Reinassance Art

This article is focused on an arms inventory of Gambara, a noble family of Brescia. The inventory was drawn between 1615 and 1618.
In the first part of the article, this inventory will be pubblished fully. In the second it will be commented. Various topics will be covered: from "lazzarine" barrels to Faustino Ghelfo, a forgotten Brescian swordsmith.

This article reports on the intellectual connection between the poet Gian Giorgio Trissino, author of the epic poem "L’Italia liberata dai Goti" (published in 1548), and the architect Andrea Palladio. It is offered here an in-depth analysis of the poetic imagery and description of churches and palaces in the work by Trissino, where a unique literary paradigm – based on “specularity” and “duplication” of images and words – could be found. This paradigm will have a crucial influx on Palladio’s ideological and cultural preparation, ultimately influencing his architectural plans.

Per avventurarsi in alcuni dei più seducenti ‘misteri’ della civiltà e della storia umane basta recarsi nelle maggiori pinacoteche di mezza Europa dove si custodiscono i più celebri ed enigmatici capolavori dell’arte pittorica italiana. Tentando di decifrare i  ‘soggetti segreti’ che si celano in essi, questo saggio è un invito ad abbandonare le più tranquille rotte iconologiche per intraprendere un viaggio in una delle più affascinanti avventure dell’uomo: l'alchimia. Il rapporto tra le grandi commissioni artistiche e la scienza della trasmutazione degli Elementi costituisce l’itinerario tematico del saggio che si dipana, come un filo di Arianna, all’interno del dedalo dei ‘misteri’ iconografici che si celano in alcuni tra i più grandi capolavori di Botticelli, Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, che si considerano come icone sublimi dell'Arte e del Bello universali.

Il 𝑃𝑒𝑟𝑠𝑒𝑜 di Cellini è una celebre opera d'arte, commissionata all'autore dal duca (poi granduca) Cosimo de' Medici per celebrare il suo trionfo a Firenze contro le fazioni nemiche.
Strumento di questo trionfo è l'harpe, arma della Classicità che può essere identificata con la rinascimentale storta, anch'essa atta a recidere come l'harpe e dunque perfetta per rappresentare il taglio netto col passato voluto da Cosimo: la trasformazione dalla repubblica fiorentina al principato mediceo.
Lo stesso Cosimo possedeva due storte, una attualmente conservata alla Wallace Collection e l'altra al Museo del Bargello.
Nel presente studio, viene analizzato il rapporto di Cosimo con la storta, sia per quanto riguarda la cultura figurativa sia quella materiale.

Con la presente mi pongo l'obiettivo di analizzare le vicende orbitanti attorno all'arrivo dell'elefante Annone alla corte papale di Leone X e le conseguenti ripercussioni in campo artistico, a partire dal disegno di Raffaello conservato a Berlino.

In questo libro e nel progetto che lo precede la bellezza famosa, sotto gli occhi di milioni di visitatori nei musei del mondo, rilancia la bellezza nascosta e innesca il desiderio di ritrovare in Umbria i luoghi di provenienza delle opere d’arte: città, paesi e piccoli borghi, ville, castelli e abbazie lungo le vie maggiori o immersi nell’atmosfera senza tempo dei parchi

