ANALISIS MÚSICAL DE UNA OBRA DE: Hector Berlioz Romanticismo
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musical:
Sinfonía fantástica
Autor, época, estilo, localización geográfica
Berlioz nació en Francia en La Côte-Saint-André,
entre Lyon y Grenoble. Su padre era médico (fue un aficionado a
la acupuntura) y envió al joven Héctor en 1821 a París a
estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso
de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó
Situación y la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París,
caracterización del donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado
contexto por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François
Lesueur.
Episodio de la vida de un artista, en cinco partes, Op. 14, es
una sinfonía programática, Es una pieza importante del
período romántico temprano. Su estreno tuvo lugar en
el Conservatorio de París el 5 de diciembre de 1830. Franz Liszt
realizó una transcripción para piano de la sinfonía en 1833.
Ópera, sinfonía, música clásica
Francia
Corrientes artístico-musicales de la época
Antes de esta época, la gran mayoría de las composiciones se
realizaban por encargos musicales, es decir que alguien en de la
nobleza o de un puesto de poder contrataba o patrocinaba a un
músico para la creación de obras que cumplirían sus demandas
específicas. Es por primera vez que el músico tiene la
oportunidad de crear composiciones por el mero placer de
expresión. Los artistas románticos buscaban con ímpetu la
originalidad, intentando librarse de las costumbres musicales.
Mayor utilización de cromatismos, cambios armónicos y
tonalidades menores.
Armonía muy colorida, intensa, a veces ambigua.
Uso frecuente de la modulación (cambio de tonalidad), lo cual le
requiere al espectador más atención.
Ampliación del rango y la variedad musical.
Crecimiento en la importancia del virtuosismo. La
implementación de pasajes muy técnicos, con el objetivo de que
un músico solista pueda lucir sus habilidades.
Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta sinfónica como
el piccolo, el corno inglés, el contrafagot y la tuba, entre otros.
Opinión personal fundamentada en argumentos musicales
sobre la obra
La primera, compases 1-9, está básicamente construida sobre el
acorde de do mayor. En general, la melodía está compuesta de
notas largas, combinadas con notas cortas que dan vigor y
frescura.
La segunda frase, compases 9-16, es una versión en sol de la
primera frase ahora más desarrollada; la tesitura ahora pasa de
una octava.
La tercera frase, compases 16-24, tiene dos semifrases. La
primera comienza con un giro cromático, con el la bemol, el cual
crea una sensación de dulzura.
La cuarta frase, compases 24-33, repite el comienzo de la frase
anterior, un tono más arriba, el largo crescendo que empieza en el
compás 25 y acaba en el compás 29, a partir de ahí, la melodía
baja, primero a un fa, la subdominante, y luego al mi, donde
reposa; esta bajada se produce en decrescendo.
La quinta frase y final, compases 33-41, saltos de séptima y
sexta, seguidos de cromatismo y cambio de figuración rítmica
(tresillos) y cambios de dinámica.
Características compositivas: aspectos melódicos, aspectos
rítmicos, aspectos armónicos y recursos compositivos
El mismo se enfocará en el 4to Movimiento de la Sinfonía
Fantástica. Se presentarán una serie de distintos tipos de gráficos
y cuadros que muestran aspectos relevantes de diferentes
elementos del análisis. Acompañan a dichos gráficos unas breves
descripciones. El criterio de ordenamiento de los mismos es:
primero los elementos relacionados con el Sonido, luego la
Armonía, la Melodía y por último el Ritmo.
Análisis de sus La composición consta de cinco movimientos, en vez de los
características cuatro habituales para las sinfonías de la época:
estilísticas y
formales 1. Rêveries – Passions (Sueños – Pasiones)
- do menor/do mayor
2. Un bal (Un baile) - la mayor
3. Scène aux champs (Escena en los campos) - fa mayor
4. Marche au supplice (Marcha al cadalso) - sol menor
5. Songe d'une nuit du sabbat (Sueño de una noche
de sabbat) - do mayor
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Es por esta razón
que se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la
música programática; también es quizás uno
El primer movimiento es radical en su contorno armónico,
construyendo una gran vuelta a la tonalidad de inicio; mientras
que es similar a la forma de sonata del período clásico, los
críticos parisienses consideraron esto como poco convencional.
