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23 - 26 Octobe r 20 19, Sa l to, Ur u gu a y
M USI C I N POP UL AR THE ATE R AND R I TU AL
M ÚSI CA, TE ATR O POP UL AR Y R I TU AL E S
Si x te e nth Sy m pos i u m of the I C TM Stu dy Grou p
on I conogr a phy of th e Pe r for m i n g A r t s
4
ICTM Executive Board
Program committee
Salwa El-Shawan Castelo-Branco
President
Zdravko Blažeković,
City University of New York, The Graduate Center
ICTM Study Group on Iconography of the Performing Arts, Chair
Svanibor Pettan
Vice-President
Ordinary Members
João Soeiro de Carvalho
Naila Ceribašić
Silvia Citro
Brian Diettrich
Catherine Foley
Lee Tong Soon
Marcia Ostashewski
Marie Agatha Ozah
Tan Sooi Beng
J. Lawrence Witzleben
Louise Wrazen
Antonio Baldassarre,
Lucerne University of Applied Sciences and Arts - Music
Hochschule Luzern - Musik
Cristina Santarelli,
Istituto per i Beni Musicali in Piemonte, Turín
Daniela Castaldo,
Università del Salento, Lecce
Egberto Bermudez,
Universidad Nacional de Colombia, Bogotá
Marita Fornaro Bordolli,
Universidad de la República, Montevideo
Universidad de la República
Rodrigo Arim
Rector
Rodney Colina
Presidente Comisión Coordinadora del Interior
PRESENTATION/PRESENTACIÓN
7
PROGRAM/PROGRAMA
11
KEYNOTES LECTURES/CONFERENCIAS
33
PAPERS/PONENCIAS
50
Graciela Carreño
Directora CENUR Litoral Norte
Carlos Yoder
Executive Assistant
Pancracio Cánepa
Director Sede Salto, CENUR Litoral Norte
Marita Fornaro Bordolli
Responsable CIAMEN
Local Committee
Sergio Marcelo de los Santos
Virginia D’ Alto
Yoanna Díaz
6
Diseño gráfico: Sebastián Pereira
Ursula Hemetek
Secretary General
INDEX/ÍNDICE
Don Niles
Vice-President
Imagen de tapa:
Teatro Larrañaga - Salto, Uruguay
Fotografía: José Luis La Greca
7
E
n los últimos diez años la Universidad de la República ha apostado
con fuerza a la descentralización de los recursos humanos y materiales. En esa apuesta han jugado un papel fundamental los Polos
de Desarrollo Universitario. Uno de ellos, el Centro de Investigación
en Artes Musicales y Escénicas del Litoral Norte (CIAMEN), constituye
una propuesta de enfoque interdisciplinario en el área artística; reúne
a investigadores interesados en un acercamiento científico a las manifestaciones escénicas, sobre todo a la música, el teatro y el teatro
musical. La organización de encuentros de especialistas ha ocupado
parte importante de la actividad de este Centro en su desarrollo desde
su creación, la que tuvo lugar en el comienzo del citado proceso de
descentralización. Entre los varios encuentros organizados, se destacan
los vinculados al International Council for Traditional Music (ICTM): el
celebrado en 2018, con una presencia histórica de cien investigadores
extranjeros y ochenta uruguayos: el Simposio “Música, sonido, danza
y movimiento en América Latina y el Caribe” fue el paso fundamental para que el ICTM aprobara la constitución del Study Group “Música
y danza de América Latina y el Caribe”. Este año la propuesta es diferente: uno de los grupos más consolidados dentro de esa institución, el dedicado a la Iconografía de las Artes Performáticas, celebra,
por primera vez, su Simposio en este continente. La propuesta de su
Responsable, el Dr. Zdravko Blažeković, fue recibida por el CIAMEN y
se concreta ahora, con investigadores de tierras y temas tan diversos
como Sri Lanka, Italia, Rusia, una nutrida delegación colombiana, Argentina, Brasil y un buen número de uruguayos. Un camino adecuado
para poner la Universidad de la República y el CENUR Litoral Norte en
el mapa de la investigación de las artes escénicas.
Dr. Rodney Colina
Presidente Comisión Coordinadora del Interior
Universidad de la República
L
a Universidad de la República es la principal institución de educación superior y de investigación del Uruguay. Es una institución
pública, autónoma y cogobernada por sus docentes, estudiantes y
egresados, inspirada en el espíritu del Movimiento de la Reforma Universitaria de los estudiantes de la Universidad de Córdoba en 1918. En
8
En los últimos diez años ha cobrado gran impulso la política de descentralización y regionalización de la institución, una de cuyas metas
principales es lograr una mayor equidad en el acceso a los estudios
terciarios universitarios en relación con el factor territorial y económico. La Sede Salto del CENUR Litoral Norte es el centro pionero en este
camino de descentralización, que también incluye la investigación y
la extensión. Por esto, nos sentimos gratificados de abrir la sede a las
actividades a un evento de una sociedad de investigadores del alcance mundial del International Council for Traditional Music, con el XVI
Simposio del Study Group on Iconography of the Performing Arts. La
orgaización de este Simposio por parte del Centro de Investigación
en Artes Musicales y Escénicas (CIAMEN) significa una nueva etapa de
crecimiento de este Polo de Desarrollo Universitario, y otro paso en
favor de la equidad, al acercar investigadores de diferentes continentes
al demos universitario de la región.
