Pedro Aragão

Partindo do problema central da produção de alteridades como elemento-chave na constituição do mundo moderno, e seguindo a perspectiva aberta por Jennifer Stoever e seu conceito de “linha de cor sonora”, o artigo tem foco na indústria fonográfica brasileira em seus primeiros estágios de desenvolvimento. Busca-se problematizá-la como um lugar de fixação e reverberação de representações sonoras raciais e étnicas, materializadas em fonogramas de 78 rotações gravados nas primeiras quatro décadas do século XX por cantores, músicos e compositores negros. Argumenta-se que a dinâmica de incorporação desses músicos no sistema de entretenimento alimentado pelas indústrias fonográficas do período passava necessariamente pela exploração de estereótipos em que elementos como etnicidade, comicidade, sensualidade, primitivismo e exotismo exerciam papel central, elaborados precedentemente em registros literários e musicais.

Starting from the central problem of the production of otherness as a key element in the constitution of the modern world and following the perspective started by Jennifer Stoever and her concept of “sonic color line”, the article focuses on the Brazilian phonographic industry in its early stages of development. We seek to problematize it as a place of fixation and reverberation of racial and ethnic sound representations, materialized in 78 rpm phonograms recorded in the first four decades of the twentieth century by black singers, musicians and composers. It is argued that the dynamics of incorporating these musicians into the entertainment system fueled by the phono graphic industries necessarily involved the exploration of stereotypes in which elements such as ethnicity, comedy, sensuality, primitivism and exoticism played a central role – elements that had already been previously elaborated in literary and musical records.

Primeiro suporte fonográfico a ter alcance global (Gronow 1983), o disco de 78 rpm foi também a base de um gigantesco sistema capitalista voltado para a comercialização de gravações que operou durante boa parte do século XX. Tanto no Brasil quanto em Portugal, a salvaguarda desta produção discográfica – hoje obsoleta em termos tecnológicos –, passou sempre pela ação de colecionadores particulares, dada a ausência de arquivos sonoros oficiais em ambos os países. Estes colecionadores detêm, de forma geral, grande conhecimento – ainda que extra-acadêmico – sobre aspectos técnicos destes arquivos sonoros, além de estabelecerem ligações afetivas com as suas coleções. Este artigo versa sobre relações de mediação e construções de sentido entre colecionadores brasileiros e portugueses de discos 78 rpm e procura estabelecer uma reflexão sobre acervos discográficos à luz de um duplo referencial teórico: por um lado os estudos etnomusicológicos que entendem arquivos sonoros não como simples repositórios de som, mas como saberes fragmentados e inacabados que estão necessariamente sob ingerências políticas, ideológicas e estéticas (García 2011); por outro, o escopo de uma recente sociologia da música (De Nora 2000; Hennion 2002) que propõe um novo olhar sobre a figura do amateur, incluindo-se neste conceito os colecionadores de discos. Tal como propõe Hennion (2011) procuro entendê-los não como canais neutros por onde relações sociais pré-determinadas operam, mas como mediadores ativos na construção de diferentes significados sobre música. Neste sentido, o artigo procura discutir o arquivo sonoro como elo-base de uma cadeia de mediações construída entre sujeitos (os colecionadores) e objetos (os discos físicos) para a produção de um caleidoscópio de sentidos, expressos em feixes fragmentados de discursos que misturam memórias, redes afetivas, gostos estéticos e ideias de pertencimento e estranhamento.

O presente artigo pretende contribuir para a memória do rock na região de Aveiro em Portugal através dos testemunhos de músicos que integraram conjuntos de rock cuja atividade decorreu entre os finais da década de 1950 e 1990. Interessa-nos a dinâmica gerada na região pela recepção do rock internacional que conduziu à criação dos conjuntos de rock através de iniciativas locais. Para isso importa caracterizar o contexto social, económico e político em que esses conjuntos emergiram, as suas motivações, os repertórios escolhidos, as dificuldades que enfrentaram, e as transformações a que estiveram sujeitos. Essas transformações abrangem diferentes aspetos que se articulam diretamente com a forte alteração política que decorre da revolução de Abril de 1974 e suas consequências no domínio do acesso à educação, às possibilidades de profissionalização e às tecnologias de suporte no quadro do mercado da música.

