Historia del arte latinoamericano

Un mapeo performativo de la práctica pedagógica de la poeta, artista y educadora Cecilia Vicuña. Explora a través de fragmentos, los cruces entre poesía, teatro, activismo, visualidad y sonido en el trabajo educativo de Vicuña. Articulado en actos-cuadros, presenta a través de imágenes distintos momentos asociados a la creación de unas prácticas pedagógicas intuitivas y descentradas, basadas en la escucha recíproca y el deshacer la mirada etno, antropo y eurocéntrica. Este propone un no-método de creación colectiva que integra aspectos visibles e invisibles de la experiencia.

Desde fines del siglo XIX la concentración fabril y ferroviaria en La Boca hicieron que se congregara un intenso movimiento sindical socialista
y anarquista. La actividad portuaria condensaba la mayoría de los aspectos de la vida barrial y allí se desarrollaron militancias gremiales y políticas, que lo convirtieron en un ámbito fundamental de la experiencia
obrera a principios del siglo xx. En este ambiente se destacó Santiago Stagnaro, quien desde su juventud trabajó en los astilleros y se identificó
con la causa proletaria.

Articulo "LAS VISIONES MÁGICAS DE MIGUEL BRENNER". En: Rhiap. Revista de Historia del Arte Peruano / Año 1, Nº 1, 2014. pp.  106-107. De: ALBA CHOQUE PORRAS
Análisis sobre la emblemática obra "El hombre y el tiempo" (1988) del artista peruano Miguel Brenner, realizado por la historiadora del arte Alba Choque Porras.

"Con El hombre y el tiempo, el artista logra una pintura de variadas interpretaciones, el volador invita
a continuar hacia el vacío del centro, de lo misterioso, de lo que es proclive a variados mundos: los del arte, de la ciencia, la cultura, la historia. El hombre y el tiempo se convierte en la catarsis de Brenner frente al devenir del futuro y también el de unir el pasado con el presente. Brenner es el Volador, posee el reloj, lo porta porque maneja el tiempo, lo soporta, lo hace llevadero. Crea mundos metafísicos paralelos, compone seres en base a otros, todo es mágico porque se lo inventa Brenner. El hombre y el tiempo convierte a este artista con justa razón en el 'pintor mágico surrealista del Perú' como el mismo se denomina".

Este texto recoge el resultado del proyecto de investigación premiado en 2007 por el Concurso de Curaduría Histórica de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, que buscaba no sólo estudiar la vida y la obra del artista Miguel Díaz Vargas (1886-1956), sino establecer una primera interpretación no modernista de la obra de los artistas académicos de finales del siglo XIX y principios del XX. En ese sentido, a partir de una crítica historiográfica a la historia modernista del arte modernista, los autores construyen una lectura y valoración de la obra de Díaz Vargas y sus coetáneos desde los supuestos de la estética verista, hegemónica en el ámbito artístico colombiano al menos desde la fundación de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1886 y la década de los años cincuenta.

In this book chapter, I explore the advantages of incorporating material culture studies into the recently created Bachelor degree programs in Art History in Colombia in order to strengthen design history and Decorative Arts research in this country.
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En este capítulo exploro la importancia de vincular los estudios en cultura material a los programas en historia del arte con miras a fortalecer líneas de investigación en historia del diseño y de las artes decorativas en Colombia.

54 artistas contemporáneos colombianos se apropian de las pinturas académicas de Francisco Antonio Cano, uno de los iniciadores de la pintura académica en Colombia. Catálogo de la Exposición "En el Horizonte de Cano". Centro de Artes Universidad EAFIT, Medellín, Colombia, mayo-julio 2013

La iglesia parroquial del Presidio de San Felipe y Villa de Salamanca de Bacalar tal vez sea la más veces construida, y por lo tanto destruida, de la historia colonial y post-colonial de México. Múltiples curas y también no-curas se atribuyen haberla fabricado, destacando sin sutileza alguna la utilización de recursos propios para poder terminarla. El siglo XVIII es particularmente fructífero en estas afirmaciones, algo que pudiera inducirnos a pensar que al menos algunos de los “autores” simplemente mentían. Pero revisando algunos expedientes disponibles en los archivos, queda claro que aunque exageraban sus logros, en el fondo no mentían y sí habían construido la iglesia una y otra y otra y otra vez ¿cómo fue posible esto?

