Riscritture

The paper analyses the first three works published by Franca Mancinelli, outlining their thematic continuities as well as their foundational unity. By studying the chronological progress of specific themes, the article sheds a new light on the intertextual connections that can be found both within a single book as well as across the three works. The study of these links has the purpose of showing the singular structure as well as the formational dynamics at the basis of a poetic work by Mancinelli. With particular attention towards the declarations of a poetics by the author as well as the variants within the microtexts, the objective of the paper is to define the intentions behind the production of new poetic and prose versions of the author’s texts.  The process of rewriting finds its explanation through a thematic, stylistic and structural perspective, ultimately identifying a distinctive feature of Mancinelli’s style.

Pochi sono i bambini che durante la loro infanzia non abbiano incontrato le figure del burattino Pinocchio o della piccola Alice del paese delle meraviglie, personaggi che ricompaiono in età adulta come protagonisti di grandi romanzi, la cui lettura verrà affrontata con una maggiore consapevolezza e in un’ottica del tutto nuova.
Queste opere che noi oggi leggiamo anche semplicemente per intrattenimento o per la loro nota divertente e stravagante, al momento della loro pubblicazione, e cioè a fine Ottocento, rappresentarono una vera svolta nel campo della letteratura per l’infanzia, isole di libertà tra i vari libri scritti per imprigionare l’immaginazione e il piacere del bambino.
Si tratta di due classici della letteratura infantile, ed entrambi ci presentano un protagonista il quale è coinvolto in viaggi enigmatici, durante cui poter fare esperienza della propria deformità: sia per Pinocchio che per Alice, il loro essere viene avvertito, o fatto loro avvertire dalle figure in cui si imbattono, come diverso e assurdo. In entrambi i casi ci troviamo di fronte a due opere dallo spirito fortemente anti-pedagogico ed anti-autoritario; questi caratteri sono stati ben percepiti e sottolineati dagli intellettuali novecenteschi, i quali hanno così eliminato ogni possibilità di catalogarli come romanzi di formazione. I nuovi soggetti della letteratura per l’infanzia, infatti, diventano gli inventori stessi delle proprie avventure, soggetti indipendenti ed unici creatori del proprio destino. Non c’è alcuna autorità esterna che abbia potere su di loro, né quella genitoriale né quella sociale, e l’unico metodo di formazione consiste nella loro stessa esperienza, vissuta in prima persona
Nelle riscritture novecentesche di Bierbaum, di Malerba e di Manganelli per Pinocchio, e del Collettivo A/Dams e a cura di Gianni Celati per Alice, questi personaggi riusciranno a ritrovare la collocazione nella loro infanzia perduta.

This article aims to investigate the reasons that push an author to rewrite a great classic, if the motivation of marketing is not pertinent. In the rewriting practice there are works that arise from deeper expressive needs and it would be completely wrong to explain them through purely opportunistic reasons; in fact, it is possible that the author uses the mask of the well-known character to express, by rethinking it, some complex, unexpressed, uncomfortable or difficult aspects of himself or society. We will try to show the plausibility of this hypothesis through the analysis of one of the most successful rewritings of the Liaisons Dangereuses by Laclos, Le Mauvais gen-re by Laurent de Graeve, trying at the same time to highlight one of the implications related to the connection between fiction and truth.

Un caso fortuito mi ha portata a svolgere alcune ricerche, nell'ambito del mio progetto sulle Riscritture del corpo nella fiaba postmoderna, presso la Ca' Foscari di Venezia proprio nel periodo in cui vi si svolgevano una serie d'incontri con autori internazionali.
Grazie alla gentile intercessione della professoressa Rosella Mamoli Zorzi ho avuto la possibilità di avvicinare Robert Coover, uno dei maggiori esponenti del movimento postmoderno e autore di varie riscritture di fiabe, tra cui anche Briar Rose, una delle opere trattate nel mio progetto.
Coover ha cortesemente accettato di rispondere ad alcune mie domande proprio sul suo rapporto con la riscrittura di trame ben note, in particolare di fiabe; alcune risposte che sono emerse sono state  per me sorprendenti...

