CENTRO GUMILLA
comunica ción
Estudiosvenezolanosdecomunicación • 4ºtrimestre2020 • Nº 192
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del presente número
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Andrea Torricella
Elizabeth Marín Hernández
Erick García Aranguren
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Serie “Expansión” (2020)
Víctor Hugo Irazábal.
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Los textos publicados en la sección de Estudios de la Revista son arbitrados.
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Perspectiva Crítica y Alternativa
Nº 192 | Estudios venezolanos de comunicación • Centro Gumilla
Integrantes de la Red Iberoamericana
de Revistas de Comunicación y Cultura
PRESENTACIÓN
Tiempo de nuevas narrativas ..................................................................................................................................................... 4
AGENDA PÚBLICA
Cuando se derriban los techos de la academia. Ciencia, tecnología e innovación
en el socialismo bolivariano
Carlos Colina ........................................................................................................................................................................................... 11
Informe Sombra 2019: 642 alertas contra la libertad de prensa en Venezuela
Diana Maitta ........................................................................................................................................................................................... 21
Contra la intolerancia, más información
Mayte Navarro......................................................................................................................................................................................... 27
Ciencia política al alcance de todos
Carlos Rondón ......................................................................................................................................................................................... 31
El momento de las comunicaciones. O el dominio de los espacios de vida
Marcelino Bisbal ..................................................................................................................................................................................... 37
DOSSIER
Lectura de estanterías, tiendas de video y el streaming
Fedosy Santaella ..................................................................................................................................................................................... 55
La representación de Venezuela en las fotografías de William Nephew King
y el inicio del fotoperiodismo en Venezuela
Carlos Arvelaiz ......................................................................................................................................................................................... 61
La fotografía, el fotógrafo y la narrativa de la violencia
Wilson Prada ........................................................................................................................................................................................... 71
Coisa mais linda: espejo de una narrativa que globaliza la cultura
Alí E. Rondón .......................................................................................................................................................................................... 77
De la Galaxia de Gutenberg a la Galaxia de Zuckerberg
Federico Vegas ........................................................................................................................................................................................ 87
¿La vida es un meme o un conjunto de ellos?
Arantxa López ........................................................................................................................................................................................ 93
Yucef Merhi y la profanación del discurso
Manuel Vásquez-Ortega ......................................................................................................................................................................... 99
Usos y sentidos otorgados por los actores sociales a sus fotografías personales:
abordajes metodológicos entre la antropología y la historia
Ana D’Angelo/Andrea Torricella ........................................................................................................................................................... 105
Ver, narrar, emocionar… con imágenes
Johanna Pérez Daza.............................................................................................................................................................................. 119
¿Qué nos molesta de esta imagen?: las narrativas transversales de la representación
Elizabeth Marín Hernández.................................................................................................................................................................. 133
Pedagogías digitales y narrativas transmedia
Gustavo Hernández Díaz ...................................................................................................................................................................... 141
Pequeña dosis de arte: intros de series y vanguardias artísticas
Erick García Aranguren ......................................................................................................................................................................... 157
ESTUDIOS
Una propuesta de clasificación para las fake news
León Hernández ................................................................................................................................................................................... 175
La situación del periodismo en Venezuela (2015 a 2019). Principales hallazgos
y acciones de difusión y capacitación vinculadas
Gloria Carrasco / Medianálisis .............................................................................................................................................................. 191
Desconexión y censura: Informe anual Derechos Digitales 2019
IPYS Venezuela...................................................................................................................................................................................... 201
HABLEMOS
DOCUMENTO
GALERÍA DE PAPEL
Se hace camino al andar: la historia radial de Fe y Alegría en Venezuela
Hablemos con Gerardo Lombardi
Andrés Cañizález ................................................................................................................................................................................... 217
Situación general del derecho a la libertad de expresión: Informe enero- agosto 2020
Espacio Público ..................................................................................................................................................................................... 227
Víctor Hugo Irazábal: ciberglifos
Humberto Valdivieso ............................................................................................................................................................................ 234
ÍNDICE
157
DOSSIER
Pequeña dosis de arte:
intros de series
y vanguardias artísticas
ERICK GARCÍA ARANGUREN
El auge que ha tenido la ficción seriada en los últimos años ha traído como consecuencia
que la misma deba reinventarse y, en este proceso, muchas series han logrado superar
su condición meramente comercial para ser consideradas obras con altos criterios
de calidad artística. Esto se puede evidenciar con tan solo ver la secuencia inicial de los
créditos de muchas de ellas. Por ello, hemos querido –a través de este ensayo– indagar
cómo algunas vanguardias artísticas y cinematográficas han influido en la sofisticación
estilística y narrativa de estas piezas audiovisuales.
A MODO DE INTRODUCCIÓN
Cada medio nuevo conlleva un medio viejo
MARSHALL MCLUHAN
Con la finalidad de innovar y renovar el arte, a
partir de la primera década del siglo XX y, especialmente luego de la culminación de la Primera
Guerra Mundial, surgen variados movimientos
artísticos que transformarían y revolucionarían
la manera de ver y hacer arte. El desarrollo de
estos movimientos tendría como fundamento la
experimentación artística, lo cual daría paso a la
creación de nuevos lenguajes que nacerían de la
exploración de territorios desconocidos y de una
mayor libertad creativa de sus artistas.
De este resurgir del arte nacen numerosas
vanguardias (cubismo, futurismo, surrealismo,
expresionismo, entre muchas otras), las cuales
supieron comprender y representar los profundos cambios que sufría la sociedad moderna.
El arranque del siglo XX acoge un período en el
que acontecen fuertes cambios sociales, políticos
y económicos, a la par que surgen potentes innovaciones científicas y filosóficas. Paralelamente,
la progresión apacible de las artes se trastoca de
manera súbita, y la adhesión hasta entonces incuestionable a las mismas es desafiada desde todos los
puntos de vista. (Sangro, 2016: 69)
Es decir, no se trata del surgimiento de modas
pasajeras, sino de una transformación en la concepción del arte, una transformación que ha sido
fundamental para la propia compresión del arte
contemporáneo.