Es aquí donde se le presenta al oyente el tema del amado del
artista, o la idée fixe. de los primeros argumentos.
El segundo movimiento es un vals en 3/8. Comienza con una
introducción misteriosa que crea una atmósfera de emoción
inminente, seguida por un pasaje dominado por dos arpas; luego
aparece el tema del vals que fluye, derivado del idée fixe primero.
El tercer movimiento es lento, un Adagio en 6/
8. Los dos pastores mencionados en las notas del programa están
representados por un corno inglés y un oboe fuera del escenario
dialogando con una melodía evocadora. Después de la
conversación entre el corno inglés y el oboe, el tema principal del
movimiento aparece en la flauta y los violines solos.
El cuarto movimiento comienza con sextillizos en el timbal, con
la siguiente indicación en la partitura: "la primera corchea de cada
medio compás se va a tocar con dos baquetas y las otros cinco
con la baquetas derecha". El movimiento procede como una
marcha llena de atronadores fogonazos en los metales y pasajes
apresurados, y figuras fugaces que aparecen más tarde en el
último movimiento.
El quinto movimiento La introducción es un Largo, en
compás 4/4, creando una calidad ominosa a través de variaciones
dinámicas y efectos instrumentales, particularmente en las
cuerdas (trémolos, pizzicato, sforzando).
En el compás 21, el tempo cambia a Allegro y el compás a 6
8. El regreso de la idée fixe como una danza vulgar se representa
por un clarinete en do. Esto se interrumpe por una sección de
Allegro Assai en 2
2 (alla breve) en el compás 29.
Hay una gran cantidad de efectos, incluyendo el misterioso "col
legno" en las cuerdas que sugiere esqueletos bailarines o el
burbujeo del caldero de las brujas ante las ráfagas de viento. El
final culminante combina la sombría melodía del Dies Irae con la
salvaje fuga de la Ronde du Sabbat .
Características tímbricas, instrumentación
Es una sinfonía, la orquestación utiliza 2 flautas, la segunda
dobla a flautín; 2 oboes, el segundo dobla a corno inglés; 2
clarinetes, el primero dobla al clarinete en mi bemol; 4 fagots; 4
trompas; 2 cornetas; 3 trombones de varas; 2 oficleidos; 2 pares
de timbales, caja, bombo, campanas en do y en sol; 2 arpas;
cuerdas.
En la introducción se emplean relativamente poca cantidad de
instrumentos, lo que genera un timbre expectante. En la sección
siguiente (donde se presentan los temas I y II) se emplean para el
primer caso grupo de cuerdas + algunos instrumentos de viento, y
para el segundo casi exclusivamente los vientos, dejando el
empleo de la cuerda para las secciones de crecimiento. A partir de
las siguientes secciones (Desarrollo, Re exposición y Coda) se
empleará casi todo el orgánico instrumental,
Textura: manera de combinar las líneas melódicas
I movimiento: Tonalidad DO menor/ Compás 4/4
II movimiento: Tonalidad LA Mayor / Compás 3/4
III movimiento: Tonalidad FA Mayor / Compás 6/8
IV movimiento: Tonalidad Sol Menor / Compasillo binario
V movimiento: Tonalidad DO Menor / Compás 4/4 / 6/8 /
Compasillo binario/ 6/8.
Esta melodía es de carácter diatónico.
La relación de las distintas tonalidades de la Sinfonía es Indirecta
o Secundaria. Me Se emplean 3 (tres) melodías claramente
distinguibles: la primera grave, solemne y fatal; la segunda de un
carácter deciso y propulsivo; y por último la denominada Idea
Fija (presente en todos los movimientos de la Sinfonía).
Relaciones entre texto y música
En este caso no tiene ninguna relación entre texto y música ya
que es una sinfonía y es totalmente instrumental.
Género musical al que pertenece la obra analizada
Sinfonía programática.
ANALISIS MÚSICAL DE UNA OBRA DE: Fryderyk Franciszek Chopin.
Romanticismo
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musical: https://youtu.be/kgMbI77oAcg
Scherzo Núm. 4 Op.
54
Autor, época, estilo, localización geográfica
Nace el 1 de marzo de 1810 en Żelazowa Wola, Gran Ducado de
Varsovia y fallece el 1 de octubre de 1849 en París fue
un compositor y virtuoso pianista polaco, considerado uno de los
más importantes de la historia y uno de los mayores
representantes del Romanticismo musical. Su maravillosa técnica,
su refinamiento estilístico y su elaboración armónica se han
comparado históricamente, por su influencia en la música
posterior, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van
Beethoven, Johannes Brahms, Franz Liszt o Serguéi Rajmáninov.