A partir da nocao do conceito de “mudanca musical” tal como proposto pelo etnomusicologo Bruno Nettl, e amparado pela nocao de “genero musical” como categoria discursiva – que abriga, alem de aspectos sonoros, elementos ideologicos, politicos, sociais e historicos (MIDDLETON, 1990; OCHOA, 2003; VILA, 1995) – o artigo estabelece cortes comparativos entre gravacoes fonograficas de choro ao longo do seculo XX. Atraves da analise de dois estudos de caso – as transformacoes nos generos “quadrilha” e “polca” em diferentes periodos – procuro entender de que forma processos de ressignificacao e mudanca em musica sao criados e de que maneira diferentes atores sociais justificam tais mudancas.

The aim of this article is to discuss the complex relationship between social and musical signs as well as the use of narrative approaches as methodological bases for the establishment of an ethnomusicological research. The author argues that the perception of sound signs for different social narrative necessarily involves approaches where acoustic speech is always immersed in a living cell comprising speeches about sound, ethnography, dialogism, polyphony, power struggles, etc. Based on this idea and using the theoretical framework of music sociologyc (De Nora, Hennion), studies of popular music (Middleton, Vila) and anthropology/ethnomusicology (Clifford, Seeger), the author explores a narrative from 1930’s Brazilian “Choro” that can be considered as one of the first ethnographic discourses about native urban popular music published in Rio de Janeiro.

O artigo tem por objetivo refletir sobre desafios e problemas praticos na construcao de um arquivo sonoro colaborativo. Desenvolvido pela Universidade de Aveiro (Portugal) e pelo Centro de Estudos em Musica e Danca (Portugal), o projeto SOMA – Sons e Memorias de Aveiro – tem por meta a construcao de um arquivo sonoro elaborado por meio de investigacao partilhada que busque salvaguardar a heranca sonora de onze municipios que compoem a Comunidade Intermunicipal de Aveiro (CIRA). A partir de reflexoes sobre minha propria trajetoria como investigador do projeto – incluindo remissoes a cadernos de campo e dialogos com a equipe de pesquisa –, procuro analisar uma das primeiras acoes do projeto SOMA: a realizacao de um videodocumentario sobre a radio na regiao de Aveiro, elaborado com base em memorias afetivas de moradores, ex-agentes de radio e radialistas. O artigo tem ainda por objetivos especificos: a) entender de que forma a trama de discursos colhidos no documentario sobre as difere...

Este artigo tem como foco o estudo de diálogos e trocas musicais entre Pixinguinha e músicos argentinos na década de 1920. Alinha-se com trabalhos recentes (BESSA, 2005; MENEZES BASTOS, 2005; COELHO, 2009) que têm procurado redimensionar a trajetória de Pixinguinha e seu papel na indústria fonográfica da primeira metade do século XX a partir de novos ângulos, colocando em relevo as múltiplas influências de um compositor e arranjador imerso em um sistema cosmopolita que exigia uma escuta diversificada e aberta a influências musicais estrangeiras. A primeira parte do artigo é focada na análise do tango La Brisa de Francisco Canaro, gravado pelo Grupo do Pixinguinha em 1922 e procura investigar evidências históricas que liguem os dois músicos neste período, além de realizar uma análise comparativa entre a gravação de Pixinguinha e outras gravações argentinas do mesmo ano. A segunda parte é dedicada ao estudo das relações entre Pixinguinha e a Orquestra Andreoni, orquestra que esteve no...

Um dos gêneros populares urbanos mais antigos do país ainda em plena atividade, o choro teve, nas últimas duas décadas, um forte crescimento nas universidades brasileiras, tanto no que concerne à prática instrumental associada a componentes curriculares quanto no âmbito de pesquisas acadêmicas. Este fenômeno é sem dúvida tributário de um movimento crescente de intérpretes, clubes do choro, rodas e escolas associadas ao gênero, tanto no país quanto no exterior.

