Filme Ensaio

Nossa sociedade contemporânea manifesta-se cada vez mais por meio de produtos audiovisuais de características difusas e polifônicas, capitadas e circuladas por uma quantidade inimaginável de câmeras e telas. Ao mesmo tempo atribuímos cotidianamente uma funcionalidade apropriativa a estas imagens e sons, especialmente quando distanciamos a sua origem do seu destino, ou seja, sempre que retiramos os tipos audiovisuais do seu contexto particular e os ressignificamos com um novo sentido (Bernardet, 1999a, 1999b, 2000, 2004). Este novo significado pode ser derivado de uma expressão ensaística do sujeito que, partindo de uma manifestação subjetiva imbricada na experiência pública, decide pensar e agir com as imagens e sons (Corrigan, 2015). No cinema, este movimento de apropriação audiovisual, em direção à ressignificação, encontra terreno próspero na produção dos filmes de arquivo e no campo do filme-ensaio (Teixeira, 2015). Este entendimento está presente na produção coletiva dos médias-metragens São Paulo: Sinfonia e Cacofonia (1994), de Jean-Claude Bernardet, e São Paulo: Cinemacidade (1994), de Aloysio Raulino, Marta Grostein e Regina Meyer, filmes de arquivo que utilizam pedaços de outros filmes para construir as suas narrativas históricas e poéticas sobre a cidade de São Paulo. Partindo da análise fílmica, pesquisa documental e discussão bibliográfica, este trabalho identificou os processos de ressignificação das imagens de arquivo do audiovisual brasileiro que serviram de material primário para a produção destes filmes-ensaio, que se traduzem como expressões ensaísticas dos autores e autoras para compor uma paisagem cinematográfica representacional da cidade de São Paulo. Dessa forma, a montagem se apresenta como estratégia central para a produção de discursos audiovisuais que medeiam os pontos de vistas dos artistas, as imagens de arquivo e a liberdade do espectador em prolongar o poder de ressignificação do filme com outras imagens e sons do mundo. O trabalho reconhece também que as inscrições de subjetividades presentes em São Paulo: Sinfonia e Cacofonia (1994) e São Paulo: Cinemacidade (1994) contribuem para o registro atual destes filmes na arqueologia do filme-ensaio no Brasil.

O presente texto debruça-se sobre a obra do artista
plástico e cineasta Cao Guimarães, interessado
nos aspectos estéticos de seus trabalhos e suas
implicações políticas latentes. Nosso objetivo é
levantar os traços estilísticos mais recorrentes de
sua obra cinematográfica, por meio de uma análise
de conjunto dos filmes, os quais nos possibilitariam
comprovar as aproximações que a totalidade da
obra mantém com o filme-ensaio, para, por fim,
propormos a percepção da obra cinematográfica de
Cao Guimarães enquanto um cinema da superfície,
por crer que tal noção permita uma aglutinação entre
sua inflexão ensaística e as implicações políticas que
acreditamos ser um encadeamento desta.

Resumo: Provocados pelo brevíssimo episódio documental de Rachel Morrison na série da Netflix Homemade (Feito em Casa)-uma antologia de curtas-metragens produzida nas condições criadas pelo isolamento social ocasionado pela pandemia da Covid-19-esboçamos uma reflexão ensaística acerca do documentário contemporâ-neo brasileiro, borrado entre a visibilidade pornográfica e a etnográfica, na sociedade onde a evidência torna-se a própria transparência (Byung-Chul, 2017). Palavras-chave: documentário; transparência, pornografia; etnografia; pandemia; Byung-Chul Han. Resumen: A partir del muy breve episodio documental de Rachel Morrison en la serie de Netflix Homemade-una antología de cortometrajes producidos en las condiciones creadas por el aislamiento social causado por la pandemia de Covid-19-esbozamos un ensayo sobre el documental brasileño contemporáneo, difuminado entre la visibilidad pornográfica y la etnográfica, en una sociedad donde la evidencia se convierte en auténtica transparencia (Byung-Chul, 2017). Abstract: From the very brief documentary episode of Rachel Morrison in the Net-flix series Homemade-an anthology of short films produced in the conditions created by the social isolation caused by the pandemic of Covid-19-we outline an essay about contemporary documentary Brazilian, blurred between pornographic and eth-nographic visibility, in a society where evidence becomes transparency itself (Byung-Chul, 2017). Résumé : Provoqué par le très bref épisode documentaire de Rachel Morrison dans la série Netflix Homemade-une anthologie de courts métrages produits dans les conditions créées par l'isolement social causé par la pandémie de Covid-19-nous esquissons une réflexion sous forme d'essai sur le documentaire brésilien contemporain, brouillé entre visibilité pornographique et ethnographique, dans la société où l'évidence devi-ent transparence elle-même (Byung-Chul, 2017).

