Jugendstil

In this article, I wish to elaborate on Benjamin’s reading of
so-called “dark thinkers,” i.e. those radical thinkers of the
fin de siècle whose cultural criticism willingly or not
reinforced and reiterated what they actually criticized. I
will refer to Benjamin’s early writings on the German
youth movement as well as to his later writings on
Baudelaire, Jugendstil, and Lebensphilosophie and thereby
focus on motives that connect these diverging periods
of Benjamin’s oeuvre, notably contemporaneous gender
relations, gender identity, and images of the feminine,
which Benjamin used in order to delineate an immanent
messianism. In this way I want to demonstrate that
while Benjamin followed Nietzsche in understanding
history as loss and decline, he nonetheless insisted on
moments of becoming intrinsic to this very
understanding of history. In this dialectical turn the
Nietzschean cultural criticism, just as the criticized itself,
emerge as two connected sides of one coin.

Anton Seder, Directeur de la Kunstgewerbeschule, a accompagné son programme pédagogique par des publications régulières de planches de modèles pour les artisans ou les étudiants. Cette étude évalue le contexte éditorial et l'impact de ces éditions.

O objectivo desta dissertação de mestrado é tentar definir uma arquitectura Arte Nova de cariz portuguesa, a qual encontrou na obra desenvolvida pelo arquitecto Álvaro Augusto Machado, entre 1904 e 1907, a relação entre o espaço e a volumetria. Não só o arquitecto aliou a forma com a função, através de um jogo complexo entre planos e grande qualidade estética, como utilizou estilizações nitidamente Arte Nova nos seus projectos. A problemática da "casa portuguesa", a par dos ecletismos e historicismos, atingiu uma singularidade e desenvolvimento muito característico na obra do arquitecto. Um aspecto importante que importa realçar é que nada é puramente decorativo, tudo tem uma determinada função, assim como a azulejaria perfeitamente integrada, de forma a realçar as formas arquitectónicas. A grande maioria da azulejaria empregue nos projectos do arquitecto é da autoria do pintor José António Jorge Pinto, cuja qualidade intrínseca e estética é de grande valor. A obra desenvolvida pelo pintor é vasta e diversificada, alguns exemplares sendo emblemáticos do período Arte Nova, sobretudo a inovação temática e técnica. Além de reunir a sua obra cronologicamente, a qual ainda não tinha sido devidamente analisada, reuniram-se dados biográficos inéditos da sua vida. A singularidade de determinadas obras, que poderemos encontrar em vários locais pelo país fora, claramente inspiradas no movimento e nos seus principais centros de difusão, revelou certas características nacionais muito peculiares. A Arte Nova em Portugal merece ser valorizada, pelas suas qualidades estéticas únicas, e sobretudo ser dada a conhecer não só no país como no mundo.

This essay will demonstrate that Behrens’ modernism was not a sudden epiphany, inspired by his collaboration with contemporary industry giant AEG, as has sometimes been supposed. In his Artist’s House, designed almost a decade earlier, Behrens seems to adhere to the conventions of Jugendstil. Detailed analysis shows, however, that Behrens departs from the conventions of the rest of the Mathildenhöhe, as defined by Joseph Maria Olbrich. Before turning to architecture, Behrens spent considerable time testing ideas of appropriate functional expression in the modern appearance of objects, classically associated with applied art. This product design served as a catalyst for his later translation of the same ideas into architecture.

The azulejos (tiles) are one of the most recognizable characteristic of Portugal. The entire or partial coverage of indoor/outdoor spaces and facades of buildings has been a constant decorative and effective resource for at least five centuries.
In the Art Nouveau period the tile achieved a fine level. The quality of the ceramic, transfer printing and hand painted tile compositions flooded the portuguese market, still visible through out the country in many buildings. Its character is unique among the other european manufacturers and artists.
The painter José António Jorge Pinto`s independent work, is one of the most renowned of the period. He worked and made specific tiles for some of the most well know portuguese architects. The ability he had to paint and integrate his work in the architecture is extremely well coordinated, contributing to a global view of the building.
His work occupies a unique place in the portuguese culture.