Tra i numerosi studi sulla prima ricezione e canonizzazione dell’Orlando Furioso, Napoli ha sempre ricoperto un ruolo marginale. Cristallizzata nell’immaginario storico-letterario come città tassiana (cfr. Quondam, 1975), la capitale del Regno è stata spesso esclusa dalla storia della fortuna editoriale e tematica ariostesca. Tuttavia, come ben evidenziato dalle prime ricostruzioni di Genovese (2010), la città non è immune al fascino delle inchieste cavalleresche: numerosi intellettuali regnicoli riconoscono il Furioso come parte integrante del canone letterario. Tra questi va segnalata la presenza di due scrittrici come Laura Terracina e Dianora Sanseverino: la prima, nota per il commento intitolato Discorso sopra tutti i primi canti d’Orlando furioso (Terracina, 2017), è anche autrice di lamenti pronunciati da personaggi del Furioso; la seconda riscrive un episodio del poema che ha per oggetto il lamento di Bradamante (XLIV, 61): le Stanze sopra una stanza di messer Ludovico Ariosto (1545). Il presente contributo intende analizzare la produzione lirica di matrice ariostesca delle due nobildonne, verificare le somiglianze e le divergenze e delineare i rapporti intertestuali instaurati con il comune testo di riferimento. I loro esperimenti poetici, del resto, vanno ricondotti all’intensa attività di riscrittura delle storie ariostesche diffusasi subito dopo la pubblicazione del poema e testimoniano una sensibilità comune verso la meravigliosa macchina ideata dal ferrarese.

Già all'indomani dell'unificazione nazionale, il romanzo italiano moderno avviava un'inchiesta letteraria sulle vicende risorgimentali, sul trasformismo ambiguo delle classi egemoni che lo indirizzarono, e soprattutto sulle contraddizioni che, all'interno di quel processo, si determinarono nel Meridione d'Italia. Un «romanzo antistorico» collettivo, una «contro-storia d'Italia letteraria e civile» (e dunque una riscrittura romanzesca della storia ufficiale, deliberatamente volta a demistificarne i presupposti ideologici e le retoriche su cui si fondavano) attestata soprattutto nelle opere di autori siciliani quali Verga, De Roberto, Pirandello.
Se possiamo ancora ascrivere in questa linea moderna il capolavoro di Tomasi di Lampedusa, Noi credevamo di Anna Banti o molte narrazioni storiche di Sciascia, a partire dagli anni Settanta del Novecento si avvia un processo di decostruzione della forma del romanzo storico a tematica risorgimentale: dalle scomposizioni sperimentali della narrazione, in autori come Vincenzo Consolo (Il sorriso dell'ignoto marinaio), fino a un recupero postmoderno del genere, sovente in chiave allegorica rispetto alle vicende contemporanee (Tabucchi, Scurati, De Cataldo), nel quale, più o meno esplicitamente, vengono rivisitati e riscritti i testi della tradizione.

Abstract in italiano:
Lo studio attira l’attenzione sulle molteplici possibilità interpretative delle biofiction, finzioni che assumono come protagoniste una o più figure del passato. Per la loro analisi critica, ad oggi identificata con una disamina ‘sintomatica’ di vari testi finzionali su un dato periodo/personaggio storico, saranno proposte alcune possibili direzioni non-canoniche: un metodo ‘orizzontale’, che riconduce la biofiction alla ‘galassia finzionale’ di un soggetto scrivente (il caso di Michèle Roberts), e un altro ‘verticale’, che esplora una biofiction-modello per decostruire e ricostruire l’intreccio di voci sincroniche e diacroniche del suo singolare modus operandi. Un’intera parte del saggio sarà dunque dedicata a Mab’s Daughters di Judith Chernaik, un caso estremamente interessante di biofiction ‘a mondi possibili’.
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The essay revolves around the multiple possibilities of interpretation of biofiction, fictional narratives with historical characters in the foreground. For their critical analysis, today a ‘symptomatic’ survey of fictional texts on a particular period/character, there will be proposed some possible anti-canonic directions : an horizontal method, which treats biofiction as part of the galaxy of a writing subject (the case of Michèle Roberts),and a vertical, which explores a biofiction  as a model to deconstruct and reconstruct its synchronic and diachronic voices. A section of the monograph will be therefore dedicated to Mab’s Daughters by Judith Chernaik, a very interesting case of ‘possible world’ biofiction
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PART (I Percorsi critici verso la biofiction: la pre-storia delle riscritture).