Ing. Agr. Pancracio Cánepa
Director Sede Salto / CENUR Litoral Norte
Universidad de la República
E
l Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas del litoral
Noreste (CIAMEN), desde su conformación y trabajo iniciales marca rumbos en el abordaje interdisciplinario necesario para el estudio
de las artes performáticas. De esta forma, musicólogos, antropólogos,
profesionales del ámbito teatral, archivólogos e informáticos han trabajado en conjunto y alcanzado el nivel de la interdisciplina, obteniendo valiosos logros en ámbitos nacionales e internacionales. Lejos ha
quedado el punto de inicio que ha tenido en 2005: los estudios sobre
el Telón del Teatro Larrañaga de la ciudad de Salto, cuando con un grupo del curso de Historia de la Música Nacional a mi cargo en el marco
de las Tecnicaturas en Música que se imparten en el Litoral Norte, comenzamos a trabajar en esta temática. Particularidades que resultaron
únicas a nivel nacional, como el pegado de los programas en el reverso
del telón por parte de los mismos artistas que trabajaron en él, constituyeron una tradición que se continúa hasta hoy: el dejar la marca de
su paso por ese teatro trascendiendo en el tiempo... Más de un siglo de
historia que la comunidad aprecia en su justa medida.
El Study Group dedicado a la “Iconografía de las artes performáticas”
del International Council for Traditional Music propuso a la representante para Uruguay para el mismo, la Dra. Marita Fornaro, que la
Universidad de la República (UdelaR) en Uruguay, fuera la que oficiase
institucionalmente de Sede para este Simposio. En el marco de nuestra
Universidad, el CIAMEN ha concentrado el esfuerzo de todos sus integrantes para la organización del evento con el apoyo institucional del
Centro Universitario Regional Litoral Norte (CENUR Litoral Norte) y en
particular de la Sede Salto, así como apoyos diversos de diferentes organizaciones locales que sin dudar respondieron redoblando la apuesta a la realización del Simposio. A nivel regional, el trabajo sostenido y
con apoyos concretos por más de diez años con la Intendencia Departamental de Salto y la Comisión Honoraria de Patrimonio Histórico y
Cultural, han sido pilares para la sostenibilidad a lo largo del tiempo y
los resultados obtenidos.
La presencia de los responsables del Study Group “Iconografía de las
artes performáticas” del ICTM y del Répertoire International d’ Iconographie (RIdiM) de la International Musicological Society, las dos sociedades de alcance mundial sobre el tema, así como la multiplicidad de
los países intervinientes en este Simposio convalidan una vez más el
esfuerzo de los investigadores nacionales en la producción de conocimiento en el área.
Como dije en el marco del Simposio anterior, desde mi propia formación como musicóloga iniciada en 1983, lo que antes era inimaginable
hoy se hace realidad. Como integrante fundacional del CIAMEN, que
apostando al proceso de la UdelaR en referencia con la descentralización y regionalización ha elegido al CENUR Litoral Norte como su lugar
de radicación, sé que ha sido un esfuerzo colectivo de proporciones.
Desde la Dirección Regional del CENUR Litoral Norte (que abarca los
departamentos de Salto, Paysandú, Artigas y Río Negro), ser la base territorial para el mismo, se transforma en un paso más de crecimiento y
visualización del interior del país, ratificando una vez más su potencial
académico y lo que éste puede lograr.
Desde todos los roles que actualmente tengo la oportunidad única de
tener, les auguramos el mayor de los éxitos en este Simposio.
Mag. Graciela Carreño
Directora Regional / CENUR Litoral Norte
Universidad de la República
PRESENTATION/PRESENTACIÓN
colaboración con una amplia gama de actores institucionales y sociales, realiza también múltiples actividades orientadas al uso socialmente valioso del conocimiento y a la difusión de la cultura.
9
PROGRAM/PROGRAMA
Teatro Larrañaga - Salto, Uruguay / Fotografía: Marita Fornaro
10
11
Music in Popular Theater and Ritual
Sixteenth Symposium of the ICTM Study Group on Iconography of the Performing Arts
Wednesday, October 23 / Montevideo
15:00
Welcome to participants, Solís Theater
15:15
Iconographic Heritage of the Solis Theater: Guided visit to the Documentation,
Research and Dissemination Center for the Scenic Arts (CIDDAE).
17:30
Visit to the National Auditorium “Adela Reta”, SODRE, and to SODRE’s
Symphonic Sheet Music Library.