In diesem Beitrag wird im ersten Teil die Beziehung des jungen Walter Benjamin zur Jugendbewegung ('Jugendkulturbewegung') und seine dazu gehörende Schätzung des Dichters Stefan George historisch-philologisch dargestellt. Hierbei fällt zunächst auf, dass schon der 13-jährige Schüler Walter Benjamin im Jahre 1905 im ‚Landerziehungsheim’ Haubinda (Thüringen) unter den dauerhaften und ihn verpflichtenden Einfluss des Schulreformers Gustav Wyneken geriet. In den Jahren bis 1914 spielte Walter Benjamin in der von Wyneken ins Leben gerufenen ‚Jugendkulturbewegung’ eine herausragende Rolle. Bereits in dieser Phase lernt Benjamin seit dem Jahre 1912 die Lyrik des Dichters Stefan George kennen, die dann den Hintergrund seiner Freundschaft zu dem jungen deutschen Dichter (und Mitglied der 'Jugendkulturbewegung') Fritz Heinle bildet. Dessen Selbstmord bei Kriegsausbruch im Jahre 1914 bewirkt bei Walter Benjamin eine Lebenskrise, die ihn – auch als Protest gegen den 1. Weltkrieg – ins Exil die Schweiz führt.
Im zweiten Teil des Beitrages wird gezeigt, wie Benjamins Prägung durch Gustav Wyneken, Stefan George und die 'Jugendkulturbewegung' sein bedeutendes Werk als Kritiker und Philosoph in den 20-er und 30-ger Jahren bis zu seinem Freitod an der spanischen Grenze im Jahre 1940 mitgeprägt hat. In seinen Rückblicken auf Stefan George aus den Jahren 1928 und 1933 und in seinem späten Briefwechsel  mit Theodor W. Adorno (aus dem Jahr 1940) versucht Benjamin die Dichtung Stefan Georges – trotz seiner, von ihm selbst eingestandenen Mitwirkung am Aufstieg des 3. Reiches – zu ‚retten’. Ausschlaggebend ist für ihn dabei die Erinnerung an die Rolle, die die Lyrik Stefan Georges für ihn und seine, bei Publikation der Rückblicke in den Jahren 1928 und 1933, bereits toten Freunde aus der Zeit der 'Jugendkulturbewegung', gespielt hat.

Women, mostly young and elegant and often merged with nature, are everywhere in art nouveau: from commercial poster girls to allegorical figures, from conservative role models to icons of feminism—but rarely women of flesh and blood. The female artists who were able to stand their ground in the male-dominated world of art nouveau also used allegorical female figures. The fin de siècle was a period of incis ive change: urbanisation, the rise of mass consump tion and advertising, industrialisation, the class struggle, the women’s movement, the large-scale distribution of print. Artists and designers went in search of new forms; the new art, art nouveau, became popular throughout Europe as it was distributed through magazines and posters, but also through the world expositions which presented the latest applied art for the modern bourgeoisie to embellish their lives with. Goddesses of Art Nouveau sheds new light on an extraordinary era and on the question as to how the image of woman was used in paintings, spectacular jewellery, the Rolls-Royce mascot, advertising posters and book covers, made by women and men. The book also contains a selection of the most striking art-nouveau objects from the collections of the Allard Pierson in Amsterdam, the Badisches Landesmuseum Karlsruhe, and the Braunschweigisches Landesmuseum Braunschweig.

Women, mostly young and elegant and often merged with nature, are everywhere in art nouveau: from commercial poster girls to allegorical figures, from conservative role models to icons of feminism—but rarely women of flesh and blood. The female artists who were able to stand their ground in the male-dominated world of art nouveau also used allegorical female figures.
The fin de siècle was a period of incis ive  change: urbanisation, the rise of mass consump tion and advertising, industrialisation, the class struggle, the women’s movement, the large-scale distribution of print. Artists and designers went in search of new forms; the new art, art nouveau, became popular throughout Europe as it was distributed through magazines and posters, but also through the world expositions which presented the latest applied art for the modern bourgeoisie to embellish their lives with.
Goddesses of Art Nouveau sheds new light on an extraordinary era and on the question as to how the image of woman was used in paintings, spectacular jewellery, the Rolls-Royce mascot, advertising posters and book covers, made by women and men. The book also contains a selection of the most striking art-nouveau objects from the collections of the  Allard Pierson in Amsterdam, the Badisches Landesmuseum Karlsruhe, and the Braunschweigisches Landesmuseum Braunschweig.