A partir do conceito de soundscapes tal como entendido por SAMUEL et AL (2010), o artigo tem por objetivo realizar uma análise comparativa entre processos de gravações comerciais mecânicas realizadas em Brasil e Portugal entre 1900 e 1927. Na primeira parte, utilizando estudos como COTRELL (2010), GARCIA (2010) e GUTIÉRREZ (2014), procuro discutir as relações – por vezes contíguas, por vezes ambivalentes – entre “gravações etnográficas” e “gravações comerciais” nos primeiros anos do século XX. O segundo tópico é dedicado à análise comparativa entre processos de gravação mecânica em Portugal e Brasil: partindo da premissa de que os dois países faziam parte da periferia do capitalismo mundial da época, procuro apontar paralelos entre o desenvolvimento de suas respectivas indústrias fonográficas, salientando o papel central exercido por pequenos comerciantes como mediadores entre as grandes majors e os públicos locais. Finalmente, na conclusão, realizo uma breve análise de algumas grav...

espanolEste articulo discute el potencial de las comunidades de practica musical, entendidas estas como contextos vitales para desarrollar comunicaciones interculturales en diversos ambitos. La atencion se centra en dos comunidades musicales especificas, una asentada en la ciudad de Rio de Janeiro, Brasil y otra en Orebro, en Suecia, ambas creadas como proyectos de extension universitaria, con un pie en el contexto academico y otro en la vida vibrante de las ciudades. Ambos proyectos tienen un enfoque integral, donde la interaccion musical y social sirven como medio para el desarrollo musical. El articulo discute el concepto de communities of practice como base organizacional para llevar adelante actividades musicales colectivas y tambien el concepto de musicking, como una manera de describir el "hacer" real de la musica en las comunidades. Finalmente, a traves de un breve analisis intercultural y comparativo entre los dos proyectos, el articulo concluye con una discusion ...

Este artigo procura redimensionar o papel de Luiz Heitor Correa de Azevedo como intelectual pioneiro na etnomusicologia brasileira, com enfase em seu papel como articulador entre instituicoes e musicologos norte-americanos entre os anos de 1939 e 1947. Reconhecido como um dos mais importantes musicologos brasileiros no seculo XX, Luiz Heitor Correa de Azevedo e frequentemente lembrado por sua relevância internacional como Secretario da Secao de Musica da UNESCO em Paris, cargo que exerceu de 1947 a 1965. No presente trabalho procuro apresentar uma dimensao pouco lembrada do trabalho do musicologo: seu papel ativo como intelectual ligado ao entao chamado campo do “folclore musical brasileiro”, com destaque para o alto grau de internacionalizacao que logrou obter atraves de convenios e trocas academicas com intelectuais e instituicoes norte-americanas, tais como Charles Seeger, Alan Lomax, Carleton Sprague Smith e a Biblioteca do Congresso, financiadora de suas viagens etnograficas na...

O artigo tem por objetivo refletir sobre desafios e problemas práticos na construção de um arquivo sonoro colaborativo. Desenvolvido pela Universidade de Aveiro (Portugal) e pelo Centro de Estudos em Música e Dança (Portugal), o projeto SOMA – Sons e Memórias de Aveiro – tem por meta a construção de um arquivo sonoro elaborado por meio de investigação partilhada que busque salvaguardar a herança sonora de onze municípios que compõem a Comunidade Intermunicipal de Aveiro (CIRA). A partir de reflexões sobre minha própria trajetória como investigador do projeto – incluindo remissões a cadernos de campo e diálogos com a equipe de pesquisa –, procuro analisar uma das primeiras ações do projeto SOMA: a realização de um videodocumentário sobre a rádio na região de Aveiro, elaborado com base em memórias afetivas de moradores, ex-agentes de rádio e radialistas. O artigo tem ainda por objetivos específicos: a) entender de que forma a trama de discursos colhidos no documentário sobre as diferentes percepções sobre a rádio na região – trama que envolve diferentes discursos, sociabilidades, dimensões políticas, comerciais e ideológicas se articula na construção de um arquivo colaborativo; b) refletir sobre o conjunto de escolhas e ações envolvidas no processo de constituição de um arquivo sonoro.