Le livre d'art intitulé Sistema Nervioso (« Système Nerveux »), publié en 1975, est issu d'un projet documentaire mené par la photographe Barbara Brändli sur la ville de Caracas au début des années soixante-dix. Le but était de montrer ce que la ville avait « de chaotique, d'improvisation, d'humour, de grotesque, de graphique », expliquait la photographe 2. Le livre résulte d'un travail de montage savamment orchestré, fruit de la collaboration de la photographe, du graphiste John Lange, et du dramaturge Román Chalbaud, qui écrivit de brefs commentaires, à la manière d'aphorismes, inspirés par les images et agencés à leurs côtés. Si nous parlons d'orchestration, c'est que le montage des images n'est pas laissé au hasard même si aucune table des matières ni division en chapitres ne vient déterminer des thématiques particulières ou décrire la géographie de la ville. Le regard orchestré par le livre sur Caracas montre que l'improvisation joue aussi un rôle dans la ville. Plus qu'une description de la ville-serait-elle d'ailleurs possible ?-, l'ouvrage présente, grâce au montage, un ensemble de propositions dont l'hétérogénéité et la distribution font apparaître des effets visibles d'improvisation dans l'espace urbain. La représentation de la ville élaborée dans le livre est promue par une expérience pragmatiste et interactionnelle de l'improvisation, et c'est à travers les nombreux usages de l'espace urbain par les Caraqueños qu'elle apparaît. Le support du livre permet une association des images qui redécrit la ville. Si l'improvisation s'effectue sans préparation, comment un livre peut-il en restituer le caractère spontané sans que la représentation constate ou décrive chronologiquement un enchaînement d'actions ? Quels moyens cet ouvrage met-il en oeuvre pour retraduire le caractère improvisé de la ville ? On tentera de comprendre comment la ville est représentée, et notamment le rôle de la photographie, en examinant quelques images et leur agencement dans le livre.

Este trabajo tiene como objetivo central rescatar la figura de Jorge Bonino sin caer en las recuperaciones ya practicadas: o bien relatos meramente biográficos o relatos ficcionados y poetizantes. Nuestra voluntad ha sido pues estudiar críticamente (esto es, analíticamente) a Bonino en tres dimensiones: (1) biográfica, procurando construir un relato razonado cuya periodización supere la tradicional división obra/vida, esferas que en Bonino aparecen profundamente licuadas; (2) metodológica, atendiendo a las dificultades que supone historizar a alguien que hizo locuras, payasadas, y hechos difíciles de registrar y compilar, y en consecuencia, restituir la separación arte/vida que él intento disolver; y (3) epistemológica, revisando, criticando y discutiendo las categorías que ya se han usado o presupuesto para hablar sobre Bonino, y arriesgando algunas otras cuyo potencial explicativo resulta sugerente.

La pintura en el Perú se remonta a la época prehispánica, en la que se utilizaban distintos soportes y colorantes de origen mineral, vegetal y animal. Con la llegada de los españoles, se produce la propagación de la pintura y otras artes con una nueva temática de carácter religioso católico, además se introducen materiales y técnicas novedosas para los artistas americanos. Por su parte la época virreinal, caracterizada por su catolicismo, se inundó de imágenes religiosas, las cuales se superpusieron a las deidades e iconografía anteriores en medio de un gran sincretismo. Durante estas diferentes épocas y hasta la actualidad, no menos importante ha sido la pintura de carácter costumbrista.