Mais de uma década separam os filmes Santiago (2006) e No intenso agora (2017), de João Moreira Salles. Apesar do distanciamento temporal, ambos compartilham o gesto ensaístico sobre as imagens de arquivo. A proposta deste artigo funda-se no cotejo entre os dois filmes, estabelecendo suas interlocuções, suas aproximações, mas também seus distanciamentos, de modo a examinar como essas imagens interpõem camadas que se abrem para uma política mnemônica que transita entre o íntimo e o social.

Palavras-chave: documentário; filme-ensaio; imagens de arquivo; João Moreira Salles.

RESUMO: Graças aos avanços e a popularização dos meios de captação audiovisual que aconteceram nas últimas décadas, a produção de documentários em primeira pessoa apresentou lato crescimento nos últimos anos. Por seu caráter egocêntrico centrado na vida pessoal de seus realizadores, esse tipo de filme é constantemente alvo de acusações e deslegitimação. Mas não pode o relato em primeira pessoa transcender a experiência individual? Seriam esses filmes necessariamente narcisistas e supérfluos? Falar de si mesmo é político? Partindo de algumas reflexões sobre o filme-ensaio e o documentário em primeira pessoa, esse artigo se propõe a fazer uma análise do curta-metragem brasileiro Virgindade (Chico Lacerda, 2015). Pretende-se assim apontar como o uso estrutural da obra fílmica produz um discurso que constrói uma certa memória utópica queer, como proposta por José Esteban Muñoz. PALAVRAS-CHAVE: cinema queer; filme-ensaio; memória; política. Abstract: Thanks to the improvements and popularization of the new medias of audiovisual recording that happened in the last few decades, the production of first-person documentaries displayed a great boost over the last years. By virtue of it self-centered nature, focusing in the private life of the filmmakers, this kind of film is an unswerving target of accusations and devaluation. But cannot the first-person narration to surpass the individual experience? Are these films necessarily narcissistics and superfluous? Talk about oneself is political? Based on some theories about the essay film and the first-person documentary, this essay proposes to make an analysis of the Brazilian short film Virgindade (Chico Lacerda, 2015). The aim is to point out how the structural use of the filmic work creates a discourse that builds a certain queer utopian memory, as proposed by José Esteban Muñoz. Resumen: Debido a los avanzos y a la popularización de los medios de captación audiovisual que ocurrieron en las últimas décadas, la producción de documentales en primera persona presentó un amplio crecimiento en los últimos años. Por su carácter egocéntrico centrado en la vida personal de sus realizadores, este tipo de película es constantemente objetivo de acusación y deslegitimación. ¿Pero no puede el relato en primera persona trascender la experiencia individual? ¿Serían estas películas necesariamente narcisistas y superfluas? ¿Hablar de si mismo no es político? Partiendo de algunas reflexiones sobre la película-ensayo y el documental en primera persona, este artículo se propone a analizar el corto metraje brasilero Virgindade (Chico Lacerda, 2015). Así se pretende apontar como el uso estructural de la obra fílmica produce un discurso que construye una cierta memoria utópica queer, como propuesto por José Esteban Muñoz.

