Semana 01: El primer

procedimiento
fotográfico o
heliográfico fue
inventado por
Historia de la Fotografía Nicéphore Niépce
hacia 1824.

En 1838 se inventa el En 1832, ponen a

daguerrotipo, primer punto, a partir del
procedimiento que residuo de la
comprende una etapa destilación de la
de revelado. esencia de lavanda,
 La cámara oscura La Cámara Fotográfica
• Instrumento optico que • Es un mecanismo antiguo para
permite obtener una proyectar imágenes, en el que
proyección plana de una una habitación entera
imagen externa sobre la zona desempeñaba las mismas
interior de su superficie. operaciones que una cámara
• Consiste en una caja cerrada y fotográfica actual por dentro,
un pequeño agujero por el que con la diferencia que en
entra una mínima cantidad de aquella época no había
luz que proyecta en la pared posibilidad de guardar la
opuesta la imagen del exterior. imagen a menos que esta se
• El orificio funciona como una trazara manualmente.
lente convergente y proyecta, • Las cámaras fotográficas
en la pared opuesta, la imagen constan de una cámara oscura
del exterior invertida tanto cerrada, con una abertura en
vertical como horizontalmente. uno de los extremos para que
pueda entrar la luz, y una
superficie plana de formación
de la imagen o de visualización
para capturar la luz en el otro
Tipos de Cámara Fotográfica
Cámaras compactas
• De gran sencillez de uso y requiere conocimientos y práctica fotográfica mínima.
• Menor costo
• Visor optico directo
• Objetivo no intercambiable

Cámaras APS (Advanced Photo System)

• Fueron el resultado de la primera unificación entre el sistema analógico y el digital
• Simplificar el funcionamiento de las cámaras fotográficas para los usuarios inexpertos y
además introducir mejoras sustanciales frente a las comunes cámaras compactas de
35 mm.

Cámaras réflex o SLR (Single Lens Reflex)

• la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará
capturada.
• Eso se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o
sistema de espejos denominado pentaprisma
• Permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y
disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos.
En general las cámaras Reflex poseen las siguientes
características:

 Visor réflex o de pentaprisma, que permite ver

exactamente lo que se ve a través del objetivo.
 Objetivos intercambiables.
 Fotómetro o exposímetro incorporado.
 Zapata de conexión para flash externo.
 Control (anillo) de enfoque manual.
 Obturadores muy rápidos.
Visores de Cámara

• Consiste simplemente en un orificio con las

Visor de mismas proporciones que el formato de la
marco: película. Algunas poseen dos orificios para
usarlos alineados.

• Están formados básicamente por una lente

bicóncava y una onvexa que producen una
Ópticos o directo
s: imagen virtual y no invertida; algunas llevan una
línea brillante en sus márgenes para delimitar la
zona de encuadre

Visor • La imagen captada por el objetivo rebota en el

réflex SLR espejo interno y se forma sobre una pantalla
mate de donde es recogida por el pentaprisma;
o de en su interior se producen tres rebotes cruzados
pentapris que enderezan la imagen tanto vertical como
lateralmente.
ma:
Sensor y Sensibilidad

las dos tecnologías más populares

• El sensor de las cámaras fotográficas del mercado de sensores son CCD Y
está compuesto por millones de
pequeños semiconductores de silicio, los CMOS.
cuales captan los fotones (elementos
que componen la luz, la electricidad). A
mayor intensidad de luz, más carga El tamaño universal de un fotograma de película
eléctrica existirá. para cámaras réflex o slr es de 35mm de largo (la
diagonal es de 43mm).
• Estos fotones desprenden electrones Los sensores de fotograma completo tienen
dentro del sensor, los cuales se aproximadamente esa medida.
transformarán en una serie de valores
digitales un pixel. Sin embargo, la mayoría de las cámaras DSLR no
• Por lo tanto cada célula que desprenda disponen de un sensor de ese tamaño, si no más
el sensor de imagen corresponde a un pequeño, por ello se produce una pérdida o recorte
pixel o un punto. en el campo de visión de los sensores más
pequeños
• Este formato de sensor se llama APS. Los recorte en el
campo de visión de los sensores de 35mm se llaman Full
Frame o de fotograma completo.

No todos los sensores tienen las mismas proporciones entre el

alto y el ancho. De este modo hay fabricantes que utilizan
formato de 4:3, otros de 3:2 y otros (aunque es menos común)
de 16:9, cada uno de ellos más apaisados.
Ópticas

• Se denomina objetivo al dispositivo que contiene el

conjunto de lentes convergentes y divergentes y, en
algunos casos, el sistema de enfoque y/o obturación, que
forman parte de la óptica de una cámara tanto fotográfica
como de vídeo
• Su función es redireccionar los haces de luz para crear una
imagen "óptica" en un soporte fotosensible, permitir un
enfoque lo más preciso posible y mantener una colimación
constante de los elementos ópticos.
Principales características:
Luminosidad
La luminosidad de un objetivo está condicionada por: la
cantidad de lentes que lo componen, sus composiciones
químicas, el tipo de recubrimientos de sus caras y sus
diámetros. Esto define la apertura máxima de su diafragma,
conocida como apertura efectiva.
Número f
Está generalizadamente extendido el uso del número f como
indicador comparativo entre objetivos, que consiste en un
cociente entre su apertura máxima y su distancia focal. El
número f es inversamente proporcional a la apertura: a menor
número f, mayor luminosidad.

Distancia focal
Indica la distancia (generalmente en milímetros, aunque hasta
la década de los 50 el centímetro era la unidad) desde el centro
óptico del objetivo al plano focal. Define el "aumento" o zoom
del objetivo, o cuánto acerca la imagen respecto al punto de
vista subjetivo del observador, y al mismo tiempo su cobertura
angular.
 Según características de la distancia
focal

• De distancia focal fija: Se destacan por poseer una calidad óptica superior,
ya que están construidos con menor número de elementos. Como desventaja,
hacen necesaria la sustitución por otros objetivos cuando se hace necesaria
una longitud focal distinta, puesto que su longitud focal no puede cambiarse.