The last seventy years have witnessed a proliferation of fictions with historical figures as main characters, whose biographies are included in the plot of the story. This first part of my work begins with an introduction of the cultural changes in the second half of the XX century that have brought about this diffusion, especially focusing on the modifying concepts of authoriality, originality, intertextuality as effect of linguistic, semiological and philosophical  studies (the contribution of Roland Barthes, Julia Kristeva, Jacques Derrida, Michele Foucault are here analyzed). Then,  the attention shifts to the reception of the French thought into the United States, meaning, to Hayden White’s ‘decoding’ of Foucault, to New Historicism and Cultural Materialism. It concludes with a survey of feminism, the feminist reader and criticism, the feminist subject in and beyond the sex/gender dichotomy,  and the complex interaction between the feminist and the Foucauldian discourses. The interacting ideas of history, power, narration  of the contemporary epistemology suggest that feminist rewritings may be able to provide some sort of ‘truth’, finally evoking the last obsessions of the French philosopher: some of these kinds of biofictions might indeed be read as a Greek parrēsia (παρρησία), the citizens’ faculty of expressing their own opinion in a public arena.

PART 2 (Il ‘genere’ letterario delle biofiction)

As I make clear from the title, I attempt here to discern a particular voice of biofiction among the many historiographic metafictions and “fiction biographies” (Naomi Jacob’s definition for non-traditional biographies), in a way that narrows their definition to narrations that, even if affected by hybridism, show recognizable characteristics.  With the help offered by previous studies on the subject and the possible world semantics I compare then different biographical rewritings so as to distinguish texts with overt self-reflections from others where artificiality is not so highly stressed; fictions that exploit historical names only to ‘recombine’ them with identities and ideas ‘foreign’ to the original from ‘reconstructions’ where the fictional world is only slightly different with respect to its equivalent of the tradition (it is, paradoxically, this type of ‘semantically full’ rewriting that  entails the consultation of history books for its criticism). 
This section also investigates the ethical issues involved in the process of narrativization of history  and regarding the theoretic description of the subject, both fictional and non-fictional. Afterwards, it examines some books of the French-English author Michèle Roberts, whose writing,  one of the most successful artistic developing of the French psychoanalytic feminism of the 70s,  is also  very recognizable -  kind of  a“language of the body” entwined with other specific obsessions of the writer like food, sex, Catholic religion and the cultural collision between England and France. It seems to me that, her fictional worlds in the biofictions The Wild Girl, 1984, and  Fair Exchange,  1999,  The Mistressclass (2003) may be considered as part of the  ‘galaxy’ of a writing subject. I call this ‘horizontal method’.

Part III (Quattro soggetti donna nel circolo di Shelley e il brusio dei discorsi sotto al foglio della storia)

