Julia MAILLARD

During the 16th century, the mask and precariousness underwent respective evolutions, and their intersection between the forms of festive theatricality provoked the emergence of a science and consciousness of modern individuality. This article proposes an approach of “sociology of transformations of behavior” through a cross-analysis of the images. It sheds light on how the interweaving between (counter-)figures and concrete metaphors of precariousness (poverty, misery, instability), and practices of “masking” modify the norms of individuation and lead to a new form of individualization. Indeed, their encounters on the stage leads to the externalization of norms onto a sartorial aesthetics within a society constructed on the power of the gaze. Transposition into the symbolic of the social anxieties born from the aporias of Christian ethics and symbolism to resolve religious differences, the games of mask and precariousness opens the space for a new subjectivity.

Des le xvie siecle, sur le theâtre des Ameriques, l’alienation des ethnies locales opere sous les masques europeens, culturels et religieux, dont une part de la puissance d’agir repose sur la perception de l’apparence (vestimentaire). Pour en analyser les dispositifs representatifs, je considererais l’ange baroque des xviie et xviiie siecles - en tant qu’apparition de l’Autre (re)vetu - comme un equivalent a « l’extraterrestre », pour postuler que ce trait le determine dans et par son paraitre comme un agent alienant voire aliene dans des (en)quetes identitaires visant a (re)former et (se) conformer a une identite alteree. L’approche semiotique conjointe de peintures des Sept Archanges et de processions religieuses et de phenomenes socioreligieux permettra de devoiler les jeux des transferts entre les systemes vestimentaire et culturel par lesquels les imagin(air)es de l’identite furent culturellement envahis par ce referent extraterrestre. Entrelacant les mecanismes de l’image, de ...

In the late sixteenth century, the practice of wearing a mask as an object-image carried by a living body underwent an essential renewal. Brought closer to disguise, it deeply impacted the way the people of that time conceived human subjectivity. Using communicational semiotics and cultural and historical anthropology, this paper intends to unmask the processes of this metamorphosis. The analysis of the Balet comique de la Royne (1582) under the veil of a web of images and imagination is applied from the design of the mask to its impersonation. It demonstrates that the reform of the common practices of masking laid on the inclusion of artistic, social and devotional practices and theories under the norms of clothing device. At the end of the sixteenth century, the wearing of an image on the body now acts as a mask. It converts, models on and sublimates the masqué. Conferring to them the status of the image, it carries them away in a new kind of subjectivity, where the body is vested with the functions of the image, and becomes a work of art dedicated to its character.

From the 16th century, the Americas were the stage where local ethnic groups were made « alien to themselves » through religious and cultural European masks. Their agency (or « puissance d’agir ») relied in part on the perception of the (fashioned) appearance. In this article, I analyse its representative systems. Because the European Other is (dressed in) his apparition, I consider the baroque angel of the 17th and 18th centuries as an equivalent for the « Alien ». I argue that by this feature, he appears as an alienating agent, or even an alienated agent of and in this search for identity in which the extraterrestrial referent might act as a means to model the identity as and by an alteration. Through the semiotic analysis of socio-religious phenomena and paintings of the Seven Archangels and of scenes of religious processions, I identify frames that operated the agentive transfers between European and Indian clothing and cultural systems, and that on three levels – corporeal, cultural and imaginary. Thus I demonstrate that invading the image and imagination of the identity through culture, by interweaving the mecanisms of images, History and theatricality, (the habit of) the « alien » angel designed a well-formed frame where one (is re)presented (under) the mask of an altered clothing so that the indian dresses his self with an unalienated and quasi-disguising identity.

