arte actual

Nowadays, the digital platforms bring the possibility to create world wide disseminated, cost effective, buoyant (ad hoc) professional groups, oriented on a very specific topic research, independently minor it could be. These are the perfect media for the historical artistic heritage Conservation-Restoration area research activities. In 2010 has appeared the need to deepen the study on the conservation and restoration approach related to the artistic creations known as urban art or Street Art. This artistic trend becomes internationally popular by the end of the 20th century, was carried out independently, free of charge and illegally, and becomes more visible during the economic crisis. It arises in an environment of administrative cut-offs and restrictions. This situation has produced the lack of professional opportunities, especially in areas linked to artistic promotion. The Observatory for Urban Art was born in this environment.

Como indica la Unesco, somos identidad, entre otras cosas, porque somos memoria. Con frecuencia identificamos la identidad
con el monumento, con lo antiguo, pero, ¿qué pasa con lo contemporáneo? Es evidente que buena parte de la sociedad, aún en el siglo
XXI, no se identifica con el arte de los últimos siglos. A pesar de ello, el arte que está en la calle genera reacciones en la sociedad. Algunos
problemas de la ciudad contemporánea han generado soluciones institucionales, ciudadanas y artísticas como la creación de museos. El
arte urbano, en muchos casos se ha convertido en el eje vertebrador de estas propuestas que pretenden dotar a las ciudades históricas
de una imagen renovada, más actual, de cara al turismo e incluso con el objetivo de crear nuevas identidades para la población local.
¿Tienen realmente este efecto en las ciudades? ¿Consiguen implicar a la ciudadanía? ¿Generan ciudades más resilientes?

En enero de 2010, con motivo del anuncio de una exposición de Virginia Villaplana
en el Museo Nacional Reina Sofía y en el espacio de Off Limits, en Madrid,
bajo el título El instante de la memoria, surgió en REDER2 un interesante debate
con Francisco Espinosa acerca de los límites entre la Historia y el Arte.
Desde el punto de vista del historiador, y dado que el tema de las fosas de Valencia
tiene un trasfondo polémico, cualquiera que aborde estos temas debe
«seguir ciertos procedimientos básicos. A saber: partir de lo ya hecho sobre la
cuestión, profundizar en las posibles fuentes de información y presentar los resultados
del proceso investigador de manera ordenada y razonada». Pero el artista
no es un historiador, no tiene por qué serlo. No merece la pena reproducir la
polémica porque finalmente llegamos a un acuerdo con un ejemplo fundamental,
con Guernica de Picasso. Los hechos históricos reales ni ponen ni quitan a una
obra fundamental que no alude, únicamente, al bombardeo de la ciudad vasca,
sino que refleja la violencia de la guerra y tiene sus raíces en otros ejemplos magistrales
de la historia de la pintura.

Ha sido común analizar el arte como un fenómeno cuya inteligibilidad está dada únicamente por el estudio de sus elementos formales. Esta posición ha generado diversas teorías que consideran al arte como algo cerrado en sí mismo, desvinculado de sus orígenes como de sus intenciones, autónomo, sin la necesidad de retroalimentarse de otros campos del saber. Frente a ella, una corriente más reciente piensa que el contexto social y psicológico en que se desenvuelve el arte es esencial para comprenderlo.

Una pared cerámica, policromada, de 300 m2 aproximadamente; cinco vitrales de 12 metros de altura; y, el diseño integral del mobiliario del espacio derivado (altar, ambón, silla presidencial y dos bancos para el coro). Este es el resultado del proyecto que el artista Miquel Barceló desarrolla en la antigua capilla de san Pedro de la Catedral de Palma de Mallorca (2001-2006).

El diálogo entre la vetusta fábrica goticista y las formas conceptuales del arte actual otorgan una singular polisemia simbólica a la estancia eucarística. En ésta, además, las referencias a la devoción cristológico-sacramental se hacen presentes a partir del estudio de las fuentes teóricas de inspiración y la proyección plástica de formas, volúmenes y metáforas. El objetivo de este estudio aproximativo es analizar transversalmente el conjunto, combinando la historia del arte, la teología, la simbología sacramental y el paisajismo, sin olvidar los ‘fusionismos’ reflexivos de las poéticas artísticas del mundo moderno.

This text provides an overview of the relationship between art and design during the 20th century, describing different approaches to a piece. On the one hand, we focus on everyday articles transformed into artwork or that form a part of the work, in other words, pieces that present or represent industrial artefacts. On the other hand, we study works that give centre stage to the industrial object, making it the raison d'être, without which the work would have a completely different appearance. In the last section, we broaden our research to include present-day artists, works and contributions.

Con esta comunicación se quiere establecer distintos enfoques y puntos de vista entre las relaciones entre el diseño y el arte, que no al revés, puesto que, en muchas ocasiones, el diseño utiliza el conocimiento y la difusión de un determinado artista o movimiento con fines estéticos o mercantiles. Si bien en otros estudios previos hemos analizado las relaciones entre el arte y el diseño: como "Convivencias entre el arte y el diseño. El resurgir del diseño en la década de los cincuenta y su expansión hacia la cultura de lo cotidiano"; "Cuando el diseño coquetea con el arte: relaciones y trasposiciones"; "Diseñadoras: heroínas de la forma y la imagen"; "El Greco y su impacto en la cultura visual. Apropiaciones e interpretaciones"; "Picasso en el origen del diseño de identidades culturales de su ciudad natal" o "Objetos cotidianos convertidos en obras