Con este artículo, Sirley Ríos Acuña, llama la atención acerca de la importancia de la pintura popular del Perú, en tanto expresión plástica, e intenta rescatar del olvido a pintores que fueron destacados en su momento. Abarca un análisis de la pintura popular en Ayacucho y las tradicionales Tablas de Sarhua, el arte pictórico del Cusco y finalmente la producción amazónica, en particular de la comunidad Shipibo-Conibo.

El siguiente trabajo se propone realizar un análisis de la práctica y de la obra del artista plástico Santiago Erausquin, a partir de la lectura del artículo “Estudios Visuales y Políticas de la Mirada” (2006) de la autora franco-chilena Nelly Richard. La elección del tema se corresponde con afinidades particulares con los escritos de Richard y con la obra de Erausquin, pero también responde a la creencia de que entre ellos puede surgir un diálogo fructífero y dialéctico que aporte una nueva mirada en relación a la práctica del artista y su discurso.
El objetivo, entonces, fue confrontar un discurso teórico con el discurso que se desprende de una práctica artística y con la obra en sí misma, sin dejar de tener en cuenta que los objetos de análisis propuestos están interconectados y las diferencias de categoría entre ellos no responden más que a las necesidades de las disciplinas de las que provienen. La separación entre teoría y praxis es un punto de discusión cada vez más presente en el campo artístico y, en la comparación que se llevará adelante en este trabajo se verá cómo, en el cruce entre los discursos, las perspectivas se tocan en más de una ocasión. Así mismo se verá cómo la práctica de Erausquin es también una producción de sentido y una investigación, aunque sus elementos no sean las palabras.
El desafío principal del trabajo consiste en no forzar ni la obra ni el discurso de Erausquin para ponerlo en diálogo con las ideas de Richard, sino permitir que cada uno se manifieste en sus particularidades y que sea el diálogo fluido entre ellos el que permita arrojar luz sobre los puntos de contacto y las diferencias. Si bien el análisis es sobre la palabra de Erausquin en relación a su obra, es posible que este decir repercuta directamente sobre el hacer y por ende se generará una nueva lectura de la obra en sí.

Cortés Aliaga, Gloria; “Rebeca Matte. El
cuerpo de la histeria”. En caiana. Revista de
Historia del Arte y Cultura Visual del Centro
Argentino de Investigadores de Arte (CAIA).
No 7 | Segundo semestre 2015, pp. 27-36.

URL:
http://caiana.caia.org.ar/template/caiana.p
hp?pag=articles/article_2.php&obj=208&v
ol=7

“To Develop Images from Thoughts. The South American Travels of the New York Graphic Workshop”, en Gabriel Pérez-Barreiro (ed.), The New York Graphic Workshop (1964-1970), Austin, The Blanton Museum of Art-The University of Texas at Austin, 2009, pp. 30-41.

La historiografía tradicional del arte en Chile ha reconocido en Pedro Lira Rencoret (1845-1912) a una de las principales figuras articuladoras del arte nacional del siglo XIX. Sin embargo, en la misma época en la que Lira desarrolló su labor, otro artista realizó acciones de similar envergadura, a pesar de lo cual no ha sido considerado más que en un rol marginal: el escultor José Miguel Blanco (1839- 1897). El objetivo de este trabajo consiste en sostener que la articulación de un sistema del arte en Chile tuvo lugar gracias a las “luchas artísticas” protagonizadas por ambos, especialmente en la educación y el museo.

Beatriz Sarlo -escritora y crítica cultural argentina- menciona que "el libro de Joaquín George acerca de la Biblioteca Vigil de Rosario se sostiene en una investigación muy interesante que da perspectivas y datos que, por lo menos yo, desconocía. Es, con pleno derecho, la historia cultural y, en segundo lugar, política, de una institución muy importante; y los materiales documentales están presentados con gran sensibilidad".