La France des guerres de religion fut le théâtre de la rencontre d’un imaginaire, l’Apocalypse, et des images liées à une actualité tragique. Dans cette société en crise, l’imaginaire apocalyptique eut la puissance de modifier la perception de la réalité vécue, réalité de laquelle il avait tiré son potentiel. Dit selon les termes de l’époque, ce « masque » allégorique finit par « déguiser » l’Histoire/histoire qu’il recouvrait. Les notions de « performativité » et d’agentivité vont permettre d’appréhender ces mécanismes qui culminèrent sous le règne de Henri III grâce au terreau idéologique édifié sous son prédécesseur, Charles IX, ainsi investi d’une mission rédemptrice. Il s’agira de les définir en questionnant la puissance de la métaphore apocalyptique à faire (ré)agir l’auditeur-lecteur, tout d’abord à travers l’impact de ses images littéraires sur l’imaginaire royal, puis de l’horizon dévotionnel psychologique grâce auquel elle fait appel à agir, et enfin de la potentialité subversive du détournement de ces mêmes mots et images par la satire et les pamphlets. Par le recouvrement incessant des faits par les imag(inair)es apocalyptiques, cette structure permit l’activation d’une performativité et d’une théâtralité rituelles qui re-façonnèrent une monarchie mise à mal dans sa mission sacrée. Un masque apocalyptique devenu déguisement, entre (dé)voilement et (dis)simulation.

Publié dans la revue en ligne Le Verger, et à télécharger en intégralité sur le site de Cornucopia: http://cornucopia16.com/blog/2017/01/14/appel-a-contribution-le-verger-x-imaginaires-et-representations-de-lapocalypse-a-la-renaissance/

Séminaire de formation doctorale 2017 ASM/CRISES. Séance du Jeudi 18 Mai : Mascarades et travestissements animaliers (en remplacement de l'intervention de A. Testa (Université de Vienne) : Masques et rituels zoomorphes en Europe de l'Antiquité tardive à la fin de l'époque moderne. Considérations, comparaisons, interprétations)

Quel impact visuel, phénoménologique, symbolique et perceptif avaient les éléments d’origine animal dans les habits de masque. Il s’agirait de se centrer sur les plumes comme composante d’habits de masque (cape, éventail, etc.), sur leur impact visuel et ce qu’elles apportaient pour (re)produire un « air ». Quel air produisaient-elles et à quelle(s) fin(s) ? quel impact avaient-ils sur le corps et ses mouvements ; sur la perception des mouvements et de l’image du masqués par l’assistance ? L'hypothèse étant qu'au niveau anthropologique, le masque d’animalité et le déguisement par l’animal indiqueraient une nouvelle perception de la personne humaine dans son individualité et de son image et fourniraient des moyens d’investigation sur un sentiment d’humanité en recomposition et en questionnement au tournant du XVIe et XVIIe. En somme, paraitre animal(ier) pour transparaitre dans son humanité

A la fin du XVIe siècle, le nouveau rapport au geste du corps et aux gestes de son corps comme langage des émotions et présence dans le monde réagence les composantes de l’identité et de sa visibilité « publique » sous un masque feint et ambigu amorçant la genèse d’une nouvelle sorte de déguisement.

Il s’agira de démasquer ces gestes (dis)simulés dans leur énonciation et de réfléchir sur leur rôle dans la reformation du cadre de l’expérience de la visibilité de l’image identitaire (de soi) au XVIe siècle. Trois typologies seront abordées : l’ambiguïté du geste, le masque de la gestuelle et la reprise de gestes. Je tenterai de les articuler à la notion tout aussi ambiguë de (dis)simulation pour comprendre en quoi et pourquoi les gestes au XVIe siècle peuvent entrer dans la catégorie du déguisement selon leur cadre. Autrement dit, je me poserai la question « à qui appartient le geste performé et agi » : au personnage ou à la personne masquée ?

Cette réflexion qui entendra également faire un état de ma recherche en cours permettra de mieux comprendre ce qui (re)présentait l’identité dans la pensée de l’époque et les mécanismes (in)conscients et sociaux de sa visibilité, inscrivant l’homme renaissant dans un monde résolument « moderne ».