23:50
Transport to Salto City, Bus Terminal “Tres Cruces”
12
Uruguay, Montevideo, Opera and its Graphics. Posters and Program
Leaflets of the Teatro Solís between 1985 and 2018: A Close Relationship
between Promotional Image and Tradition
Sergio Marcelo de los Santos,
Universidad de la República,
Uruguay
17:30
Augusto Azzali (1863–1907) and His Operas: Iconographic Sources
Rafael Andrés Reyes
Rodríguez, Universidad
Nacional de Colombia.
18:00
Music and Sci Fi: An Iconographic Approach (1960–1980)
María Fernanda Bernal,
Escuela de Artes y Letras,
Colombia
Marcelo Sienra,
CIDDAE.
Friday, October 25 / Salto
Thursday, October 24 / Salto
15:00
Opening of the Symposium. University Center of the Northern Region, University of the Republic.
15:15
Keynote Lecture :
Theater Curtains and their Decorations
Zdravko Blažeković,
Research Center for Music
Iconography, City University
of New York, The Graduate
Center
Music Theater and Identity in the Tropical Belle Époque:
The Rituals of Theater Attendance in the Images of Fon-Fon!
Mónica Vermes,
Universidade Federal do
Espíritu Santo / CNPq, Brasil
16:30
17:00
9:30
Remains of Ritual: Rethinking Body, Time, and Presence in Apulian
Tarantism
Nina Baratti, Harvard
University, Music
Department
10:00
The Music in São Lourenço Colony Pomeranian Weddings through
Visual Sources
Danilo Kuhn Silva,
Universidade Federal de
Pelotas
10:30
Alegorias, adereços and fantasias in the escuelas de samba of
Artigas City. An Iconographic Example of Encounter of Knowledges
Ana VIrgina Lecueder,
Universidad de la
República, Uruguay
13
Music in Popular Theater and Ritual
11:00
Felipe Calle, Universidad
Nacional de Colombia
11:30
Coffee break
11:45
New Celebrations for a New State: Visual and Sound Aspects of
the pubbliche feste in Republican Milan (1796-1802)
Alessandra Palidda. Oxford
Brookes University, School of
Arts.
Keynote Lecture:
Music Iconography Research and the Jungle of Positions and
Interpretations
Antonio Baldassarre, Lucerne
University of Applied Sciences
and Arts, School of Music
12:15
13:30
14
Invented Traditions and Their Music: The Carnival and the Desfile
de los Genitores from Ocaña (Northwest Colombia), 1946–60
Lunch
15:00
The Organ of Tibasosa (Boyacá): An Iconograhic Approach
José Luis Castillo Higuera,
Universidad Nacional de
Colombia
15:30
The Rite of the Image: The Logo of the Magazine La Quena as a
Political Manifest of the Musical Nationalism in the Argentinian
Nineteen Century
Adriana Cerletti, Universidad
de Buenos Aires/Universidad
Nacional de las Artes
16:00
Bogotá’s Soundscape through the Lens of Gumersindo Cuellar
(1891–1958)
Nicolás Cortés Pardo, Universidad
Nacional de Colombia
16:30
José J. Dueñas (1903–85) through His Images: Performer, Activist,
Educator and Composer
Néstor Dueñas-Torres,
Universidad Sergio Arboleda,
Bogotá
17:00
Symphonic Instruments and Plucked String Ensembles in Música
Colombiana, 1960–2000: An Iconographic Approach
Alejandro Vargas Muñoz,
Universidad Nacional de
Colombia
Sixteenth Symposium of the ICTM Study Group on Iconography of the Performing Arts
17:30
Coffee break
18:00
Iconographic Sources and Music at the Peripheries: A Colombian
Case, El Socorro, 1780–1820
Egberto Bermúdez,
Universidad Nacional de
Colombia
18:30
Keynote Lecture:
Roses of passion: Strong Women of the Larrañaga Theater.
An Iconographic Perspective Based on Gender and Body
Representation
Marita Fornaro Bordolli,
Universidad de la República,
Uruguay
19:45
Visit to Larrañaga Theater and to the Exhibition Roses of passion: Women of the Larrañaga
Theater
20:30
Uruguayan Traditional Music (concert)
Saturday, October 26 / Salto
9:30
Hearing and Seeing “Stereo”: Records, Covers and Orchestras.
The Case of Colombia
Carlos M. Benítez.
