El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables

mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la

naturaleza sino que propone una nueva realidad. El arte abstracto es una forma de expresión
artística que prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad distinta a la natural.[1]
Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con
independencia de referencias visuales del mundo real.[2] Abarca movimientos como el
expresionismo abstracto, el suprematismo,[3] el action painting, De Stijl o el constructivismo.[4]

Índice

Historia Editar

Siglo XIX Editar

Véanse también: Romanticismo, Impresionismo, Postimpresionismo y Expresionismo.

Nocturno en negro y oro: el cohete que cae (1874), Detroit Institute of Arts.

Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como James

McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, («Nocturno
en negro y oro: el cohete que cae», 1872), puso más énfasis en la sensación visual que en la
representación de los objetos. Asimismo, un interés objetivo en lo que se ve aparece en cuadros
de John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot y la mayoría de los pintores de plen air de la
escuela de Barbizon.

Siglo XXEditar

Hilma af Klint, El Cisne, 1915.

Véanse también: Pintura occidental, Fovismo y Cubismo.

Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero su reconstrucción lógica de la realidad
desde diferentes puntos espaciales,[5] usando el color para crear módulos y planos, se convirtió
en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló el cubismo de Georges Braque y Pablo
Picasso.
Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando
distorsiones, exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas
emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y
reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del XIX.
Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se vieron influidos principalmente por la obra
de los postimpresionistas fueron decisivos para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX
con obras como El grito y La entrada de Cristo a Bruselas.

El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y
Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la
abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue
esencial para el desarrollo del arte moderno. A comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros
jóvenes artistas incluyendo a los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice
de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras
«salvajes», de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fovismo. El crudo lenguaje de
color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyeron a otro pionero de la abstracción
Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fovismo el
movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX. Pablo
Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda
representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura
Las señoritas de Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y radical
representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas,
que recordaban máscaras tribales africanas y sus nuevas creaciones cubistas. El cubismo analítico
fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908
hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el
cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel
Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la
introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y gran variedad
de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com Kurt Schwitters y Man Ray y otros influidos
por el cubismo fueron decisivos para el desarrollo del movimiento llamado dadaismo.

Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades
europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos conforme se esforzaron
por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones del modernismo. Las ideas fueron
capaces de influirse mutuamente a través de libros de artistas, exposiciones y manifiestos de
manera que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y formaron la base de la
diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto, de The World Backwards, proporciona
alguna impresión de las interconexiones de la cultura de la época:

El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debió ser extremadamente
actualizados, pues la segunda exposición del movimiento Sota de Diamantes, celebrada en enero
de 1912 (en Moscú) incluyó no sólo pinturas enviadas desde Múnich, sino algunos miembros del
grupo alemán Die Brücke, mientras que de París vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse
y Fernand Léger, así como de Picasso. Durante la primavera David Burliuk impartió dos
conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que Sota de Diamantes iba a
financiar. Fue al extranjero en mayo y regresó determinado a rivalizar con el almanaque Der Blaue
Reiter que había emergido de los impresores mientras el estaba en Alemania.

Música Editar

Algunos acercamientos al arte abstracta tenían conexiones con la música. La música proporciona
un ejemplo de una forma de arte que usa los elementos abstractos del sonido y las divisiones del
tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de
marcas y color asociativo resonando en el alma. La idea había sido propuesta por Charles
Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están
conectados en un nivel estético más hondo.

Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión espiritual y
puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica
popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India, China en los primeros años del
siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas
trabajando hacia el «estado sin objeto» se vieron interesados en lo oculto como una manera de
crear un objeto «interior». Las formas universales e intemporales que se encuentran en
geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte
abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad
visible.

Abstracción lírica Editar

Artículo principal: Abstracción lírica

Cronológicamente, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus

composiciones no figurativas fechadas en 1904, como el primer pintor abstracto. Pero la
abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas bases
establecidas por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y
1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las
aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo
formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron experimentos en esta
línea.

Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte puro». En
Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el
contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas
abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos
colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. En 1913 el poeta Guillaume Apollinaire llamó
orfismo a la obra de Robert y Sonia Delaunay. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras
a partir de elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que habían sido
creados totalmente por el artista...