O presente artigo pretende refletir sobre os possíveis desdobramentos e/ou efeitos gerados pelo uso da fotografia fixa, enquanto material de composição, na feitura de um filme-ensaio. Partimos do pressuposto que a presença da foto na tela de cinema é capaz de gerar um efeito de suspensão no ritmo do filme. Por meio desse congelamento temporal é possível que o espectador se desvencilhe, ao menos em parte, do fluxo narrativo e se permita pensar no cinema. Por tal perspectiva, pretendemos realizar uma análise fílmica do curta-metragem A festa e os cães (Leonardo Mouramateus, 2015), para, enfim, propor que o uso da imagem fixa no filme-ensaio, em particular, para além de reforçar a convocação deu um " espectador pensativo " , é capaz de gerar uma " imagem pensativa ".

Palavras-chave: Filme-ensaio. Fotografia. A festa e os cães (filme).

Coordenadora do número
autora da apresentação
autora do artigo Já visto jamais visto: devir memória ou a potência histórica na escrita de si
e tradutora do texto Identidade em deslize: o registro autrobiográfico na obra de Chantal Akerman, de Alisa Lebow

Resumo Avaliando a potência designada à voz em assumir o papel de materializadora da intenção reflexiva exigida pelo filme-ensaio, o presente artigo visa ponderar seus possíveis comportamentos dentro de tal domínio. Questiona-se o que aglutina os conceitos de voz metacrítica (RASCAROLI, 2009), voz heteroglóssica (LUPTON, 2011) e voz pneumática (SIEREK, 2007) fundados em torno à voz-over ensaística. Adensamo-nos em torno a noção de que três conceitos tão distintos de uma mesma voz denunciam seu caráter metamórfico e, desse modo, materializa o desejo de pensamento em fluxo.

Abstract -  Evaluating the power assigned to the voice in assuming the role of materializing the reflexive intention required by the essay film, the present article aims to consider its possible behaviors within such a domain. It is questioned what brings together the concepts of metacritical voice (RASCAROLI, 2009), heteroglossic voice (LUPTON, 2011) and pneumatic voice (SIEREK, 2007) based around the essay voice-over. We are drawn to a notion that three concepts so distinct from the same voice denounce their metamorphic character and thus materialize the desire for flowing thought.

Esse artigo é uma reflexão sobre o método de filmagem do cineasta canadense-suíço Peter Mettler, que tem como base uma postura de abertura e disponibilidade às pessoas e aos lugares, em um elogio à experiência, à intuição, ao acaso e ao improviso. Para tanto, parte-se da análise do documentário Eastern Avenue (1985), cuja realização é um reflexo dessa forma de se fazer cinema, que vai na contramão de uma certa teoria e prática tradicionais que ditam limites e regras que acabam por valorizar a palavra em oposição à imagem e ao som. Para a discussão sobre essa dicotomia entre intelecto e sensação, conta-se com os pensamentos de Anne Rutherford, Vivian Sobchack e Hans Ulrich Gumbrecht, que buscam superar essa dualidade ao propor um reequilíbrio entre o pensamento racional e o papel do corpo na percepção e na produção de conhecimento na nossa vida.

Nesta entrevista, a pesquisadora e professora Manuela Penafria (Universidade da Beira Interior, Portugal) expõe o cenário atual da abordagem Teoria dos Cineastas, destacando a pertinência de renovar a teoria do cinema a partir do pensamento expresso nas imagens, nos sons e nas palavras de cineastas. Penafria discute uma série de temas relevantes à pesquisa e à teorização em cinema, tais como: as fontes de pesquisa; a diferença entre a palavra e a imagem na Teoria dos Cineastas; a relação da Teoria dos Cineastas com a pesquisa de Jacques Aumont sobre as teorias dos cineastas; o conceito de espectador que circula entre cineastas; e a suspeição que pode surgir no meio acadêmico com relação à Teoria dos Cineastas.

