Arts décoratifs

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=A8Vac77Gfeg

HAL:

IMMEUBLE DE LÉON JAUSSELY, dit Hall de la Dépêche du Midi à Toulouse,  42 bis rue d’Alsace Lorraine, 15 rue Rivals, création 1926 – 1932.

IMMEUBLE DE BUREAUX / DE RÉGIE DE PRESSE
Immeuble commercial, avant Nature & Découverte, actuellement Orange télécom.

Un immeuble à la façade Art déco, revêtue de céramiques bleues.
L’édifice est construit entre 1926 (date du permis de construire) et 1932, par l’architecte Léon Jaussely.
- un plan en L
- un sous-sol,
- un rez-de-chaussée
- des étages
- deux porches
- des logements à l’origine,
- À l’origine de larges vitrines destinées à la présentation des publications de La Dépêche.

La façade sur la rue d’Alsace est entièrement ornée de mosaïques signées Alphonse Gentil et François Eugène Bourdet, produisant les décors de mosaïques pour des réalisations dans des stations thermales comme Vichy et Aix-les-Bains. On notera les deux plus belles réalisations des artistes avec les décors de la Société Générale à Paris en 1912 et pour l’exposition coloniale parisienne, les décors du Musée des Arts Africains et Océaniens en 1931.

Léon Jaussely (1875-1932), toulousain, est un spécialiste des plans d’extension et d’aménagement des grandes villes, il est appelé comme architecte pour réaliser la porte d’entrée de l’exposition régionale Toulouse-Barcelone. 

Grand prix de Rome en architecture à l'âge de 28 ans.
Consulté pour les plans du Grand Berlin, Ankara, l'extension de Paris, de nombreux plans d'aménagement et d'embellissement de villes Toulouse, Tarbes, Pau, Grenoble, Carcassonne, Vittel...

OFFICE / PRESS MANAGEMENT BUILDING Commercial building, before “Nature & Découverte”, currently Orange Telecom.

A building with an Art Deco facade, clad in blue ceramics.
The building was built between 1926 (date of the building permit) and 1932, by the architect Léon Jaussely.
- an L-shaped plan
- a basement,
- on the ground floor
- floors
- two porches
- original housing,
- At the origin of large display cases intended for the presentation of La Dépêche publications.
The facade on the rue d'Alsace is entirely decorated with mosaics by Alphonse Gentil and François Eugène Bourdet, producing mosaic decorations for works in spas such as Vichy and Aix-les-Bains. We will note the two most beautiful achievements of the artists with the decorations of the Société Générale in Paris in 1912 and for the Paris colonial exhibition, the decorations of the Museum of African and Oceanic Arts in 1931.
Léon Jaussely (1875-1932), from Toulouse, is a specialist in the extension and development plans of large cities, he is called as an architect to realize the front door of the Toulouse-Barcelona regional exhibition.
Grand Prix de Rome in architecture at the age of 28.
Consulted for plans for Greater Berlin, Ankara, the extension of Paris, numerous development and beautification plans for cities Toulouse, Tarbes, Pau, Grenoble, Carcassonne, Vittel ...

https://www.youtube.com/watch?v=A8Vac77Gfeg

« La France, maîtresse de maison »: cette expression, tirée d’un vade mecum du ministère des Affaires étrangères, résume la tradition d’accueillir avec attention sur le territoire national les dirigeants étrangers pour quelques jours. Généralisées à partir de la seconde moitié du XIXe siècle, ces visites d’État, au sommet du protocole diplomatique, imposent – entre les entretiens bilatéraux, les dîners officiels, les discours et les visites culturelles – que la République assure le logement de ses hôtes dans des résidences alliant prestige, sécurité et confort. À partir de 1959, par décision du général de Gaulle, ce rôle est dévolu au Grand Trianon. Si la renaissance du palais de marbre rose dans les années 1960 est bien connue – notamment grâce à l’ouverture en 1999 par décision de Jacques Chirac de l’aile de Trianon-sous-Bois, autrefois attribuée à la présidence de la République, et à l’exposition « Un président chez le Roi » en 2016 – les aménagements réalisés dans l’aile sud afin de recevoir les chefs d’État n’avaient, jusqu’à présent, jamais été remis en lumière .

