Artes Y Literatura

La historia conceptual del tópico ut pictura poesis que ocupa este volumen se divide en tres partes, precedidas de la presente INTRODUCCIÓN y proseguidas de las páginas que cierran el trabajo a modo de CONCLUSIÓN. El primer capítulo, dedicado a la ANTIGÜEDAD CLÁSICA, está dividido en seis apartados que abarcan la historia del tópico desde la primera comparación del lírico griego Simónides de Ceos hasta los inicios del neoplatonismo de Plotino, que marcan en la historia de la estética el fin de la Edad Antigua y el inicio del Medievo. Este capítulo se inaugura con el propósito de contextualizar la comparación poético-pictórica de mayor antigüedad registrada en la cultura occidental, atribuida a Simónides por Plutarco e interpretada como símbolo de la transformación de una concepción oral de la poesía hacia una concepción escrita.

Seguidamente se hace hincapié en las comparaciones de la literatura y las artes plásticas de Platón y Aristóteles formuladas en sus tratados a la luz de los conceptos de mimesis, imago y ethos. Una vez comentadas las teorías interartísticas esgrimidas por los dos filósofos, se dará paso a una revisión de los conceptos estéticos y las clasificaciones de las artes discutidas por los gramáticos alejandrinos y de cuya síntesis emana la filosofía ecléctica de Cicerón. Más tarde, se realizará una aproximación al tratado Ars Poetica de Horacio, prestando especial atención al sentido de la máxima latina que da nombre al tópico ut pictura poesis y su vínculo con el concepto retórico de la enargeia o evidentia. También en este capítulo se ilustrarán las teorías interartísticas de Plutarco, Pseudo-Longino, Dion Crisóstomo y Luciano de Samósata, acompañadas por el estudio de la poética implícita en la literatura ecfrástica de los Filóstratos y Calístrato . Para cerrar los apartados de la sección se examinará brevemente los postulados estéticos más destacados de la filosofía de inspiración platónica desarrollada por Plotino, cuyo pensamiento marca el cambio de época con el inicio de la transición hacia el mundo medieval.
En el segundo capítulo se revisan las aportaciones a la comparación de literatura y artes plásticas de mayor peso en la EDAD MEDIA Y MODERNA, completando así la historia del tópico en nueve apartados.

Se inicia la sección con un comentario acerca de la teoría cristiana lumínica y su ligazón con el concepto de imago, de suma importancia para la comprensión de la comparación interartística en la Alta Edad Media que se consolida a la sombra de la filosofía mística de San Agustín. A continuación, se debatirá la conexión entre literatura y pintura establecida por los principales escolásticos medievales, realizando para ello un itinerario por las correspondencias señaladas por autores tales como Bernardo de Claraval o Guillermo Durando, pasando por el concepto de color rhetoricus presente en la Poetria Nova de Godofredo de Vinsauf, hasta terminar el recorrido con la reinterpretación del adagio de Horacio realizada por Cennino Cennini en el siglo XIV, que anticipa el parangón renacentista de poesía y pintura avivado por los tratados emblemáticos de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436) y Leonardo Da Vinci (Trattato della pittura, c. 1490).