• De distancia focal variable: Tienen la ventaja de brindar varias longitudes

Focales agrupadas en un solo cuerpo de objetivo, lo cual se consigue mediante
el movimiento de ciertos elementos dentro del mismo. Esto los hace más
versátiles para el uso diario puesto que no requiere el cambio de objetivo para
obtener una longitud focal diferente. Como desventaja, poseen más elementos
ópticos, con lo cual existe una mayor probabilidad de aparición de aberraciones
y mayor pérdida de luz, lo cual hace que sean menos luminosos que sus
contrapartes de focal fija.
 Los objetivos multifocales son
aquellos objetivos que puede
adoptar un número limitado de
distancias focales, pero nunca
una posición intermedia entre
ellas.
Existen tres tipos de objetivos de longitud focal variable: Los
objetivos los multifocales, los parfocales (verdaderos zum) y
Los objetivos parfocales de
los objetivos varifocales
aumentos en un microscopio no
requieren volver a enfocar la
En las tres clases de objetivo pueden variar su longitud focal a muestra cuando los objetivos
voluntad del usuario; sin embargo, la diferencia entre ellas cambian.
radica en que los parfocales mantienen el foco durante el
cambio de longitud focal, mientras que en los multifocales y en
los varifocales la distancia de enfoque cambia Los objetivos varifocal son
aquellos objetivos que entre la
mínima distancia focal y la
máxima distancia focal puede
situarse en cualquier posición
intermedia pasando de una a
una de forma continua.
 Súper Gran Angular: Objetivo ojo de pez: Se Gran angular: de 28 a
con distancias focales trata de un angular 40 mm de distancia
entre 12 y 28 mm extremadamente focal, y ángulos de
(para película de amplio, superando los captura entre 60 y
35mm) y un ángulo de 180° en algunos 180°. Se utilizan para
visión superior a 80°. casos. Proporcionan vistas panorámicas de
Suelen ser empleados una profundidad de paisajes, arquitectura,
para conseguir campo extrema, y las deportes.
determinados efectos líneas de la imagen se
especiales que se proyectan curvas,
obtienen por su como si estuvieran
distorsión de la reflejadas en una
imagen. Es el rango esfera.
focal más empleado
en fotografía nocturna.
Normal: entre 45-70 mm y Teleobjetivos: Poseen Superteleobjetivos:
con un ángulo de entre 40 longitudes focales entre distancia focal mayor a
y 65º. Se caracterizan por 70 a 300 mm, y con un 300mm llegando incluso a
crear imágenes con ángulo de visión menor a 1200mm. Permiten
aspecto semejante a la 40°. Tienen acercar objetos situados a
visión del ojo humano. Su una profundidad de grandes distancias; su
profundidad de campo es campo reducida respecto profundidad de campo es
moderada. a las longitudes focales mínima, y por lo general
más cortas. Como se utilizan en combinación
característica de su con grandes aperturas
imagen, comprimen la para obtener imágenes de
perspectiva mostrando objetos totalmente
objetos relativamente diferenciadas de su fondo.
lejanos en sí a un tamaño
comparativo similar.
SEMANA 02:
EL ISO:

• Es la sensibilidad que puede tener una

película o un sensor a la luz.
• Las cámaras digitales tienen un rango de
ISO que normalmente va de 100 a 400, pero
en cámaras profesionales podemos
encontrar rangos de ISO 50 a 3200 –
1Millon.
• Entre mayor sea el número significa que la
cámara necesita menos luz para tomar una
foto, es decir, una foto que normalmente no
se podría tomar con ISO 100 por falta de luz,
se puede tomar si utilizamos un ISO 400.
La Velocidad de Obturación:

Uno de los elementos en

Variando el control de la
Es una de las formas de los que impacta de una
velocidad de obturación
regular la cantidad de manera más
podrás hacer la misma
luz que entra al sensor determinante es en la
fotografía con resultados
de nuestra cámara. congelación (o no) del
muy distintos.
movimiento.

En condiciones de
escasa iluminación, una
manera (de muchas
posibles) de conseguir
que llegue la suficiente
luz al sensor sería
disminuir la velocidad de
obturación.
El Diafragma:
• Es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra en la cámara.
• Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir
que entre más o menos luz según sea necesario.
• Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma.
• La apertura de diafragma se mide en números f. El salto de un valor al
siguiente se denomina paso.

La escala de números f típica

La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se duplica o se
divide por dos si la aumentamos o la reducimos respectivamente. Así f11 tiene el
doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8.

La forma más fácil de recordarlo es que el menor número f es la mayor apertura y el

mayor número f es la menor apertura.

En función del programa utilizado en la cámara la apertura de diafragma se ajusta

automáticamente o puede ajustarse de forma manual.

Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos con
distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima puede
cambiar según varía la distancia focal o puede ser fija, dependiendo del diseño del
objetivo.

La apertura de diafragma máxima viene indicada en los objetivos.

La Exposición:

• Es la acción de someter un elemento fotosensible (en

cámaras digitales el sensor) a la acción de la luz.
• La correcta exposición de una fotografía será el primer
paso para lograr una buena foto, al margen de una mejor o
peor composición y de una mayor o menor belleza de lo
retratado.
• Una mala exposición será el primer gran error que
deberemos evitar cuando fotografiemos.
 Subexposición: Exposición
correcta: La
La fotografía Sobreexposición: S
fotografía recoge la
presenta una e aprecia un exceso
cantidad de luz
carencia de luz en la
apropiada para
considerable de luz fotografía frente a la
representar
frente a la de la escena retratada.
fielmente la escena
escena original. fotografiada.
Balance De blancos:

• Es un control de la cámara que sirve para equilibrar los

niveles de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con
el objeto de que la parte más brillante de la imagen
aparezca como color blanco, y la menos brillante como
negro.
• Si realizamos el balance de blancos correctamente, esos
blanco y negro serán puros, no tendrán ninguna dominante
de color.
• Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser
automático o manual.
Por Qué Necesitamos el
Balance de Blancos:

Los colores registrados por nuestra cámara dependen de la

iluminación, y la luz que tenemos en el ambiente no es
siempre la misma.

Puede ser natural o artificial, y además puede tener

una temperatura de color diferente, es decir, puede
tener colores distintos: puede ser más fría, es decir,
tender más hacia tonos azulados, o ser más cálida, es
decir, tender hacia tonos amarillos, anaranjados o rojizos.

Los 3 componentes de color RGB (rojo, verde, azul)

normalmente no están distribuidos de manera equilibrada.
Por ejemplo, en un día nublado la luz predominante será
de un tono azulado, mientras que en una habitación
iluminada con bombillas incandescentes (tungsteno)
predominará el rojo.
El Enfoque:

• Enfocar es hacer coincidir los rayos de luz que inciden en la

cámara en un punto llamado foco, que a su vez coincidirá con el
sensor de la cámara.
• Enfocar es dejar nítido aquello que está a una distancia
concreta.
• Si enfocamos a una distancia y el sujeto se mueve antes de
disparar, debemos re-enfocar porque la distancia del sujeto habrá
variado.
• Podemos utilizar el enfoque manual y enfocar nosotros mismos
utilizando el dial del objetivo, aunque generalmente es mucho
más cómodo y rápido dejar que la cámara enfoque por nosotros.
 Las cámaras DSLR actuales disponen de varios puntos
donde pueden enfocar. Esto facilita enfocar cuando
nuestro sujeto no está centrado en la imagen.

Podemos ajustar la cámara para que ésta elija por

nosotros el punto de enfoque o elegirlo nosotros
mismos. Éste es el método más preciso, si bien en
aquellas fotografías donde haya mucho movimiento
puede resultarnos especialmente difícil detenernos a
elegir el punto de enfoque. En ese caso es más
recomendable dejar que la cámara elija por nosotros
donde enfocar, que generalmente es el objeto más
cercano que coincida con uno de los puntos de enfoque.
Métodos de enfoque Consiste en que al
apretar el botón de
Aufo-focus disparo levemente el
simpl enfoque queda
bloqueado hasta que
e disparas. Se utiliza para
fotografías estáticas e
instantáneas.
Consiste en que al
apretar el botón de
disparo levemente el
sujeto queda enfocado Auto-focus
y si éste se mueve de
repente la cámara re- AI
enfoca. Este modo se
utiliza para motivos
Foco:
que se muevan de
forma impredecible
Consiste en que mientras
se apriete el botón de
Auto-focus disparo la cámara enfoca
continuamente. Es un
AI método muy útil cuando
Servo: el sujeto se mueve
constantemente, como
deportes.
Distancia mínima de enfoque

Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el

objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz de
enfocar.

Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una

distancia mínima mayor que los objetivos de menor
alcance (p.ej. 28-80).

La distancia mínima puede reducirse para fotografías de

cerca con lentes de acercamiento. Los objetivos
específicos para fotografía macro tienen distancias
mínimas de enfoque muy bajas.
 Consideraciones útiles en el enfoque

Para enfocar con

autofocus, elegir el
Hay una técnica que
método de enfoque
consiste en enfocar
(puntual manual o
automáticamente con
automático) y pulsar a Ojo con enfocar y luego
la cámara y una vez
la mitad el disparador. cambiar distancia focal
enfocado pasar a modo
Una vez pulsado a la (zoom) porque al
manual para que en el
mitad podemos cambiar la distancia
instante de la foto la
recomponer la escena, focal se pierde el
cámara no se ponga a
pero cuidado porque al enfoque
enfocar y podamos
pulsar el botón a la ligeramente. Enfocar
perder la foto. Esta
mitad también debe ser el último
técnica se utiliza por
habremos medido la ajuste que hagamos
ejemplo en fotografía
luz, y si ésta cambia al antes de disparar.
nocturna, donde al no
recomponer la escena
haber luz la cámara no
podemos variar
es capaz de enfocar.
considerablemente la
exposición.
 En casos de poca luz En casos de intentar
la cámara no puede enfocar zonas sin
enfocar textura la cámara
correctamente. Para podría no conseguir
ello la mayoría de las enfocar, ya que el
cámaras disponen de sistema de enfoque
un sistema de ayuda utiliza contrastes en
al enfoque, bien con bordes. Por ello se
infrarrojos o bien con recomienda hacer
flash. Al ayudar con el coincidir el punto de
flash para el enfoque enfoque con zonas
tendremos en cuenta contrastadas o
que el flash también texturadas (las
saldrá en la foto y eso pestañas, la barba,
puede variar cómo una doblez de ropa, un
queremos sacar la marco de una
foto. ventana, etc).
Trepidación y Movimiento:

• Es el efecto que se produce cuando una foto sale movida

por un tiempo de exposición demasiado largo o por no
controlar el movimiento de la cámara.
• Al hacer una foto debemos tener en cuenta el movimiento
de los objetos para decidir entre un tiempo de exposición u
otro.
• Los siguientes elementos pueden influir en la trepidación o
el movimiento de los objetos:
  El movimiento de la cámara al hacer la foto: Cuanto más
quieta esté la cámara en el momento del disparo más fácil será
obtener una imagen nítida. No es lo mismo hacer una foto con
un trípode apoyado en el suelo que desde un coche en
movimiento.

 El movimiento de los objetos en la foto: Debemos evaluar

que los objetos que fotografiamos se mueven y pueden
hacerlo a velocidades distintas. No es lo mismo fotografiar un
niño pequeño (se mueven endemoniadamente) que una
modelo profesional que sabe estar perfectamente quieta.

 La cantidad de luz ambiental: Cuanto mayor sea la cantidad

de luz más fácil será utilizar un tiempo de exposición bajo y así
evitar una foto movida. No es lo mismo hacer una foto a plena
luz del día en la calle que dentro de una casa.

 El objetivo que se está utilizando: Cuanto mayor es la

distancia focal (zoom) mayor es la probabilidad de trepidación
(foto movida). Un objetivo con estabilizador reducirá las
probabilidades de trepidación, aunque los objetivos
estabilizados tienen sus límites.
Profundidad De Campo:

• La profundidad de campo es la distancia por delante y

por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en
una foto.
• Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás
del punto enfocado que por delante (ver figuras).
• Hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de
campo:
La apertura de diafragma
• A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de
diafragma) tiene una profundidad de campo menor. Igualmente,
vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma)
tiene una profundidad de campo mayor.

La distancia focal (zoom)

• A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm
tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un
zoom

La distancia real entre la cámara y el punto

enfocado.
• Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la
profundidad de campo. Como se ve en la imagen, la foto hecha a
1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la
foto hecha a 4.5 metros.
¿Cómo utilizo la profundidad de campo en mis fotos?

Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocadas

y qué partes no.
 Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo
reducida puede ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o
sobre un primer plano) y también puede aislar un objeto.
 Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo
más nítida posible y no obviar ningún detalle.
Prueba a jugar con ella. Haz dos fotos del mismo motivo de las dos
maneras y compáralas.
Semana03:
La Composición

• La composición en fotografía es la disposición de elementos y

sujetos dentro del cuadro.
¿Con qué criterios
seleccionamos esos
objetos y sujetos, y cómo
¿cómo lo hacemos?
los disponemos en la
imagen?

• Dominar la composición fotográfica puede marcar la diferencia entre

una fotografía mediocre y una gran fotografía con aspecto
profesional.
• Abordar el tema de la composición fotográfica no es tarea fácil, ya
que existen numerosísimas definiciones, reglas y leyes que nos
dicen cuál es la mejor manera de componer para que nuestras fotos
enganchen al espectador
 La composición es "el proceso de seleccionar,
disponer y enfatizar las partes que componen una
imagen, para apoyar y sustentar el mensaje que el
fotógrafo pretende transmitir".
Saber mirar

• Habilidad de observar qué tenemos delante y visualizar

mental e inmediatamente cómo eso quedará enmarcado
dentro del cuadro de la foto.
• Es la habilidad más importante del responsable de tomar la
fotografía porque, no sólo determina qué elementos
visuales aparecerán en la imagen, sino también cómo
influirán estos a la hora de disparar.
 La mayor parte de las buenas fotografías
han sido creadas. Por tanto, si se quieren
crear fotografías, hay que familiarizarse
con algunos principios de la composición

COMPONER CREAR

La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un

motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen
es tan importante como lo que se incluye en ella.
Los Ojos

• Los retratos de primer plano serán más llamativos si los

ojos coinciden con los tercios.
Líneas Maestras

• En algunas fotos podemos aprovechar líneas para darle

más profundidad a la foto. Podemos buscar líneas en
aceras, cables, vías de tren, etc…

• Al utilizar las líneas debemos ser cuidadosos de que sean

líneas sencillas y no se entrecrucen entre sí. En caso de
hacerlo quedará demasiado caótico y no ayudará a hacer
que sea una composición limpia.
Horizonte Caído

• Al tomar una foto de un paisaje que tenga horizonte, o de una

escena en la que haya líneas horizontales se han de tener en
cuenta éstas y conseguir que sean paralelas a los bordes de la
foto o de que sean rectas, de otro modo la foto saldrá “caída”, o
con el horizonte caído.
• En ocasiones el efecto de horizonte caído puede ser provocado
por algún motivo.
• Esto se puede corregir con aplicaciones de retoque como
Photoshop o Paint Shop Pro, aunque la toma siempre pierde algo
de definición al hacerlo, así que es mejor tenerlo en cuenta en
el momento de tomar la foto.
El Fondo

• Al hacer una foto muchas veces no nos fijamos y le damos

muy poca importancia al fondo.
• Debemos tratar de adecuar el fondo a lo que estamos
fotografiando.
• En algunas ocasiones no podremos y en otras simplemente
con cambiar el punto desde el que hacemos la foto,
agacharnos, subirnos a un objeto o similar ya podemos
modificarlo.
Ojo con:

 Fondos que no contrastan con el objeto fotografiado.