“La Torre di Pisa simboleggia in modo esemplare l’impossibilità degli esseri umani di prevedere le implicazioni sociali
delle loro opere. L’artista naturalmente non suppose che la debolezza delle fondamenta avrebbe dato alla torre un’inclinazione
tale da attirare l’attenzione di tutta l’umanità. È forse quanto si verifica anche per le creazioni più astratte dell’uomo, nel senso
che le loro effettive conseguenze sociali corrispondono solo in minima parte alle intenzioni del creatore”.
Questa la singolare riflessione di Albert Einstein contenuta in una lettera del 1953. Per quanto la celebre torre
pendente, in realtà, gli fornisse solo il pretesto per una sofferta considerazione esistenziale sulle imprevedibili ripercussioni
delle scoperte nel campo della fisica nucleare, il geniale scienziato tedesco centrava una verità, evidente quanto spesso trascurata,
nella critica artistica.
A differenza delle ‘arti liberali’ - musica e letteratura - le arti figurative sono legate da un vincolo indissolubile alla loro
materia costitutiva; così sono soggette a modellarsi, oltre che sui sentimenti originari dell’artista, anche sui successivi, e molte
volte labirintici, percorsi tracciati dal caso. In particolare, sono esposte a modificare sotto più di un aspetto il loro significato
originario in ragione sia del trascorrere del tempo che delle variazioni di luogo, così come accade per gli esseri viventi.
Se la Torre di Pisa, nel corso degli anni, non avesse visto inclinarsi il suo asse, probabilmente non sarebbe oggi il simbolo
turistico di notorietà planetaria che tutti conosciamo, ma un semplice campanile, se pur esteticamente ammirevole. È indubbio
che il cambiamento di posizione ha modificato in modo radicale la lettura artistica dell’opera oltre che il corso della sua storia.
Come è ugualmente innegabile che il movimento in questione, tra le massime libertà concesse in architettura,
rappresenta ben poca cosa, se confrontato alla straordinaria mobilità cui, per loro natura, sono solitamente soggette le opere
di scultura e pittura.
Un esempio rivelatore è lo Studiolo di Federico di Montefeltro, proveniente dal Palazzo Ducale di Gubbio, che figura
tra le opere presentate in questo libro. Nonostante le dimensioni e la delicatezza del materiale non ne incoraggiassero di
certo lo spostamento, lo straordinario capolavoro di ebanisteria rinascimentale è stato protagonista di vicende degne del più
movimentato romanzo. Quasi dimenticato per secoli in una sala dismessa del Palazzo Ducale eugubino, incredibilmente venduto
a privati insieme a tutto lo storico edificio, finisce negli anni Settanta dell’Ottocento in mano a un patrizio romano, che lo rimonta
nella sua villa di Frascati. A distanza di pochi anni lo Studiolo prende la via di Venezia al seguito di un antiquario ebreo, che per
sfuggire alle persecuzioni antisemitiche nel 1939 lo porta con sé prima a Parigi e subito dopo a New York, mettendolo in salvo
così dalle distruzioni della Seconda Guerra Mondiale. Dopo aver attraversato prima le Alpi e poi l’Atlantico con l’invidiabile
disinvoltura di un bagaglio a mano, l’ingombrante e articolato complesso di arredi lignei approda infine nel 1941 in una delle
sedi museali più celebri al mondo, il Metropolitan Museum di New York, dove a seguito di accurati studi, riceve l’attribuzione
ai grandi intarsiatori Giuliano e Benedetto da Maiano su disegni di Francesco di Giorgio Martini. Restaurato e rimontato
con regia ineccepibile in un ambiente appositamente costruito, è ammirato da milioni di visitatori provenienti da ogni parte
del globo. Se è lecito domandarsi se un itinerario di questo tipo possa avere maggiormente giovato che nuociuto - come italiani,
e umbri in particolare, la nostra risposta è scontata - è fuori discussione che l’opera esposta oggi al Met di New York non sia più
la stessa che, a suo tempo, lasciò la sede originaria nel Palazzo Ducale di Gubbio, perché in più ha il percorso.
Non tenere conto dei passaggi di proprietà, dei luoghi, degli studi, degli interventi di restauro che hanno accompagnato
un’opera d’arte dopo la sua genesi, lungo il tragitto che congiunge il suo luogo di origine a quello di più recente conservazione,
significherebbe trascurare, e quindi implicitamente dissipare, una parte non marginale del suo potere evocativo. Una capacità
di trasmettere emozioni che si può anche definire casuale, se con ciò si intende il fatto che non traduce una volontà impressa
dall’autore a priori, ma che pur tuttavia risulta sempre aggiuntiva e, in taluni casi, perfino di valenza superiore alla prima.
Come nell’emblematico caso commentato da Einstein. Tra i tanti meriti che vanno riconosciuti alla straordinaria iniziativa
editoriale che qui si presenta, e al suo autore, figura indiscutibilmente anche questo aspetto. Forse meno appariscente rispetto
ad altri, ma di certo non meno rilevante: la capacità di aver saputo restituire il significato integrale di ciascuna opera proposta
unendo, anziché separando dai valori stilistici, il complesso patrimonio di valori emotivi che derivano dalla ricostruzione,
ricca e minuziosa, del suo itinerario storico.
La penna di Franco Ivan Nucciarelli, contraddistinta come di regola da eleganza e scorrevolezza di tratto, offre
la lettura di quaranta schede critiche che hanno la piacevolezza, in verità rara per un’opera comunque di divulgazione
scientifica, di altrettante affascinanti narrazioni capaci di avvicinare, come poche altre, il grande pubblico alle meraviglie
dell’arte. Ciascuna delle quali, è appena il caso di sottolinearlo, poggia le fondamenta su una poderosa opera di ricerca,
la cui profondità e robustezza è testimoniata, molto più efficacemente di qualsiasi altra espressione elogiativa, da quattrocento
riferimenti bibliografici. La Fondazione Guglielmo Giordano, lieta di aver preso parte all’iniziativa, auspicando che l’attuale
pubblicazione rappresenti solo il primo passo di un progetto editoriale di ancor più ampio respiro, saluta la nascita di questa
opera con la partecipazione e l’entusiasmo che si riserva solo ai grandi eventi.
Andrea Margaritelli
Direttore Fondazione Guglielmo Giordano