Si bien las vanguardias artísticas (o avantgarde) definieron una época y un contexto particular, vale la pena acotar que estas, paradójica-
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ÍNDICE
158
DOSSIER
mente, parecen estar asociadas no solo con el
pasado, sino con el presente y el futuro (Premat,
2013). De allí que –no es descabellado afirmarlo– las mismas han logrado permanecer en
los discursos artísticos contemporáneos. La
renovación de los discursos pareciera que también pasa por la apropiación y exhibición de
“viejas” tendencias. Los artistas son conscientes
de cómo la herencia vanguardista se mezcla, se
mimetiza y converge en nuevas obras (Baigorri,
1997).
El videoclip, por ejemplo, fue uno de los primeros
formatos televisivos en exponer claramente el pastiche
propio de los discursos posmodernos y entre ese collage
estético-narrativo, las diversas vanguardias artísticas y
cinematográficas fueron fundamentales.
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Esta tendencia de renovar lo “viejo” para
crear algo “nuevo” la podemos apreciar en la
pintura, la música, la escultura, la danza, el
teatro, el cine, entre otras expresiones artísticas.
Pero otros medios, menos apreciados por los
defensores de las bellas artes, también han
sabido aprovechar esta tendencia artística de la
hibridación. Por ejemplo, la televisión actual ha
sabido fusionar las vanguardias artísticas con
sus diversos formatos, teniendo como antecedentes, también, los aportes ofrecidos por el cine
experimental y el videoarte.
El videoclip, por ejemplo, fue uno de los primeros formatos televisivos en exponer claramente el pastiche propio de los discursos
posmodernos y entre ese collage estético-narrativo, las diversas vanguardias artísticas y cinematográficas fueron fundamentales.
Tomando en cuenta lo hasta ahora planteado,
este ensayo se propone reflexionar sobre cómo
algunas vanguardias artísticas y cinematográficas, propias del siglo XX –expresionismo, arte
abstracto y surrealismo–, se mantienen presentes en las intros de diversas series contemporáneas, otorgándoles características estéticas y
narrativas realmente artísticas a piezas que, en
un principio, solo se consideraban pequeños
clips para la presentación de los principales
involucrados en el desarrollo de la serie y el
nombre de la misma.
VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
Y CINEMATOGRÁFICAS: BREVE CONCEPTO
Y DESARROLLO
Necesitamos la vanguardia: nada
tranquiliza más que una rebelión nombrada
ROLAND BARTHES
Como ya mencionamos, las vanguardias artísticas surgieron con la finalidad de romper con los
aspectos artísticos tradicionales. Pero también
nacieron para manifestar el descontento que
sentía una sociedad que tuvo que afrontar cambios profundos y abruptos que generaron malestar, miedo y desesperanza. En consecuencia,
con la finalidad de dejar atrás los difíciles cambios que produjo el desarrollo industrial y las
graves consecuencias políticas y económicas
que generó la Primera Guerra Mundial (19141918), las vanguardias permitieron vislumbrar el
futuro y expresaron ideales de libertad y anarquismo. En este sentido,
Los movimientos sociopolíticos de comienzos del
siglo XX, con la burguesía como clase social dominante, dieron lugar a un momento de gran esplendor,
y al surgimiento de una corriente de renovación
artística que planteaba la necesidad de crear un
arte nuevo, moderno, que rompiera con el academicismo imperante en la época. Inventos como la
fotografía y el cine y los descubrimientos científicos que cuestionaban la objetividad del mundo
que percibimos, como la teoría de la relatividad,
el psicoanálisis y la subjetividad del tiempo de
Bergson, dieron lugar a que los artistas se alejaran
de la concepción del arte como imitación de la realidad, y buscaran nuevas formas de expresión.
(Sabeckis, 2015: 50)
Ya que uno de los principales objetivos que
motivaban el cambio en estos pequeños grupos
de artistas era la lucha por la concreción de un
nuevo ideal artístico, desafiando la propia cultura imperante, se les bautizó como vanguardistas, puesto que dicha palabra –vanguardia o
avant-garde–, es un vocablo militar que “[…]
remite a la idea de lucha, de pequeños grupos
que se destacan dentro de un conjunto mayor,
situándose por delante.” (Ob. cit, p. 51).
ÍNDICE
159
Es así como estos artistas –que se situaron por
delante– originaron importantes movimientos
artísticos tales como el futurismo, el dadaísmo,
el surrealismo, el expresionismo, el arte abstracto, entre otras corrientes, a las cuales se les
conoce –también– como vanguardias históricas. Vanguardias que, en pocas palabras,
demostraron la disconformidad existente hacia
las ideas artísticas establecidas, a través de la
experimentación con las formas, los colores, la
narrativa y otros aspectos que fueron fundamentales para la concreción de un “nuevo” arte
(Sabeckis, 2015).
A todo esto, resulta interesante señalar que si
bien las vanguardias lograron florecer en
diversas ramas del arte, las mismas encontraron
en el cine un espacio idóneo para su expansión y
fortalecimiento. Tanto así, que dicha unión
(cine-vanguardias) le permitió al propio cine
alcanzar su categoría de séptimo arte, superando con esto la errónea idea de que este era
simplemente un medio comercial, propio de la
industria cultural.
aspectos que engrandecieron el lenguaje cinematográfico.
Por ello, no ha de extrañar que los discursos
vanguardistas aún se mantengan vigentes en los
medios audiovisuales contemporáneos, puesto
que estos siguen siendo fuente de inspiración
para el desarrollo de ideas innovadoras que
logran cautivar al espectador contemporáneo.
La industria cultural y creativa es consciente de
ello y por esto las intros de las series ficcionales
televisivas se han convertido en atractivos espacios que permiten su representación.
El cinematógrafo se convirtió para los artistas vanguardistas en una máquina de producción novedosa, con la cual eran capaces de modificar el
tiempo y el espacio, así como aportar nuevas experiencias estéticas y narrativas. Asimismo, otro gran
avance para la historia del arte se debió a que, gracias a la intervención del cine, los artistas vieron
la posibilidad de masificar sus creaciones, pues un
cambio radical consistía en sacar el propio arte de
los museos y academias. (García, 2019: 101)
EL AURA ARTÍSTICA DE LAS SERIES
En las últimas décadas se ha dado –desde el
punto de vista académico– un intenso debate en
cuanto al carácter artístico de los medios
masivos. Dicha discusión se ha mantenido dividida entre apocalípticos e integrados (en palabras de Umberto Eco), puesto que mientras
algunos defienden la posibilidad artística que
poseen estos medios, para otros es casi un
absurdo considerar los productos transmitidos a
través de los medios masivos como una expresión de arte.