Corrientes artístico-musicales de la época
Antes de esta época, la gran mayoría de las composiciones se
realizaban por encargos musicales, es decir que alguien en de la
nobleza o de un puesto de poder contrataba o patrocinaba a un
músico para la creación de obras que cumplirían sus demandas
específicas. Es por primera vez que el músico tiene la
Situación y oportunidad de crear composiciones por el mero placer de
caracterización del expresión. Los artistas románticos buscaban con ímpetu la
contexto originalidad, intentando librarse de las costumbres musicales.
Mayor utilización de cromatismos, cambios armónicos
y tonalidades menores.
Armonía muy colorida, intensa, a veces ambigua.
Uso frecuente de la modulación (cambio de tonalidad), lo
cual le requiere al espectador más atención.
Ampliación del rango y la variedad musical.
Crecimiento en la importancia del virtuosismo. La
implementación de pasajes muy técnicos, con el objetivo de que
un músico solista pueda lucir sus habilidades.
Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta sinfónica como
el piccolo, el corno inglés, el contrafagot y la tuba, entre otros.
Opinión personal fundamentada en argumentos musicales
sobre la obra
Los primeros cuatro compases, son propios del canto gregoriano,
denota un carácter religioso y sereno, y exige al intérprete una
conciencia total del peso específico para ejecutar el pasaje en la
dinámica requerida.
Ahora realizar el mismo ejercicio con la siguiente nota de la
frase; do#; teniendo en cuenta que al realizar un movimiento
ascendente tiene que ser un poco más fuerte que la nota anterior;
es posible que debido a la fragilidad y la sensación extraña que da
el tocar con ese dedo, en adición
a que debe ser tocada en una tecla negra, deba realizarse un uso
más sutil de la muñeca y un poco del brazo, a una velocidad
moderada; Andante o Moderato.
Características compositivas: aspectos melódicos, aspectos
rítmicos, aspectos armónicos y recursos compositivos
La estructura formal del Scherzo 4 corresponde a la denominada
Rondó Sonata, con Coda agregada; y la tonalidad principal de la
obra corresponde a Mi Mayor. Su disposición tonal es la
siguiente si se toma como tres grandes partes; Tónica- Sexto
Grado (vi)- Tónica; a partir de aquí se mostrará la organización
temática y tratamiento armónico más relevante.
Exposición – Primer Tema – Tema Estribillo
Análisis de sus Este primer tema se divide en dos periodos; el primero es
características simétrico simple que finaliza en una semicadencia (8 compases ),
estilísticas y iniciando en la nota dominante, finaliza en una cadencia para
formales generar suspense.
Segundo periodo; de naturaleza asimétrica (17 compases), se usa
diferentes tonalidades (Mi mayor, La mayor, La bemol mayor, Fa
mayor, Fa# mayor).
Exposición Sonata – Primer Episodio Rondó
Durante ese pasaje es importante destacar el uso de la acordes
bimodales y el cromatismo para llegar a tonalidades lejanas,
como en los mostrados a continuación; así también, como a pesar
de la aparición de una cadencia auténtica perfecta no se termina
una sección, otra muestra de como Chopin empieza a desviarse
de la convención clásica
En el círculo destaca el uso de la 6ª suspendida en vez de la 5ª
para darle un sello romántico y distinguirlo; enmarcado en rojo se
puede observar también como la cadencia auténtica perfecta no
significa el fin de una sección.
En el enmarcado, nótese el uso de acordes bimodales; como el
tercer grado cromático de Si Mayor (re#-fa x-la#) se transforma
en la Dominante (mib-sol-sib) de una tonalidad tan lejana como
es La bemol mayor.
Características tímbricas, instrumentación
Al ser una sonata son obras para piano allí juega un papel
importante el uso de las manos ya que la mano derecha, la cual
contiene la voz que parece tener la libertad rítmica para moverse
a su antojo, cautivadora frecuente y natural de los oyentes; en
detrimento del papel armónico de la mano izquierda que
pareciera estar eternamente
condenada a ejercer el deber de mantener el pulso rítmico,
subordinada a la brillante y acústicamente agradable voz de la
mano derecha, sin recibir mérito alguno.