Resumo: Desde os anos de 1990, observamos uma crescente atenção para o filme-ensaio em reflexões conceituais elaboradas por teóricos do cinema. Quando nos debruçamos sobre a literatura produzida a respeito do assunto percebemos que o foco dos pesquisadores é dedicado ao desenvolvimento de análises que privilegiam abordagens visuais, literárias e filosóficas. Teorias e estudos específicos que evidenciam os aspectos sonoros (o discurso verbal e o musical) no âmbito do filme-ensaio se encontram de maneira escassa, desestabilizando o equilíbrio de forças entre a imagem e o som. Essa condição pode ser verificada nos estudos e análises sobre os filmes feitos com materiais de arquivo (found footage) em que de maneira geral a abordagem é feita pelo viés imagético. A partirde uma revisão crítica e análise dos filmes LBJ (1968), de Santiago Álvarez e Nuit et brouillard (1955), de Alain Resnais, o trabalho discute particularidades e nuances de sonoridades advindas de materiais de arquivos. Dessa forma, apresentam-se argumentos para a conceituação dos sons found footage,que corroboram para a formação do filme-ensaio refletindo sobre questões de ordem estética valorizando a riqueza e a diversidade de sua vasta produção em âmbito mundial.
Palavras-chave: Filme-ensaio; Found footage; Sons de arquivo; Apropriação.

Abstract: Since the 1990s, there has been increasing attention to the essay-film in conceptual reflections developed by film theorists. When one looks at the literature produced on the subject one notices that the focus of the researchers is dedicated to the development of analyzes that favor visual, literary and philosophical approaches. Theories and specific studies evidencing the sound aspects (verbal and musical discourse) within the essay-film are scarce, destabilizing the balance of forces between image and sound. This condition can be verified in studies and analyzes of films made with archival materials (found footage) in which, in general, the approach is made through the imagery field. Based on a critical review and film analysis LBJ (1968) by Santiago Álvarez and Nuit et brouillard (1955) by Alain Resnais, the work discusses particularities and nuances of sonorities from archival materials. Thus, arguments are presented for the conceptualization of found footage sounds, that corroborate for the formation of the essay-film reflecting on aesthetic issues, valuing the richness and diversity of its vast production worldwide.
Keywords: Essay-film; Found footage; Archive sounds; Appropriation.

Este artigo se debruça em torno da forma do filme-ensaio, investigando como ela modula e insere a inscrição do tempo, da memória e da história na imagem fílmica. Para tanto, retomamos as teses de Corrigan (2015) sobre o filme-ensaio, ao pensamento de Rancière sobre a obra de Chris Marker e suas ideias sobre o político e o comum, às reflexões de Foucault (2016) acerca do documento e ao trabalho de Lapoujade (2015) sobre o político a partir de Deleuze.  Temos como objetos principais os filmes Sem sol (1983) de Chris Marker; Sobrenome Viet Nome Próprio Nam (1989) de Trinh T. Minh-ha; As I was moving ahead when ocassionally I saw brief glimpses of beauty (2000), de Jonas Mekas.

Objetiva-se investigar os desdobramentos da adoção de uma linguagem ensaística em filmes que giram em torno do contexto familiar dos realizadores. Partimos da hipótese de que a linguagem ensaística assumida pelas obras opera uma dupla transformação nos filmes de família, enquanto arquivos originais: por um lado, estrutura-os narrativamente, ressignificando-os; e, por outro, converte a natureza íntima e privada dessas imagens em parte de um filme de projeção pública. Pretende-se analisar Otto (2012) e Elena (2012) para, por fim, sinalizar que se por um lado Elena nos revela como ressignificar a vida por meio da morte, Otto faz o movimento inverso, ressignifica-a por meio do nascimento.