Nous proposons au lecteur de (re)découvrir les œuvres et la carrière d’une sélection d’artistes, envisagées sous le prisme de la question des femmes dans la création en verre. De l’émergence des premières créatrices à l’épanouissement des femmes verriers au cours des décennies 1980 et 1990, quatre chapitres sont dédiés à ces « portraits » d’artistes. Le premier se concentre sur les différents aspects de la création en verre féminine de la fin du XIXe siècle aux années 1950, avant de se pencher sur les premières femmes artistes verriers qui émergent après-guerre et jouent un rôle pionnier dans la création en verre contemporaine. Le second s’intéresse à la génération issue de la mise en place de formations dans les écoles supérieures d’art aux Etats-Unis et en Europe et met en évidence l’impact crucial de l’éclosion de ces formations sur l’essor des femmes dans le milieu verrier au cours des années 1970 et 1980. Les troisième et quatrième chapitres sont dédiés à deux scènes artistiques spécifiques. Tout d’abord : la scène française. Elle est la mieux représentée dans la collection du Musée des Arts Décoratifs et se prête ainsi à un panorama – non exhaustif pour autant – des multiples facettes de la création en verre féminine en France de la seconde moitié des années 1970 à aujourd’hui. C’est par le cas de Murano, où la création s’intègre à une tradition verrière internationalement réputée, que s’achève notre parcours dans la collection du musée. Le cinquième et ultime chapitre est consacré aux différents regards portés sur la création en verre féminine et sur les réflexions suscitées par l’essor des femmes dans le milieu verrier. C’est à travers leurs analyses que nous apporterons nos propres éléments de réponses aux questions soulevées au fil de cette étude.



N.B. : Les entretiens avec les artistes et questionnaires ont été retirés du volume d'annexe mais restent accessibles sur demande / Artists interviews and questionnaires are available on request.

Dans les arts visuels de la période moderne, décor et architecture ne sont pas appréhendés séparément mais se complètent, voire se recoupent. L'ambition de ce recueil consiste, par des études inédites, à interroger les liens qu'entretiennent ces deux champs dans l'Europe des XVIe , XVIIe et XVIIIe siècles. La perspective adoptée est large : les contributions abordent tant les productions princières que privées ou ecclésiastiques, dans de nombreuses zones géographiques. La variété des approches méthodologiques et l'abondance des sources historiques permettent de mieux cerner les rapports entre théories et pratiques, hors de tout système prédéfini, et d'explorer les prérogatives des nombreux acteurs impliqués dans l'élaboration et la conduite d'un chantier.

Nous proposons au lecteur de (re)découvrir les œuvres et la carrière d’une sélection d’artistes, envisagées sous le prisme de la question des femmes dans la création en verre. De l’émergence des premières créatrices à l’épanouissement des femmes verriers au cours des décennies 1980 et 1990, quatre chapitres sont dédiés à ces « portraits » d’artistes.

Le premier se concentre sur les différents aspects de la création en verre féminine de la fin du XIXe siècle aux années 1950, avant de se pencher sur les premières femmes artistes verriers qui émergent après-guerre et jouent un rôle pionnier dans la création en verre contemporaine. Le second s’intéresse à la génération issue de la mise en place de formations dans les écoles supérieures d’art aux Etats-Unis et en Europe et met en évidence l’impact crucial de l’éclosion de ces formations sur l’essor des femmes dans le milieu verrier au cours des années 1970 et 1980. Les troisième et quatrième chapitres sont dédiés à deux scènes artistiques spécifiques. Tout d’abord : la scène française. Elle est la mieux représentée dans la collection du Musée des Arts Décoratifs et se prête ainsi à un panorama – non exhaustif pour autant – des multiples facettes de la création en verre féminine en France de la seconde moitié des années 1970 à aujourd’hui. C’est par le cas de Murano, où la création s’intègre à une tradition verrière internationalement réputée, que s’achève notre parcours dans la collection du musée. Le cinquième et ultime chapitre est consacré aux différents regards portés sur la création en verre féminine et sur les réflexions suscitées par l’essor des femmes dans le milieu verrier. C’est à travers leurs analyses que nous apporterons nos propres éléments de réponses aux questions soulevées au fil de cette étude. N.B. : Les entretiens avec les artistes et questionnaires ont été retirés du volume d'annexe mais restent accessibles sur demande / Artists interviews and questionnaires are available on request.