Textura: manera de combinar las líneas melódicas
Hay partes donde se tiene un comportamiento homofónico y
monódicas.
Relaciones entre texto y música
En este caso no tiene ninguna relación entre texto y música ya
que es una sinfonía y es totalmente instrumental.
Género musical al que pertenece la obra analizada
Sonata Rondo.
ANALISIS MÚSICAL DE UNA OBRA DE: Arnold Schonberg- Contemporánea
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musical: https://www.youtube.com/watch?v=uKakP5yMfsY
EL OP 11 Nº 3
Autor, época, estilo, localización geográfica
rnold Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874-Los
Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical
y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a
los Estados Unidos, en 1934, adoptó el nombre de Arnold
Schoenberg, y así es como suele aparecer en las publicaciones en
Situación y idioma inglés y en todo el mundo. Es reconocido como uno de los
caracterización del primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y
contexto especialmente por la creación de la técnica
del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la
puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad
del s. XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda
Escuela de Viena.
Corrientes artístico-musicales de la época
Movimiento moderno
Muchas de las figuras claves del movimiento moderno aún
existen o han fallecido recientemente, como Elliott
Carter y Lukas Foss, y en la actualidad existe un núcleo de
compositores, intérpretes y aficionados extremadamente activos
que continúan llevando las ideas y formas del modernismo. Si
bien grandes escuelas de composición moderna, como la
del serialismo, no son ya el centro de la discusión teórica, el
período contemporáneo está iniciando el proceso de ordenación
del conjunto de elementos del modernismo en busca de obras
suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.
Posmodernismo
El posmodernismo es una influencia fuerte en la música
contemporánea.
Poliestilismo
Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de
múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una
característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y
se acentúa en el siglo XXI.
Posminimalismo
La generación minimalista todavía cumple un papel importante
en la nueva composición.
Música electrónica
Surgida en los años cincuenta, con el uso de las grabaciones
como objeto sonoro en términos de Pierre Schaeffer o con el uso
de osciladores electrónicos a la manera de Stockhausen.
Neorromanticismo
En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos
un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.
Espectralismo
La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa
principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre
musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en
el origen de la percepción del timbre.
Neotonalismo
El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como
reacción ante el atonalismo.
Opinión personal fundamentada en argumentos musicales
sobre la obra
La primera sección está marcada por el uso de semicorcheas y el
contraste a fusas en los compases 2 y 3 para finalizar y crear una
mayor tensión, para luego llegar a la negra ligada a la corchea de
los compases 5 y 6.
La segunda sección, comienza en tresillos de semicorchea que se
trasforman en figuras de dos semicorcheas, que se disuelven a
través de un contrapunto estrecho, en valores más largos de negra
y corchea y negra con puntillo en la que termina la sección.
La tercera sección utiliza un motor de corchea con puntillo
semicorchea.
La repetición es un elemento muy interesante en este lenguaje, ya
que produce cohesión formal. En esta obra se repite células
rítmicas que se desplazan a lo largo del compás, buscando que
éste no sea entendido como tal.
Características compositivas: aspectos melódicos, aspectos
rítmicos, aspectos armónicos y recursos compositivos
Entre la anacrusa y los primeros acordes del compás 1 se
encuentran todas las notas de la escala cromática a excepción de
tres sonidos: sol, sib, y si natural, que se retrasan en su aparición
hasta el segundo tiempo del primer compás. Una vez planteadas
las doce notas vuelve constantemente a recorrer todos los sonidos
cromáticos hasta el fin de la pieza.
En los primeros acordes el autor está mostrando un gran interés
por destacar la 3ª Mayor.
Análisis de sus Las disonancias preferidas que suelen aparecer en todos los
características acordes son las menos punzantes como la 4ª.
estilísticas y Los intervalos de 3ª, ya sean mayores o menores, junto a las 4as
formales justas y aumentadas, se van a destacar como los preferentes desde
el punto de vista armónico y melódico.