Neste artigo reconstruímos brevemente a trajetória de Oscar Conti (Oski), desenhista, humorista gráfico e ilustrador argentino. Essa reconstrução visa sublinhar algumas características particulares de nosso sujeito que tem relação com seu estilo gráfico, tributário de uma grande cultura visual. Analisamos tal estilo sob o conceito de cultura visual, tentando traçar a sua particular mistura de imagens , tanto da “alta” como da “baixa” cultura. Da mesma maneira, examinamos a da narrativa de Oski sob a ótica das imagens individuais. Finalmente, nos detemos na colaboração entre Oski, Fernando Birri e León Ferrari no filme La primera fundación de Buenos Aires, procurando analisar a forma como os cineastas animam uma pintura estática de Oski. Como coexistem diversas imagens que são parte de sua cultura visual? Como se combinam imagem e narrativa na sua obra? De que modo a narrativa se desdobra através da montagem no filme? Estas são algumas questões para as quais buscamos respostas.

La obra artística y poética de Cecilia Vicuña se ha caracterizado por encarnar el acto de tejer en distintos medios, volviéndolo un acto político metafórico y tangible de resistencia. Tomando a la instalación multimedia Quipu desaparecido (2018) como caso de estudio, este ensayo propone acercarse a la producción de Vicuña como un gesto re-parador, un impulso textil ecológico que entrelaza la cosmovisión andina y una sensibilidad espacial multi-sensorial.//
The visual and poetic work of Cecilia Vicuña has been characterized by incarnating the act of weaving through diverse media, turning it into a political act of resistance. Taking the multi-media installation Disappeared Quipu (2018) as a case study, this paper proposes approaching Vicuña’s work as a re-pairing gesture, an ecological textile impulse that interlaces the Andean cosmovision with a multisensorial spatial sensibility.

(note by the author: this version of the text has some typos. It should say Senga Nengudi, soft sculpture).

Lolo y Cia. Un paseo por la gráfica y los textos de Oswaldo Mora Anda, es un nuevo artículo de Diego Paúl Villavicencio Ordóñez, aparecido en la Revista Suridea N.44 de junio 2022.
Aquí se analizan los antecedentes históricos de la gráfica en Ecuador y la relación hacia la producción del cómic "Lolo y Cia" del artista Oswaldo Mora Anda (Loja, 1942 - 2019).
El proceso de producción del cómic se mostró en "Gráfica y textos" exposición póstuma del artista, realizada en la Sala Ángel Rubén Garrido en 2020. Esta muestra fue curada por Diego Villavicencio.

El siguiente ensayo destaca una serie de artistas y sus obras que hacen parte dentro de lo que he llamado Los otros realistas de la generación de los noventa. Dicha denominación pone en evidencia el arte acción y el performance durante dos décadas en Colombia: 1990-2010. La relación entre arte y política es fundamental en las propuestas de estos artistas en el que claramente el cuerpo deviene ese lugar fundamental que encarna las tensiones sociales de nuestro tiempo. Sus obras son una respuesta contundente a una situación social y política donde los derechos fundamentales de los ciudadanos se ven atacados.

Durante la realización del trabajo de campo de mi tesis doctoral sobre el proceso de Chilenización en la precordillera, surgieron una serie de interrogantes relativas a la cultura e identidad socoromeña, y que no fueron abordadas en aquella oportunidad, pues el tema de estudio era la violencia y los cambios culturales. Algunos años más tarde, durante la ejecución del proyecto Fondecyt N° 11130024, dichas interrogantes volvieron a expresarse, pero esta vez en un espacio temporal más amplio, y cuyo análisis ha requerido de diversos antecedentes etnográficos e históricos, que me han permitido observar la continuidad y los vínculos ideológicos entre las expresiones rituales y la tecnología simbólica, que se expresan en los ritos de siembra, pre-cosecha y cosecha. Asimismo, se muestran en la vida cotidiana y en las labores culturales de las poblaciones indígenas de los Altos de Arica.