Ringraziamenti / Acknowledgements

Regione Umbria
Dirigente del Servizio Promozione e Valorizzazione
Sistemi Naturalistici e Paesaggistici
Paolo Papa
Responsabile Sezione Aree Protette
Eros Quagliarini
Parco del Fiume Tevere
Parco del Monte Cucco
Amici della Musica, Perugia
Biblioteca Comunale Augusta, Perugia
Bibliotheca Hertziana, Roma
Kunsthistorisches Institut, Firenze
Carlo Amadori
Francesca Ambrosi
Giampietro Angelini
Furio Antonini
Nilo Arcudi
Riccardo Arena
Alberto Batisti
Vania Battistoni
Marco Bencivenga
Michele Bilancia
Ania Biolato
Luca Daniele Biolato
Francesca Bon Valsassina
Franco Buitoni
Ilaria Buitoni Borletti
Francesco Maria di Carpegna Falconieri †
Giancarlo Cassano †
Alessandro Campi
Paolo Caucci von Saucken
Camilla Cecchi
Andrea Cernicchi
Valeria Cenci
Carmela Colaiacovo
Alessio Conestabile della Staffa
Cristiano Conestabile della Staffa
Gianfranco Conestabile della Staffa
Serena Costantini
Maria Rita Cucchia Mantovani
Ranieri degli Oddi di Laviano
M’hammed Hassine Fantar
Fabio Faustini
Giuliana Fida Conestabile della Staffa
Stefano Fodra
Justyna Guze
Antonella Gigli
Marco Grassi
Luigi Gualaccini
Anna Maria Gualaccini Spadolini
Jean-Pierre Haldi
Gianfranco Luzzetti
Carla Mancini
Eleonora Mancini
Francesca Mariano
Gabriella Mecucci
Paolo Misciattelli Mocenigo Soranzo †
Carlos Morenés del Borghetto
Marco Nicoletti
Jason Noza
Eleonora Nucciarelli
Rossano Pastura
Carlo Pietrangeli †
Uguccione Ranieri di Sorbello †
Mario Scaloni
Antonio Schippa
Claudio Seccaroni
Alessandro Serra
Ornella Serra Benedetti
Giovanna Severini
Mario Teodori
Paola Teodori Rambaldi
Clara Tiacci Bartocci
Aldo Vignaroli