Se examinarán acto seguido los principales fundamentos de la doctrina ut pictura poesis en el Renacimiento. En tales apartados se reúnen las aportaciones más destacadas de los humanistas italianos (Dolce, Lomazzo, Varchi, Mazzoni). También se aborda en este punto la figura de Gregorio Comanini y su tratado Il Figino, imprescindible para entender el desarrollo de la iluminación recíproca de las artes como doctrina estética en el siglo XVII y su proyección en el venidero pensamiento ilustrado. En contraste con las teorías de Comanini, se analizan las aportaciones relevantes acerca de la teoría interartística procedentes de la pluma de los poetólogos españoles más destacados del Siglo de Oro, tomando como referente ineludible la discusión mantenida en torno a la “pintura verbal” por los protagonistas del conocido diálogo Philosophía antigua poética de Pinciano. A su vez, se dedican diversos comentarios a la emblemática de Alciato y la iconología de Ripa por el modo en que estas favorecen la iluminación recíproca de las artes. En relación con las ilustraciones de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso por parte de los pintores del siglo XVII, se centra la atención sobre la formulación de la teoría de la hermandad de las artes, justificada por la aplicación pictórica de la preceptiva de las tres unidades dramáticas derivada de la poética clasicista italiana y francesa. Los dos últimos apartados que clausuran esta Historia conceptual del tópico ut pictura poesis, desde la Antigüedad grecolatina hasta finales de la Edad Moderna, afrontan las principales teorías interartísticas del siglo XVIII, cuyos máximos representantes son Edmund Burke y Gotthold Ephraim Lessing.

Como APÉNDICE de este recorrido historiográfico por la trayectoria del tópico ut pictura poesis se incluye un tercer capítulo centrado en el análisis del lugar común como praxis literaria en las distintas etapas del clasicismo. Consta de cinco apartados dedicados al estudio del tópico horaciano como motivo de composición y fuente fecunda de fenómenos y recursos vinculados a la imagen literaria: las pinturas verbales de escudos por parte de Homero y Hesíodo; la concepción de la poesía como monumento artístico en la Era augusta; el significado pictorialista del mito de Filomela y Progne en Ovidio y Aquiles Tacio; la recurrencia de la écfrasis y las alegorías en los romans medievales; así como el estudio de la concepción moderna de la écfrasis adelantada y desarrollada por Miguel de Cervantes en Don Quijote con la que se cerrará el trabajo.

La investigación-creación es una modalidad de investigación que, si se considera como un proceso institucionalizado, más allá de sus posibles precursores, es relativamente reciente. Desde el principio su definición era problemática,  y con el tiempo la discusión se ha vuelto más compleja, como puede verse, entre otros, en Pinson (2009) y Chapman y Sawchuk (2012). Si su descripción genera incertidumbres, es necesario intentar definirla de nuevo para, a la luz de la experiencia, despejar dudas o formularnos nuevas interrogantes sobre ella. Estas reflexiones se plantean desde la Universidad del Zulia, donde se aprobó en 2009 como “investigación-creación artística”. ¿Cómo se aprobó entre nosotros? ¿Fue suficientemente clara su caracterización y aceptación? Si no lo fue, ¿por qué sigue prestándose a confusión? ¿Cuáles son sus desafíos y problemas? ¿Cuáles son sus metodologías? ¿Es la obra de arte su única manifestación tangible? Finalmente se inquiere sobre la proyección de la investigación-creación en la Universidad del Zulia en el futuro inmediato.
Palabras clave: investigación-creación, Universidad del Zulia.

La tesis tuvo como propósito indagar, reconstruir e interpretar experiencias de formación en contextos de encierro que hayan resultado significativas y hayan permitido algún quiebre en la vida de las personas
detenidas, provocando reposicionamientos subjetivos y colectivos.
La estrategia de indagación fue cualitativa, en una vertiente narrativa y (auto)biográfica que vincula educación y narración a través de la reconstrucción de relatos de experiencia para comprender los modos
de decir y hacer, los procesos, las tácticas que pusieron en juego las personas que lograron interrumpir, resignificar y resistir el encierro.

En 1933 se publicó por primera vez El Santo de la Espada de Ricardo Rojas. Las siguientes reediciones buscaron distintas resoluciones para ilustrar una obra que rápidamente se convirtió en un éxito de ventas. Editorial Anaconda primero y después Losada, Kraft, y EUDEBA recurrieron a nombrados artistas para ilustrar el libro. La propuesta de este trabajo es indagar particularmente sobre la estampa que presenta a San Martín como “santo-caballero”; una litografía que utilizó Anaconda y Losada tanto para la tapa como para la portada. Se propone despejar la filiación iconográfica para poder establecer relaciones semánticas. La trama de sentidos ayuda a entender la tradición que inspiró esta imagen canónica de la biografía sanmartiniana escrita por Rojas.