La première moitié du XVIIIe siècle, fut une remise en cause violente et virulente de la tradition vitruvienne, qui ne manqua pas de déchainer les critiques.
Le nouveau répertoire ornemental, mouvementé, sans contours ni noms précis, qui se développe alors, la "Rocaille", fut marqué par une spontanéité d’inspiration libérée de toute règle formelle et par la liberté, sous toutes ses formes.
Ses créateurs vont ainsi chercher leur source d’inspiration dans la Nature : monde végétal (feuillages, palmettes, fleurs, etc.), monde minéral (coquilles et coquillages, volutes déformées, roches, mousses, écumes, etc), et monde animalier (poissons, dauphins et oiseaux, singes, etc.)…
L’objet de cette communication sera de questionner la mise au point et l’évolution de ce nouveau répertoire ornemental, puisant son inspiration dans la Nature, proche, mais aussi lointaine, voire fantasmée .

Os "interiores autênticos", aqueles que ainda se conservam intactos ou muito próximos da sua criação original, são raríssimos nas casas senhoriais portuguesas. Mesmo esses, dizem quase sempre respeito a edifícios dos séculos XIX e XX, contando-se pelos dedos os interiores ainda preservados do século XVIII. À excepção de alguns "ex-votos", normalmente de reduzido valor iconográfico, são também praticamente inexistentes as representações de interiores civis portugueses, ao contrário do que acontece na maior parte dos países da Europa. As fontes documentais – os inventários de bens, as descrições e as memórias dos membros das famílias – são por isso elementos fundamentais para a reconstituição desses interiores.

O fascínio do Oriente foi uma das vertentes mais curiosas do gosto pelo exótico – uma tendência em todo o mundo ocidental que também se fez sentir em Portugal durante o século XIX, nomeadamente na cidade de Lisboa.
Pouco resta dos traços desta verdadeira moda, que levou à criação das chamadas “salas chinesas” em muitos dos palácios lisboetas de oitocentos. Mas o levantamento que temos vindo a realizar no âmbito do projecto “A Casa Senhorial em Lisboa e no Rio de Janeiro (sécs. XVII a XIX). Anatomia dos Interiores” permitiu-nos identificar (e, esperemo-lo, talvez salvaguardar) algumas dessas salas, concebidas entre os finais de setecentos e o último quartel do século XIX, tanto em palacetes da nova aristocracia endinheirada como nos palácios da velha nobreza e até no real palácio da Ajuda.
Na decoração destas salas, que integravam os espaços de aparato dos palácios, foram utilizados materiais de inspiração oriental: papel de parede importado da China, pinturas de ”chinoiserie” a têmpera e a óleo em paredes e portas, estuques relevados e vazados ou sugerindo o entrançado do bambu, madeiras lacadas e sedas para revestimento de paredes e tectos. Alguns objectos, como espelhos pintados com motivos orientais, fogões de sala com motivos de “chinoiserie” e mesmo, no caso do palácio da Ajuda, uma colecção de porcelanas japonesas e contadores namban, fazem ainda parte da decoração original destas salas.
A sala chinesa do palácio da Ajuda, decorada na campanha de obras dirigida pelo arquitecto Possidónio da Silva em 1865, ao reunir uma colecção de objectos japoneses antigos oferecidos ao rei D. Luís, remete-nos para o apreço por um novo exotismo que na época se implantava na Europa e que pretendeu abrir caminho a novas soluções estéticas. A ”sala japonesa” do palácio do recém-nobilitado marquês de Vale-Flor, em Lisboa, decorada já na segunda década do século XX, é um exemplo tardio desse gosto pelo exótico oriental, que teve nas "salas chinesas" do século XIX a sua expressão mais significativa.