Este artigo tem como foco o estudo de diálogos e trocas musicais entre Pixinguinha e músicos argentinos na década de 1920. Alinha-se com trabalhos recentes (BESSA, 2005; MENEZES BASTOS, 2005; COELHO, 2009) que têm procurado redimensionar a trajetória de Pixinguinha e seu papel na indústria fonográfica da primeira metade do século XX a partir de novos ângulos, colocando em relevo as múltiplas influências de um compositor e arranjador imerso em um sistema cosmopolita que exigia uma escuta diversificada e aberta a influências musicais estrangeiras. A primeira parte do artigo é focada na análise do tango La Brisa de Francisco Canaro, gravado pelo Grupo do Pixinguinha em 1922 e procura investigar evidências históricas que liguem os dois músicos neste período, além de realizar uma análise comparativa entre a gravação de Pixinguinha e outras gravações argentinas do mesmo ano. A segunda parte é dedicada ao estudo das relações entre Pixinguinha e a Orquestra Andreoni, orquestra que esteve no Rio de Janeiro no ano de 1928 e que realizou gravações de duas polcas e dois tangos argentinos do compositor brasileiro, além de apresentações em conjunto com a orquestra Os Batutas. Por meio destes dois estudos de caso, o artigo procura lançar novas luzes sobre gravações históricas pouco conhecidas que evidenciam processos de trânsito e de influências musicais múltiplas na carreira musical de Pixinguinha.

Um dos gêneros populares urbanos mais antigos do país ainda em plena atividade, o choro teve, nas últimas duas décadas, um forte crescimento nas universidades brasileiras, tanto no que concerne à prática instrumental associada a componentes curriculares quanto no âmbito de pesquisas acadêmicas. Este fenômeno é sem dúvida tributário de um movimento crescente de intérpretes, clubes do choro, rodas e escolas associadas ao gênero, tanto no país quanto no exterior. É cada vez mais comum encontrarmos, em diversas cidades do Brasil, jovens instrumentistas ligados ao choro que buscam o caminho universitário como forma de profissionalização-o que faz com que o gênero se cristalize como uma das "vertentes" da música popular na universidade, ao lado de outros gêneros como a bossa-nova, o jazz o samba e o forró. Este processo de institucionalização é sem dúvida acompanhado de visões muitas vezes polarizadas entre aqueles que saúdam o acolhimento destes gêneros como símbolos de uma abertura da universidade brasileira para outras músicas para além da música de concerto e aqueles que criticam o que seria um processo de reificação e "congelamento" de práticas populares através dos currículos universitários.

This article seeks to shed new light on the role of Luiz Heitor Corrêa de Azevedo as a pioneer intellectual in Brazilian ethnomusicology, with emphasis on his role as an intermediary between American and Brazilian institutions and musicologists between the years of 1939 and 1947. Recognized as one of the most important Brazilian musicologists of the twentieth century, Azevedo is most often remembered for his international relevance as Secretary of the UNESCO Section of Music in Paris, a position he held from 1947 to 1965. This article focuses on a different, crucial dimension of the musicologist's work that has received little scholarly attention: his active role as an intellectual linked to the "Brazilian musical folklore" movement of the 1930s and '40s. I highlight the degree of internationalization Azevedo achieved through agreements and academic exchanges with American intellectuals and institutions such as Charles Seeger, Alan Lomax, Carleton Sprague Smith and the Library of Congress.

Abstract: This article aims to reflect on the challenges and practical issues in the construction of a collaborative sound archive. Developed by the University of Aveiro (Portugal) and the Center for Music and Dance Studies (Portugal), the SOMA (Sounds and Memories of Aveiro) project aims to build a sound archive created through shared research that seeks to safeguard the sound heritage of eleven municipalities that make up the Community Intercity of Aveiro (CIRA). Based on reflections of my own trajectory as a project researcher − including references to field notebooks and dialogues with the research team − I try to analyze one of the first actions of the SOMA project: a video documentary about radio in the Aveiro region based on the affective memories of residents, former radio agents and broadcasters. The article also has the following objectives: a) understand in which way the documented storyline of the narrative can be associated with the construction of a collaborative sound archive, and b) discuss the set of choices and actions involved in the process of building a sound archive.