This book is a unique and comprehensive illustrated dictionary of French Art Nouveau Ceramics. A census conducted in 1901 indicated the existence of some 209 producers of pottery in France, employing a total of around 5,800 full-time labourers. This great activity stimulated a parallel development in the arts, including the search for new expressions in art pottery, giving birth to l'art nouveau, a great and eclectic synthesis of a number of other art styles. Largely through British arts and crafts, and the work of artists like the Manxman Archibald Knox, it reached far back into the prehistory of Celtic art. To this were added later medieval elements, through the gothic revival championed by William Morris.

The enormous popularity of the decorated industrial wall and floor tile in Belgium is strongly linked to the Art Nouveau style that was put on the map by such prominent men as Victor Horta, Henry van de Velde, Gustave Serrurier-Bovy or Privat Livemont who all experimented with ceramic tile material.
More than in neighbouring countries the Belgian Art Nouveau architecture is, certainly from 1896 onwards, also characterized by the abundance of colourful tile panels in façades, loggias and porticos, and in often very sumptuous interiors.
The Belgian Art Nouveau tile was worldwide exported, within Europe as well as to Latin-America and Asia, and inspired many foreign factories including Spanish and Portuguese workshops or Japanese manufacturers.

Der Aufsatz erörtert den Zusammenhang zwischen Rainer Maria Rilkes Figuren-Poetik in den "Neuen Gedichten" und der Ornamentästhetik des Jugendstils. Exemplarisch interpretiert werden die Gedichte "Begegnung in der Kastanien-Allee" und "Der Turm".

Il libro ambisce tracciare il profilo a più facce dell'intellettuale sovversivo del primo novecento imbattutosi nel sindacalismo rivoluzionario italiano.
Svelato il condizionante sostrato sociologico, traspare l'inquieta e peculiare vicenda di intellettuali "engagé" serrati nel contempo da una generosa passione civile e da un vorticoso bisogno d'introspezione. Antintellettuali, fautori dell'autoemancipazione e dell'autogoverno operaio, eppure loro stessi intellettuali puri, non si esentarono dal dibattere l'incongruenza. Con esiti sofferti e clamorosi.
L'indagine non si limita a riesumare una rivista modello di politica ed arte, edita a Lugano : stabilisce genesi e contorni di quella generazione, ne esamina le aspirazioni sotto il profilo esistenziale, s'interessa di psicologia sociale e di interpretazione delle masse, presenta l'originalità del pensiero sindacalista intorno alle istituzioni italiane e svizzere messe a confronto, passa in rassegna i tanti "ismi" che lo nutrirono (marxismo e poi marginalismo, sorelismo, vitalismo), esplora su terre ignote l'incontro con il liberty e il futurismo, ipotizza il ritorno del rimosso dietro le roboanti sirene patriottarde preannunciatrici per alcuni dei protagonisti di altre sbandate.
Sullo sfondo permane come problema il nesso fra intellettualità filoproletaria e successiva, ma parziale, adesione o addirittura fomentazione dell'eversione fascista.

The paper is published with a summary in English.

Istraživanje manje poznatog dijela opusa Dragana Melkusa (Bektež kraj Požege, 28. 10. 1860. – Osijek, 5. 9. 1917.) koje se odnosi na područje grafičkog oblikovanja knjiga i časopisa doprinos je upotpunjavanju cjelokupne slike o njegovom svestranom djelovanju. Analiziraju se karakteristike Melkusova rukopisa te se rekonstruiraju njegovi minhenski uzori. Ističe se Melkusovo unošenje lokalnih ikonografskih elemenata u secesijski izraz te njegova posebna sklonost oblikovanju specifičnog oblika ilustracije: vinjete. Temeljem sakupljenih podataka i razmatranjem novije literature o Melkusu, interpretacija njegova doprinosa nastaje u kontekstu grafičke produkcije u razdoblju secesije u Hrvatskoj te u kontekstu sagledavanja cjelokupne Melkusove ličnosti i njegovih mnogobrojnih aktivnosti.