Paper for a seminar in MAHJ (Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme, Paris): "Les leçons de l'École de Paris".
June 17-18, 2021.
Conférence pour le colloque "Les leçons de l'École de Paris", au MAHJ, Paris.
17 et 18 juin 2021.

Presentation of three Jewish Women artists related to the "Ecole de Paris"in Paris between 1910 to 1940: a sculptor, a painter and a photographer, coming from Ukraine, Poland and Germany.
Their career paths, trainings,  difficulties, careers, art works and aesthetics in Paris between 1910 and 1940.

par Philippe PATER. — Ce "beau livre" s'adresse à la fois aux historiens, aux collectionneurs et amateurs d'ameublement, d'arts décoratifs et d'horlogerie. Il s'agit d'une étude inédite et incontournable.

Avec l’avènement de Charles de Lorraine (1712-1780) au poste de gouverneur général des Pays-Bas autrichiens, les arts et les sciences connurent dans le pays un important essor grâce aux mesures de soutien qui avaient été instaurées par l’autorité centrale, comme pour l’industrie et les entreprises manufacturières qui bénéficièrent de l’intérêt que leur portait la Cour. À Tervuren, le prince Charles fit bâtir des manufactures pour y faire produire des articles de luxe destinés à son propre usage. Veillant de très près à la bonne tenue de ses « laboratoires », il fit appel aux meilleurs artistes, artisans, scientifiques et mécaniciens de son temps.

Durant toute son existence, le prince éprouva une véritable fascination pour les techniques et les sciences appliquées, mais aussi pour les arts mécaniques, tels que l’horlogerie. Alors qu’il aimait se livrer à la pratique du tour lors de ses moments de dilettantes, il lui arrivait de procéder lui-même au réglage de ses pendules, et se plaisait à s’ingénier à dessiner des projets d’horloges hydrauliques, dont celui d’un automate. Fervent amateur de belle horlogerie, aucun de ses contemporains même les plus fortunés n’était parvenu à se doter d’une collection de montres et de pendules aussi importante que celle qu’il possédait. Elle comptait des noms illustres de l’horlogerie française, suisse, anglaise, autrichienne, hollandaise, mais également du pays.

Mariant préciosité, raffinement et complexité, la plupart des montres que possédait Charles de Lorraine étaient de véritables bijoux d’orfèvrerie et d’ingéniosité. Dans sa collection, le bronze doré d’ameublement tenait une place prépondérante, avec les pendules et les cartels, dont les boîtes étaient quasi toutes de facture française. Elles étaient l’œuvre de célèbres bronziers établis à Paris, un chapitre entier leur est consacré. Plusieurs des sujets abordés comportaient encore un grand nombre de zones d’ombre que le présent ouvrage a pour vocation de tenter de mettre en lumière.

Réalisé à partir des sources archivistiques inhérentes à Charles de Lorraine, le lecteur y trouvera un nombre substantiel d’informations inédites sur ses collections de montres, horloges et pendules, ses mécaniciens et tourneurs, ses physiciens et naturalistes, sur les horlogers qui ont travaillé pour le prince, mais également pour sa sœur Anne-Charlotte. Notons encore que cet ouvrage est complété de nombreuses photos inédites.
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Table des matières et détails sur http://www.safran.be/proddetail.php?prod=HIST10

La maison de poupées, en tant que dispositif, réunit deux caractéristiques principales : d’une part, elle met en scène un espace domestique qu’elle dévoile en faisant disparaître des façades ou des toitures et, d’autre part, elle implique la miniaturisation de cet espace. Depuis leur apparition en Allemagne au XVIe siècle jusqu’à leur incarnation récente dans l’univers des jeux vidéo, les maisons de poupées ont principalement rempli trois fonctions : didactiques, décoratives et ludiques. Après un bref survol historique présentant l’évolution des maisons de poupées à travers les siècles, il s’agira de voir ­comment des pratiques contemporaines dans les arts de l’image (roman graphique, photogra­phie, arts plastiques, cinéma, arts vidéoludiques) s’approprient ce dispositif pour le détourner de ses fonctions premières, voire les subvertir.