Nel XV secolo operarono a Fermo molti scultori schiavoni, che possono essere ricondotti a quel fenomeno artistico che la moderna storiografia ha etichettato come Rinascimento adriatico, dove gli artisti, pur tentando una certa riscoperta dell'arte classica, non abbandonarono mai del tutto molti aspetti formali del gotico. La trattazione inizia illustrando un rilevo quattrocentesco realizzato dallo scultore Pietro di Giorgio da Sebenico per la chiesa fermana di Santa Maria del Carmine, che è uno dei migliori manufatti realizzati nei modi del Rinascimento adriatico arrivati fino a noi, per poi procedere con altre sculture, cercando di rintracciare i committenti che hanno promosso in città questa particolare stagione artistica scultorea.

Since rise of humanity, superstition has been closely linked to art from his different and remarkable creations, it has been a transmission vehicle of whole those magic ideas, sometimes directly and sometimes a subtler way. With this work, it is tried to show how the superstition is present in all history periods, arriving until the own present day, through sources and artistic manifestations. It also seeks to demystify the Middle Ages as the most obscurantist and superstitious period of all the history, something that, to this day, has some validity in the social mind. To do this, it will focus on the epoch immediately following: The Modern Age, which was key - as well as the successive centuries - to discredit the Medieval Ages and to show, through esthetic examples, in this period was equal or more superstitious than the Middle Age. With models so paradigmatic and yet nothing or little tackled from this newfangled perspective, as can be the paintings of famous Velázquez and his royal portraits among other modern painters.

L’intervento è dedicato alla piena riscoperta stilistica di un busto quattrocentesco con l’effige del Cardinale Al- bornoz, opera commissionata verosimilmente nella seconda metà degli anni ’80 del XV secolo e da sempre conservata al Real Colegio di Spagna di Bologna. Dopo una lunga indagine stilistica, sulla base di numerosi confronti con le opere di Vincenzo Onofri, dei dati emersi durante il restauro e delle specificità storiche dell’oggetto artistico, il busto viene attribuito alla prima produzione del celebre scultore bolognese. Dall’analisi delle sue caratteristiche emerge una terracotta di grande qualità che ha conservato anche una parte consistente della coloritura originaria, in cui l’artista infonde caratteri stilistici puntuali, in linea con i migliori sviluppi della produzione cittadina di epoca bentivolesca. Alla poca fortuna che l’opera ha avuto in ambito storiografico si contrappone una notevole fortuna iconografica, poiché tutti i ritratti moderni del Cardinale mostrano le sembianze della bella terracotta policroma. Infine, l’indagine documentaria presso il Real Colegio ha disvelato come tra gli anni ’20 e gli anni ’30 del Novecento, per celebrare il ruolo e l’importanza di Albornoz e dell’istituzione ispanica, vennero realizzate e diffuse diverse copie del busto in gesso.

This essay focuses on the stylistic rediscovery of a fifteenth-century terracotta bust with the effigy of Cardinal Albornoz. The artwork was probably commissioned in the second half of the 80s of the XV century, and it has always been kept at the Real Colegio of Spain in Bologna. The bust is attributed to the first artistic period of the famous Bolognese sculptor Vincenzo Onofri; the attribution is based on a long stylistic investigation, with numerous comparisons between other terracotta artworks of the master, but also on the data uncovered by the restoration and on the historical specificity context. The high quality of the artwork, which preserved the original polychromatic coloring, and other proto-classical characteristics, is an important proof of the relationship between Onofri’s art and the best artworks of the Bentivoglio Hera. Across the centuries the bust had a great iconographic fortune, in fact the modern portraits of the Albornoz took their physiognomy from it. Finally, a documentary investigation at the archive of the Real Colegio revealed that, between the 20s and the 30s of the last century, several plaster copies of the bust were made to celebrate the cardinal’s memory and the Institution’s prestige.