This part is entirely dedicated to explore the strategies of Mab’s Daughters: Shelley’s Wives and Lovers: Their Own Story by Judith Chernaik, a case of possible-world biofiction focused on the years 1816-17 of the Shelley circle and narrated from the eccentric prospective of four female subjects: Harriet Westbrook, Percy Shelley’s first wife; Mary Wollstonecraft Shelley, caught in her writing of Frankenstein and still unknown by her contemporary; Fanny Godwin, the daughter of Mary Wollstonecraft and Gilbert Imlay; Claire Clairmont, the second-born of Mary Jane Clairmont who was adopted by William Godwin. The large amount of documents consulted as a part of the interpretative process has included private and public writings such as biographies, autobiographies, novels, poems, and, in the case of the character Mary Shelly, also manuscripts of the authentic journals.
The analysis, exploiting the suggestions offered by the intercrossing perspectives of the novel, explores the modulations of the concept of identity in their phases of textual desegregation and reconstruction, emphasizing reflections on ideological stances and personal prejudices in the formation of the biographical and literary canon (I found particularly fascinating the quite overt ‘discourse’ on Mary Shelley as provided by the ‘left criticism’ in  K.N. Cameron, D.H. Reiman, eds, Shelley and his Circle: 1773-1882, Harvard UP, Cambridge,  MA ), as well as the collision between the concept of uniqueness and reproducibility and the relevance of the mark of ‘gender’ in the politics of language.
I call this method ‘vertical’ because it explores a biofiction deconstructing and reconstructing its synchronic and diachronic voices in the many and sometimes colliding discourses of history.

PART IV ( Postscriptum. Mab’s daughters e le ‘quinte prospettive’. Ricerche aperte)

The Postscriptum reflects upon some specific features of Mab’s daughters, a case of biofiction written by a scholar (kind of a ‘manuscript-rewriting’); and, taking into consideration an other biofiction of the same author (The Daughter, a Novel Based on the Life of Eleanor Marx,  a rewriting of the life of the daughter of the ‘father’ of Communism, Karl Marx), suggests that the two methods of interpretation are not, finally, mutually exclusive. Some possible suggestions for further research also provided in this part, such as  a symptomatic study on feminist rewritings set in the Romantic Age  (Michèle Roberts’ Fair Exchange and Judith Chernaik’s Mab’s Daughters are, in some ways, similar) .