 Fuentes de luz que deslumbren o que contrasten
demasiado con el sujeto, a no ser que busquemos un
contraluz. Un ejemplo sería una lámpara apuntando
directamente a la cámara, una ventana en una foto
interior, etc…
 Fondos con demasiado detalle. Si el fondo tiene
mucho detalle distraerá la atención del motivo
principal.

Si no podemos evitar esto trataremos de desenfocar el

fondo reduciendo la profundidad de campo. De esta
forma le restaremos importancia.
La foto de la izquierda pierde mucha fuerza porque el fondo no contrasta con los
caballos al ser del mismo color. Sin embargo, en la foto de la derecha podemos ver
cómo he convertido un fondo totalmente anodino en un fondo correcto reduciendo la
profundidad de campo, de forma que queda desenfocado.
En estas dos fotos podemos ver cómo arreglar un fondo desastroso simplemente cambiando
el ángulo de visión. Simplemente moviéndome un poco y haciendo coincidir el fondo oscuro
con una zona arbolada del fondo la foto queda mucho más agradable a la vista y
conseguimos ver con más detalle la planta.
Semana 04
 Una de las técnicas que comúnmente se usa para dar más
Los Ángulos importancia a un sujeto o resaltar las características de éste
es cambiar el ángulo desde el que tomamos la foto.

NORMAL:

Este ángulo es aquél en el que la cámara se

encuentra paralela al suelo. Es en el que
hacemos la mayoría de fotos cuando estamos
de pie. Nos da la sensación de estabilidad y se
ha de hacer siempre a la altura de los ojos.
Uno de los errores en este aspecto es la
fotografía de niños desde nuestra altura,
los cuales obtendrán mucho más
protagonismo si les fotografiamos desde
su altura.
PICADO:

• Aquí, la foto se toma a una altura superior a

la de los elementos de la escena. Este
punto de vista tiende a disminuir el peso
visual de los sujetos u objetos
fotografiados. Si lo utilizamos en paisajes,
podremos conseguir reducir la presencia
del fondo. Además, será sólo posible en las
fotografías urbanas en ángulo picado
conseguir captar de la mejor manera los
coches y peatones en movimiento.
• Si pensamos en los retratos de personas,
éste ángulo representa a un sujeto débil o
inferior.
 CONTRAPICADO:

• En este caso, ocurre todo lo contrario

al picado. Nos encontramos a una
altura inferior a la de los elementos de
la escena. Con el contrapicado
conseguiremos que los objetos o
personas bajas cobren altura. Con
estos ángulos conseguimos invertir el
sentido de las proporciones con unos
resultados muy sugerentes.
• En el caso del retrato de personas,
conseguiremos la apariencia de un
personaje fuerte o superior.
 La cámara se coloca completamente bajo el sujeto,
de manera perpendicular al suelo. Aquí
conseguimos un efecto más exagerado aún que con
el ángulo picado. Conseguimos una perspectiva
central, ya que las líneas tienden hacia el centro de la
escena.

NADIR:
CENITAL:

Colocamos la cámara desde arriba, totalmente

perpendicular al suelo. El ángulo cenital es muy
usado en producciones cinematográficas o tomas
desde helicóptero para grabar extensiones muy
amplias. O los mapas por satélite son el ejemplo
más representativo de ángulo cenital.
Los Ángulos
Los Planos:

• Para un fotógrafo es mucho más conciso hablar de un

primer plano, que hablar de un plano en el que se le vea la
cara a nuestro modelo, ya que de esa forma son
demasiadas las opciones que tenemos. Los tipos de plano
según la escala nos ayudarán por tanto a saber por dónde
cortar el encuadre a la hora de hacer nuestros retratos.
Además, cada uno de ellos tendrá una serie de
connotaciones que nos ayudarán a transmitir un
determinado sentido con nuestra imagen.
 Plano Entero:

Tendremos un plano entero si a quien o quienes

estamos fotografiando aparecen completos, desde
los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.
El protagonista de nuestra foto por tanto ocupa
todo el encuadre, convirtiéndose en el punto de
interés de la toma. Puedes apurar más o menos el
encuadre, pero procura siempre no cortar ni los
pies ni la cabeza.

En este tipo de plano tendremos que cuidar la

pose de nuestro modelo, ya que si ésta es
buena la foto será mucho más atractiva.
 El plano americano corta al protagonista
Plano aproximadamente a la altura de la rodilla o
Americano/Tre por el muslo. En función de si el
s Cuartos: protagonista está recostado o sentado, la
tolerancia baja algo, llegando hasta un poco
por debajo de las rodillas. Es ideal para
encuadrar en la fotografía a varias personas
interactuando.
 Plano Medio:

Con el plano medio nos acercamos un poco más que con

el plano anterior, cubriendo desde la cabeza hasta la
cintura. En caso de estar sentado el protagonista, la
tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del
muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para
resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un
tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda.
También se utiliza mucho para retratos formales, y para
mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de
las entrevistas.

Es importante que antes de disparar te fijes en la

posición de las manos y los brazos, para en la
medida de lo posible, evitar cortarlos. Si no tenemos más
remedio, lo haremos intentando que queda de forma
natural y sin cortar las articulaciones.
 Plano Medio
Corto:

El plano medio corto es también

conocido como plano de
busto o primer plano
mayor. Este tipo de plano recoge
el cuerpo desde la cabeza hasta
debajo o mitad del pecho,
aproximadamente. Este plano nos
permite aislar en la fotografía una
sola figura dentro de un recuadro,
descontextualizándola de su
entorno para concentrar en ella la
máxima atención.
 Primer Plano:

El primer plano, también llamado primer plano menor o de

retrato, recoge el rostro y los hombros. Este tipo de plano se
corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar
confidencia e intimidad respecto al personaje. La pose del cuerpo
de nuestro modelo en este caso no cobrará importancia, pero sí que
lo hará el gesto o expresión de su cara, que se convertirán en
protagonistas de la imagen.
 El primerísimo primer plano va un paso más
allá que el primer plano, acercándonos más aún
Primerísimo al rostro de nuestro modelo. Este plano capta el
Primer Plano: rostro desde la altura de la frente hasta por
debajo de la barbilla. Con este tipo de
encuadre, el primerísimo primer plano consigue
también dotar de gran significado a la imagen, y
que a carga emocional e la intimidad de la
captura sean extremas.
 Plano detalle:

El plano detalle en el retrato es

el más cercano de todos, y es el
que recoge una pequeña
parte del cuerpo, que no
necesariamente se tiene por qué
corresponder con el rostro. En
esta parte se concentra la
máxima capacidad
expresiva, y los gestos se
intensifican por la distancia
mínima que existe entre la
cámara y el protagonista,
permitiendo enfatizar el detalle
que deseamos resaltar.
Semana 05:
Congelación de Movimiento:

• Algunos de los mejores momentos de nuestra vida cotidiana

ocurren en movimiento: el baile de una boda, la primera vez
que un niño resbala por un columpio, la nueva pirueta de tu
amigo con la tabla de skate... Congelar un momento exacto
y único que además consiga provocar una emoción no
solo se consigue sabiendo cómo ajustar bien los parámetros de
tu cámara réflex (aunque también deberás saber cómo
ajustarlos)
1. Usa una Velocidad de Obturación
Rápida:
• Cuando el objeto fotografiado se encuentra en un movimiento y lo
queremos congelar dentro de nuestra captura tendremos que utilizar
una velocidad de obturación muy rápida, normalmente siempre
superior a 1/500
• Una velocidad de obturación rápida reduce mucho el tiempo de
exposición y limita la cantidad de luz que entra, por lo que las
imágenes tenderán a oscurecerse.
• Esto puede no ser un problema si fotografías un día soleado al aire
libre, te afectará más en interiores o días nublados. En cualquier
caso, es importante que contrarrestes esa posible
subexposición aumentado la apertura, modificando la ISO o
utilizando el flash.
• Puedes utilizar el modo manual para configurar tus
parámetros, pero recuerda que también puedes optar por
utilizar el modo semiautomático que da prioridad a la
velocidad de obturación.
• Este modo es el más utilizado para realizar fotografías en
movimiento, pero será diferente según la cámara que
utilices. Por ejemplo, en las cámaras Canon es el Modo
'Tv' y, sin embargo, en las Nikon y Sony se trata
del Modo 'S'
• Este modo, en cualquier caso, te permitirá centrarte en configurar
la velocidad de obturación adecuada al movimiento que vas a
fotografiar pudiendo desentenderte del resto de parámetros,
puesto que la propia cámara los calculará automáticamente.
• Lo que es realmente difícil es saber con exactitud qué velocidad de
obturación es la más adecuada para cada situación, ya que
esta dependerá de la velocidad a la que se mueva el sujeto
fotografiado. No es lo mismo intentar congelar a una persona
corriendo que a un coche de Fórmula 1 pasando a toda
velocidad. Por eso deberás aumentarla o reducirla e ir
probando hasta encontrar la velocidad que más se ajuste al
movimiento que buscas congelar en cada situación.
 2. Aumenta la Apertura del Diafragma:

• La ventaja de trabajar con aperturas altas (número f bajo)

es que entrará mucha más luz dejándonos aumentar
también la velocidad del obturador. Eso seguro que ya te lo
imaginabas, pero lo que debes tener en cuenta es que,
junto con la focal que utilices y la distancia al objeto
enfocado, con la apertura del diafragma se determinará
también la profundidad de campo que tendrá la toma.
• Como te he comentado antes, además del Modo Manual,
también puedes contar con este otro modo
semiautomático: el Modo de disparo con Prioridad a la
Apertura. Normalmente, vendrá señalado por una 'A' en
los diales de tu cámara, como es el caso de Nikon o Sony,
aunque en las Canon viene señalado con las letras 'Av'.
• El problema es que aumentando la apertura del diafragma
también reducimos mucho el área enfocada
disponible dentro de nuestro encuadre y es probable
que nuestras fotografías no salgan del todo nítidas. Así que,
en función de la zona que quieras que salga enfocada
dentro de la fotografía deberás optar por una apertura de
diafragma más o menos abierta.
• Para solucionar esto podemos hacer dos cosas. Una de
ellas es enfocar en modo AF-C(servo continuo), para
que el elemento que queremos enfocar aparezca siempre
del todo nítido. Sin embargo, no todas las cámaras poseen
esta opción de enfoque. En ese caso, la otra opción
será cerrar un poco la apertura (aumentar el número f )
hasta encontrar la área de nitidez que tu captura necesite.
3. Controla la ISO para una Correcta
Exposición:

• Como ya sabes, la sensibilidad ISO es uno de los parámetros que nos ayuda
a conseguir una correcta exposición en nuestra captura. Nos permite
variar la sensibilidad del sensor de la cámara réflex para que pueda captar
mayor o menor cantidad de luz.
• Aumentando la sensibilidad ISO también podrás incrementar la velocidad de
obturación sin necesidad de aumentar demasiado la apertura de tu
diafragma, evitando así la probabilidad de que salgan zonas menos nítidas o
desenfocadas. Sin embargo, utilizar una ISO demasiado alta también implica
el aumento del ruido digitalen nuestra fotografía.
• Por lo tanto, es mejor que tengas seleccionado siempre el valor mínimo y
solo lo aumentes si las condiciones de luz lo requieren o si tienes
que compensar necesariamente los valores de tiempo de exposición y
apertura.
 Sensación del Movimiento:

La fotografía tiene el reto de conseguir transmitir sensaciones,

mostrar lugares, contar historias, enseñar la realidad o no, y
para ello hay que tratar de que nuestras fotografías tengan
profundidad, es decir, suplir el eje z que nos da la profundidad
(sólo tenemos el eje x - horizontal - y el eje y - vertical -), o
incluso, a través de un objeto estático como es una fotografía,
conseguir transmitir sensación de movimiento.

Dependiendo de cómo configuremos la velocidad de

obturación, obtendremos unos resultados totalmente
diferentes. En ocasiones, nuestra idea es conseguir plasmar en
nuestras fotografías sensación de movimiento, y para ello
existen varias formas de hacerlo.
 Siguiendo a nuestro sujeto con la
técnica del barrido

• Consiste en configurar un tiempo de exposición

relativamente pequeño para fotografiar algo o
alguien que esté en movimiento. El tiempo de
exposición variará en función de lo rápido
que se mueva lo que se está moviendo.
• Cuanto más lento se mueva más corto será el
tiempo de exposición necesario, y viceversa.
• No hay un parámetro estándar que te asegure
el resultado, porque dependerá tanto de la
velocidad como la dirección que lleve con
respecto a nosotros, es decir, no es lo mismo si
el sujeto viene hacia nosotros o pasa
perpendicularmente.
• Si configuramos un tiempo excesivamente lento nos saldrá
un manchurrón. Y si es demasiado corto no conseguiremos ese
efecto de movimiento.
• Para hacer un barrido tenemos que configurar una velocidad
lenta y acompañar con la cámara el movimiento del sujeto
que queremos fotografiar, de manera que el fondo salga borroso
y nuestro sujeto nítido.
• Lo ideal es disparar varias fotografías, por lo que tendremos que
configurar el modo ráfaga. Además, como el sujeto se va a ir
moviendo, necesitaremos poder enfocar conforme se mueve, por lo
que configuraremos el modo de enfoque Servo o Continuo.
Enfoque Selectivo:

• El enfoque selectivo no es más que jugar con la

profundidad de campo y el enfoque, buscando un ajuste de
estos dos que ayude a destacar más unos objetos u otros
en una foto.
• Lo que hacemos con el enfoque selectivo es dejar nítido el
sujeto a destacar y emborronar lo demás. Así al ver la foto
los ojos se centrarán en ese sujeto nítido.
• Para ello reducimos la profundidad de campo y enfocamos
en el sujeto que queremos destacar. Así éste queda nítido y
lo demás no.
Para destacar exactamente una pinza de la ropa
respecto a las demás he reducido la profundidad
de campo, usando una distancia focal de 150mm y
una apertura de diafragma de f/5, que es lo
máximo que me dejaba abrir el objetivo en esas
condiciones y he enfocado exactamente en la
pinza que quería destacar.
En este caso la distancia focal es 50mm y la apertura de diafragma es f/2,8.
Aunque la idea no es original nos sirve para ver cómo podemos destacar
únicamente la palabra Detail del resto de la foto aplicando el enfoque
selectivo.
En este otro ejemplo he destacado este tulipán de
los demás enfocando en éste y utilizando una
distancia focal de 120mm y una apertura de
diafragma de f/4.
En éste quería destacar la fila de estatuillas del
medio porque era la más variopinta. Para eso
enfoqué en ésta y aumenté apertura de diafragma
hasta f/1,8 con una distancia focal de 50mm.
Las herramientas de que disponemos para jugar
con el enfoque selectivo son todas aquellas que
modifiquen la profundidad de campo (distancia al
sujeto, distancia focal y apertura de diafragma).
También podemos utilizar objetivos descentrables,
este tipo de lente modifica la perspectiva y puede
afectar mucho a la profundidad de campo,
exagerándola aún más.
Semana 06:
Retrato:

• Un retrato (del latín retractus) es una pintura o efigie

principalmente de una persona.
• Se refiere a la expresión plástica de una persona a
imitación de la misma, lo que ocurre en la pintura, la
escultura y la fotografía. En un retrato predomina la cara y
su expresión. Se pretende mostrar la semejanza,
personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona.
• Por esta razón, en fotografía un retrato no es generalmente
una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona
en una posición quieta.
Retrato Fotográfico:

• El retrato fotográfico es un género

donde se reúnen toda una serie de
iniciativas artísticas que giran en
torno a la idea de mostrar las
cualidades físicas o morales de las
personas que aparecen en las
imágenes fotográficas.
Paisaje:

• El concepto de paisaje (extensión de terreno que se ve desde

un lugar o sitio) se utiliza de manera diferente por varios
campos de estudio, aunque todos los usos del término llevan
implícita la existencia de un sujeto observador (el que visualiza)
y de un objeto observado (el terreno), del que se destacan
fundamentalmente sus cualidades visuales, espaciales.
• El paisaje, desde el punto de vista artístico, sobre todo pictórico,
es la representación gráfica de un terreno extenso. Con el
mismo significado se utiliza el término país (no debe confundirse
con el concepto político de país). El paisaje también puede ser el
objeto material a crear o modificar por el arte mismo.
Paisaje Fotográfico:

• El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la

historia de la fotografía
• La visión moderna del espacio encuentra sus precedentes
en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio
a la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de
William Eggleston, especialmente con su uso del color y su
preocupación por trasladar la atención fotográfica a
ese ningún-lugar-en-particular del que tanto han bebido las
diversas hornadas de los artistas europeos de la
Nueva Topografía, durante los años 1980 y 1990.
Naturaleza Muerta:

• Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es

una obra de arte que representa animales, flores y otros
objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas,
rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de
cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas,
monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado.
• Algunos bodegones modernos rompen la barrera
bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales,
usando asimismo objetos encontrados, fotografía,
imágenes generadas por computadora o sonido y vídeo.
La Naturaleza Muerta en la
Fotografía:
• Técnicas:
• La composición: la meta es acondicionar uno
o varios sujetos manteniendo un sentido
coherente y estético.
• La iluminación: puede practicarse fácilmente
en un estudio y con pocos recursos. Al
realizarse en un estudio, es necesario contar
con un buen alumbrado
• La decoración: el segundo plano y el soporte
sobre el que descansan los sujetos no deben
ser escogidos al azar. Los colores y el tema
deben estar en armonía con las
características del sujeto fotografiado.
• Los ajustes: una velocidad de obturación
lenta es bastante común en la fotografía de
naturaleza muerta. Además, con una
velocidad de 1 a 30 segundos es necesario
trabajar con un trípode. Con una velocidad
de obturación tan baja el fotógrafo puede
cerrar el diafragma para obtener una
• Sujetos:
• Alimentos: frutas, verduras o platos
preparados son sujetos frecuentes en este
tipo de fotografía. Aunque estos sujetos son
fáciles de fotografiar, obtener una bella
imagen de ellos no siempre es tan simple.
Para dominar factores tales como la
iluminación, la profundidad de campo y,
sobre todo, el ángulo es necesario contar
con un poco de experiencia.
• Objetos: la forma y el material del cual están
hechos los objetos deben ser tomados en
cuenta. Por ejemplo, los objetos brillantes
presentan varias dificultades ya que reflejan
la luz. La orientación del objeto, la ubicación
de la fuente de iluminación y la selección del
ángulo de toma pueden requerir de un
tiempo considerable para que la escena
quede lista para la toma.
• Materiales:
• El objetivo: resulta conveniente utilizar por lo menos una
distancia focal media de 50 mm.
• Alumbrado: por lo general, la naturaleza muerta requiere
de varias fuentes de luz (un flash externo o una luz
continua). Sin embargo, es recomendable utilizar el
mismo tipo de alumbrado (con la misma temperatura)
con el fin de evitar diferencias de tonalidad. Utilizar un
alumbrado poco potente es posible solo si se trabaja con
tiempo de exposición prolongado.
• El trípode: debe adaptarse al peso del material, además
debe ser lo suficientemente pesado para no moverse
ante una velocidad de obturación de varios segundos.
• El cabezal: un cabezal 3D puede servir; sin embargo, un
cabezal de cremallera permite un encuadre más preciso
sin importar el peso del material utilizado.
• Spray: es difícil de aplicar en una superficie de vidrio (o
sobre un espejo). Este material sirve para atenuar el
brillo de un objeto. El spray elimina una sustancia líquida
específica.
• Pasta adhesiva: sirve para fijar un objeto en su soporte.
Esta pasta es parecida a la plastilina, pero es
ligeramente más adhesiva y puede retirarse fácilmente.
Reportaje Fotográfico:

Un reportaje fotográfico es una manera

de narrar con imágenes, es decir, de
contar lo que ha sucedido en un
acontecimiento, suceso o evento, ya
sea de tipo cultural, social o deportivo.
Además de la narración pura de los
hechos, un buen reportaje también
debe ser capaz de transmitirnos el
ambiente que rodea a dicho
acontecimiento e incluso ser capaz de
transmitir los estados de ánimo de sus
protagonistas y espectadores.
 Elige y prepara tu equipo: Elegiremos el equipo
fotográfico dependiendo del tipo de evento a cubrir, del
CONSEJOS lugar donde se produce el acontecimiento y de las
condiciones de iluminación o de espacio físico de este.
Siempre será muy recomendable llevar al menos una
batería de repuesto. También es aconsejable disponer de
varias tarjetas de memoria con capacidad suficiente para
el número de fotos máximo aproximado que vayamos a
realizar.
Planifica un hilo narrativo: Tener una idea estructurada
Acredítate si es necesario: Siempre que acudimos en forma de pequeño guión que esboce cómo contarás
a realizar el reportaje fotográfico de un evento tu historia, puede ser de gran ayuda al hora de realizar
organizado, es recomendable y en bastantes nuestro reportaje. Podemos fijar ideas del tipo: Plano
ocasiones imprescindible, estar acreditados para general del recinto, fotografías del público expectante,
poder realizar nuestra tarea. plano general de la banda, primeros planos de los
músicos y así sucesivamente.