Esta es una revisión historiográfica comentada a manera de un examen que me solicitó la mtra. Ana Ortiz Islas para la asignatura de Historia del Renacimiento y Barroco. Consiste de un análisis biográfico, historiográfico y desde Estudios Visuales. Se comentan la Virgen de las Rocas

La ricerca ha inteso restituire alle vicende storiche e artistiche del Quattrocento perugino alcuni rilievi oggi conservati in luoghi diversi. Attraverso un esame delle fonti archivistiche e critiche, passando per la ricostruzione del legame tra la distrutta chiesa di Santa Maria de’ Servi e l’ambiente accademico perugino, si è giunti a ripercorrere le tracce dell’attività di Urbano da Cortona a Perugia e nel complesso servita; dopo aver ricondotto alla mano del cortonese e della sua bottega le sculture in esame, i rilievi sono stati collegati al perduto sepolcro di Angelo Perigli, morto nel 1447, importante giurista dello Studium e noto personaggio della vita pubblica cittadina.

This research sets certain reliefs today preserved in various sites in the context of historic and artistic events of fifteenth-century Perugia. Through an in-depth analysis of archive and critical sources and rebuilding the tie between the destroyed church of Santa Maria de’ Servi and the academic environment of Perugia, the research traces the work of Urbano da Cortona in Perugia. After having traced the sculptures in question back to the hands of Urbano da Cortona and his workshop, the reliefs have been linked with the lost sepulchre of Angelo Perigli († 1447), important University jurist and noted personage of public civic life.

Obiettivo della Summer School è fare acquisire ai partecipanti strumenti metodologici e conoscenze pratiche per affrontare in modo multidisciplinare lo studio degli apparati decorativi in stucco. Verranno analizzate opere fonda- mentali per la conoscenza dell’attività degli stuccatori “ticinesi” a Roma che
– arrivati nell’Urbe come scalpellini o capomastri – si sono impossessati di questa particolare tecnica artistica facendola diventare per antonomasia una peculiarità del territorio della Regione dei Laghi.
Le attività prevedono lo svolgimento di lezioni, centrate sugli aspetti metodo- logici, e visite a luoghi in cui sia possibile osservare i dettagli tecnici e artistici dei cicli decorativi.
Le visite in cantiere consentiranno di discutere l’approccio storico, artistico, tecnico e scientifico necessario alla conoscenza di queste opere.

Per iscrizioni, inviare un curriculum vitae
e una lettera di motivazione
a: prof. Giacinta Jean (giacinta. jean@supsi.ch), dr. Serena Quagliaroli e dr. Giulia Spoltore (serena.quagliaroli@usi.ch) entro il 9 maggio 2019.

In Storie di città e architetture, scritti in onore di Enrico Guidoni, viene pubblicato il saggio su una importante tipologia dell'abitare presente nel tessuto edilizio del città rinascimentale e barocca e non rilevata dagli studi di Muratori e della scuola processuale. La ricerca procede in una serrata documentazione dei caratteri e della qualità distributive e costruttive del tipo plurifamiliare e in una serie di osservazioni del rapporto tra arte e autori della città e la formazione tipologica dei tessuti edilizi.

Sperandio Savelli from Mantua is best known as the most prolific medalist of the fifteenth century, but documents attest that he also was a renowned sculptor. This essay examines the works in marble and stone which have so far been attributed to the artist, further proposing new attributions and critical considerations. Starting from Sperandio’s most important attested work – the monument for Pope Alexander V in San Francesco in Bologna – the relationships between the sculptor and the Franciscan order are investigated: from his first contacts with the ordo minorum in Lombardy, to his relationship with an influential friar resident in Ferrara, up to the works he modelled for several churches of the Franciscan order. Most of new attributions regards works in terracotta, a material which, owing to its qualities and to its symbolic value, could satisfy both the attitude to humility of the Franciscans and the humanistic taste of the Bolognese noblemen.