Au tournant du XIXe siècle a opéré une conjonction extraordinaire qui voit le mot « décoratif » cesser d’être un adjectif pour se nominaliser, en se chargeant des valeurs esthétiques les plus positives qui soient, tant du côté de la grande tradition classique, que de celle de l’avant-garde. A ce moment privilégié la catégorie du décoratif – englobant celle plus restreinte de l’ornement - s’installe en France dans une configuration nouvelle, « au centre d’un réseau où règnent l’imagination, la liberté, la forme. »* Si l’on veut saisir la transformation radicale advenue au XIXe siècle des notions de décoratif et d’ornement il faut commencer par s’écarter de la voie moderniste pour engager une réflexion sur la crise de la « modernité », métaphore de la « marge » et prétexte à interrogation sur le rôle de l’art dans la cité, dans le sillage du retour post-moderniste et en écho à la création contemporaine.

* Danièle Cohn, « L’ornement, un outil théorique ? La ceinture d’Aphrodite », dans : Patrice Ceccarini, Jean-Loup Charvet, Fréderic Cousinié et al. éd., Histoire d’ornements, (colloque, Rome, Académie de France), Paris, 2000, p. 11.

Il s’agit d’explorer ici un phénomène sociétal émergent qui se répand de manière virale outre-Manche alors qu’il est, à ce jour, relativement peu étudié par les spécialistes du genre. Le tatouage littéraire déplace le territoire du merveilleux, hors de son vecteur livresque traditionnel, sous une forme autre que celle du modèle cinématographique, vidéo ou numérique, en imaginant un nouvel espace qui permet d’inscrire le merveilleux à même la peau. Le tatouage littéraire n’est pas un phénomène récent en tant que tel ; la nouveauté est plutôt à chercher du côté de la nature des textes tatoués qui semblent provenir de plus en plus fréquemment du corpus de la littérature de jeunesse. Le succès des romans de J. K. Rowling n’est sans doute pas étranger à cette mode, si l’on en juge par le nombre de sites consacrés aux tatouages inspirés de la série Harry Potter. Le tatouage littéraire merveilleux peut se manifester sous forme de citation, célèbre ou cryptique, référencée ou pas. Quels sont donc les textes de littérature de jeunesse les plus communément tatoués ? S’agit-il de textes récents ? Que peut-on en conclure sur le renouveau de la culture de jeunesse contemporaine ?

L'importance des documents conservés dans l'atelier de l'artiste polyvalent Géo De Vlamynck (1897-1980) formé à l'Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles, et qui œuvra au rayonnement des arts décoratifs en Belgique au début du XXe siècle, ainsi que les multiples aspects de sa production, riche et variée et le désir de ses héritiers de publier un catalogue raisonné de son œuvre sont à l'origine de cette publication.

Cet ouvrage conçu en deux parties aborde en premier lieu la peinture murale et analyse les œuvres qui sont à l' origine de la démarche de Géo De Vlamynck (1919-1924): production d'avant-guerre (1924-1935) où peinture et architecture sont intimement liés, ce qu'illustrent notamment le "Christ en croix entre deux moniales" à Cordemoy (1933) ou le Pavillon du Verre d'Art élaboré, en collaboration avec son élève Nicolas de Staël, dans le cadre de l'Exposition universelle de Bruxelles de 1935 ; production des années 1935 à 1950 ("La peinture murale entre parenthèses'"), qui traite d’œuvres réalisées sur papier humide, les "fresques de chevalet" ainsi que de quelques réalisations sur toile ; enfin, production d'après-guerre (1950-1957) centrée sur la peinture réalisée pour l'Athénée de Welkenraedt "L'Homme dans l'humanité". Quant au chapitre dédié à l'étude des mosaïques, il livre, entre autres, une description détaillée des Naïades du bassin de natation de Schaerbeek.

