. Neste vídeo, teoricamente rico e promissor, intitulado “Frases chocantes, imagens chocantes: uma conversa com Vilém Flusser”, eles discutem a hegemonia das imagens e seu poder na programação de nossa visibilidade. O tema é uma das questões centrais em seus trabalhos; como se o cineasta e o filósofo estivessem falando sobre a mesma coisa, embora de maneiras diferentes e complementares. Seus trabalhos também pedem uma reflexão sobre as possibilidades de criação de uma perspectiva crítica diante da nossa cultura da imagem e enfatizam a questão da liberdade em uma sociedade cada vez mais programada e dominada por imagens técnicas.

ARANTES, Priscila; NESTERIUK, Sergio. Programando o visível: conversas entre Vilém Flusser e Harun Farocki. In: ALMEIDA, Jane; ARANTES, Priscila; MORAN, Patrícia (orgs). Harun Farocki: Programando o Visível. São Paulo: Pró-Reitoria de Cultura e Extensão Universitária – USP, 2017. pp.74-89.

O presente artigo apresenta uma proposta metodológica para o estudo analítico do processo interativo de visitantes em instalações audiovisuais. Discutimos uma abordagem que parte da participação do público e abrange a análise multimodal da experiência artística. Esta abordagem inclui análises sobre as relações socioculturais que o visitante estabelece com a obra, a organização criativa do discurso audiovisual e os aspectos cognitivos que suportam as experiências corporais do visitante com a obra, concentrando nossa atenção sobre este último aspecto.

Este artigo apresenta a implementação computacional e analisa o comportamento dos visitantes da instalação audiovisual Caminho das águas. Baseados em um método de análise desenvolvido durante a pesquisa que inclui análises de questionários, análises estatísticas sobre os dados de movimento e análises estésicas sobre o resultado audiovisual gerado pelos visitantes, observamos a ocorrência de padrões gestuais e de correlações entre o processo interativo e a formação artística dos visitantes.

Apresentamos neste artigo a instalação audiovisual interativa Abstrações, descrevendo sua proposta artística, implementação técnica e levantando apontamentos preliminares sobre a efetividade dos processos de interação com o público visitante observados durante a sua implementação.

RESUMO:
As novas formas de percepção do espaço e do tempo constituem uma das essências sensoriais da cultura moderna. A essa ruptura biunívoca entre sujeito, objeto e imagem corresponde uma ruptura violenta no seio mesmo do sujeito, uma mudança profunda se manifesta. A cada nova técnica inaugura-se novas experiências perceptivas. O que chamamos de novas tecnologias situa-se num novo contexto sociocultural, numa nova ambiência social. A atitude dispersa e efêmera da sociedade contemporânea vai marcar, de forma constitutiva, a cibercultura. Esta é a configuração cultural da tecnologia contemporânea e, é composta por relações complexas com o social.
PALAVRAS-CHAVE: percepção, imagem, arte contemporânea, tecnologia, vida;
ABSTRACT :
The new forms of perception of the space and the time constitute one of the essence sensorial of the modern culture. To this biunivocal rupture between people, object and image correspond a violent rupture in the middle of the observer. In fact, each new technique inaugurates new experiences of perception. What we call new technologies is placed at new sociocultural context and enviroment. The dispersed and ephemeral attitude of the society contemporary goes to mark and constituent the contemporary the way of cibercultura. This is the cultural configuration of the contemporary technology and, it is composed for complex relations with the social.
KEY-WORD: perception, image, contemporany art, technology, life.