Sin embargo, la tendencia a considerarlos
artísticos parece ir ganando terreno. Así tenemos
estudios que, por ejemplo, han analizado las
características artísticas de los videojuegos, de
los videoclips y/o las series televisivas1.
En el caso particular de las series, esta tendencia de apreciarlas como piezas de artes se ha
intensificado con el auge de las plataformas
streaming y, por supuesto, con el crecimiento y
consumo de las mismas2.
La simbiosis entre cine y vanguardias permitió comprender las posibilidades estético-narrativas que ofrece el medio cinematográfico,
más allá de ser una mera imitación de la literatura y el teatro y los modos en que se podía crear
arte, mucho más allá del modelo representacional que se estaba imponiendo desde la industria Hollywoodense.
En síntesis, las vanguardias artísticas han
dejado huellas en la producción cinematográfica
al exponer nuevas ideas en cuanto al movimiento, la acción y el ritmo, la anulación del
estilo realista, el uso de imágenes que buscan
impactar al espectador, entre muchos otros
DOSSIER
La simbiosis entre cine y vanguardias permitió
comprender las posibilidades estético-narrativas
que ofrece el medio cinematográfico, más allá de
ser una mera imitación de la literatura y el teatro
y los modos en que se podía crear arte, mucho más
allá del modelo representacional que se estaba
imponiendo desde la industria Hollywoodense.
[…] los servicios de VoD son una gran revolución
en la provisión de contenidos ficcionales, un gran
comunica ción 192
ÍNDICE
160
DOSSIER
cambio que emancipa el visionado, una importante
transformación de los contenidos a partir de la serialización, y un fructífero y atractivo modelo de
recreación de la historia y con ella de reinvención
de las historias de acontecimientos y personajes
que han dejado huella en la vida pública de las
audiencias. (Orozco, 2020: 14)
Es tanta la cantidad de series que se producen
anualmente, que las mismas han tenido que reinventarse con la finalidad de atraer al público, de
allí que sus aspectos estéticos y narrativos han
evolucionado de tal manera que algunos autores
(Huerta, 2018; Sangro, 2018; Muñoz, 2016;
Puyal, 2001; entre otros) afirman que estos productos ficcionales, en la actualidad, poseen las
mismas características que hacen del cine el séptimo arte.
(...) las intros u openings de las series televisivas
han pasado de ser meras piezas austeras que
solo mostraban el reparto y el nombre de las
series, a convertirse en una parte esencial de
toda la narración, de todo el corpus (...)
Los antecedentes de las series como obras
artísticas se pueden situar en los años 90, cuando
el cineasta David Lynch revolucionó la industria
televisiva con la incursión de una serie que marcaría un antes y un después en la forma de hacer
TV.
La llegada de Twin Peaks (1990-2017), una
serie extravagante cargada de aspectos inconcebibles para aquel entonces, abrió el camino a la
experimentación en un producto tan comercial
como la ficción seriada y a partir de entonces,
otros importantes creadores comenzarían a realizar series televisivas más arriesgadas y, por
qué no, mucho más artísticas. “Lynch y Twin
Peaks consiguieron acercar los códigos del cine
independiente y el posmodernismo cinematográfico a un mayor número de personas, abriendo
un nuevo camino por explorar en la ficción televisiva de los 90” (Cortés, 2015: 8).
Otro importante ejemplo lo encontramos con
el estreno de The Sopranos (1999-2007), serie
producida por la cadena HBO, la cual es considecomunica ción 192
rada una de las series que marcó el camino de
cómo sería la nueva ficción seriada.
La reputación de las series empieza a crecer de
forma revolucionaria y el medio televisivo gana
desde entonces un prestigio con escaso parangón
en tiempos pretéritos. Desde Los Soprano hasta el
mismo minuto en el que se escriben estas líneas,
la nómina de producciones aceptadas como sinónimo de televisión de calidad –e incluso de obras
de arte– no ha parado de crecer para gozo de aficionados, críticos y académicos. (Huerta y Sangro,
2018: 11)
En este sentido, la ficción seriada –aparentemente– ha superado su condición de producto
meramente comercial para ser considerado, en
algunos casos, un medio artístico, debido a los
altos criterios de calidad y sofisticación que han
obtenido en los últimos años (Muñoz, 2016). De
allí que, aunque no es nuestra intención polemizar sobre la existente o inexistente condición
artística de ciertas series televisivas, queremos
señalar cómo algunas corrientes artísticas vanguardistas han sido incorporadas y reinterpretadas por las series televisivas con la finalidad de
“[…] satisfacer el incansable deseo de la
audiencia por una nueva y atractiva imaginería”
(Puyal, 2001: s.p). Las vanguardias artísticas
parecen tener un peso importante en la sofisticación estilística y narrativa de las series puesto
que las mismas ofrecen “[…] un protocolo o un
horizonte de integración posible de otras novedades” (Premat, 2013: 55).
LAS INTROS: CORTOS ARTÍSTICOS
Y CREATIVOS
Al inicio, las intros de las series televisivas eran
consideradas meras secuencias integradas,
[…] dentro de un discurso mayor, el capítulo, a su
vez perteneciente a un producto de entretenimiento
audiovisual para televisión estructurado en diferentes
entregas, la serie. Con una función en principio eminentemente informativa (comunicar el título de la
serie y los nombres y roles del personal implicado
en su producción). (Pérez y Jódar, 2018: 32)
Sin embargo, las intros u openings de las
series televisivas han pasado de ser meras piezas
ÍNDICE
austeras que solo mostraban el reparto y el
nombre de las series, a convertirse en una parte
esencial de toda la narración, de todo el corpus,
heredando del cine “[…] su voluntad de convertirse en síntesis de la identidad y marca del
propio producto, así como la intención de seducir
a la audiencia para lograr su atención [...]” (Ob.
cit, p. 32).
Pero este hecho no es cosa nueva. En el año
1959 se estrenaba la famosa serie The twilight
zone (conocida en español como La dimensión
desconocida), programa de ciencia ficción, fantasía y terror, creado por Rod Serling, cuya intro
impondría una nueva mirada a estas piezas
audiovisuales.
Uno de los aspectos más llamativos de esta
ficción seriada era justamente su introducción.
La secuencia inicial original de los créditos
(1959), dirigida por Rudy Larriva, consistía en
una superposición de imágenes que se iban desenfocando hasta adentrarnos a una cueva que
nos invitaba a entrar a un mundo desconocido.