Il presente lavoro intende analizzare alcune riscritture a fumetti dell’intera Commedia , della prima cantica, o della vita stessa di Dante. Le opere prese in esame appartengono a diverse aree geografiche, anche molto distanti dal contesto letterario dantesco ed italiano; differenti sono i mezzi espressivi usati e la genesi stessa dei comics, talvolta collegati ad altri prodotti multimediali, o ad un personale progetto di ricerca del disegnatore. E’ il caso di Go Nagai , noto scrittore e fumettista giapponese, che dagli anni ’70 rielabora la componente demonica del poema di Dante per i protagonisti dei manga  Mao Dante e Devilman,  ispirandosi graficamente alle incisioni di Gustave Dorè. La sua Divina Commedia in tre volumi, pubblicata in Giappone nel 1993-1994 da Kodansha, e poi in Italia nel 2006 (D/Visual) e 2014 (Jpop), segue lo stesso iter,  focalizzando, nell’interpretazione dell’Oltremondo, la rappresentazione del Male, del mostruoso, dell’estrema sofferenza dei dannati; di fronte a questa realtà negativa e opprimente un Dante tormentato e in continuo pericolo si pone ardui problemi filosofici, legati all’insopprimibilità del peccato ed alla liceità stessa di una punizione così violenta e mortificante. La versione giapponese, incentrata sulla drammaticità di una realtà infernale che occupa ben due volumi della triade, ha il merito di avvicinare il lettore ad un mondo certamente fantastico ma raffigurato con un realismo crudo, che comporta un’intensa partecipazione emotiva e l’immediata comprensione della difficoltà di un viaggio che è anche scoperta del sé. Importante la presenza di continui momenti esplicativi, che illustrano caratteristiche e note biografiche dei vari personaggi dell’universo infero; la riscrittura ingloba dunque molteplici elementi paratestuali, quali note biografiche e contestualizzazioni letterarie o storiche, in modo da colmare l’inevitabile gap conoscitivo del target originario di riferimento, di tradizione culturale asiatica,  estraneo ai modelli letterari occidentali. Il risultato è di grande interesse anche per il pubblico italiano, che può leggere un’opera complessa come quella dantesca, sia pure nelle sue linee narrative fondamentali, senza mediazioni esterne al racconto della vicenda centrale.
Il Dante’s Inferno della  Wildstorm , pubblicato nel 2010 con testi di Christos Gage e disegni di Diego La Torre (traduzione italiana di Luigi Mutti, Panini Comics), si rivolge invece al pubblico statunitense, che ha già una certa esperienza del discorso dantesco ( la prima traduzione della Divina Commedia, di Longfellow, risale al 1867), anche nei suoi risvolti pop; fra l’altro il comic si inserisce in un franchise  che comprende un videogioco e un film d’animazione, tutti prodotti accomunati da una forte tensione rielaborativa nei confronti della fonte letteraria. La graphic novel Dante’s Inferno si pone quindi come riscrittura innovativa, che presenta un’evidente transvocalizzazione e transfocalizzazione ( Genette) sia rispetto all’ipotesto che al pattern videoludico: la storia infatti è interamente condotta dal punto di vista di Beatrice, che appare la vera protagonista. Nella doppia etimologia del nome (colei che beatifica/ viatrix) dichiarata in apertura, è presente in nuce il destino ossimorico del personaggio: costretta a compiere per prima il viaggio negli abissi dell’Inferno per salvare il suo uomo dalla dannazione, Beatrice è perennemente sospesa fra Bene e Male, amore per Dante e attrazione per il diabolico re dell’oltretomba. I due protagonisti appaiono nel corso della vicenda profondamente trasformati dalla materia infera, diventando essi stessi creature diaboliche. L’opera esaspera i toni dell’originale, esaltando il coinvolgimento mentale dei personaggi in un’avventura che, come in alcune riscritture italiane contemporanee (si pensi a Dall’inferno di Manganelli , 1985), comporta quasi un azzeramento della propria identità.
Se le versioni giapponese e statunitense esaltano la componente noir dell’esperienza dantesca, la scelta degli autori italiani, per tradizione abituati costantemente al confronto culturale ed emozionale  con una  prima cantica che è anche materia di studio scolastico, è quasi agli antipodi: il fumetto Dante, pubblicato da Kleiner Flug nel 2014 con testi di Alessandro d’Uva e disegni di Astrid, inserisce i dati biografici e le opere di Dante in un contesto armonioso. Gli autori focalizzano in particolare la relazione amorosa fra il giovane scrittore e Beatrice , riconducendo a questa esperienza intensa ma anche vissuta nel quotidiano della Firenze medievale alcuni testi danteschi, in particolare la Vita Nova e gli ultimi canti del  Purgatorio, dedicando uno spazio minimo all’Inferno.  Anche l’interpretazione italiana è condotta dal punto di vista di Beatrice, non probabile sposa di Lucifero, come nel fumetto statunitense, ma figura salvifica; si può dire che l’opera di D’Uva e Astrid mostri una palese continguità con il discorso dantesco, del quale si sottolinea l’aspetto stilnovista – dolcezza e musicalità -, tramite lunghe citazioni letterali dei testi. Il processo di riscrittura del Dante fumettistico italiano mantiene quindi i contenuti della fonte – o delle fonti -,  riassemblandoli in un nuovo sistema che identifica come asse centrale l’esperienza biografica del giovane autore.
Tre nazioni distanti geograficamente e culturalmente interpretano, ciascuna a suo modo, un autore emblema della cultura italiana, mettendo in rilievo la ricchezza di significazioni e l’attualità delle sue opere, che risultano efficaci anche nella trasposizione fumettistica; codice comunicativo, d’altra parte,  moderno e diretto, che nell’interazione scrittura/ linguaggio visivo recupera la ricchezza sinestetica della Commedia e delle opere stilnoviste, riuscendo a “raggiungere qualcuno arrivato prima di lui” (Contini 1965): Dante come scrittore del passato e del futuro.