RESUMEN: Un artista muestra en su obra los conocimientos adquiridos, tanto técnicos como culturales. Más aún en el barroco, gracias a su herencia humanística. Velázquez utiliza una serie de juegos lingüísticos que trascienden la palabra, adentrándose en el lenguaje de la imagen, donde metáforas, sinonimias e ironía aparecen con la misma fuerza que en las obras escritas. De tal manera, mediante la conjunción de sintagmas icónicos, crea sentencias semánticas, cargadas de un significado velado que tan solo está al alcance de algunos elegidos. Así lo prueban algunas de su más grandes pinturas, donde confirma con el tiempo una realidad estética y formal que tiene un fin único: mostrar el tema principal del cuadro bajo su estilo más singular y propio. PALABRAS CLAVE: Velázquez, pintura, barroco, lingüística, iconografía. TITLE: Velázquez, painter and scholar. Linguistic turns in "The Fable of Arachne" ABSTRACT: An artist shows his acquired knowledge in his work, both technical and cultural, especially in the Baroque, thanks to its humanistic heritage. Velázquez uses a series of linguistic games that go beyond the words and get into the language of the image, where metaphors, synonyms and irony appear with the same strength as in written works. In this way, through a combination of iconic phrases, the artist creates semantic judgments with a veiled meaning, only to be understood by the best ones. All these qualities are shown in some of his greatest paintings, in which Velázquez confirms an aesthetic and formal reality, developed along the years, that has a single purpose: to show the main subject of the picture in his own style.

Este ensayo abordara el tema de la literatura no solo como arte, si no de los aspectos que la convierten en arte, así como la evolución de la misma desde el género literario de la novela, tomando de ejemplo múltiples autores que han sido y son, representantes de los hitos literarios de sus épocas y regiones. Se abordara el tema desde la perspectiva de que la literatura, mas allá de representar al individuo, ha de ser un puente, una ventana hacia el otro, el mundo y la sociedad como un cuerpo con idea, del cual se nutre la experiencia del individuo y la construcción misma de su individualidad, a partir de esa premisa es que se constituye a la literatura como arte.

El artículo describe cómo la obra cortazariana desde Rayuela estuvo marcada por una serie de referencias, implicaciones e influencias de distintos autores de la plástica occidental. Esta característica determinó un tipo de descripción de los personajes y los espacios utilizados en Rayuela, a través de la écfrasis o descripción de un objeto visual. Posteriormente, el recurso de lo visual se usó también en otras obras, pero esta vez fueron representadas de manera explícita, como ocurre en Territorios o Último round.

El Renacimiento trajo consigo multitud de reformas inspiradas por el Humanismo. Entre ellas, el sustancial cambio en una preceptiva del arte que abandona progresivamente el estricto dictamen alegórico y moralista de la estética cristiana medieval para adentrarse en el territorio inexplorado de las nuevas doctrinas poetológicas y retóricas, merced a la lectura renacentista de los filósofos y gramáticos grecolatinos. Se configura así una primeriza teoría del arte moderno sobre una serie de tópicos humanísticos de viejo cuño y raigambre antigua. Uno de los lugares comunes más destacados a este respecto fue el tópico horaciano ut pictura poesis que inspiró, entre los poetas y artistas del Renacimiento y Barroco, una preceptiva común en torno a la mímesis, el decoro, los medios de expresión y los modos imitativos. No fueron los principales maestros españoles ajenos a esta fiebre de hermanar sistemáticamente, durante el Siglo de Oro, las artes más allá de sus posibilidades y límites. De ahí que en esta propuesta se explore la huella dejada por la preceptiva ut pictura poesis como doctrina poética en la España de los Austrias, con objeto de ampliar nuestro conocimiento acerca de los albores de la teoría del arte en la Edad Moderna.