L'antico monastero delle Agostiniane di San Geminiano a Modena è attuale sede del Dipartimento di Giurisprudenza dell'Università di Modena e Reggio Emilia, dopo un intervento di ristrutturazione e di restauro. Il suo monumentale chiostro è un suggestivo esempio di architettura rinascimentale. In questa comunità religiosa vissero monache estensi, nella prima metà del Seicento: Giulia Felice, figlia del cardinale Alessandro; Angela Caterina, figlia del duca Cesare; Beatrice Bentivoglio, figlia del marchese Ferrante e di Beatrice d'Este di San Martino. Trascorse la vita fra le mura del monastero suor Sulpizia Cesis (1577-1622), famosa compositrice di mottetti. 
The old femal monastery of San Geminiano in Modena (Rule of St. Augustine) today is Department of Law, University of Modena and Reggio Emilia, after a conservative restoration work. The monumental cloister is a suggestive example of renaissance architecture. Este's nuns lived in this monastery, during the first half og the 17th century: Giulia Felice, daughter of cardinal Alessandro; Angela Caterina, duke Cesare's daugther; Beatrice Bentivoglio, daughter of marquis Ferrante and Beatrice d'Este of San Martino. Famous composer of motets was sister Sulpizia Cesis (1577-1622) who spent her life behind monastery walls.

From the time of Leonardo's death up to today the attempts to identify the woman portrayed in the painting known as Gioconda or Mona Lisa or, more recently, to identify the places depicted in the landscape behind her, have not been ever exhausted. But the more the critical efforts multiplied, the more the results became elusive and uncertain. Is it really only a identifying issue the 'mystery' of the Mona Lisa or is there something else? This essay deals with the hypothesis that Leonardo's Mona Lisa would be not a real portrait but an allegorical representation. Of a being whom Leonardo loved passionately more than any other in the world: Nature.

Che nella Roma di fine Seicento un oratoriano milanese della Vallicella, mercante di disegni la cui dote principale fu l’occhio del conoscitore temprato nella cerchia belloriana, abbia davvero contribuito a indirizzare la comprensione della pittura napoletana del Rinascimento potrebbe sembrare a prima vista improbabile.
A chi la pensi così andrebbe narrata la storia dei viaggi di Sebastiano Resta nel Mezzogiorno e soprattutto il suo intento, perseguito con ostinata convinzione, di organizzare un discorso artistico coerente lungo direttrici non soltanto cronologiche ma anche geografiche, servendosi di quell’inscindibile rapporto tra testo e immagine che sempre contraddistinse i suoi volumi di disegni per aprire uno squarcio sulla storia dell’arte italiana meno nota ai suoi contemporanei.
Questo libro si propone di restituire a padre Resta il giusto spazio nella storiografia del Vicereame, tra Giorgio Vasari e Bernardo De Dominici.

Luca Pezzuto insegna storia dell’arte moderna e storia della critica d’arte presso l’Università degli Studi dell’Aquila. È membro del Padre Resta Project e ha pubblicato numerosi articoli e saggi, tra cui Cola dell’Amatrice. I giorni di Roma, gli anni dell’Appennino (Milano 2018) e Giovanni da Capestrano. Iconografia di un predicatore osservante (Roma 2016). Ha recentemente curato il volume La Roma di Raffaele Riario tra XV e XVI secolo. Cultura figurativa e cantieri figurativi (Roma 2017), l’edizione critica La relazione di Margherita d’Austria e la Descrizione della città dell’Aquila di Marino Caprucci (L’Aquila 2018) e la mostra Cola dell’Amatrice. Da Pinturicchio a Raffaello (Ascoli Piceno, 17 marzo-15 luglio 2018).

Il contributo propone una lettera autografa inedita di Annibale Caro, rinvenuta in un ms. conservato presso la Biblioteca Comunale ‘Ludovico Jacobilli’ di Foligno. Scritta nell’aprile 1554 all’architetto urbinate Francesco Paciotto, la missiva è una nuova testimonianza del legame intercorso tra il progettista e il letterato marchigiano, di cui si offre una ricostruzione.