Universidad INNCA, Bogotá
10:00
Metal in Colombia: Records and their Covers
Rafael Oliver, Universidad
Nacional de Colombia
10:30
Rap LP Records and their Covers in Bogotá: La Etnnia and his LP
Malicia indígena, 1997
Adriana Moreno,
Universidad Nacional de
Colombia
15
Music in Popular Theater and Ritual
Sixteenth Symposium of the ICTM Study Group on Iconography of the Performing Arts
Miércoles 23 de octubre / Montevideo
11:00
Coffee break
11:30
Iconographical Study of the Rectangular Cithara in Apulian Vase
Painting: Morphology and Performance
12:00
16
Keynote Lecture:
Iconography of Music and Classical Antiquity: Topics, Goals and
Methods
Fabio Vergara Cerqueira,
Universidade Federal de
Pelotas
15:00
Bienvenida a los participantes, Teatro Solís
Daniela Castaldo,
Università del Salento,
Lecce
15:15
Patrimonio iconográfico del Teatro Solís: visita guiada al Teatro y a su
Centro de Documentación, Investigación y Difusión de las Artes Escénicas.
17:30
Visita al Auditorio Nacional “Adela Reta”, SODRE, y la Biblioteca de
Partituras Sinfónicas del SODRE.
23:50
Viaje a Salto, Terminal de Ómnibus “Tres Cruces”
13:30
Lunch
15:00
Atawallpa and Wáskar: Music to Move the World.
Filme: Atawallpa and Wáskar: This Is Not a Game (2018)
Claudio Mercado,
Museo Chileno de Arte
Precolombino, Santiago de
Chile
16:30
The “Festival de Música Religiosa” de Poyayán: Music and the
Semana Santa Processions
Germán Aguirre,
Universidad Nacional de
Colombia
17:00
Russia’s Olympic Spectacles
Inna Naroditskaya,
Bienen School of Music,
Northwestern University
17:30
The Ritualistic Kandy Pageant in Temple Wall Paintings in Sri Lanka
18:00
Meeting of the ICTM Group
Marcelo Sienra,
Encargado del CIDDAE.
Jueves 24 de octubre / Salto
15:00
Inauguración del Simposio, Centro Universitario de la Región Norte, Universidad de la República
15:15
Conferencia inaugural:
Los telones teatrales y su decoración
Dr. Zdravko Blažeković,
Research Center for Music
Iconography, City University
of New York, The Graduate
Center
16:30
Teatro Musical e identidad en la Belle Époque tropical: los rituales
de asistencia al teatro en las imágenes de la revista Fon-Fon!
Mónica Vermes UFES /
CNPq)
Manoj Alawathukotuwa,
University of Peradeniya,
Sri Lanka
17
Music in Popular Theater and Ritual
17:00
Uruguay, Montevideo, la ópera y su gráfica. Afiches y programas de
mano del Teatro Solís entre 1985 y 2018: la estrecha relación entre
imagen promocional y tradición
Sergio Marcelo de los Santos.
Universidad de la República,
Uruguay
17:30
Augusto Azzali (1863 – 1907) y sus óperas: fuentes iconográficas
Rafael Andrés Reyes
Rodríguez, Universidad
Nacional de Colombia.
18:00
Música y Ciencia Ficción: un acercamiento iconográfico (1960 –
1980)
María Fernanda Bernal,
Escuela de Artes y Letras,
Colombia
Friday, October 25 / Salto
11:00
Tradiciones y músicas inventadas: el Carnaval y el Desfile de los
genitores de Ocaña (noreste de Colombia) 1946-60
Felipe Calle, Universidad
Nacional de Colombia
11:30
Café
11:45
Nuevas celebraciones para un nuevo estado: aspectos visuales y
sonoros en las pubbliche feste de la república de Milán (1796-1802)
Alessandra Palidda. Oxford
Brookes University, School of
Arts.
12:15
Conferencia:
Investigación en iconografía musical: la jungla de posiciones e
interpretaciones
Antonio Baldassarre, Lucerne
University of Applied
Sciences and Arts, School of
Music
13:30
Almuerzo
15:00
El órgano de Tibasosa (Boyacá): una visión iconográfica
José Luis Castillo Higuera,
Universidad Nacional de
Colombia
15:30
El rito de la imagen: el logo de la revista La Quena como
manifiesto político del nacionalismo musical en el siglo XIX
argentino
Adriana Cerletti, Universidad
de Buenos Aires/Universidad
Nacional de las Artes
9:30
Restos de un ritual: repensando el cuerpo, el tiempo y la
presencia en el tarantismo de la Apulia
Nina Baratti, Harvard University,
Music Department
10:00
La música en las bodas pomeranas de la colonia São Lourenço
a través de las fuentes visuales.
Danilo Kuhn Silva, Universidade
Federal de Pelotas
16:00
Alegorias, adereços y fantasias en las escuelas de samba de la
ciudad de Artigas. Un ejemplo iconográfico de conjunción de
saberes.