Con el pasar de los años la intro fue evolucionando hasta llegar a la más simbólica, la introducción de 1985. En esta hipnótica y surrealista
introducción el espectador atravesaba una ventana, la cual se cerraba abruptamente, dejándolo
encerrado en un cuarto vacío y oscuro en donde
podía ver un mundo lleno de historias asombrosas.
Otro ejemplo digno de nombrar es el opening
de la serie Batman (1966-1968). Esta intro,
creada con dibujos animados, no solo mostraba
el acercamiento estético que tenía la TV con los
comics, sino que la misma se convertiría en una
pieza simbólica de la cultura pop. Además,
manifestaba la esencia propia del pop art americano e invitaba, en cierta medida, a considerar el
espacio televisivo como una ventana idónea para
exponer el arte de masas.
De la misma forma, la serie de David Lynch,
Twin Peaks (1990-2017), también aportaría una
nueva identidad a estas piezas audiovisuales, al
crear una introducción –de casi tres minutos–
cuya música (compuesta por Angelo Badalament) y bucólicas imágenes nos adentraban
plácidamente al íntimo pueblo de Twin Peaks.
En este clip, Lynch utiliza el agua como un elemento recurrente (agregando imágenes de cas-
161
cadas y ríos), expresando a través de una poética
visual la idea de que todo fluye, todo cambia,
nada es permanente.
Desde entonces, los openings han estado en
constante evolución. El acelerado avance tecnológico, además, ha permitido que se sigan
creando piezas maravillosas que se convierten
en una parte esencial de los programas seriados,
ya que muestran la propia identidad de estos y
logran, al mismo tiempo, atraer al espectador.
Por ello, es importante escudriñar qué hay
detrás de esos cambios y descubrir qué elementos (viejos o nuevos) se introducen en ellas
para realzar sus aspectos estéticos y narrativos.
DOSSIER
Los antecedentes de las series como obras artísticas
se pueden situar en los años 90, cuando el cineasta
David Lynch revolucionó la industria televisiva con
la incursión de una serie que marcaría un antes y un
después en la forma de hacer TV.
Para tal fin, nos hemos propuesto en este
ensayo abordar tres vanguardias artísticas y
cinematográficas: expresionismo alemán, arte
abstracto y surrealismo y analizar cómo estas se
ven reflejadas en algunas intros de series televisivas ficcionales, producidas entre los últimos
cinco años (2015-2020). Aunque sabemos que
las vanguardias artísticas van mucho más allá de
las tres aquí escogidas, hemos seleccionado
estas puesto que sostenemos que las mismas han
sido utilizadas con recurrencia en la industria
audiovisual y han resistido en estos espacios el
paso del tiempo.
EXPRESIONISMO ALEMÁN E INTROS
DE SERIES
La vanguardia expresionista nació a principios
del siglo XX, luego de que la Primera Guerra
Mundial dejara en ruinas al viejo continente. De
todos los países involucrados que sufrieron el
impacto de esta terrible guerra, Alemania fue
uno de los más afectados, económica y socialmente, por ello los sentimientos de sus habitantes estaban inundados de miedo y desesperanza. De allí que el Expresionismo Alemán
asumió como principio expresar dichas caracte-
comunica ción 192
ÍNDICE
162
DOSSIER
rísticas, las cuales eran reflejadas a través de historias terroríficas y fantásticas, puesto que estos
géneros permitían –subjetivamente– expresar el
sufrimiento de la sociedad alemana. Ya sea a
través de la pintura, la música, la literatura o el
cine, esta vanguardia se caracterizó por reflejar
temas que se vinculan con la oscuridad y la
muerte, porque esta corriente fue instaurada
“[…] para vivir en la noche, en el más allá oscuro
de sus negras perspectivas [...]” (Paolella, 1967
en Barreto, 2006: 16).
El horror y lo fantástico han pasado de la literatura al
cine y del cine a la televisión y es aquí, en este último,
donde en los años recientes se han venido produciendo
una gran cantidad de series que exponen dichas
temáticas y son consideradas de alta factura.
comunica ción 192
En el caso particular del cine, su llegada posibilitó la creación de nuevas historias que tendrían como objetivo común la representación de
mundos fantásticos, a partir de personajes
excepcionales y complejos que se desenvuelven
en un ambiente oscuro, lúgubre y, en cierta
medida, desnaturalizado. Todo esto se puede
evidenciar en importantes obras cinematográficas. A saber, filmes como Das Cabinet des Dr.
Caligari (1920) de Robert Wiene (1873-1938),
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (1922)
de Friedrich Murnau (1888-1931) o Metrópolis
(1927) de Fritz Lang (1890-1976), exhibían
mundos fantásticos, realidades diversas, la lucha
del bien contra mal, los conflictos del hombre
con el mundo, la muerte y lo demoníaco. Temas
que aún permanecen en nuestros tiempos, tal y
como indica Espinós, “[…] gracias a los cineastas
expresionistas como Wiene, Murnau o Lang se
cambió la forma de ver y hacer el cine. Los temas
se volvieron más fantásticos y oscuros con un
claro trasfondo social [...]” (2008: 21).
Básicamente, podríamos decir que cualquier
película de terror o fantasía puede poseer
matices expresionistas. Sin embargo, también es
cierto que existen algunas cintas que mantienen
con mayor exactitud que otras las características
propias del expresionismo cinematográfico, a
saber, espacios diseñados de tal manera que
tienden a ser tenebrosos y lúgubres, iluminación
muy tenue, decorados angulosos, maquillajes
que resaltarán las ojeras y palidez de los personajes y el uso de sombras como expresión narrativa, son aspectos fundamentales.
En el mundo audiovisual lo horroroso y lo
fantástico han sido temas recurrentes, sin
embargo, la fórmula que da vida a estos géneros
parece no agotarse, por el contrario, cada día son
más las personas que se dejan cautivar por ellos
y siguen siendo muchas las producciones que
sobre el tema se realizan. El horror y lo fantástico han pasado de la literatura al cine y del cine
a la televisión y es aquí, en este último, donde en
los años recientes se han venido produciendo
una gran cantidad de series que exponen dichas
temáticas y son consideradas de alta factura.