De lo general a lo concreto: Una buena forma de conducir nuestro hilo

narrativo, es comenzar con fotografías de planos generales que nos ayuden a
situar la escena en un lugar, a saber qué está ocurriendo, etcétera.
Posteriormente, podemos centrarnos en planos más detallados que describan
el ambiente y centren nuestra atención en los protagonistas, recurriendo a
planos cada vez más cercanos hasta llegar a planos detalle.
Haz muchas fotos, elige solo las mejores: Mientras estés realizando el reportaje trata de captar
todas las escenas, actitudes y detalles que te sean posibles. Esto no quiere decir que no pienses
antes de apretar el botón que acciona el obturador.
Utilizar un programa de clasificación, archivo y revelado de imágenes como Lightroom, nos ayudará
enormemente en la tarea de elegir las mejores fotos. Este programa, permite comparar las distintas
tomas de una misma escena y clasificarlas asignándoles una calificación con estrellas, como si de un
hotel se tratara, para ayudarnos a elegir la óptima.
Una ves clasificadas, ya sabemos que fotos vamos a editar, con el mismo Lightroom u otros
programas de edición. Entre las editadas, haremos una segunda selección donde elegiremos las
compongan el reportaje. Para seleccionar las fotos, nos guiaremos por la estructura narrativa que
hubiésemos trazado. Es recomendable, que el reportaje no exceda de un número limitado de fotos,
por ejemplo diez o a lo sumo una docena de fotos, Procuraremos no superar el límite fijado salvo
para trabajos más extensos que se adentren en la fotografía documental.
Semana07
Fotografía Nocturna:

• La fotografía nocturna es una

de las disciplinas más
espectaculares, incluso está
bastante de moda, la llegada
del buen tiempo puede ser una
buena oportunidad para
plantearse programar una
salida de noche y empezar a
experimentar este campo.
Light Painting:
• Hilo que se ilumina de • lo utilizaremos
colores, se utiliza para colocando delante un
pintar efectos como gel de colores.
humo o para fondos o
suelo.

Hilo lumino
so: Flash:

• El light painting o pintura

con luz es una modalidad
difícil. Para "pintar" con
la luz podemos utilizar:
Linterna
Cátodo:
:
• Luces utilizadas para • tenemos linternas de
el "tuning", luces de luz blanca, que no
colores vistosos que modifican el color del
nos ayudan a pintar objeto iluminado, y
escenarios. linternas cálidas que le
dan un color más
"anaranjado" al objeto
que iluminamos.
• Para el light painting como normas
generales utilizaremos una ISO
relativamente baja. El tiempo será
lo suficientemente alto para que
nos "de tiempo" a dibujar todo, ni más
ni menos.

• En cuanto a la apertura, no tenemos

mayor problema que elegir
una apertura media-alta: 5.6 puede
ser buena, si hay que modificarla pues
cerramos -8- o abrimos - 3.5-, según
las necesidades.
Semana08:
Luz Natural:

• Se conoce como luz natural en fotografía a aquella que

proviene directamente del sol y se ve afectada por factores
atmosféricos como las nubes.
• También entendemos como luz natural otros fenómenos de
la naturaleza como los relámpagos, las estrellas o incluso el
fuego, pero éstos no son significativos en fotografía como
sistema de iluminación.
• La luz natural proveniente del sol va variando según van
avanzando las horas del día, cambiando su intensidad, su
temperatura de color y su ángulo de incidencia en el objeto.
Tipos de luz natural

Luz
• La luz blanda es un tipo de luz que apenas produce
sombras, consiguiendo tonos suaves y difuminados.
Este tipo de luz suele darse en días nublados ya que
las nubes hacen las veces de filtros difusores.

blanda • Son muy indicadas para el retrato (sobre todo para

personas mayores, al atenuar las arrugas al no
producir a penas sombras que las marquen) y en
bodegones.

Luz
• Se entiende por luz dura aquella luz intensa que
arroja fuertes y profundas sombras sobre los sujetos
u objetos.
• Este tipo de luz se produce en los días despejados.

dura
Suele ser útil para efectos dramáticos o para resaltar
las formas del motivo.
 Las llamadas horas mágicas son los
momentos del día considerados como
los mejores para tomar fotografías
por muchos fotógrafos. En función
del tono de color de la luz se
distingue entre:

Hora Es aquella en la que la luz Hora

dorada adquiere tonos
anaranjados, rojizos y azul:
: amarillos dando a la
escena en general un
La hora azul es aquella
en la que el cielo
adquiere un tono de color
tono dorado. Se da
con un azul muy intenso,
cuando el sol está muy
aunque va difuminándose
cerca del horizonte por lo
hacia el naranja.
que puede suceder tanto
al amanecer como al
atardecer.
También suele darse dos
veces al día, al amanecer
Este tipo de luz es una y al anochecer, justo
luz blanda o suave y antes de las horas
difusa, suele doradas.
aprovecharse para
fotografiar naturaleza. Este tipo de luz suele
aprovecharse para
realizar paisajes urbanos.
 Luz Artificial:

• La luz artificial es aquella que no proviene del sol

y que ha sido creada por la mano humana. La luz
de una bombilla, una vela, las farolas de la calle,
etc. son luces artificiales que podemos usar en
nuestras imágenes. La luz artificial puede ser
continua o instantánea. Esta última es la dada
por los flashes que son los elementos de luz
artificial más utilizados en fotografía.
• En muchas ocasiones la luz natural no es
suficiente o querremos utilizar luz adicional para
crear efectos concretos. Para ello tenemos dos
tipos de iluminación artificial que podemos
aportar: flash o luz continua.
Calidad de Luz:

• La calidad de la luz es un concepto fotográfico que establece cómo afecta la

iluminación a la forma en que percibimos los objetos. Tiene una importancia
decisiva en el aspecto general que ofrece una fotografía.
• La calidad de la luz puede ser dura o suave, dependiendo del grado de contraste
que produzca en la escena.
• La luz dura origina sombras bien definidas y con mucho contraste con las zonas
iluminadas. Permite apreciar bien el volumen y la textura de los objetos, aunque
proporciona cierto aspecto dramático a la imagen, Un ejemplo típico de luz dura es
la que proporciona el flash de la cámara cuando lo dirigimos directamente al sujeto
fotografiado.
• La luz suave provoca sombras difuminadas y con poco contraste con respecto a las
zonas iluminadas. Las imágenes obtenidas son más agradables y se hacen menos
evidentes los detalles de las texturas. Este tipo de iluminación es muy utilizada en
la fotografía de belleza.
La calidad de la luz viene
determinada principalmente por el
tamaño de la fuente de luz (en
relación al tamaño de la escena a
fotografiar). A continuación,
veremos algunos ejemplos:
 La luz es dura en días muy
soleados, cuando utilizamos el
flash de la cámara apuntando
directamente al sujeto, con
bombillas desnudas, etc.
 La luz es suave en días nublados,
cuando rebotamos el flash de la
cámara sobre el techo, con una
lámpara que cubre la bombilla
con una pantalla, etc.
 En la iluminación de estudio se No se puede decir de forma genérica qué calidad
utilizan accesorios como cajas de luz es mejor para la fotografía. Todo dependerá
para difuminar la luz del flash. del tipo de fotografía que queramos realizar, de lo
Cuanto más grande es la caja, que queramos transmitir con nuestra imagen
más suave es la luz que produce
Retratos en Clave Alta y Clave Baja:

• Las claves tonales son unas de las herramientas más

efectivas en fotografía para crear sentimientos. Las altas o
bajas luces pueden provocar, y provocan, emociones en el
espectador de la fotografía que varían en función de la
clave que hayamos elegido para nuestra fotografía.
Aprender a dominar esta técnica es muy sencillo y
generará grandes resultados en nuestras imágenes.
Clave Alta Clave Baja
o High Key o Low Key
es aquella en la que
son aquellas en las que
predominan las bajas luces. Es
predominan las zonas altas de
decir, la foto oscila entre las
la gráfica propuesta en el
zonas III y 0 del sistema de
Sistema de Zonas.
Ansel Adams.

Esto es, las zonas que van Este tipo de fotografías están
desde el número VII al número estratégicamente iluminadas
X. Es por esto por lo que en para no perder detalle de la
estas fotos predomina la escena y poder provocar
luminosidad y los tonos claros profundas emociones al
ya que son imágenes que, por espectador. Transmiten
lo general, ofrecen poco inquietud y dan un tono más
contraste. intimista a la imagen.
Posición de la luz:

• Para dominar la iluminación fotográfica a un nivel más

profesional es necesario tener unas nociones básicas
acerca de ella.
• Conocer cuáles son sus conceptos principales nos ayudará
a manejar la iluminación y a usarla adecuadamente para
obtener la fotografía que queremos.
• Estos conceptos básicos son, entre otros, la luz principal, la
luz de relleno o luz de base, la luz de efecto y la luz de
fondo.
 Tipos de luces

• Luz Principal:
También llamada luz guía. Es la fuente de luz más importante en la
toma. A ella se subordinan todas las demás fuentes. La luz principal
es la responsable de la claridad básica y de la modulación del objeto.
Esto significa que es la luz que se encarga de la distribución de las
luces y las sombras en el motivo. Por lo tanto, el tamaño y la forma
de la fuente debe ajustarse al tamaño y la forma del objeto por lo
que la selección de esta luz principal debe corresponder al efecto de
imagen pretendido. Este efecto dependerá también de la posición de
esta luz. Por ejemplo, si la luz principal cae lateralmente e inclinada
levemente desde arriba se siente como luz natural.
• Luz de Relleno:
También conocida como luz de aclarado o luz de base. Es una luz
secundaria dentro del esquema de iluminación del estudio y sirve para
aclarar sombras y reducir el contraste.
Normalmente se busca sólo un leve aclarado para conseguir detalle en
las zonas oscuras por lo que su potencia será siempre menor que la luz
principal. La luz de base no debe alterar nunca el carácter de la luz
principal ni el efecto de la imagen que ya hemos conseguido. Para esta
luz pueden emplearse fuentes que generen luz suave y dispersa como
son las ventanas, los paraguas o los reflectores
• Luz de Efecto:
También conocida como luz puntual. Son luces con el haz
muy recogido que destaca determinadas partes del objeto y
aligera el efecto principal de la imagen cuando se proyecta
debidamente.
Si colocamos esta luz en la parte trasera del objeto, desde
una posición de contraluz, la luz de efecto produce un halo
alrededor del sujeto. En función de su posición la luz de
efecto puede pronunciar contornos o destacar detalles y
estructuras. Debe aplicarse con cuidado y no desequilibrar la
iluminación general.
• Luz de fondo:
La luz de fondo puede tener varias funciones. Se utiliza o
bien para iluminar uniformemente o para provocar una
degradación entre la figura y el fondo.
Relación de contraste

• La relación de contraste hace referencia a la relación o a la

diferencia que hay entre la luz principal más la luz de relleno y
la luz de relleno solamente. Esto nos sirve para modelar las
figuras, es decir, darle sensación de tridimensionalidad. Esta
ratio de iluminación se puede saber o bien midiendo la luz
incidente en la escena con el fotómetro o bien midiendo la luz
reflejada con el fotómetro de la cámara y una carta gris al 18%.
• La relación de contraste o ratio de iluminación se expresa con
puntos de diafragma de la siguiente forma, por
ejemplo: 1:2 donde el 1 representa a la luz principal y el 2
representa a la luz de relleno. Esto significa que la luz principal
ilumina dos veces más que la luz de relleno, es decir, 1 paso de
diafragma. Si la ratio de iluminación es 4:1, significa que hay
dos pasos de diafragma de diferencia entre la luz principal y la
luz de relleno.
 Tipos de iluminación en Retrato:

Rembrandt Light
• Este modo de iluminación busca conseguir un resultado
similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor.
• Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy
sencillo, presentan una parte del rostro claramente
iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un
pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte
menos iluminada).
• El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la
fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará
frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección
de la cámara, se podrá situar un reflector.
• Split Light
Si llevamos al extremo el modo de iluminación
anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la
cámara y, por tanto, completamente en el perfil del
sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light.
Este modo recibe este nombre porque la
palabra split en inglés significa partir / dividiry eso es,
precisamente, lo que se consigue con esta
iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara
completamente clara y la otra mitad en penumbra.
Se trata de una iluminación muy dramática, que
puede ser útil si lo que buscas es, precisamente,
transmitir esta sensación.
Broad Light
El tercer modo de iluminar retratos es a través
de la denomida broad light, que es una mezcla
entre los dos modos anteriores. En este caso, la
luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el
modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a
retratar se gira 45º en sentido opuesto. De este
modo, se expone claramente un perfil de la
cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la
toma una mezcla de belleza e intriga.
Butterfly Light
El curioso nombre de este modo de iluminación viene
de la sombra que se genera bajo la nariz del
sujeto retratado, en forma de mariposa (butterfly).
Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz
enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma
altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo
que se consiga una iluminación superior. Se trata de
una posición formando un ángulo de 45º con respecto
a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical,
no en el plano horizontal como en el caso de
Rembrandt light.
Loop Light
El último modo de iluminación que vamos a
ver en este artículo es el conocido como loop
light, se trata en este caso de un modo
intermedio entre Rembrandt y butterfly. El
resultado es similar al del modo butterfly,
aunque con las sombras ligeramente curvadas
y desplazadas hacia el lado opuesto al de la
fuente de luz. Para lograrlo, basta con situar la
fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el
plano vertical, como en el plano horizontal.