Ana VIrgina Lecueder,
Universidad de la República,
Uruguay
El panorama musical bogotano a través de la lente de Gumersindo
Cuéllar (1891-1958)
Nicolás Cortés Pardo,
Universidad Nacional de
Colombia
16:30
J. J. Dueñas (1903–85): intérprete, activista, educador y compositor:
a través de sus imágenes
Néstor Dueñas-Torres,
Universidad Sergio Arboleda,
Bogotá
10:30
18
Sixteenth Symposium of the ICTM Study Group on Iconography of the Performing Arts
19
Music in Popular Theater and Ritual
17:00
Instrumentos sinfónicos y conjuntos de cuerdas pulsadas en la
música colombiana, 1960-2000: una visión iconográfica
Alejandro Vargas Muñoz,
Universidad Nacional de
Colombia
17:30
Café
18:00
Fuentes iconográficas y actividad musical en la periferia. Un caso
colombiano: El Socorro, 1780-1820
Egberto Bermúdez,
Universidad Nacional de
Colombia
18:30
Conferencia:
Rosas de pasión: las mujeres fuertes del Teatro Larrañaga. Una
perspectiva iconográfica desde el género y la representación del
cuerpo
Marita Fornaro Bordolli,
Universidad de la
República, Uruguay
19:45
Visita al Teatro Larrañaga y a la exposición “Rosas de pasión: mujeres del Larrañaga”
20:30
Concierto: músicos populares uruguayos
Saturday, October 26 / Salto
20
9:30
Ver y oír la estereofonía: discos, carátulas y orquestas: el caso de
Colombia
Carlos M. Benítez.
Universidad INNCA, Bogotá
10:00
El Metal en Colombia, sus discos y sus carátulas
Rafael Oliver, Universidad
Nacional de Colombia
Sixteenth Symposium of the ICTM Study Group on Iconography of the Performing Arts
10:30
Carátulas y discos de rap en Bogotá: La Etnnia y su disco Malicia
indígena, 1997
Adriana Moreno, Universidad
Nacional de Colombia
11:00
Café
11:30
Estudio iconográfico de la cítara rectangular en vasos pintados
de Apulia: morfología y performance
Fabio Vergara Cerqueira,
Universidade Federal de
Pelotas
12:00
Conferencia:
Iconografía musical y Antigüedad clásica: temas, objetivos y
métodos
Daniela Castaldo,
Università del Salento, Lecce
13:30
Almuerzo
15:00
Atawallpa y Wáskar : música para mover el mundo.
Filme: Atawallpa and Wáskar: This Is Not a Game (2018)
Claudio Mercado, Museo
Chileno de Arte Precolombino,
Santiago de Chile
16:30
The “Festival de Música Religiosa” de Poyayán: Music and the
Semana Santa Processions
Germán Aguirre, Universidad
Nacional de Colombia
17:00
Espectáculos olímpicos en Rusia
Inna Naroditskaya, Bienen
School of Music, Northwestern
University
17:30
La procesión ritual de Kandy en las pinturas murales de Sri
Lanka
Manoj Alawathukotuwa,
University of Peradeniya, Sri
Lanka
18:00
Meeting of the ICTM Group
21
KEYNOTES
LECTURES /CONFERENCIAS
“Las cazueleras”, D. Villegas. Teatro Larrañaga / Photo: Marcelo Cattani - CDFS.
22
23
Theater Curtains and Their Decorations
Zdravko Blažeković
City University of New York, The Graduate Center
zblazekovic@gc.cuny.edu
W
ith its prominent position in front of the audience, stage curtain
is the most valuable piece of real estate in a theater. And yet,
throughout the twentieth century, stage curtains although elegant, remained simple and without figurative decorations. Opera houses prefer today swag and traveler curtains, which open in the middle allowing an easy communication of performers between the stage and the
audience during the curtain call, but these curtains do not provide an
adequate space for figurative compositions. The fly curtains, entirely
made in one piece and raised vertically, are rarer, used mainly as iron
curtains, or scenographic curtains painted for a specific performance
(Picasso, Dalí).
In the past centuries stage curtains were an integral part of the interior iconographic program of the theater, resonating with the overall
architectural concept. The iconographic evidence demonstrates that
Baroque curtains were often showing subjects related to mythology,
resonating with the idea of the theater as instrumentum regni. For
Romantic artists, working in large-scale formats intended for public
places had a particular attraction. Although allegories intertwined with
Classical mythology (Pesaro 1818, La Scala, 1778 and 1821) and history
(Cesar crossing the Rubicon, Rimini, 1857) never faded out of fashion,
the range of subjects the curtains brought in front of the audiences
later in the nineteenth century included nationalistic messages (Hrvatsko Narodno Kazalište, Zagreb; Teatro da Paz, Bélem; Teatro Amazonas, Manaos), tributes to the royals and emperors (Volksoper, Marinskij
teatr), references to the local history and identity (theaters in Puglia),
and its own famous history (Theater an der Wien).
New understanding of the dramaturgy that started emerging in the
second half of the nineteenth century shifted emphasis from theatre
as a representative space toward theater as a space for the representation. Curtain played a role in this process: Charles Garnier envisioned
24
for otherwise immensely decorated Paris Opèra, a sumptuous but not
painted velvet drapery; for Richard Wagner the dramatic performance
had a task to activate an inner eye of spectators, and by concealing
stage the “Wagner-Vorhang” was supposed to help the audience to
enter a dreamlike state.