Rund um den Kurfürstendamm lässt sich um 1900 eine neureiche Gesellschaft in komfortabel ausgestatteten Behausungen nieder. Demonstrativer Konsum gehört hier zum guten Ton. Die richtigen Möbel, das richtige Porzellan, die richtigen Reiseziele und Sommerfrischen, die richtigen Freizeitbeschäftigungen und die richtige Kunst und Literatur – alles unterliegt dem Spiel der Mode. Edmund Edel beschreibt dieses Treiben an der Oberfläche mit der soziologischen Treffsicherheit eines Georg Simmel, dem großen Denker des großstädtischen Geisteslebens, der wie Edel selbst Bewohner von Berlin W. war, und mit feinsinnigem, bösem und zugleich liebevollem Humor. Seine Satire Berlin W. Ein paar Kapitel von der Oberfläche, 1906 erstmals erschienen, eröffnet das Panorama einer im Luxus schwelgenden Gesellschaft der Jahrhundertwende und gibt Einblick in die Anfänge der modernen Konsumkultur.

Manchmal erhalte ich sehr interessante Führungsanfragen, für die ich noch einmal ganz anders in die Worpsweder Kunstgeschichte einsteige und recherchiere. So fragte die Deutsche Kammerphilharmonie aus Bremen im letzten Jahr eine Führung über Heinrich Vogeler im Museum Barkenhoff an und bat um eine Vertiefung in Richtung Symbolismus und Rainer Maria Rilke. Wie sich auf Nachfrage dann herausstellte, bereitete die Kammerphilharmonie gerade die Aufführung eines Werkes von Claude Debussy vor und wollte sich mit dieser Führung etwas „einstimmen“. Also entstand die Frage: Was verbindet Vogeler, Rilke und Debussy. Die Antwort ist „Italien“.

Seit dem 16. Jahrhundert wird das Reisen in fremde Länder ein Teil der Bildung für die vermögende Schicht der Gesellschaft. Zunächst bereisen die englischen Adeligen Italien, Spanien und Mitteleuropa. Sie gehen auf Grand Tour. Später folgen die wohlhabenden Bürger der Städte Europas. In Italien zählen Florenz, Venedig, Rom, Pompeji und Neapel zu den Hauptreisezielen. Insbesondere das kulturell besonders fortschrittliche Florenz zieht die künstlerische Elite Europas an.

Die englischen Präraffaeliten lassen sich um 1850 durch die italienische Kunst des 14. und 15. Jahrhunderts zu ihrer antiakademischen Malerei inspirieren. Sie pilgern nach Florenz, um in den Uffizien die Gemälde zum Beispiel von Sandro Botticelli zu studieren. Hierbei interessieren sie besonders die Bilder aus dem Themenkreis der griechischen Mythologie und Allegorien mit einem Gegenwartsbezug. Sie wollen die raffaelitische Malerei überwinden zugunsten einer naturalistischeren Malweise. Die sogenannten „Präraffaeliten“ empfinden die schnelle Veränderung ihrer Umgebung zu Beginn der Industrialisierung als bedrohlich. Die Bevölkerung der rasant wachsenden Städte empfindet nun die freie Landschaft als erholsamen Regenerationsraum und die Künstlerschaft preist die Natur in ihrer naturalistischen Malweise.  Die Natur wird nun als die Lebensspenderin geschätzt und als ihr Sinnbild rückt die Frau in den Mittelpunkt der Malerei. Botticellis „La Primavera“ und „Die Geburt der Venus“ inspirieren die Künstler immer wieder zu neuen Interpretationen.

Heinrich Vogeler reist 1898 nach Florenz und studiert die Gemälde Sandro Botticellis. Als die jungen Künstlerinnen und Künstler Worpswedes ihre Bildungsreisen nach Italien antreten, gibt es schon eine gut ausgebaute Infrastruktur, die das Reisen erheblich erleichtert. Eisenbahnverbindungen sorgen für eine angenehme Fahrt. Es gibt deutschsprachige Pensionen, Stammtische der deutschen Kolonien und deutschsprachige Bibliotheken und Studienzentren. Zu der sogenannten Deutschen Kolonie in Florenz zählen unter anderem der Kunsthistoriker und Kulturwissenschaftler Aby Warburg, und der Maler Arnold Böcklin.