Il saggio prende in esame alcuni testi che vedono protagonista la figura di Giacomo
Leopardi e che trasformano il poeta in un personaggio letterario, ai confini tra vero
storico e invenzione romanzesca. Le rivisitazioni affondano le proprie radici nella vita e
nell’opera leopardiana, che diventano punto di partenza di biografie narrative e fiction
letterarie. La figura di Leopardi si rivela dunque permeabile alle più svariate possibilità di
ricezione che fanno del poeta un personaggio da cui biografi e scrittori possono attingere
di volta in volta spunti per rielaborazioni sempre nuove, in base alle proprie scelte di
interpretazione e di metodo. Leopardi si offre così all’immaginario contemporaneo,
facendosi terreno di riscrittura e sperimentazione.

Nelle indagini di storia della lingua italiana del Cinquecento si osserva che lo storico processo del lento ma deciso affermarsi di un modello linguistico unitario s’intreccia con il volgarizzamento e la riscrittura della letteratura antica di ogni ramo dello scibile. Questo ‘acclimatamento’ in volgare delle materie, che vanno dalla filosofia naturale a quella morale, dalla poetica alla musica, dalla matematica alle arti meccaniche, avviene non soltanto grazie alla traduzione diretta delle opere greche e latine, ma soprattutto in virtù di un innesto del pensiero filosofico, come di quello scientifico-tecnico, nelle nuove teorie espresse nella trattatistica cinquecentesca. E se nel Duecento il volgare della prosa d’arte traeva modelli di un’elegante finitura formale e retorica dagli esempi mediolatini e classici, l'italiano della scrittura argomentativa nel secolo sedicesimo ricerca e sperimenta forme testuali e moduli linguistici che possano restituire appieno i concetti, «il vero delle cose», delle «auctoritates» in ogni disciplina, di Aristotele «in primis».
In questo intervento mi propongo di illustrare alcune delle questioni scaturite dalle ricerche dedicate alla nuova prosa e alla formazione del lessico sia scientifico (in particolare, della logica) sia tecnico (musicale, drammaturgico), così come al ruolo della cultura accademica nel volgarizzamento del sapere nel Cinquecento.

Il volume Il racconto a teatro. Dal dramma antico al Siglo de Oro alla scena contemporanea, propone una riflessione critica sulla componente narrativa del testo teatrale, mediante un approccio interdisciplinare incentrato su specifiche realtà della tradizione drammatica occidentale, a partire dall’antichità greca e latina per arrivare alla contemporaneità, tanto italiana che spagnola, passando per il teatro iberico dei Secoli d’Oro.
Attraverso una rivisitazione critica del pensiero poetico-estetico dell’antichità, alla luce della coscienza teorico-drammatica maturata nel Novecento, si indagano le peculiarità del racconto nel teatro greco e latino, soffermandosi sulle specifiche funzioni, tanto letterarie quanto sceniche, assunte da messaggeri e narratori. Peculiarità e specificità osservate, poi, nei contributi che in vario modo e con strumenti critici diversi, affrontano sia versioni teatrali del materiale leggendario e narrativo nel teatro iberico di epoca rinascimentale e barocca, sia la ricezione e la riproposta di motivi, figure e dinamiche performative centrali del dramma antico in una pluralità di contesti scenici moderni e contemporanei: dal melodramma verdiano all’opera lirica di Richard Strauss, fino agli esperimenti metateatrali del teatro iberico contemporaneo. Il volume è arricchito e completato dalle testimonianze dell’artista e performer Emilio Isgrò, dell’attrice Elisabetta Pozzi e del regista Sergio Maifredi che esplorano, alla luce delle loro esperienze, il rapporto del teatro con l’epos, il mito e il racconto.

I romanzi qui esaminati presentano spiccati riferimenti intertestuali all’opera di Chrétien de Troyes. L’uso della citazione è diversificato in ciascuno dei tre testi narrativi: si può avere la citazione quasi testuale, il riuso di motivi o episodi, il riferimento indiretto a luoghi chrstieniani. Ma tutti quanti concordano su un uso in genere ironico della citazione. Un’ironia tuttavia non distruttrice del testo di partenza, ma semmai ammiccante a una ricezione di storta di esso nel senso di un riorientamento di lettura di un genere altrimenti avviato a mero consumo, e a consunzione lettearia.