Décor et architecture appartiennent à la catégorie des notions diffuses, incessamment débattues, réévaluées et reformulées. Les rapports que ces champs entretiennent l’un avec l’autre, souvent conflictuels, échappent à toute définition simple. Notre ambition consiste à interroger la manière dont ces relations ont été pensées et éprouvées dans l’Europe des XVIe, XVIIe et XVIIIe siècles, à une période où les discours et les formes élaborés en Italie au XVe siècle sont largement diffusés et s’enrichissent d’interprétations nouvelles. Comment ces rapports contribuent-ils à définir respectivement décor et architecture ? Comment décor et architecture, au travers de ce qui à la fois les relie et les sépare, les unit et les disloque, se renforcent ou se fragilisent-ils mutuellement ? En d’autres termes, pour reprendre un concept de la philosophie derridienne, comment approcher l’espacement qui les travaille ? Afin de bien asseoir notre projet, il convient d’examiner les fondements théoriques de ce système fluctuant et erratique, mais aussi de comprendre comment l’histoire de l’art l’appréhende et l’instrumentalise, ou l’ignore.

This essay focuses on developments in Parisian (Gobelins) and Beauvais tapestry between 1683 and 1715. By following a chronological narrative – one that shuttles between Paris and Beauvais (1682-1691 and 1691-1715) – it highlights three
aspects which have never received proper attention or emphasis: the continuity in the policy of the directors of the manufactories; the close crosscurrents between Paris and Beauvais; the area of tension between the royal agenda on the one hand and private entrepreneurship on the other. The success of the Beauvais manufactory in the late 1680s and 1690s, which can be credited to the business and artistic acumen of Philippe Behagle, plays a pivotal role in the analysis. The essay thus stresses the importance and possibilities of an inclusive approach to French tapestry – an approach that goes beyond the French king and illustrious painters and tapestry designers to include the economics of tapestry.

Cette journée d'étude propose de jeter un regard oblique sur Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) à travers ses conférences, ses rapports à l'ornement et la circulation de ses motifs, touchant ainsi aux questions de répétition et d'autorité. De ses conférences à l'Académie à son rôle de directeur de la manufacture de Beauvais et d'inspecteur de celle des Gobelin, des cours de dessins qu'il donne au prince Frédéric à sa réapparition en art contemporain, l'œuvre et la fortune critique d'Oudry permettent de réfléchir aux rapports entre peinture et ornement dans l'art français du dix-huitième siècle. Plus largement, c'est la présence lacunaire d'Oudry dans les discours de l'histoire de l'art qui sera interrogée en ce qu'elle peut révéler des méthodes et de l'état de la discipline. En effet, en dépit d'un œuvre foisonnant et d'une carrière académique prestigieuse, Oudry n'a pas reçu l'attention muséographique et critique continue dont bénéficient Watteau, Boucher, Chardin ou Fragonard, en plus d'avoir échappé au renouveau des études sur l'art rococo dans le monde anglo-saxon. Les chercheurs européens et nord-américains invités proposent donc, au-delà des canons de sa peinture animalière, de revoir Oudry dans les marges de la discipline.

Décors floraux & leurs sources d'inspiration. Ce n'est pas dans les jardins qu'il faut aller chercher l'identification des décors floraux que l'on trouve sur les faïences XVIII eme , mais au bord des chemins et dans les bois. Les peintres sur faïences Marseillais ont pu s'inspirer des planches botaniques que l'on trouve sur de grands herbiers réalisés du XVIe au XVIIIe, décorés par des illustrateurs qui ont travaillé d'après nature, soit sur le terrain ou en atelier sur des plantes coupées, cela n'exclue pas que nos faïenciers aient pu travailler eux aussi d'après nature. Il faut savoir que dans la nature chaque plante est associée à un ou plusieurs insectes, de leur association dépend leur survie. Comme dans la nature, nos décorateurs les ont associés sur les faïences.

Les planches d'ornements rocaille, souvent regroupées en suites, soulèvent de nombreuses questions sur leurs destinations. Elles jouèrent pourtant un rôle important, par leur large diffusion, leurs rééditions.... comme vecteur, peu onéreux, de propagation des inventions (formelles ou ornementales), destiné aux ateliers des artisans et de manufacturiers. Et se révélèrent, de surcroit, un véritable fer de lance de la mode et de l'évolution du goût.