A partir da noção do conceito de "mudança musical" tal como proposto pelo etnomusicólogo Bruno Nettl, e amparado pela noção de "gênero musical" como categoria discursiva-que abriga, além de aspectos sonoros, elementos ideológicos, políticos, sociais e históricos (MIDDLETON, 1990; OCHOA, 2003; VILA, 1995)-o artigo estabelece cortes comparativos entre gravações fonográficas de choro ao longo do século XX. Através da análise de dois estudos de caso-as transformações nos gêneros "quadrilha" e "polca" em diferentes períodos-procuro entender de que forma processos de ressignificação e mudança em música são criados e de que maneira diferentes atores sociais justificam tais mudanças.

Between polkas, "quadrilhas" and "choros": processes of musical change in choro music during the XXth century.

Abstract: Based on the concept of musical change as proposed by Bruno Nettl and the concept of musical genre as discursive categories (MIDDLETON, 1990; OCHOA, 2003, VILA, 1995), this article provides comparative analyses of choro recordings in the XXth century. Focusing in two case studies-musical changes in polka and "quadrilhas" in different periods-and combining musical analysis with social actors different speeches, my objective is to understand how this changes are perceived and justified by choro music players in different contexts. 1-Introdução Este artigo trata de mudanças em práticas sonoras habitualmente relacionadas ao universo do choro 1 no percurso das gravações fonográficas desde o início do século XX. Tenho como foco dois estudos de caso: as mudanças no gênero "quadrilha"-prática bastante popular nos bailes do Rio de Janeiro no século XIX, posteriormente caída em total esquecimento nas décadas seguintes, para ser "reinventada" a partir da década de 1990 (ZAMITH, 2007; ARAGÃO, 2013)-e as mudanças rítmicas e estilísticas na polca 1 Não há espaço no âmbito deste artigo para uma discussão sobre definições e origens do termo. De forma geral, o termo "choro" foi utilizado desde finais do século XIX como forma de designação de músicos populares que tocavam à sua maneira músicas de salão europeias, e como forma de designação dos bailes ou encontros musicais onde tais músicos atuavam. A partir das primeiras décadas do século XX o termo passa a ser utilizado para designar práticas musicais executadas por estes músicos, transformando-se em "gênero musical" (conquanto abrigasse diversas práticas sonoras distintas) no âmbito do disco e da rádio a partir da década de 1930. Procurei realizar uma discussão mais acurada sobre as transformações do termo em trabalho anterior (ARAGÃO, 2013)

Através de uma reflexão sobre um estudo de caso enfocando a música popular da belle époque carioca, o artigo procura discutir a complexa relação entre signos sonoros e sociais na música popular, bem como o uso de enfoques narrativos como bases metodológicas para a constituição de uma pesquisa etnomusicológica. O autor argumenta que a percepção de signos sonoros por diversas instâncias sociais passa necessariamente por enfoques narrativos onde o discurso acústico está sempre imerso em uma célula viva que compreende discursos sobre o som, narrativa etnográfica, dialogismo, polifonia, disputas de poder, etc. A partir desta ideia e utilizando-se de referencial teórico da sociologia da música (De Nora, Hennion), de estudos da música popular (Middleton, Vila) e da antropologia/etnomusicologia (Clifford, Seeger), o autor explora uma narrativa da década de 1930 que tem como foco o choro da belle époque carioca, e pode ser considerada como um dos primeiros discursos etnográficos nativos sobre música popular urbana publicado no Rio de Janeiro.

The aim of this article is to discuss the complex relationship between social and musical signs as well as the use of narrative approaches as methodological bases for the establishment of an ethnomusicological research. The author argues that the perception of sound signs for different social narrative necessarily involves approaches where acoustic speech is always immersed in a living cell comprising speeches about sound, ethnography, dialogism, polyphony, power struggles, etc. Based on this idea and using the theoretical framework of music sociologyc (De Nora, Hennion), studies of popular music (Middleton, Vila) and anthropology/ethnomusicology (Clifford, Seeger), the author explores a narrative from 1930's Brazilian "Choro" that can be considered as one of the first ethnographic discourses about native urban popular music published in Rio de Janeiro.