Présenté dans le cadre du séminaire Gestes ambigus, séminaire accueilli par le CEHTA (centre d'histoire et de théorie des arts) /EHESS et coordonné par Valérie Boudier et Anne Creissels (maîtres de conférences en arts plastiques à l'université de Lille 3, membres du CEAC et docteures de l'EHESS en histoire et théorie des arts, chercheures associées au CEHTA), de 17h à 19h dans les locaux du CEHTA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

« Eternal painting for ephemeral condition : masquing, disguising and dancing as equivalent of copper painting ? », given at Renaissance Society of America Annual Meeting, Chicago. Session « Eternal Painting? The Meaning and Materiality of Copper Supports » (Chicago, Mars 31- Avril 1e 2017)
Recent studies have demonstrate that more than eternal medium, copper paintings conceptualy associated the physical support and the narrative subject. The symbolism of copper also relate to the means of its creating i.e. fire.
However, in sixteenth-century, copper paintings seem to be restricted to thematics associated with changing. Two pieces retain my attention : The coral fishing by Jacopo Zucchi (Leopoli, Lviv Picture Art Gallery) and The peasant dance by Brughel (Musée des Beaux-Arts de Bordeaux). Indeed their subject relate to transforming the self: by masquing the prince and by dancing. I would examine the possible link between the theory of elements involved by the material and the one of humors and their regulation in the narratives and with English miniatures of portraits in masque. I assume that it will lead to a better understanding of what were the effects of using copper in painting in the Renaissance.

« Se déguiser » en France au XVIe siècle: « l’art de vivre » dissimulé d’un ‘art de vivre simulé’. Lien d’une pratique ‘utopique’ à son contexte », dans le cadre du cycle de conférences à l’Institut catholique, Paris, « L’art de vivre », Les Jeudis de l’art (Paris, octobre 2016-avril 2017)
Si les études sur le déguisement à la Renaissance ont bien étudié son versant symbolique et son usage politique, qu’en est-il de l’effet de ce vêtement sur le porteur en contexte ? Au XVIe siècle, toute activité est soumise à des normes de convenance et le « déguisement » n’y échappe pas. Quelles modes vestimentaires, objets, geste(s) ou pratique(s) déguisent celui qui les performent ? lesquels le masquent ? Pour tenter de cerner cette distinction, cette communication analysait les « cadres » (architecturaux et mobiliers) de ces représentations masquées.

Février – Mai 2016
Stage au Département des Estampes et de la Photographie à la Bibliothèque Nationale de France. Rédaction de 261 notices pour le Catalogue général, indice "Dessinstheatre".
Compte rendu sur AdVivum : http://estampe.hypotheses.org/author/juliamaillard

Communication proposée lors de la journée d'étude L' AMBIGUÏTÉ DU GESTE ENTRE FIGURATION ET INCORPORATION, organisée par Valérie Boudier et Anne Creissels à la MESHS, 26 avril 2019

Ma communication aborde l'ambiguïté du geste au sein de la pratique du "masquer" à la fin du XVIe siècle. Je pars de l''hypothèse que cette ambiguïté provient de la survivance de figures artistiques et/ou rituelles dans les gestes figurés, de leur combinaison à certains dispositifs visuels et des effets du travail de l'esthétique et de l'esthésique, d'abord dans leur figuration ce qui aura des effets lors de leur performance/réalisation puis de leur incorporation. Grâce à ces gestes ambigus ouvrant des espaces de corporéité, d'intériorité et de d'introspection, le "masquer" se présente comme un tournant majeur vers la subjectivité dite moderne.

Dans le cadre du colloque "L’OBJET THEORIQUE EN PERSPECTIVE" organisé par le Centro Internazionale di Scienze Semiotiche à Urbino en 2017, je tentai une application de trois concepts théoriques élaborés par Louis Marin, opacité, transparence et masque, pour voir si ces derniers m'aidaient à mieux cerner théoriquement mon objet d'étude, l'habit de masque, un vêtement porté durant les fêtes des XVIe et XVIIe siècles.