Dans Meursault, contre-enquête, qui se présente d’abord, de manière plus qu’évidente, comme une réécriture, voire comme une contre-écriture postcoloniale de L’Étranger, Daoud multiplie en réalité les références à d’autres ouvrages de Camus (La Chute en premier), mais aussi à Robinson Crusoe de Defoe et à ses réécritures comme Vendredi ou les Limbes du Pacifique de Michel Tournier, ainsi qu’aux œuvres de Salman Rushdie, en particulier à Haroun et la mer des histoires, quoique cette référence reste toujours implicite. L’article s’interroge sur les implications de ces renvois, cherchant à intégrer une analyse textuelle et une approche pragmatique.

Meursault, contre-enquête appears foremost to be a rewriting, or even a postcolonial counterwriting of L’Étranger. In fact, Daoud actually multiplies references to other works by Camus (i.e. La Chute), but also to Defoe’s Robinson Crusoe and its rewritings such as Michel Tournier’s Vendredi ou les Limbes du Pacifique, as well as to Salman Rushdie’s works, in particular to Haroun and the Sea of Stories, although this reference is always implicit. The article examines the implications of these references, seeking to integrate a textual analysis and a pragmatic approach.

Leon Battista Alberti affida al toscano molti degli argomenti considerati all'epoca di esclusivo dominio del latino, estendendo, quindi, le capacità espressive di una lingua viva. Il lavoro dell'artista teorizzato dall'Alberti nel "De pictura" muove dall'indagine delle leggi della natura, che aiuta l'artista a ricreare la sua complessità. La conoscenza della natura e l'imitazione della sua perfezione permettono a chi crea di far emergere la bellezza insita nelle cose. E anche lo scrittore assorbe le regole che muovono la lingua e gli artifici retorici che riflettono la creatività artistica, espressa nella rappresentazione verbale. Alberti, scrittore in volgare, mostra il significato delle cose, servendosi delle neocreazioni lessicali (come «farfallano inanti agli occhi» o «muccilutoso»), e ricorrendo alla similitudine e alla metafora (immagine del ragno che raffigura il padre di famiglia nei «Libri de familia», III).

Si tratta di una bibliografia ragionata basata sulla selezione e sull'affinamento dei titoli bibliografici (schedati in 53 voci, pp. 93-193) dedicati allo stile, alla lingua e alle teorie linguistiche di Leon Battista Alberti. Nel saggio introduttivo («Introduzione», pp. 9-78) si illustrano le linee guida della critica albertiana (1. «Filologia e linguistica») e si evidenziano singoli aspetti privilegiati dalla ricerca, dai fenomeni fonomorfologici e sintattici a quelli lessicali, che caratterizzano le opere letterarie e i trattati tecnici dello scrittore bilingue (2. «Il bilinguismo», 3. «L'Alberti volgare», 5. «L'Alberti e il latino»), dando rilievo alle teorie linguistiche dell'umanista e al suo impegno a favore del volgare (4. «L'Alberti per il volgare»). Inoltre si aggiungono delle osservazioni sul lessico e sullo stile di alcune opere albertiane (fra le altre, «Ecatonfilea», «Libri de familia», «De re aedificatoria»). Il volume è corredato dai repertori, quattro indici linguistici (pp. 223-313), di termini e di fenomeni e volgari e latini, esaminati, interpretati o soltanto segnalati nei saggi schedati ma anche nei testi citati nel percorso introduttivo. Se l'attualità dell'approccio linguistico all'opera dell'Alberti muove dal suo peculiare bilinguismo, entro il contesto più generale del rapporto fra latino e volgare nel Quattrocento, questo lavoro e le ricerche qui prese in esame si proiettano naturalmente sullo sfondo della critica all'Alberti scrittore e teorico, impegnata nell'edizione e nell'interpretazione dei suoi testi.