Some modern theaters may have used the curtain for their branding
by imprinting on them emblems (Royal Opera House Covent Garden
with the initials of Queen Elizabeth II), or the curtain became emblematic just by being frequently seen behind the biggest opera stars (The
Metropolitan Opera). In creating the curtain art, contemporary artists
liberated themselves from ideological restraints, creating art for the
sake of art (Staatsoper’s Museum in Progress).
Los telones teatrales y su decoración
Con su posición prominente frente a la audiencia, el telón es el objeto más valioso de un teatro. Sin embargo, a través del siglo XX, los
telones, aunque elegantes, se han vuelto simples y sin ornamentación
figurativa. Los teatros de ópera prefieren hoy en día telones “a la griega”, abiertos al medio, por lo que permiten una comunicación fácil de
los artistas entre el escenario y la audiencia durante los saludos, pero
estos telones no proporcionan un espacio adecuado para representaciones figurativas. Los telones de cuchilla, hechos enteramente de una
pieza y levantados verticalmente, son más raros, usados generalmente
como telones de acero o telones escenográficos pintados para una representación específica (Picasso, Dalí).
En los siglos pasados los telones eran una parte integral de la planificación iconográfica de un teatro, en concordancia con el concepto
arquitectónico general. La evidencia iconográfica demuestra que los
telones barrocos mostraban a menudo temas relacionados con la mitología, vinculados con la idea del teatro como instrumentum regni.
Para los artistas románticos, trabajar en formatos de amplia escala
ubicados en lugares públicos tenía una particular atracción. Si bien las
alegorías se entrelazan con la mitología clásica (Pesaro 1818, La Scala,
1778 y 1821) y la historia (César cruzando el Rubicón, Rimini, 1857) nunca
dejan de estar de moda; el abanico de temas que los telones exhiben
a las audiencias a finales del siglo XIX incluye mensajes de carácter
nacionalista (Hrvatsko Narodno Kazalište, Zagreb; Teatro da Paz, Bélem;
Teatro Amazonas, Manaos), tributos a reyes y emperadores (Volksoper,
Marinskij teatr), referencias a la historia y la identidad locales (teatros
de Puglia) y la propia historia (Theater an der Wien).
La nueva concepción de la dramaturgia que comienza a emerger en la
segunda mitad del siglo XIX desplaza el énfasis desde el teatro como
un espacio representativo hacia el teatro como un espacio para la representación. El telón juega un papel en ese proceso: Charles Garnier
concibe para la Ópera de Paris, de abundante decoración, un telón de
terciopelo suntuoso pero no pintado; para Richard Wagner la performance dramática tenía la función de activar el ojo interno del espectador, y a través del mecanismo de ocultar el escenario se esperaba que
la “Wagner-Vorhang” ayudara a la audiencia a entrar en un estado de
ensoñación.
Algunos teatros modernos han utilizado el telón para su propia publicidad, imprimiendo en él su emblema (Royal Opera House Covent
Garden con las iniciales de la Reina Isabel II), o bien el telón ha pasado
a ser emblemático por ser visto frecuentemente como fondo de las
más grandes estrellas de la ópera (The Metropolitan Opera). Al intervenir en los telones, los artistas contemporáneos se han liberado de
limitaciones ideológicas, creando arte por el arte mismo (Staatsoper’s
Museum in Progress).
Zdravko Blažeković is director of the Research Center for Music Iconography at the Graduate Center of the City University of New York and
executive editor of Répertoire International de Littérature Musicale. In
1998 he founded an annual journal for music iconography Music in Art,
which he has been editing since. He is also chair of the ICTM Study
Group on Iconography of the Performing Arts. His research area concerns 18th- and 19th-century music of Southeast and Central Europe,
music iconography, organology, historiography of music, reception of
Greek and Roman organology in modern times, musical contacts between Europe and China before the early 19th century, and music symbolism in medieval and renaissance astrology.
25
Music Iconography Research and the
Jungle of Positions and Interpretations
Antonio Baldassarre
Lucerne University of Applied Sciences and Arts, School of Music
antonio.baldassarre@hslu.ch
C
urrent music iconography research is challenged by a highly disparate spectrum of theoretical and methodological beliefs, as is
characteristic of recent discourses in musicology, art history, and image
studies. This spectrum spans between three specific viewpoints. The
first is represented by the attempt to maintain the core ideas of Erwin
Panofsky’s theory, later advanced by the research of W.J.T. Mitchell and
Gottfried Boehm. For their purposes, visual objects incorporate an implicit yet decipherable meaning. However, this kind of post-Panofskian
research declines the hegemony of logocentrism that shapes Panofsky’s theory. The second point of the spectrum is established in Hans
Belting’s anthropological approach. It is founded upon the strong reliance on the nature and function of the human eye. Boehm assumes
that images arise in the first place through the contemplative gaze.