In beiden deutschen Gesellschaften sahen die 1960er und 70er Jahre Aufstieg und Normalisierung von Jugendstilen, in deren Zentrum internationale Popmusik stand. Aggressive Widerstände konnten die Durchsetzung der Jugendkultur im Westen nicht aufhalten. Für die DDR blieb sie ein Stachel im Fleisch, misstrauisch kontrolliert und zensiert. Bei allen Unterschieden gleichgerichtet war der mentale Wandel, den die Jugendkulturen beförderten. Hochkultur verlor dramatisch an Anerkennung, unter den Jüngeren entstand eine klassenübergreifende Gemeinkultur.

L'opera di Klee si caratterizza per una sorta di costitutiva duplicità, tutt'altro che priva di pertinenze nella tradizione tedesca o svizzero-tedesca: come per un dono di veggenza, in altre parole, intrecciato a uno scrupolo di costruzione, a un'esigenza di ordine e, possiamo dirlo, di canone compositivo. La particolare accortezza tecnico-professionale che accompagna l'artista in ogni momento della sua attività si unisce a una rara predisposizione fantastica: tra le due dimensioni, così nelle composizioni figurative come nei testi teorici e didattici, non c'è consequenzialità, c'è piuttosto salto, quasi queste stesse, di per sé perfino antitetiche, corressero parallele con modi che variano tra l'istrionico, il protervo, il puerile.

La publication de ma thèse de doctorat a été soutenue par mes deux universités de tutelle, l’Ehess et l’Université de Constance (D). Elle a fait l’objet d’une présentation de recherche à la Maison des sciences de l’homme de Paris. Les discutants étaient Pierre-Antoine Fabre, Maurice Godé et Gérard Raulet.

Catalogue of Tel Aviv Museum of Art exhibition (26 Oct 2012 - 2 March 2013), presenting selection of works by Jugendstil / Art Deco / Deutsche-Werkbund designer and artist Friedrich Adler (1878-1942) in context of Zionist movement and avant-garde art.

If Jens Peter Jacobsen is still read today, it is mostly as a Scandinavian classic and in the Nordic countries. And yet, there was a time when he was considered a world classic, on a par with Ibsen and Strindberg. In Germany especially, his fame knew no bounds. Stefan George translated a few of Jacobsen's poems in the early nineties. Thomas Mann􂀙s Tonia Kr6ger obviously owes much to Jacobsen's Niels Lyhne, down to its Danish setting. Rainer Maria Rilke worshipped Jacobsen: at the beginning of the century, he carried his complete works with him along with the Bible wherever he went, and could mention Jacobsen in the same breath as Shakespeare and Dante. Rilke learnt Danish so as to read Jacobsen, and in view of a book he long intended to write on his favourite author, though he eventually abandoned the project. In his book on the painters of Worpswede, Rilke reported that they spent their evenings reading to each other passages from Moyens and Niels Lyhne. One of them, Heinrich Vogeler, illustrated German editions of Jacobsen's works. Many other Jugendstil artists loved Jacobsen, most notably Max Klinger and his circle. Even people who would corne to be associated with Expressionism were influenced by Jacobsen. Arnold Schönberg is a case in point, whose Gurre-Lieder remain Jacobsen's best claim to fame. In his eulogy of his fellow Expressionist poet and close friend Klabund, Gottfried Benn recalls how he had given him the nick􂀔name Jens Peter, on account of his physical resemblance to their common idol. Benn even wrote a Dialogue (Gespräch) on Jacobsen.  Anticipating Albert Camus, J.P.Jacobsen's great topic was modern man􂀙s distance from the world, that can be bridged only by the tragic acceptance of death and of life by the same token in the absence of God. An author who has so brilliantly anticipated many insights of some of the boldest thinkers of our century, as well as his own, does not deserve the relative oblivion into which he has fallen. Largely on account of his ornate, 􏬂orid, heavily sensual style, the author of Niels Lyhne, which Stefan Zweig called "the Werther of our generation", was dismissed by later generations for whom beauty was no longer an end in itself, or for that matter a valid concern. However, we need not look upon Jacobsen so censoriously; a century after his death, it may be time to see him in a broader historical perspective, as an important and unfairly neglected harbinger of our modern consciousness.