En este sentido, uno de los ejemplos que
podemos nombrar es el seriado televisivo ficcional Penny Dreadful (2014-2018, Showtime),
serie creada por el dramaturgo y guionista John
Logan, quien se encargó de desarrollar una obra
cuyo tema central sería el encuentro en un mismo
relato de personajes monstruosos y sobrenaturales de la literatura clásica, tales como: El
Hombre Lobo, Frankenstein y su monstruo,
Dorian Gray, Drácula, entre otros.
El opening de esta serie –dirigido por Erik
Friedman–, cuya estética parece renovar la vanguardia del Expresionismo Alemán a través de
una mirada gótica-posmoderna, está cargado de
elementos iconográficos propios de esta
corriente vanguardista, puesto que en ella nos
encontramos –primeramente– con imágenes
que nos adentran a una irrealidad aterradora. Se
nos presenta como una pesadilla fragmentada
cargada de seres perturbadores, acá nos encontramos con primeros planos de arañas, escorpiones, cucarachas, cuerpos rasgados y toscamente cosidos, crucifijos, serpientes, sangre,
murciélagos y rostros de los principales personajes, todo esto acompañado de una iluminación
difusa, una secuencia representada a través de
colores fríos y tonalidades oscuras, en donde los
movimientos de cámara suelen ser sutiles, pero
en algunos momentos tienden a acelerarse y desacelerase.
ÍNDICE
163
DOSSIER
Fig. 1 En estos fotogramas podemos observar que la iluminación en Penny Dreadful es utilizada con la intencionalidad de crear
espacios lúgubres y resaltar unos elementos sobre otros. Por ejemplo, en la imagen de la izquierda nos percatamos de la utilización
de una iluminación que ensombrece gran parte del encuadre, pero destaca la taza mientras se desborda la sangre y en la imagen de la
derecha, el uso de una iluminación dura hace que resalte la palidez de Vanessa Ives, uno de los personajes principales.
The ghastly subjects are shown in extreme close-up
selective focus, usually only filling a third of the
screen –the golden ratio conjuring quality and effectuating an anesthetizing of that which is otherwise
gruesome. We are scared…but we want to be
scared… so we don’t look away. The low-key lighting suggests mystery and evil lurking in the darkness: this is not a show that will explain everything
to you (Forever, 2017: s.p).
Además, todas estas imágenes se encuentran
superpuestas rítmicamente a una pieza musical
que enfatiza la sensación de suspenso y terror.
De igual modo, tanto las imágenes como la
música parecen dejarnos cierta melancolía
romántica hacia el tema de la muerte. Estos primeros minutos mantienen atento al espectador,
lo seducen, lo cautivan y le permiten adentrase
en lo que será la trama de cada capítulo, los
cuales no se diferencian estéticamente de lo ya
mostrado en la intro.
Otra pieza audiovisual digna de ser nombrada
en este apartado es el opening de la segunda
temporada de la popular serie televisiva American horror story: Asylum (2012). Esta ficción
seriada, creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk para la cadena FX, centra su historia en una
institución mental llamada “Briarcliff Manos”,
un lugar siniestro que oculta tras sus paredes
espeluznantes historias, en las que destacan
posesiones demoníacas y extraterrestres.
Al igual que el ejemplo anterior, la intro de
American horror story: Asylum, dirigida por
Kyle Cooper, presenta una estética posmoderna,
caracterizada por la inmediatez, la cual se
aprecia a través de la inclusión de discursos
rápidos, caóticos y fragmentados. Un discurso
que no se preocupa por el desorden visual representado –principalmente– por un bombardeo de
imágenes aparentemente sin sentido. Es decir,
estamos frente a una introducción que se destaca
por exhibir “[…] nada de lentitud ni tiempo
muerto; en la pantalla electrónica siempre debe
estar ocurriendo algo, efectos visuales al
máximo, hostigamiento de la vista y el oído,
multitud de sucesos y escasa interioridad [...]”
(Lipovetsky, 1990: 240).
Fig. 2 En estas dos imágenes del opening de American horror
story: Asylum se puede apreciar –claramente– la importancia
que tiene el trabajo de las sombras y el uso del contraluz como
estrategia narrativa.
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Asimismo, las imágenes de dicho opening
exponen un evidente acercamiento con la estética expresionista, puesto que las mismas hacen
alarde de escenografías lúgubres y oscuras que
transmiten miedo y desesperanza. Observamos
pacientes con miradas perdidas, rostros demacrados y fúnebres, así como figuras que parecen
salir de las propias tinieblas. Al igual que en el
expresionismo cinematográfico, la iluminación
juega un papel fundamental, puesto que la
misma es utilizada con la finalidad de agregar
mayor valor expresivo, en donde el juego de las
sombras y el contraluz adquieren un carácter
siniestro. Además, todo esto es combinado con
espasmos luminosos que funcionan como elementos de transición entre bruscos y rápidos
movimientos de cámara, los cuales acentúan
– aún más– el carácter sombrío de la obra.
(...) las imágenes de dicho opening exponen un evidente
acercamiento con la estética expresionista, puesto que las
mismas hacen alarde de escenografías lúgubres y oscuras
que transmiten miedo y desesperanza.
En resumen, tomando en cuenta las características analizadas en estas dos piezas, podemos
decir que son muchos los créditos de apertura
que se encuentran inspirados por el expresionismo alemán, pero hemos querido ejemplificar
solo con ellas porque consideramos que ambas
se acercan estética y narrativamente a dicha vanguardia artística, la cual se mantiene presente en
el arte contemporáneo y en la industria cultural
y creativa actual.
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ARTE ABSTRACTO E INTROS DE SERIES
El arte abstracto surge a partir de 1910 y nace
con la intención de superar –o dejar de lado– el
arte figurativo, es decir el arte como representación de imágenes realistas. En este sentido, la
abstracción no busca hacer referencia a la “realidad”, sino que propone crear una “nueva realidad” a través de lo que sus creadores llamaron
“arte puro”. Esta vanguardia, la cual es considerada una de las manifestaciones artísticas más
significativas del siglo XX, encuentra su inspiración en otras dos corrientes: el fauvismo y el
cubismo; surgiendo del primero un arte abs-
tracto libre y lírico, mientras que el segundo inspiró la creación de obras abstractas rigurosamente geométricas.
Al igual que otras vanguardias, el arte abstracto logró imponerse en diversas expresiones
artísticas, pero encontró en el cine un extraordinario aliado que le permitiría llevar al límite sus
principales concepciones del arte.