Melódicamente el bajo del compás 2 en el que aparecen dos 3ª
mayores (mi-sol#, y la#/sib-re) y una 4ª justa seguida de una 4ª
aumentada:
Fruto del contrapunto de las líneas surgen situaciones armónicas
en las que se dan una 4ª justa, una octava disminuida y una
tercera mayor como aparece en el primer acorde de la obra:
Uso de acordes de tercera más cuarta aumentada:
El uso de acordes que tienen una 8ª disminuida o una 7ª mayor es
abundantísimo en esta obra. Como ejemplo basta observar el
primer compás:
Características tímbricas, instrumentación
La tercera pieza es la más novedosa de las tres situándose, en un
lenguaje puramente atonal e inaugura una dimensión formal
lejana a los tipos de la tradición, que se adelanta a las futuras
formas abiertas de los cincuenta.
Textura: manera de combinar las líneas melódicas
Estos ritmos individualmente no son excesivamente
problemáticos pero debido a la superposición de los diferentes
estratos rítmicos va a surgir una gran dificultad, como podemos
apreciar desde los primeros compases. El valor más breve son
los seisillos de fusas que aparecen en el compas 30 y el valor
más largo es la blanca con puntillo de los compases 9 y 17.
Se desafía a la cuadratura del compás con una búsqueda de
ritmos asimétricos irregulares y cambiantes. Con una medida
de 6/8 pocos momentos hacen sentir el compás binario de
subdivisión ternaria, sino que hay un anhelo de liberarse de la
tiranía de la barra del compás, ya que las ideas musicales
muchas veces se expanden más allá del control métrico. Como
ejemplo de esto podemos ver la cadencia del compás 5-6, en la
que el reposo se producirá sobre una negra ligada a una
corchea:
Relaciones entre texto y música
En este caso no tiene ninguna relación entre texto y música ya
que es totalmente instrumental.
Género musical al que pertenece la obra analizada
Dodecafonismo. Sistema atonal.
ANALISIS MÚSICAL DE UNA OBRA DE: Arvo Pärt - Contemporánea
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musical: https://youtu.be/RNVoZVFpW58
fratres violin y piano
Autor, época, estilo, localización geográfica
Arvo Pärt (Paide, 11 de septiembre de 1935) es un
compositor estonio. Se lo identifica como precursor de la
música minimalista, y más específicamente del «minimalismo
sacro». Es considerado un pionero en ese estilo, como sus
contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener. Arvo Pärt es
Situación y más conocido por las obras de su segundo período compositivo
caracterización del (trabajos corales).
contexto Corrientes artístico-musicales de la época
Movimiento moderno
Muchas de las figuras claves del movimiento moderno aún
existen o han fallecido recientemente, como Elliott
Carter y Lukas Foss, y en la actualidad existe un núcleo de
compositores, intérpretes y aficionados extremadamente activos
que continúan llevando las ideas y formas del modernismo. Si
bien grandes escuelas de composición moderna, como la
del serialismo, no son ya el centro de la discusión teórica, el
período contemporáneo está iniciando el proceso de ordenación
del conjunto de elementos del modernismo en busca de obras
suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.
Posmodernismo
El posmodernismo es una influencia fuerte en la música
contemporánea.
Poliestilismo
Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de
múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una
característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y
se acentúa en el siglo XXI.
Posminimalismo
La generación minimalista todavía cumple un papel importante
en la nueva composición.
Música electrónica
Surgida en los años cincuenta, con el uso de las grabaciones
como objeto sonoro en términos de Pierre Schaeffer o con el uso
de osciladores electrónicos a la manera de Stockhausen.
Neorromanticismo
En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos
un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.
Espectralismo
La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa
principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre
musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en
el origen de la percepción del timbre.
Neotonalismo
El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como
reacción ante el atonalismo.
Opinión personal fundamentada en argumentos musicales
sobre la obra
A escucharla me di cuenta de que no se trata de una obra vacía
y/o carente de fuerza, al contrario, creo que esta música refleja un
carácter muy intenso se ve reflejado en la economía de elementos
con los que trabaja el compositor, como es el caso de la
utilización de la triada, que representa un claro ejemplo de
simplicidad sonora.
La primera aparición de un patrón melódico se hace tomando
como centro tonal la nota Do#. Así pues, se construyen 7 acordes
con un intervalo armónico de 6ta (mayor o menor) y la nota de la
triada en la segunda parte de cada sección realiza el mismo
movimiento pero de forma invertida.