The Renaissance brought along with itself a multitude of reforms inspired by Humanism. Among them, the substantial change in the artistic precepts. Artists and poets progressively abandoned the strict allegorical and moralistic normative of medieval Christian aesthetics and went deep into the unexplored territory of a new poetic and rhetorical doctrine. Thanks to the Renaissance reading of Greco-Latin philosophers and grammarians, it is configured a first theory of modern art on a series of humanistic topics based on the classic Hellenistic aesthetics. One of the most prominent common places in this sense was the horatian ut pictura poesis topic, which inspired to the poets and artists in the Renaissance and Baroque a shared normative ruled by the mimesis, decorum, codes and imitative modes. The Spanish Golden Age writers and artists were not unaware of this fever, consisting in the systematical sisterhood of the arts beyond their possibilities and limits. Taking into account these issues, this paper analyzes the trace left by the poetic doctrine ut pictura poesis in the Habsburg Spain, in order to broaden our knowledge about the dawn of art theory in the Modern Age.

More than that: each signification that is constituted (for example, this proposition, and this entire discourse) also forms by itself the distinctive mark of a threshold beyond which meaning (truth) also goes absent. It goes absent not in an elsewhere, in fact, but right here. Jean-Luc Nancy Palabra e imagen operan exactamente del mismo modo: totalmente dis-tinto. El juego entre similitud y diferencia es un eje central en torno al cual se construyen muchas teorías sobre la relación palabra/imagen. En sus variacio-nes, la crítica ofrece múltiples términos para referir la problemática. Así, se puede leer sobre la relación texto/imagen o, a un nivel más abstracto, entre 'lo visual' y 'lo verbal'. También se ha planteado en términos de la relación entre las artes, especificándola en 'poesía' y 'pintura' unas veces, quedándose en la generalidad de 'literatura' y 'artes visuales' otras. La variedad de la terminolo-gía define espacios críticos que, si bien están íntimamente relacionados, no siempre son coextensivos. Las diversas definiciones de la problemática dejan ver una cualidad incipiente de los estudios sobre palabra/imagen. Incipiente, no porque la temática no tenga una larga tradición histórica, que sí la tiene, sino por las importantes preguntas que aún no tienen respuesta. En Picture Theory, Mitchell advertía: «we still do not know exactly what pictures are, what their relation to language is, how they operate on observers and on the world, how their history is to be understood, and what is to be done about them» (1994: 13). Desde una perspectiva latinoamericanista, el presente es-tudio es un aporte al esfuerzo por dilucidar estos cuestionamientos. En la ter-minología que he adoptado para llevar a cabo esta tarea empleo el término compuesto palabra/imagen para significar 'la relación entre la representación verbal y la representación visual', y, consecuentemente, cuando el contexto

El estudio del tópico ut pictura poesis en el Siglo de Oro cuenta con una larga tradición dentro de la crítica hispánica. La relación entre poesía y emblemática, el examen del cromatismo en la lírica o la écfrasis como instrumento de transposición artística ha demostrado que el análisis comparatista favorece una mejor comprensión de aquellos textos inspirados por la imagen plástica. El propósito de este libro pasa, pues, por localizar los problemas que plantea la comparación poético-plástica en el contexto de la literatura del Siglo de Oro, las lagunas que se advierten en las aportaciones que se han dedicado a su estudio y las contradicciones entre las diferentes perspectivas y categorías terminológicas sobre las que se ha fundamentado la relación fraterna entre poesía y artes plásticas en la literatura española de los siglos XVI y XVII.