Les arts décoratifs s'invitent dans la recherche proustienne. En 2013 paraissait Marcel Proust et les arts décoratifs sous la direction de Boris Gibhardt et Julie Ramos [1], dont les contributions envisageaient plusieurs aspects du décoratif dans l'univers proustien, du japonisme aux Ballets russes. Le Rastaquarium de Sophie Basch propose une lecture érudite et inédite du « modern style » dans la Recherche, entre esthétique et politique. Avec cet ouvrage dense et précis, fourmillant de références culturelles et enrichi d'une très belle iconographie (en grande partie inédite), l'auteur nous plonge dans le bain du Rastaquarium, mot-valise forgé par Georges Maurevert (mais aussi revendiqué par Willy) censé résumer les deux traits essentiels de ce qu'on appelle alors le « modern style » : style sous-marin, style rastaquouère et cosmopolite. Le « modern style » ou les mirages d'un nom Tout commence avec l'Art nouveau, mouvement européen de renaissance des arts décoratifs qui prend racine dans les théories de William Morris, le mouvement Arts and Crafts qui en dérive et l'avant-garde belge [2]. En France, l'ouverture de l'« Art Nouveau » en 1895 par Siegfried Bing (Juif allemand naturalisé Français) cristallise les débats autour de la définition de ce que doit être un style français soustrait aux influences étrangères. Transnational « tout en exprimant des soucis distincts suivant les traditions vernaculaires, l'Art nouveau ne soulèvera que davantage la question des origines, à une époque taraudée par le cosmopolitisme » explique S. Basch (p. 38). Dans Le Côté de Guermantes, le narrateur s'amuse de ce qu'« en France on donne à toute chose plus ou moins britannique le nom qu'elle ne porte pas en Angleterre [3] ». La pique vise peut-être aussi le « modern style », création bien française qui n'a d'anglais que le nom, expression le plus souvent péjorative visant à souligner le caractère étranger d'un art décoratif dévoyé dont les détracteurs ne cessent de dénoncer les origines anglaises, belges ou allemandes. Objet labile et protéiforme, qui ne se confond pas (toujours) avec l'Art nouveau, le « modern style » déborde le champ esthétique pour désigner un phénomène de société, un air du temps, une mode… En 1900, un curé à bicyclette ou une valse peuvent être affublés de l'épithète « modern style » (p. 26). Ni véritablement un style, ni véritablement anglais, le « modern style » est un objet discursif qui circule entre les champs du savoir, dans les petites revues, la grande presse, les romans ou les pièces de théâtre. C'est là l'un des mérites de ce livre dont la bibliographie très fournie permet de rendre compte de la réception du « modern style » en la resituant au coeur des multiples tensions qui animent le tournant du siècle. De Londres à Munich… en passant par Balbec Proust, malgré le faible intérêt qu'il accorde à l'Art nouveau, est d'autant plus au fait des débats sur ses origines anglaises que son travail sur Ruskin le conduit dès 1905 à s'intéresser aux thèses de William Morris. S. Basch montre les biais et les méprises qui orientent sa réception des deux théoriciens tout en déployant subtilement le réseau des références à l'art décoratif anglais qui jalonnent l'univers de Proust, des meubles Maple [4] aux étoffes Liberty que Bloch, non sans ironie de la part du romancier, fait découvrir à Saint-Loup. La description de la célèbre chambre du Grand Hôtel de Balbec dont les bibliothèques vitrées reflètent la mer est le premier moment de la Recherche où apparaît l'adjectif « modern style ». L'étude génétique du passage permet à S. Basch de faire de Proust en eaux troubles Sophie Basch, Rastaquarium, Marcel Proust et le « modern style ». Arts décoratifs et politique dans À la recherche du temps perdu, Paris : Brepols, coll. « Le champ proustien », 2014, 192 p., EAN 9782503552538.