Finally, the last spectrum is completed by two key beliefs of French
post-structuralism. First is Sarah Kofmann’s conviction that the opportunity to communicate is beyond the realm of possibility of pictures.
Secondly, Jean-François Lyotard argues that the main purpose of the
picture is “to be silent.” Moreover, recent research in visual history has
made significant contributions to the enhancement of visual source
material as evidences and testimonies of high epistemological value.
That same current research has also accentuated new methodological
challenges, in particular the significant question that asks to what extent artifacts with or without aesthetic demands can be interpreted as
representatives of history and reality. That question stands apart from
the increasing and widespread unease with the concepts of “history”
and “reality” which, sure enough, leads to further crucial methodological challenges for music iconography research. Finally, another inspiring source for serious methodological and epistemological considerations of specific value for music iconography research has emerged.
It is the recent, growing significance of visual studies that focus mu-
26
sical subject matters strongly shaped by cultural and socio-political
agendas. “Music in popular theater and ritual,” the main subject of this
conference and this keynote, incorporates past scientific framework of
music iconography research. It will discusses the challenges that are
arising from the current highly disparate methodological and theoretical environments, as well as the epistemological benefit(s) of music
iconography research beyond disciplinary boundaries and constraints.
La investigación en iconografía musical y la
jungla de posiciones e interpretaciones
La investigación actual en iconografía musical se encuentra frente al
desafío de un amplio espectro de propuestas teóricas y metodológicas, como es característico de los recientes discursos en musicología,
historia del arte y estudios de la imagen. Ese espectro se amplía a partir
de tres puntos de vista. El primero está representado por el objetivo de
mantener las ideas nucleares de la teoría de Erwin Panofsky, continuadas luego por las investigaciones de W.J.T. Mitchell y Gottfried Boehm.
Según sus enfoques, los objetos visuales incorporan un implícito aunque descifrable sentido. Sin embargo, este tipo de investigación postpanofskiana niega la hegemonía del logocentrismo que da forma a la
teoría de Panofsky. El segundo punto de este espectro está constituido
por el enfoque antropológico de Hans Belting, el cual se basa en una
fuerte dependencia entre la naturaleza y la función del ojo humano.
Boehm asume que la imagen se yergue en primer lugar a través del
enfoque contemplativo. Finalmente, el último punto está formado por
dos conceptos clave del post-estructuralismo francés. El primero es
la convicción de Sarah Kofmann de que la oportunidad de comunicar
está más allá del campo de posibilidades de las imágenes. En segundo
término, Jean-François Lyotard argumenta que el principal propósito
de la imagen es “ser silenciosa”. Por otra parte, la investigación reciente en historia visual ha hecho contribuciones significativas respecto a
la importancia de las fuentes visuales como evidencias y testimonios
de alto valor epistemológico. Esta misma corriente de investigación ha
señalado también los nuevos desafíos metodológicos, en particular la
interrogante respecto de hasta dónde los objetos con o sin pretensión
estética pueden ser interpretados como representativos de la historia
y la realidad. Este interrogante se establece aparte de la inquietud creciente y extendida respecto a los conceptos de “historia” y “realidad”
los que, con seguridad, conducen a otros desafíos metodológicos cruciales para la investigación en iconografía musical. Finalmente, debe
señalarse el surgimiento de otra fuente inspiradora de serias consideraciones metodológicas y epistemológicas de valor específico para la
iconografía musical: la reciente y creciente significación de los estudios
visuales enfocados en temas fuertemente influidos por las aspectos
culturales y sociopolíticos. “La música en el teatro popular y en el ritual”, el tema central de este simposio y de esta conferencia, incluye
la discusión de los desafíos que están surgiendo de los muy diversos
campos metodológicos y teóricos, así como el/los beneficio/s epistemológicos de la investigación en iconografía musical más allá de las
fronteras y limitaciones disciplinarias.
Antonio Baldassarre is Professor, Vice Dean, and Head of Research
and Development of Lucerne University of Applied Sciences and Arts,
School of Music. He is a Board Member of national and international
scientific and learned societies, including his role as President of Association Répertoire International d’Iconographie Musicale (RIdIM), and
Member of the Directorium of the International Musicological Society.
He holds a PhD from the University of Zurich, and has held positions as
Research Fellow, Lecturer, and Visiting Professor, at the Research Center for Music Iconography, the universities of Basel and Zurich, and at
the Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, the Facultad
de Música of the Universidad Nacional Autónoma de México, and the
University of Tasmania. He has researched and published on topics of
music history, music iconography, visual culture, performing studies,
music historiography, and the social and cultural history of music.
27
Rosas de pasión:
Strong women of the Larrañaga Theater.