Was verbindet Heinrich Vogelers Möbelentwürfe mit den Bauernmöbeln der Teufelsmoor-Region? Das war die Fragestellung, die zu der Ausstellung "Mein Bauer ist mein Herz" im Haus im Schluh führte, die von Oktober 2007 bis Januar 2008 präsentiert wurde. Als Bremer Kaufmannssohn fand Heinrich Vogeler schon jung Bewunderer im Bremer Bürgertum. Seine Freunde Rudolf Alexander Schröder und Alfred Walter Heymel waren die ersten Auftraggeber für Wohnrauminterieur. Prachtvolle Silberbestecke, Gardinen mit goldenen Rosenstickereien und Kerzenleuchter zeugen von Vogelers kostbaren Geschmack. Doch ab 1905 findet sich in seinen Möbelentwürfen eine deutliche Veränderung zu einer schlichteren und preiswerteren Formensprache. Sein besonderes Interesse gilt jetzt den Möbelformen seiner Heimat, dem Teufelsmoor. In seinem eigenen Haus, dem Barkenhoff, sammelt er mit seiner Frau Martha zusammen bäuerliche Truhen und Stühle. Ein Kannenstock (eine Anrichte mit Regalaufsatz) vom Anfang des 19. Jahrhunderts stand an prominenten Platz auf seiner Diele. (Foto Diele des Barkenhoff) Als Martha Vogeler 1920 sich von ihrem Mann trennt, über-lässt Heinrich Vogeler ihr das Inventar des Hauses. Und so finden sich noch heute in der Heinrich-Vogeler-Sammlung des Haus im Schluh in Worpswede viele Teile des Barkenhoff-Haushaltes, die zu dieser Sonderausstellung einmal heraus-gehoben präsentiert wurden. (Foto Stuhlentwurf Heinrich Vogeler) Eine Bettwärmpfanne aus dem 19. Jhd. ließ sich nun ver-gleichen mit den Blumenornamenten der Möbelentwürfe Vogelers. Der alte Worpsweder Stuhl war Vorbilder für Vogelers heute noch beliebtesten Stuhlentwurf mit den drei Tulpen. Übrigens meldete er diesen Entwurf 1905 zum Musterschutz an, um das Kopieren durch andere Tischler zu unterbinden. Die ersten Möbelentwürfe lässt Vogeler bei einheimischen Handwerkern herstellen.

This article investigates a book-illustration in Jugendstyle by the Swedish painter Axel Törneman: “Head of Medusa” (1907), a cover to Gustaf af Geijerstams novel with the same title. This article offers a new interpretation of Törnemans connections to Greek mythology, and compares his work to turn-of-the century painters like Arnold Böcklin and Franz von Stuck. Another important context is the development of mass culture in the beginning of the 20th century.

In linea con la riscoperta erudita delle «industrie artistiche», diffusa prioritariamente in ambito mitteleuropeo a cavallo tra Otto e Novecento, Klee mostra a più riprese un interesse spiccato, a tratti “poveristico”, per le arti applicate e le tecniche meno consuete; così come per le epoche considerate “oscure”, acerbe o di “decadenza” - l’epoca preclassica, ad esempio, il tardo-antico, l’epoca detta al tempo delle “migrazioni dei popoli”, il primo Rinascimento tedesco - che gli risultano congeniali per il ricorso a procedimenti di riduzione geometrica delle forme naturali e la fedeltà a mondi ideografici. Maestro di deformazione satirica, trova nella caricatura, da lui sospinta ben oltre il genere umoristico da foglio di giornale, l’ambito figurativo che gli consente la più ampia licenza morfologica e fantastica; e l’archeologia cristiana, con l'intreccio tra tecnica e rito, spiega il suo “primitivismo” molto più che non un qualsiasi convenzionale rimando all’arte africana o oceanica.