En el primero de los bloques se presenta un examen de la influencia ejercida por las artes plásticas en los autores áureos. Se dirige la mirada en primer término a la producción bucólica de Garcilaso, en concreto a la «Égloga III», en la cual es posible observar ya el influjo de las artes sobre la poesía del periodo, merced a la transposición verbal de la imagen plástica. Se sondea, a continuación, el verbis depingere de lugares a través de las topotesias localizadas en La Diana de Montemayor y La casa de la Memoria de Espinel, para sopesar la naturaleza de la imagen en el Renacimiento y su respectiva formalización en función de la preceptiva retórica de la descriptio en la época. Se dará paso entonces al análisis de la écfrasis en un género poco frecuentado por los comparatistas como lo es la épica culta, desde El Carlo famoso de Luis Zapata, pasando por La Araucana de Ercilla y El Monserrate de Virués, hasta Sagrario de Toledo de Valdivielso. La cultura visual y la alegoría como expresión imaginativa en el Barroco será igualmente objeto de estudio en atención a las pragmatografías contenidas en Los Cigarrales de Toledo de Tirso de Molina. Cierra este bloque el análisis del modo en que los dramaturgos barrocos como Lope de Vega, Calderón, Tirso de Molina o Mira de Amescua convierten la pintura en un mecanismo de agnición en la comedia nueva.

Tras el desarrollo de tales cuestiones, continua el examen de la relación de literatura y artes plásticas en el Siglo de Oro con la revisión de aquellas perspectivas que desbordan el concepto de «pintura verbal» y que conectan directamente con la representación del lugar común horaciano en la poesía áurea. A partir de alusiones honoríficas y notas eruditas localizadas en poemas artísticos y encomios pictóricos, se presentan pruebas tanto de la presencia del parangón poético-plástico como de la representación de objetos de arte en los versos de los poetas siglodoristas, sin olvidar los elogios dirigidos por estos a los artistas del periodo. El estudio prosigue con un quinto bloque como adenda donde se analiza el papel de la hipotiposis como figura descriptiva característica del Siglo de Oro, máxima expresión del verbis depingere y reflejo en última instancia de la preceptiva pictoricista en la praxis poética.

Finaliza la obra presente con las principales conclusiones extraídas de los presupuestos discutidos y los análisis presentados en suma, a fin de ampliar el conocimiento y favorecer una mejor comprensión de la imagen literaria, el verbis depingere como fenómeno retórico-estético y la fortuna del tópico ut pictura poesis en virtud de la relación fraterna de plumas y pinceles ensalzada por los poetas en la literatura española del Siglo de Oro.

Las diferentes modalidades descriptivas suscritas al denominado pictoricismo literario y en el marco del tópico ut pictura poesisen el Siglo de Oro no se reducen únicamente a los fenómenos y estrategias vinculados en la actualidad a la écfrasis. Numerosas manifestaciones que atesora la poesía española del Renacimiento y Barroco, circunscritas a la enargeia y la retórica visual, no responden necesariamente al carácter transpositivo y metarrepresentativo de las descripciones de arte. La teoría descriptiva aurisecular era de hecho mucho más flexible y dinámica, de forma que en la época de Cervantes no existía una clara distinción entre la écfrasis o representaciones verbales de objetos de arte y la hipotiposis, entendida como la descripción vívida y evidente de la realidad como si fuera una obra de arte. Esta problemática resulta determinante para reconstruir la perspectiva poética compartida por los escritores áureos en torno al clásico verbis depingere ciceroniano y las pinturas verbales renacentistas y barrocas. Así pues, este artículo parte de la premisa de la importancia de poner de relieve la problemática introducida para la defensa de un modelo teórico complementario al paradigma de la écfrasis, cimentado sobre la técnica pictorialista del verbis depingere y la figura retórica de la hipotiposis como instrumentos analíticos, por cuanto permiten explorar la naturaleza de la imagen literaria en el Siglo de Oro más allá de las transposiciones de arte.

El Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores rinde homenaje a uno de los más famosos grupos literarios del Perú, conocido como “La Bohemia de Trujillo”, del que formara parte César Vallejo, el más célebre de sus miembros. Y lo hace a través de una serie de documentos e imágenes, seleccionados por Carlos Fernández y Valentino Gianuzzi, que nos acercan a su mundo y ponen de manifiesto los alcances de este grupo de jóvenes que reunió a varias de las figuras más determinantes de la vida cultural y política del Perú.
La exposición se ocupa, principalmente, del periodo comprendido entre la aparición de la revista Iris, en mayo de 1914, y la publicación del periódico El Norte, en febrero de 1923; la etapa mejor conocida de las actividades artísticas del grupo trujillano, así como de su creciente actividad política. Además de celebrar a la Bohemia de Trujillo, esta exposición pretende echar luz e impulsar nuevos estudios sobre aspectos menos conocidos de la biografía intelectual del grupo.

El estudio del tópico ut pictura poesis en el Siglo de Oro cuenta con una larga tradición dentro de la crítica hispánica. Desde la publicación de Temas del Barroco de Emilio Orozco Díaz en 1947 la comparación de poesía y pintura en la España de los Austria ha acaparado la atención de los hispanistas. Pero seguimos sin contar con un trabajo actualizado que aborde la cuestión de forma panorámica y no se centre en exclusiva en autores concretos o aspectos que conectan más con la historia del arte que con la literatura comparada. El objetivo de esta tesis doctoral estriba, pues, en el propósito de localizar los problemas que plantea la comparación poético-plástica en el contexto de la literatura del Siglo de Oro, las lagunas que se advierten en las aportaciones que se han dedicado a su estudio y las contradicciones entre las diferentes perspectivas y categorías terminológicas sobre las que ha pivotado el examen de los materiales.
En primer término, se realiza una revisión histórica de los conceptos que dan vida al lugar común en la España de los Austrias para entender la evolución del mismo como una teoría del arte previa a la modernidad; de igual modo, se estudia la evolución de aquellos conceptos y figuras retóricas concernientes al fenómeno del verbis depingere. Tras la revisión oportuna de la teoría en torno a la “pintura verbal”, se establecerán los criterios tipológicos y se ponderarán aquellos aspectos formales que determinan el lugar común. Una vez cimentadas las principales directrices y rudimentos sobre los que pivotan la historia y metodología comparatista defendida en esta tesis doctoral, se procede al análisis del tópico en la literatura del Siglo de Oro.
Se inicia este con el estudio de un antecedente de la “pintura verbal” renacentista, cuyo objeto es la presencia en la Comedieta de Ponza del marqués de Santillana del blasón como variante écfrástica, signo temprano de la doctrina pictorialista posterior. A continuación, se dirigirá la mirada a la producción bucólica de Garcilaso, en concreto a la “Égloga III”, en la cual es posible observar ya el influjo de las artes sobre la poesía del periodo. Se sondeará, además, el verbis depingere de lugares a través de las topotesias localizadas en La Diana de Montemayor y La casa de la Memoria de Espinel. Se dará paso así al análisis de la écfrasis en la épica culta y, posteriormente, al comentario de dos poemas artísticos de Céspedes y Jáuregui. También nos aproximaremos a la segunda parte de Don Quijote para explicar los motivos de la licencia y censura de la descripción amplificada. La cultura visual y la alegoría como expresión imaginativa en el Barroco serán igualmente objeto de estudio en atención a las pragmatografías contenidas en Los Cigarrales de Toledo de Tirso de Molina. Por último, se analiza la pintura como mecanismo de agnición en la comedia nueva.
Tras el desarrollo de tales cuestiones, continuaremos con la revisión de aquellas perspectivas que desbordan el concepto de “pintura verbal” y que conectan directamente con la representación del lugar común en la poesía áurea. A partir de alusiones, poemas artísticos y encomios pictóricos, ofreceremos pruebas tanto de la presencia del parangón poético-plástico y la representación de objetos de arte en los versos de los poetas áureos, así como los elogios dirigidos por estos a los artistas del periodo. Cerraremos el examen con el análisis de la hipotiposis como figura descriptiva característica del Siglo de Oro y máxima expresión de la “pintura verbal”, por ser reflejo de la preceptiva pictorialista en la praxis poética.
Finaliza esta investigación con las principales conclusiones extraídas de los presupuestos defendidos y los análisis presentados en esta tesis doctoral, a fin de ampliar el conocimiento y favorecer una mejor comprensión de la imagen literaria, el verbis depingere como fenómeno literario y la presencia del tópico ut pictura poesis en la literatura del Siglo de Oro.