El calendario litúrgico y agrícola de los socoromeños, posee diversas manifestaciones religiosas y culturales que nacen en las interacciones culturales y económicas que afectaron a las poblaciones indígenas e hispanas, producidos desde mediados del siglo XVI en adelante. Dichas interacciones no solo están relacionados con el dialogo entre dos mundos y tradiciones culturales distintas, sino a cosmovisiones y concepciones de universo opuestas, que han traído como consecuencia una serie de apropiaciones y reinterpretaciones del legado hispano y que hoy las comunidades andinas consideran como propias y parte fundamental de su identidad y en algunos casos como una expresión genuina de origen indígena. En este contexto, debemos tener en cuenta que la cosmovisión andina se expresa desde la mitología, religión y ética, que va más allá de los valores económicos y que alcanza el nivel de los valores afectivos, humanos y religiosos, y que influyen en las formas de vida indígena, pues están en permanente dialogo con el espacio sagrado.

El sacerdote y antropólogo, Juan van Kessel, estima que las comunidades andinas desarrollan una convivencia de dialogo y reciprocidad, que las lleva a mantener una permanente interacción con el espacio sagrado, mundo humano y naturaleza. Por ello, la cosmovisión andina, es religiosa y tecnológica a la vez, pues el trabajo en las chacras, vida cotidiana y expresiones rituales, requieren de artefactos, técnicas y el despliegue de ritos o ceremonias, que en el caso de Socoroma se sintetizan en la palabra-acción “la costumbre”.

La representación ha sido inherente a las prácticas artísticas en general, es la condición del sentido en el arte, pues este se genera en las operaciones de referencialidad. Esta es la cuestión medular aquí: ¿puede el arte hoy pensar lo real? El artículo reflexiona el lugar de la representación en el arte, analizando obras de artistas chilenos, especialmente en relación a la fotoperformance.

Los planteamientos de este libro corresponden a un encuentro de investigadores y artistas realizado en al año 2003 en la Academia Superior de Artes de Bogota, ASAB. En él se abordan problemáticas fundamentales de las prácticas artísticas en el contexto de  nuestra sociedad de comienzos del Siglo XXI. El fenómeno artístico se pone en cuestión desde disciplinas como la estética, la etnografía, la historiografía, la musicología desde posiciones auto-reflexivas de algunos artistas acerca de sus propias prácticas de investigación y creación.

Desacatos responde a la necesidad de otorgar una nueva lectura a la escasa presencia en la colección del Museo Nacional de Bellas Artes (Chile) sobre la producción femenina, instalarlas al interior de un relato que considere el esquema de la subjetividad y la circulación del cuerpo, del discurso y del territorio político implícitos en sus procesos creativos y de difusión de obra. La selección se centra entre los años 1835 y 1938/39, considerando el primer retrato del que tenemos conocimiento de la que se menciona como una de las primeras pintoras chilenas, Paula Aldunate –realizado por Johann Moritz Rugendas. Asimismo, establece como punto de cierre la organización de la exposición femenina del MEMCH (Movimiento pro Emancipación de las Mujeres de Chile), cuya principal promotora fue la escultora Laura Rodig a partir de 1938.  Actividades femeninas fue realizada finalmente un año después y a tan solo cinco años de haber ganado el derecho a voto para las elecciones municipales. Durante esos 100 años de historia en femenino, las artistas chilenas generaron espacios de creación y reflexión en los que, a partir del cuerpo –artístico, físico y emocional– participan, transgreden y resisten al mismo tiempo.

En este artículo se analiza el proceso de construcción de Policarpa Salavarrieta (c.1796-1817) como uno de los principales lugares de memoria de Colombia. Conocida popularmente como “La Pola”, fue un personaje central en el relato de la Independencia de Colombia a partir de su fusilamiento en 1817 acusada de espionaje durante la restauración monárquica en la Nueva Granada. Una vez conseguida la independencia con la Batalla de Boyacá en 1819 y hasta el día de hoy no han cesado de producirse apropiaciones visuales y textuales que se analizan en este artículo, haciendo énfasis en los producidos en las celebraciones del centenario (1910) y bicentenario (2010) de la independencia.