Two Venetian types of swords coming from the “Luigi Marzoli” Arms Museum in Brescia were characterized in this study, to understand their manufacturing process and to gather information about their provenance. Both the blades and the hilts components are analyzed using a multi-methodological approach, to describe possible differences in the metallurgical features that involved classical metallographic and spectroscopic techniques. Microstructural results indicate a complex process for the manufacturing of the blades, by hot-forging, confirmed by a sequence of different microstructures even on the same sample. Furthermore, an interesting and unusual manufacturing technique is used on one of the pommels, which consists of two hemispheres connected by copper joints. Hypothesis about the ironmaking and the provenience of raw materials are obtained by the features and composition of the inclusions. It is suggested that there is the use of both a direct and an indirect process on the swor...

La réflexion sur les maquettes d’architecture reste encore aujourd’hui un domaine trop peu exploré par l’histoire de l’art. Leurs fonctions sont pourtant multiples : outil souvent sommaire pour la mise au point d’un projet, moyen persuasif de représentation destiné à convaincre un commanditaire ou une collectivité ou encore référence juridique à laquelle les artisans et les maîtres d’ouvrage doivent se conformer. En trois dimensions ou sous forme d’évocation picturale, elles jouent également un rôle au service des stratégies iconographiques des souverains ou des États, que ce soit dans des cycles de fresques, en tant qu’hommages à des alliés politiques ou au sein de collections célébrant les princes bâtisseurs. Leur utilité temporaire et le fait qu’elles consistaient pour l’essentiel en matériaux périssables, notamment le bois ou la cire, a découragé la plupart des chercheurs de se pencher sur cet objet d’étude. Cette publication vise à combler une lacune historiographique, en couvrant l’histoire de l’architecture et l’histoire culturelle, les sciences de l’ingénieur, l’enseignement, l’histoire sociale et les sciences religieuses. La prise en compte d’exemples issus de plusieurs pays européens et sur une large période a permis d’établir un panorama d’une grande variété, tout en révélant les mécanismes complexes de leur circulation et de leur migration. Entre l’Antiquité et le XXe siècle se distinguent à la fois des persistances et des ruptures permettant de mieux comprendre l’évolution des maquettes d’architecture et leur influence sur la forme architecturale.

L’intervento ripercorre le tappe della carriera del maestro di legname di origine cremasca Agostino de’ Marchi, soffermandosi in particolar modo sugli esordi e mettendo in luce le sue non indifferenti capacità di impresario. Come altri protagonisti del Rinascimento felsineo, anche lui era forestiero, ma trovò a Bologna le condizioni favorevoli per esprimere al meglio la sua arte contribuendo a definire, al pari di Francesco del Cossa e Nicolò dell’Arca, il carattere stesso della produzione artistica bolognese del XV secolo.

Negli ultimi mesi del 1553, Giorgio Vasari si trovava occupato a Roma nella decorazione della loggia del palazzo cittadino di Bindo Altoviti, mecenate e banchiere esule di origini fiorentine. Desideroso di raggiungere quanto prima la Firenze di Cosimo I, il pittore chiese ad Annibal Caro dei consigli iconografici per ultimare il programma pittorico della loggia. Il letterato propose le allegorie dei dodici mesi dell’anno, sfruttando assai probabilmente un romanzo greco del secolo XII, Gli amori di Ismenio. Il saggio esamina i suggerimenti del segretario farnesiano, chiarendone la gestazione tramite alcuni autografi di Caro conservati tra le Carte Vasari. Osservando che l’artista trasgredisce le indicazioni del letterato nella raffigurazione di Marzo e Aprile, si evidenzia una carta dell’Archivio Vasari in cui si leggono le allegorie dei due mesi suddetti, suggerite da un personaggio poco noto che supplì a Caro, e per il quale si avanza una plausibile identificazione.