Esta comunicação, apresentada no II Congresso Internacional do Barroco (Porto, 2003), incide sobre um aspecto menos divulgado do percurso artístico do artista bolonhês Giuseppe Antonio Landi, conhecido em Portugal e no Brasil como António José Landi (Bolonha, 1713 - Belém do Pará, 1791). Embora mais conotado com projectos de arquitectura, o seu contributo para as artes decorativas foi igualmente importante, revelando, a par de uma adaptação à arte luso-brasileira, interessantes aspectos de transposição de modelos artísticos e decorativos de Bolonha para a longínqua Amazónia. [Texto inserido nas "Actas do II Congresso Internacional do Barroco", coord. de Fausto Sanches Martins, Faculdade de Letras da Universidade do Porto, 2003. Na internet em  http://ler.letras.up.pt/uploads/ficheiros/7514.pdf]

Contribution au catalogue de l'exposition "Histoires de photographies : les collections du Musée des Arts décoratifs", MAD Paris, avril-décembre 2021, sous la direction de Sébastien Quéquet.

https://madparis.fr/francais/musees/musee-des-arts-decoratifs/expositions/prochaines-expositions/histoires-de-photographies-collections-du-musee-des-arts-decoratifs/

Die jüngsten Forschungen des Salzburger Kunsthistorikers Franz Wagner zu Galanteriearbeitern, Diamantschneidern, Lackierern, Dosenmachern, Perlmutterarbeitern, Gelbgießern und Stuckverschneidern, Notizen zum Wiener Kunsthandwerk des 18. Jahrhunderts und eine Sammlung biografischer Daten zu den Porzellanmanufakturisten des 18. Jahrhunderts in Wien. Zum Andenken an Franz Wagner, ehemaliger Direktor des Salzburger Barockmuseums und Begründer der „Barockberichte“. Vorwort von Martin Hochleitner und Alexandra Hylla, Nachruf von Regina Kaltenbrunner. / Most recent research by Franz Wagner, art historian in Salzburg, on decorative arts and luxury wares produced in Vienna in the 18th century plus biographical notes on the manufacturers of Viennese porcelain. In memory of Franz Wagner, former director of Barockmuseum Salzburg and founder of the journal „Barockberichte“. Preface by Martin Hochleitner and Alexandra Hylla, obituary by Regina Kaltenbrunner.

"L’artiste & l’objet. La création dans les arts décoratifs et industriels de l’époque moderne à nos jours"

Le colloque est organisé par le Centre de recherche sur les économies, les sociétés, les arts et les techniques
CRESAT (EA 3436), en collaboration avec le musée du papier peint de Rixheim, et avec le soutien de
l’Université de Haute-Alsace, du Conseil régional d’Alsace, du Conseil général du haut-Rhin et de
Mulhouse Alsace Agglomération.

Order on website:

www.mediterranee-en-lumiere.com

Estelle Arielle Bouchet is an editor, writer and internationally renowned journalist specializing in Art, Costume, High End Jewelry and Fashion. She collaborates with magazines such as Uomo, Vogue, Vogue Italia, AD, World of Interiors, German Vogue, German ELLE, Marie-Claire, Elle Dubai, and GMT Lady. She has written and coordinated the texts of two Carnets de Voyage at Flammarion “Mes Carnets d’Égypte” and “Mes Carnets d’Italie”, drawings by Florine Asch. She graduated in Modern Literature from the Sorbonne, having completed her preparatory education at the École Normale Supérieure (Hypokhâgne and Khâgne). She is the mother of two sons, Nazem and Leonardo.





SECRET EGYPT

Secret Egypt tells the love story between a French woman and an Egyptian aristocrat: the love of a man, of a country, Egypt, and the love of a people, the Egyptians.
It tells the story of the birth of a son, Nazem Shah, to whom Estelle pays tribute in this book.
Author and journalist Estelle Arielle Bouchet gives an introductory tour of the Egypt in which she lived and loved. She uncovers a secret Egypt as witnessed by an insider, in the style of Lady Mary Montagu, exploring mysterious and secluded settings which transport the viewer to a world that is both beautiful and profound. A world where the legacy of the Pharaohs can still be felt.
Secret Egypt creates a space which is both timeless and impenetrable, just as a rebel fortress. It is the first book in a trilogy, which includes Secret Provence and Secret Italy, dedicated to her youngest son Leonardo, from the fledgling publisher Méditerranée en Lumière whose mission is to promote exchanges between the peoples and cultures of the Mediterranean.
The path of the heart opens the doors of knowledge and this journey to the heart of Oriental Femininity is yours to make.