This thesis originated from the discovery of a rich group of texts published as an “answer” to the novel Great Expectations by Charles Dickens. After an introductory section offering a panoramic view of the great fortune of this Dickensian classic, my research deals with the main key issues regarding the debate around intertextuality. Afterwards it focuses on the definition of rewriting, necessary for the choice of a homogeneous group of texts. The novels that this thesis analyses were published between 1905 and 2006 and the choice of a comparative approach has brought to light the particular interpretation of the Dickensian novel given by these rewritings.

Questo intervento analizza Animali notturni di Tom Ford (2016), thriller tratto dal romanzo Tony and Susan di Austin Wright. Il lavoro evidenzia gli espedienti formali che permettono al regista di costruire un’opera che interseca due piani narrativi diversi, esaltando le tensioni semantiche fondamentali di entrambe le storie. Il senso dell’operazione viene poi inquadrato all’interno dell’evoluzione narrativa dell’audiovisivo nell’epoca “postmediale” e, per completarne l’interpretazione, viene intessuto un parallelo con la struttura della tragedia greca, la quale era costituita anch’essa da due piani della narrazione dotati di funzioni analoghe: il coro e il mito.
Viene infine ipotizzato un nesso strutturale - di cui Nocturnal Animals è una traccia - fra una relativa messa in crisi della struttura narrativa cinematografica post-classica e la serialità dei grandi Quality Drama contemporanei.

L’articolo propone una prima lettura degli Argomenti, «a cura di Giovanni Raboni» con cui quest’ultimo correda la propria traduzione della Recherche di Proust, riprendendo la prassi editoriale dei sommari a servizio del lettore, diffusa anche nelle edizioni francesi dell’estesa narrazione proustiana (e in precedenti traduzioni italiane). Rispetto all’approccio dei predecessori, Raboni tuttavia apporta modifiche rilevanti e modalità che denotano il carattere “autoriale” della sua operazione. Questa qui si analizza, non ultimo, proprio alla luce dell’attività critica e di traduzione di Raboni, lettore di Proust.

Tra luci ed ombre, realtà ed allucinazione, prosa e poesia: Teresa ed Ernesto, i protagonisti di questo libro, si muovono sempre su due piani distinti che, però, si intrecciano di continuo fino a mescolarsi e, talvolta, confondersi. Quello che li accomuna è il viaggio, ciascuno attraverso il proprio inferno (per lei sulle orme dantesche, per lui molto più terreno) in cui si realizza l'apice delle loro esistenze. Nella parte poetica, infatti, Teresa, accompagnata dal suo Virgilio, il saggio Daniel M. Cimavadio, attraverserà nove cerchi infernali in cui i peccati dell'inferno dantesco sono rielaborati e riorganizzati. Qui avrà modo di dialogare con personaggi noti appartenenti alla nostra realtà contemporanea, puniti per le proprie colpe. Ernesto, intanto, affronterà il suo personale dramma, mettendo per iscritto la sua storia, subito dopo l'annuncio di essersi tagliato le vene dei polsi.
Solo il finale sbroglierà i dubbi e svelerà l'intreccio: così, mentre gli ultimi versi saranno incaricati di spiegare quanto accaduto in prosa, l'ultimo capitolo racconterà il senso di tutti quegli endecasillabi

La terminologia oggi in uso negli studi di filologia d’autore che riguardano la vasta categoria di ‘riscrittura’ non è spesso condivisa, a tal punto che si indicano indifferentemente come ‘redazione’, ‘stesura’, ‘revisione’, ‘rielaborazione’, ‘rifacimento’ fenomeni simili, o, viceversa, fenomeni differenti vengono individuati con lo stesso termine. Si propone dunque, anche attraverso l’indagine su diversi casi di studio e con il supporto della terminologia in uso negli studi biblioteconomici, di fare chiarezza sull’argomento e di proporre alcune possibili soluzioni all’ambiguità semantica registrata, tentando di individuare i punti di contatto tra studi teorici, prassi ecdotica e prassi autoriale.