Este mismo proceso ocurre de la misma forma durante todas las
secciones pero tomando como centro tonal una nota diferente de
la escala de Re menor. En la parte del violín, sin embargo, en
cada sección hay una variación del motivo de la voz melódica,
aunque el piano mantiene con un ritmo constante de negras el
diseño original de la voz melódica.
Características compositivas: aspectos melódicos, aspectos
rítmicos, aspectos armónicos y recursos compositivos
La pieza tiene un total de 72 compases agrupados en 9 secciones.
La forma de la pieza es clara pues se estructura con patrones
numéricos dados por la organización métrica y se articula
claramente después de cada una de las secciones. Así pues, cada
sección se compone de 2 partes distribuidas en 6 compases con
las siguiente métricas: 7/4 - 9/4 - 11/4 y la repetición de este
patrón. Al final y el inicio de cada sección aparece un motivo de
Análisis de sus dos compases en 6/4, articulando las secciones y por ende la
características forma.
estilísticas y Consiste en una alternancia de acordes entre el piano y el violín
formales con un carácter percusivo y variando levemente a nivel dinámico
en cada aparición. La obra empieza con una indicación dinámica
de ppp lo que hace que el intérprete se vea en la necesidad de
abordar este primer efecto sonoro desde una consciencia del
silencio y no interrumpirlo abruptamente con el sonido. Así pues
el llamado del sematrón (representado en el motivo de dos
compases de 6/4) está implícito como un llamado antes de que
empiece la obra, en el silencio:
Reducción de la línea melódica presentada por la voz del bajo en
el violín en la primera sección.
Respecto a la forma como Arvo Pärt aplica la Tinntinabulación
para la composición de la obra, partimos de un centro tonal que
está presente en casi toda la pieza: la nota La. Su sonoridad
resuena en la totalidad de la obra; en la primera sección, la
mayoría de los arpegios del violín la contienen, mientras que las
demás voces van cambiando y desde que entra el piano, éste la
interpreta constantemente en la mano izquierda. Teniendo como
una base sólida en LA, se construye el arpegio de La menor,
donde las tres "# notas La, Do y Mi, van rotando pero en cada
uno de los pulsos se presentan. Esta corresponde a la voz
Tintinnabuli. En el siguiente ejemplo, extraído de la primera
sección, podemos ver la presencia de la triada a través los
primeros 7 pulsos del primer compás:
Este patrón se repite varias veces aumentando e invirtiendo la
secuencia en la voz melódica hasta completar los 7 acordes en el
compás de 11/4.
La última sección está basada en armónicos y acompaña la voz
superior de la línea tintinnabuli cuyo centro tonal es la nota La.
Los armónicos son tan sutiles que nos llevan de nuevo al estado
de quietud y silencio donde como en el efecto de las campanas es
casi imperceptible el momento en el que la sonoridad deja de
vibrar.
Características tímbricas, instrumentación
Consiste en una alternancia de acordes entre el piano y el violín
con un carácter percusivo y variando levemente a nivel dinámico
en cada aparición. Si nos remitimos a la versión original, esta
sección está explícitamente escrita para la percusión lo que nos
sugiere cual es la intensión del compositor; Si tenemos en cuenta
la relación con las creencias religiosas de Pärt, y podemos
relacionar la totalidad de la obra con el sonar de las campanas,
este motivo específicamente se conecta con el sonido del
sematrón, cuya función en la iglesia era convocar a los feligreses
así como resaltar momentos sagrados durante los servicios y
rituales. Es por esto, que este segmento repetitivo en la pieza, por
su configuración rítmica (acentos, pizzicatos, notas suspendidas y
registro grave en el piano y cambio de métrica) conduce al oyente
a un estado suspendido de contemplación así como marca un
momento especial en la pieza.
Textura: manera de combinar las líneas melódicas
Textura monódica. Consiste en una alternancia de acordes entre
el piano y el violín con un carácter percusivo y variando
levemente a nivel dinámico en cada aparición. Tiene segmentos
repetitivos en la pieza, por su configuración rítmica (acentos,
pizzicatos, notas suspendidas y registro grave en el piano y
cambio de métrica) conduce al oyente a un estado suspendido de
contemplación así como marca un momento especial en la pieza.
Relaciones entre texto y música
En este caso no tiene ninguna relación entre texto y música ya
que es totalmente instrumental.
Género musical al que pertenece la obra analizada
Género tintinnabuli.