La antigua relación existente entre arte y literatura, o más concretamente entre arte y poesía, ha generado no pocos estudios entre los que, hasta ahora, el valor didáctico de la poesía para la educación artística había sido un asunto al que se había prestado escasa atención. En este sentido, el presente libro se propone ahondar en el análisis de dicha poesía didáctica; aquellos versos didascálicos utilizados en el ámbito de las artes con el fin horaciano del docere et delectare.

Para ello, se presenta necesario conocer los orígenes tanto de esta realidad poética como de las primeras manifestaciones teórico-artísticas. A partir de aquí, iniciaremos un recorrido que nos llevará desde la conformación del discurso poético-didáctico, acercándonos a sus imbricaciones durante el Medievo, los prolegómenos de la Modernidad y el renacer de las artes en Europa, hasta su posterior reconversión durante el Barroco y el Siglo de las Luces. Un vasto campo cronológico de observación para tratar de ahondar en un fenómeno artístico y literario que no fue indiferente a la cultura española. Por ello, de manera específica ahondaremos en las particularidades de esta realidad en España, donde destacan figuras como Pablo de Céspedes o Diego Antonio Rejón de Silva.

En definitiva, con la presente publicación buscamos establecer un punto de partida que nos permita comprender las características y atributos que la poesía se brindo a compartir con la pintura a favor de la transmisión del saber sobre las Bellas Artes.

Texto publicado en el catálogo "Una imagen que no duela ni cueste mirar" (2020), editado por Víctor Aguado Machuca y Anne-Françoise Raskin, comisarios de la exposición homónima (Sala de Arte Joven de Madrid, 30 de enero -15 de marzo de 2020).

Breve ensayo acerca de las teorías modernas que rodean al estudio de la literatura como representación social y cultural del individuo en masa, usándose como ejemplo la obra Pin Pan Pun de A. Rebolledo (2008), así como la teoria del "Habitus" y el "Campo" de P. Bordieu (1992).

Asdrúbal Baptista José Balza y Ramón Piñango son los editores de esta colección que consta de siete libros en dos tomos, contentiva de una antología de los textos más importantes del pensamiento venezolano desde la conquista hasta nuestros días.

En particular, ell libro 3 de este primer tomo condensa un conjunto de textos que, seleccionados por especialistas en el área del arte y la cultura  -como Ángel Gustavo Infante, Carlos Sandoval, Leonardo Azparren Giménez, María Elena Huizi, Ximena Agudo G., Rodolfo Izaguirre, Juan Francisco Sans y Mariantonia Palacios-  dan cuenta de cómo se fueron construyendo las prácticas y los saberes  en las distintas áreas del arte y la cultura que dan forma a la Venezuela contemporánea.

En julio de 2017 se cumplieron dos años de la muerte del poeta y editor argentino Hugo Gola. Durante los años de mi formación académica, su figura e influencia trazaron un camino subrepticio, una grieta honda en el canon escolástico que debía aprender para acreditar las asignaturas. Cuando yo era alumno de la Universidad Iberoamericana, él ya no ofrecía ninguna clase. Sin embargo, el eco de sus reflexiones y su visión aún cimbraban las paredes de las aulas como una herencia escondida, tácita pero viva y vehemente. La política académica había logrado desterrar a Hugo como profesor, sin embargo, jamás logró proscribir su trabajo al frente de dos revistas dedicadas por entero a la poesía y la reflexión poética, más una veintena de libros asombrosos. En ese sentido, Hugo fue mi profesor aunque jamás nos encontráramos en un salón de clases.