El cine abstracto fue definido en los años
veinte como cine “absoluto” por el crítico y teórico alemán Rudolf Kurtz (1884-1960), quien le
dio este nombre porque dicha vanguardia tenía
como finalidad comunicarse con el espectador
única y exclusivamente a través de la expresión
visual, a saber, del uso de formas geométricas,
líneas y patrones, oponiéndose de esta manera a
los modelos narrativos heredados del teatro y la
literatura. Es decir, las producciones cinematográficas abstractas no buscan mostrar una realidad concreta, pues, su “belleza” radica en la
contemplación de las imágenes, más allá del significado que las mismas puedan tener. Algunos
de sus principales exponentes fueron los artistas
visuales Viking Eggeling (1880-1925), con su
cortometraje Symphonie Diagonale (1924) y
Hans Richter (1888-1976), con su obra Rhythmus
21 (1921).
Aunque al principio el cine absoluto se caracterizó por mostrar únicamente figuras geométricas en movimiento, otros artistas comenzarían
a incluir nuevos elementos que aportarían
nuevas dimensiones a esta corriente. Por
ejemplo, los artistas franceses Germaine Dulac
(1882-1942) y Man Ray (1890-1976), introdujeron imágenes “reales” retocadas, con la finalidad de presentar al espectador nuevas miradas
sobre algún aspecto de la “realidad”, manteniendo –de igual manera– el espíritu de representar “nuevas realidades” con formas y
movimientos.
Es tal el atractivo visual que propuso el arte
abstracto, que dicha vanguardia ha logrado permanecer a lo largo del tiempo. Por ejemplo, en
los años sesenta el videoarte se inspiró en el cine
abstracto para sus creaciones, y la misma industria cultural y creativa ha incluido sus características en diversos formatos, entre los que resaltan
distintas intros de series televisivas, tales como:
Dark (2017-2020) y Vinyl (2016).
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DOSSIER
Fig. 3 Las imágenes calidoscópicas permiten crear figuras abstractas que se fragmentan y duplican y su uso en la intro de
Dark es pertinente porque estas les permiten a sus creadores reflejar –desde lo simbólico– temas tan complejos como la existencia
de mundos paralelos.
Dark, primera serie alemana producida por
Netflix, es un thriller creado por Baran bo Odar
y Jantje Friese, que narra –a lo largo de sus tres
temporadas– la historia de cuatro familias que
tratan de descubrir la verdad tras la desaparición
de dos niños. Tras la búsqueda de dicha “verdad”,
descubrirán el vínculo que las unen y, además,
enfrentarán una serie de eventos sobrenaturales
que los sumergirán en temas tan complejos
como viajes en el tiempo, dimensiones alternas,
agujeros de gusanos, entre otros tantos eventos
inexplicables. Para ello, el bosque de un pequeño
pueblo (Winden) se convertirá en el escenario
donde el tiempo y la muerte parecen desdoblarse. Como expresa la misma serie, en Dark el
principio es el final y el final es el principio.
Todos estos planteamientos parecen estar
reflejados en su secuencia de apertura, la cual, a
través de imágenes abstractas, trata de representar la fragmentación del tiempo y el espacio.
Esta intro, diseñada por Lutz Lemke, es un
collage de imágenes que nos permiten apreciar
recortes de momentos y hechos, cuerpos y
formas, que se entremezclan para advertirnos
sobre el cruce de realidades y dimensiones
alternas. Para tal fin, Lemke apuesta por el uso
de imágenes caleidoscópicas, puesto que estas
tienen la capacidad de mostrar la “[…] presencia
de lo doble o el doble, la animación de objetos
sin vida, la repetición de situaciones idénticas
(efecto mágico y sobrenatural de déjà vu) y la
fragmentación [...]” (Vergara, 2018: 85), características claramente presentes en Dark.
A través de puertas que se doblan, ojos que
parpadean, cuerpos que se fusionan, entre otras
imágenes que se muestran hermosamente perturbadoras y siniestras, la intro, también, nos
habla del tiempo, la repetición y la unión entre
pasado, presente y futuro. En resumen, cada uno
de los elementos presentes en este clip forman
una pieza audiovisual abstracta que posee un
alto valor estético y simbólico (digno de ser analizado en un estudio mucho más profundo).
Es tal el atractivo visual que propuso el arte
abstracto, que dicha vanguardia ha logrado
permanecer a lo largo del tiempo. Por ejemplo,
en los años sesenta el videoarte se inspiró en
el cine abstracto para sus creaciones, y la
misma industria cultural y creativa ha incluido
sus características en diversos formatos (...)
Por otra parte, tenemos el opening de la serie
Vinyl, en donde el arte abstracto también se hace
presente.
Vinyl es una serie dramática, creada por
Martin Scorsese, Mick Jagger, Rich Cohen y
Terence Winter (y producida por la cadena
HBO), cuya historia es ambientada en la turbulenta ciudad de New York de los años setenta.
Este drama nos cuenta la decadente historia del
ejecutivo discográfico Richie Finestra, un
hombre que se viene a menos mientras intenta
sacar adelante su disquera: American Century
Records, la cual debe competir con el surgimiento de novedosas y poderosas compañías
discográficas.
Tras una sola temporada, la serie logró adentrar a sus espectadores en el complejo mundo de
la industria musical, a través de una alta dosis de
“sexo, drogas y Rock and Roll”. Todo este espíritu de rebeldía, adicción y mucha música se
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trató de reflejar en su secuencia de apertura y el
resultado fue una exuberante obra experimental,
vibrante y disonante que coquetea con el arte
abstracto.
Si bien el opening no lo podemos considerar
cien por ciento abstracto, algunas escenas
parecen estar inspiradas en el cine absoluto. Por
ejemplo, los creadores de esta pieza: Peter
Frankfurt, Alan Williams y Michelle Dougherty, al experimentar con imágenes microscópicas lograron crear elementos gráficos indefinidos que transcienden la mera representación
“real” del objeto. Violentas vibraciones de
sonidos acompañadas de micro partículas de
polvo y la aguja de un tocadiscos que atraviesa
violentamente los surcos de un vinilo, otorgan
nuevas miradas de la “realidad”. Asimismo, a
través del uso del blanco y negro e imágenes
granuladas y crudas, que imitan la estética de
películas grabadas en Super 8, lograron crear
una obra abstracta que activa los sentidos del
Fig. 4 En estos fotogramas podemos apreciar el uso de dos
imágenes microscópicas que fueron utilizadas en la intro de Vinyl,
en la parte superior vemos una aguja entre los surcos de un vinilo y
en la parte inferior percibimos unas partículas de polvo (presuntamente cocaína) que vibran al ritmo de una estridente música.
espectador, sumergiéndolo en un viaje alucinógeno.