Resumo: A partir do conceito de soundscapes tal como entendido por SAMUEL et AL (2010), o artigo tem por objetivo realizar uma análise comparativa entre processos de gravações comerciais mecânicas realizadas em Brasil e Portugal entre 1900 e 1927. Na primeira parte, utilizando estudos como COTRELL (2010), GARCIA (2010) e GUTIÉRREZ (2014), procuro discutir as relações-por vezes contíguas, por vezes ambivalentes-entre "gravações etnográficas" e "gravações comerciais" nos primeiros anos do século XX. O segundo tópico é dedicado à análise comparativa entre processos de gravação mecânica em Portugal e Brasil: partindo da premissa de que os dois países faziam parte da periferia do capitalismo mundial da época, procuro apontar paralelos entre o desenvolvimento de suas respectivas indústrias fonográficas, salientando o papel central exercido por pequenos comerciantes como mediadores entre as grandes majors e os públicos locais. Finalmente, na conclusão, realizo uma breve análise de algumas gravações mecânicas do período, argumentando que tais registros sonoros nos permitem entender parte das paisagens sonoras (soundscapes) urbanas da época e, desta forma, poderiam ser analisadas como documentos etnográficos.

Abstract: Based on the soundscape concept proposed by SAMUELS et al. (2010), this article seeks to provide a comparative analysis between phonographic recording processes in Portugal and Brasil (1900-1927). In the first section, relying on studies as COTRELL (2010), GARCIA (2010) and GUTIÉRREZ (2014), I discuss the controversial relations between the concepts of ethnographic and commercial recordings in the beginning of XXth century. In the second section I present some comparative analysis of mechanical recording processes in Portugal and Brazil: based on the premise that the two countries were part of capitalism periphery, I try to point out parallels between the development of their respective recording industries, highlighting the central role played by small traders as mediators between big majors and local markets. In the conclusions, I summarize a brief analysis of some mechanical recordings in both countries, arguing that such recordings provide a view of urban soundscapes of the period, and thus they could be considered as ethnographic recordings.

This article presents the partial results of a postdoctoral study focused on musical dialogues between Brazil and Portugal from the José Moças Collection at the University of Aveiro (Portugal). Comprising six thousand shellac 78 rpm disc records, this archive is considered the most important sound collection in Portugal and is currently being catalogued and digitized by the University. The article presents an exploratory study of the mechanical recordings that reflect the flows and exchanges between Brazil and Portugal. The study focuses on "national genres"-such as fado and maxixe-recorded in Lisbon and Rio de Janeiro by artists who were part of a common entertainment system (made up of theatrical revues and the music publishing and recording industries) in both countries. In light of a review of "Black Atlantic" (GILROY, 2001) and "the ecology of musical knowledge of the South Atlantic" proposed by Sardo (2013), we intend to contribute to the understanding of the performers and phonograms to construct an imaginary sonority between both countries.

Resumo: Apresenta-se uma reflexão dialógica sobre o trabalho em cursos universitários de Licenciatura e Bacharelado em Música, especificamente na atividade curricular de conjuntos integrados por estudantes. As atividades nessa faixa do currículo recebem denominação variada-sendo "Música de Conjunto" e "Prática de Conjunto" as denominações genéricas mais comuns. Os autores fizeram uso da correspondência eletrônica (e-mail) para a construção dialógica do ensaio, recorrendo a experiências de docência e de pesquisa etnográfica em uma universidade pública do Rio de Janeiro, e aludindo a referências multidisciplinares. A presente reflexão partilhada produziu sugestões e questões úteis ao planejamento didático e à avaliação, com que os autores almejam contribuir para a continuidade de análises, ações e diálogos nesse setor da educação musical universitária. Palavras-chave: Prática musical em conjuntos. Formação musical universitária. Diálogo e reflexão Abstract: The authors write in dialogue, to reflect on music education at the university, specifically addressing the curricular activity of students in music ensembles. Activities in this sector may receive different course titles-"Ensemble practice" and "Ensemble music" being the most frequent. The authors have made use of electronic mail (e-mail) to compose the dialogical exchange, and resorted to experiences in teaching and doing ethnographic research at one public university in Rio de Janeiro, while pointing to multidisciplinary references. The shared analysis presents ideas and questions of relevance to pedagogical planning and assessment, with which the authors aim to contribute to further analyses, actions and dialogues in this sector of Music curricula in Higher Education.