Vale la pena destacar que, algunos elementos
de la intro de Vinyl nos recuerdan al filme abstracto Disque 957 (1928), creado por Germaine
Dulac, el cual intenta recrear visualmente el
Preludio en B bemol de Frédérique Chopin
(1810-1849). En esta obra Dulac nos ofrece imágenes de tocadiscos, discos en movimiento que
se superponen con otros vinilos, vibraciones de
agua, manos que tocan un piano, un reloj oscilante, entre otras imágenes que crean una obra
libre y sublime.
Evidentemente, el arte abstracto sigue siendo
de gran importancia en las obras artísticas contemporáneas y algunos medios masivos, como
la televisión, han sabido apreciar la esencia de la
misma y el impacto positivo que esta tiene a la
hora de captar la atención de las audiencias.
Fig. 5 Dos fotogramas del cortometraje Disque 957, de
Germainde Dulac, en los que podemos apreciar un vinilo
que rueda y unas ondas de agua superpuestas.
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SURREALISMO E INTROS DE SERIES
Los orígenes del surrealismo se remontan a
1917, cuando el poeta francés Guillaume Apollinaire (1880-1918) afirma que su obra Les mamelles de Tirésias es un drama surrealista. No
obstante, su consolidación como corriente artística no se daría sino hasta 1924, cuando el poeta
André Breton (1896-1966), escribió el Manifeste
du Surréalisme, el cual explica las principales
características del movimiento.
Al igual que las avant-garde citadas anteriormente, el surrealismo surgió como respuesta a
los cambios que se estaban generando en el
ámbito artístico luego de la Primera Guerra
Mundial. Los surrealistas buscaban quebrantar
las normas de arte establecidas y para lograrlo
comenzaron a cuestionar los modos de reproducción y representación que hasta el momento
existían.
Para los surrealistas, lo importante era
regresar a la irracionalidad del inconsciente,
para separar –definitivamente– el arte de lo
lógico y lo racional, siendo esto lo que lograría
que el hombre alcanzara su verdadera libertad.
Así, encontramos un movimiento artístico cuya
estética se fundamenta en lo onírico, la paradoja, el humor, el erotismo y la locura.
Con respecto al cine, esta vanguardia
encontró una maravillosa máquina que le permitiría expresar masivamente sus ideas oníricas: el
cinematógrafo, y una mujer, Germaine Dulac
(1882-1942), sería quien daría vida a una de las
primeras obras surrealistas cinematográficas:
La coquille et le clergyman (1927). A partir de
esta obra, el cine comenzaría a experimentar
otros tipos de montajes, las imágenes comienzan
a ser colocadas de manera arbitraria, ilógica,
irracional, reflejando los impulsos del inconsciente.
Otros importantes exponentes de esta
corriente fueron los españoles Luis Buñuel
(1900-1983) y Salvador Dalí (1904-1989).
Ambos lograron crear una película surrealista
–inspirada en un sueño del propio Dalí–, que se
ha convertido en un filme representativo de esta
vanguardia: Un perro andaluz (1929).
En resumen, “[…] gracias al surrealismo, el
arte encontró mayor espontaneidad, provocación y asumió las contradicciones para así, poder
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convertirse en un acto libre, caótico, fugaz y
subversivo, que da vida a imágenes insólitas
mediante la lógica del inconsciente [...]” (García,
2019: 106).
Tomando en cuenta lo planteado podemos
afirmar que esta vanguardia resulta altamente
atractiva para la creación de los openings de los
seriados ficcionales televisivos, puesto que estos
–en muchos casos– incluyen temas oníricos, ilógicos y contradictorios.
Una muestra de esto es la secuencia de créditos de Good Omens (2019), producida por
Amazon Studios y la BBC, miniserie dirigida
por Douglas Mackinnon y escrita por Neil
Gaiman, la cual sigue las vivencias y extraña
amistad de un dúo improbable, un ángel llamado
Aziraphale y un demonio de nombre Crowley,
quienes tienen que avanzar hacia el Armagedón
puesto que tienen la tarea de iniciar el fin del
mundo. Una tarea que se vuelve complicada
para ellos porque luego de vivir en la Tierra por
mucho tiempo (desde su creación) le han tomado
un gran cariño.
DOSSIER
Fig. 6 En ambas imágenes podemos apreciar el carácter surrealista de la obra, en la parte superior vemos una ciudad decorada
con un querubín gigante y en la parte inferior distinguimos una
procesión mientras al fondo aparece un monstruo demoniaco.
También observamos la dualidad del bien y el mal.
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DOSSIER
El opening no hace más que reforzar el tono
surrealista de la serie. A través de la combinación
de imágenes 3D y 2D, el trabajo creado por Peter
Anderson Studio logró ubicar a los personajes en
una apertura que posee un tono delirante y humorístico. La secuencia se nos muestra como una
dualidad entre el bien y el mal, de allí que
podemos observar diferentes hechos bíblicos e
históricos mientras el ángel y el demonio recorren –en un viaje lineal que va de las profundidades del mar al espacio exterior– la Tierra,
comenzando desde el principio de los tiempos
Si bien este breve ensayo no buscaba debatir sobre
la carencia y/o potencialidad que tienen las series
como obras de arte, es evidente que el mismo nos
ha permitido –tímidamente– vislumbrar el potencial
artístico que poseen algunas de sus intros.
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Fig. 7 En la imagen superior aparece Medusa con cables de fibra
óptica, en vez de sus simbólicas serpientes, como cabellera y en
la inferior se encuentra Buda rodeado de estupefacientes. Asimismo, ambas imágenes denotan, a través de sus colores, el
aspecto psicodélico de la obra.
hasta el fin del mundo, mientras otras personas se
les van uniendo formado una procesión.
Es tal el tono surrealista de esta intro, que
podemos apreciar árboles con ojos que nacen e
inmediatamente mueren, enormes querubines
de piedra, el Arca de Noé atrapada entre dos
enormes edificios, monstruos gigantes, lluvia de
peces, naves espaciales y muchas personas que
marchan hacia el final de sus días.
Asimismo, con la finalidad de acentuar aún
más el carácter surrealista de la obra, se le colocó
una pieza musical (compuesta por David Arnold)
que se aprecia como un vals que se funde con un
canto fúnebre carnavalesco.
Otra pieza audiovisual que parece poseer
características como las ya mencionadas, es la
intro de la serie American Gods (2017, Starz).
Esta ficción seriada producida por Bryan Fuller
y escrita por Michael Green (basada en la novela
homónima de Neil Gaiman), a través de sus dos
primeras temporadas, nos cuenta la historia de
un exconvicto llamado Shadow Moon, un joven
que, tras la repentina muerte de su esposa Laura,
acepta ser el guardaespaldas de Mr. Wednesdey,
un excéntrico hombre que introducirá a Shadow
Moon en una batalla que se está gestando entre
los viejos dioses y los nuevos.
La intro de la serie, al igual que las ya analizadas, busca adentrarnos en la propia esencia del
programa y lo logra a través de una pieza que nos
muestra un espectáculo de deidades. Para ello su
creador, Patrick Clair, recurre al uso de elementos icónicos y simbólicos, tanto tecnológicos como religiosos, los cuales se mueven en
un espacio policromático y surrealista, en donde
los colores fucsia, azul, verde y rojo, se entremezclan para transportarnos a un mundo psicodélico, donde los “dioses” antiguos parecen
fusionarse con los nuevos; así encontramos, por
ejemplo, una Medusa que sustituye su característica cabellera de serpientes por cables de fibra
óptica, un Buda sonriente rodeado de estupefacientes, ángeles armados con AK-47 o un astronauta crucificado. En este sentido, esta pieza
audiovisual surrealista se convierte –simbólicamente– en una metáfora que expresa cómo la
sociedad norteamericana (en este caso particular) ha sustituido a sus ídolos religiosos por la
tecnología, el espectáculo y/o las drogas.
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Al igual que los créditos iniciales de Good
Omens, en la secuencia de apertura de American
Gods la música juega un papel importante. El
tema musical de Brian Reitzell, pieza que por
momentos nos recuerda a la canción Immigant
Song (1970) de la agrupación Led Zeppelin,
logra inyectarle fuerza y aporta ritmo a la
secuencia, envolviéndonos, a su vez, en una
atmósfera mucho más surrealista y psicodélica.
A través de este breve análisis, queda claro
que la vanguardia surrealista no solo se ha mantenido a lo largo del tiempo, también se ha convertido en una de las corrientes más influyentes
en la producción audiovisual, puesto que su aplicación permite que muchos creadores puedan
desplegar su creatividad.
REFLEXIÓN FINAL
Si bien este breve ensayo no buscaba debatir
sobre la carencia y/o potencialidad que tienen las
series como obras de arte, es evidente que el
mismo nos ha permitido –tímidamente– vislumbrar el potencial artístico que poseen algunas de
sus intros. En este sentido, creemos en la necesidad de seguir estudiando estas obras audiovisuales y su acercamiento con otras corrientes,
para con ello indagar cómo, por ejemplo, el futurismo, el cubismo, el minimalismo, el pop art,
entre otros movimientos artísticos, géneros y/o
formatos se entremezclan para ofrecernos obras
verdaderamente creativas que definen la cultura
visual contemporánea.
Además, el estudio de estos medios es relevante, porque nos permite –como ya hemos
mencionado– analizar cómo estas piezas se
transforman en pequeñas obras de arte que
tienen la capacidad de reinventarse con la finalidad de atraer al espectador y llevarlo a una
experiencia estética y narrativa mucho más gratificante frente a la pantalla.
Asimismo, para finalizar, es importante destacar el valor de estos formatos como objeto de
estudio, puesto que los mismos, a través de la
experimentación, han generado nuevas formas
de expresión que nos permiten profundizar en lo
conceptual, en las configuraciones estético-narrativas y vislumbrar hacia dónde se dirige el
entrecruzamiento entre los productos audiovisuales de consumo masivo y el arte.
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DOSSIER
ERICK GARCÍA ARANGUREN
Licenciado en Comunicación Social y Magister en
Comunicación Social. Investigador y docente del
Instituto de Investigaciones de la Comunicación
(Ininco) de la Universidad Central de Venezuela
(UCV) y miembro del Observatorio
Iberoamericano de la Ficción Televisiva (Obitel),
Capítulo Venezuela.
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DOSSIER
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Notas
1 Por ejemplo, por citar un par de estudios, podemos nombrar
el artículo “Transmodernidad, estética y videojuegos” de
Ximena Hidalgo y el libro El A/arte en el videoclip musical
de Raquel Marín Sánchez.
2 “[…] en 2019 el streaming en Estados Unidos registró
ganancias por 46 mil 400 millones de dólares, pero en lo
que va de 2020, y en proyección al 2024, podría duplicarse
a 66 mil 800 billones de dólares, según cifras del informe
de PWC Global Entertainment & Media Outlook” (Producto, 1 de octubre de 2020: s.p).
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GALERÍA
DE PAPEL
Galería de papel. Serie Expansión XL. Víctor Hugo Irazábal (2020).
abrasiones sufridas por la materia en constante
transformación, en los animales, en los signos y
en los shabonos2.
Que esa vuelta del artista a obras de hace
unos años esté mediada por lo digital nos dice
algo más, algo muy importante. En la experiencia de las poéticas contemporáneas no hay, tampoco, universos distintos para los átomos y los
bits. Así como en la selva los espíritus conviven
con la materia pues la existencia es una totalidad, lo digital no es un añadido a las imágenes
sino algo que se revela en ellas: la experiencia
del proceso, lo inacabado, el movimiento, el
hacerse infinito del arte. Algo anteriormente
encerrado en el límite de la materia física, hoy
victor_hugo_irazabal
•
extendido en la vibración electrónica de la inmaterialidad “virtual”. La obra digital expuesta
aquí no es más que un impulso novedoso de
esa huida interminable de la persona humana
y sus fantasmas, un deslizamiento de la energía
“procesual” del taller al software y un guiño a
las honestas palabras de Ortega y Gasset cuando acepta que al arte actual lo distingue “la imposibilidad de volver atrás”.
HUMBERTO VALDIVIESO
1
2
Chamanes yanomami.
Casas comunales yanomamis en la selva.
www.victorhugoirazabal.com
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