An iconographic perspective based on an
analysis on gender and body representation
Marita Fornaro Bordolli
Universidad de la República, Uruguay
maritafornaro@gmail.com
T
he research on the presence of women in the Larrañaga Theater
begins with a proposal of protagonists of the culture of the Department of Salto. Thus, it has a double interest: to produce knowledge on a
subject not addressed so far, that the community considers necessary
to know itself better. We are interested in approaching those people
we have called “women of the Larrañaga” within the framework of
gender theory, body studies, and conceptual and methodological tools
of the iconography of performing arts.
28
the first decades of the twentieth century. The female body appears in
portraits and in shots of scenes of the plays.
Working with the available documents in Salto archives, we have
sought complementation in other Uruguayan documentary collections, such as the Solís Theater in Montevideo, and in iconography
obtained abroad. The analyzed examples belong to different times of
the twentieth century, with three time periods in which the work was
deepened: the 1920s, the 1950s and the 1980s, corresponding to different representations and perceptions of the women who “put the
body” on the stage, for glory or risk. The reminiscence of their presences is preserved in the images, voices and the memory of the protagonists, the press and the audience.
Rosas de pasión:
las mujeres fuertes del Teatro Larrañaga.
Una mirada iconográfica basada en un análisis
desde el género y la representación del cuerpo
The investigated universe includes the programs of the Larrañaga Theater corresponding to the twentieth century, preserved in the Archive
of the Honorary Commission of Historical Heritage of Salto, as well as
those that were attached to the back of the theater curtain. We have
complemented their information with material obtained from the
press, the National Image and Word Archive of the SODRE, in the Costume Archive of the National Comedy of Montevideo, and with specific
interviews developed for the topic at hand. This last compilation includes the voices of the women themselves, and has led us to photographs and press releases preserved by those protagonists.
La investigación sobre la presencia de la mujer en el Teatro Larrañaga
se inicia con un planteo de protagonistas de la cultura del Departamento de Salto, por lo que nos ha resultado de doble interés: producir
conocimiento sobre un tema no atendido hasta el momento, que la
propia comunidad considera necesario para conocerse a sí misma. Nos
interesa acercarnos a quienes hemos llamado “mujeres del Larrañaga”
desde la teoría del género, los estudios sobre el cuerpo y las herramientas conceptuales y metodológicas de la iconografía de las artes
performáticas.
Starting within this general framework, we will analyze some iconographic presences in the different types of shows, in a merely operational classification: many times, the same artist sang, performed and
danced. We will focus in some cases of the representation of the female body of actresses, singers and popular dancers, and a category
that we have called “the transgressors”, present in variety shows with
clear ruptures of the canonical female representation of her times. The
analysis includes gestures and costumes, the latter considered –in
some cases very clearly, as in the Spanish tonadilleras– as a kind of
micro-scenery.
El universo investigado incluye, por un lado, los programas del Teatro Larrañaga correspondientes al siglo XX, conservados en el Archivo
de la Comisión Honoraria del Patrimonio Histórico de Salto, y aquellos
adheridos al reverso del telón del Teatro. Hemos complementado su
información con el material obtenido en prensa, en el Archivo Nacional
de la Imagen y la Palabra del SODRE, en el Archivo de Vestuario de la
Comedia Nacional de Montevideo y con entrevistas específicas desarrolladas para el tema que nos ocupa. Este último tipo de colecta de
información incluye las voces de las propias mujeres y nos ha conducido a fotografías y notas de prensa conservadas por esas protagonistas.
The material analyzed is mostly photographic, sometimes accompanied by drawn ornamentation, in which art-nouveau predominates for
A partir de este marco general analizaremos algunas presencias icnográficas en los diferentes tipos de espectáculos, en una clasificación
sólo operativa: muchas veces una misma artista cantaba, actuaba y
bailaba; una misma compañía presentaba una obra de teatro junto a
otra de teatro musical o variedades. Nos detendremos en algunos casos de la representación del cuerpo femenino de actrices, cantantes
y bailarinas populares, y una categoría que hemos denominado “las
trasgresoras”, presentes en espectáculos de varieté con claras rupturas
de la representación femenina canónica. El análisis incluye gestualidad y vestuario, concebido este último – en algunos casos de manera
muy clara, como en las tonadilleras españolas – como una especie de
micro-escenografía.
El material analizado es, en su gran mayoría, fotográfico, en ocasiones acompañado de ornamentación dibujada, en la que predomina el
art-nouveau para las primeras décadas del siglo XX. El cuerpo femenino aparece en la modalidad del retrato y en tomas de escenas de
obras.
A partir de los documentos disponibles en los archivos salteños hemos
buscado complementación en otros acervos documentales uruguayos,
como el Teatro Solís de Montevideo, e en iconografía obtenida en el
exterior. Los ejemplos analizados corresponden a diferentes momentos del siglo XX, con tres franjas temporales en las que se profundizó
el trabajo: la década de 1920, la de 1950 y la de 1980, correspondientes
a diferentes representaciones y percepciones de la mujer que “puso el
cuerpo” sobre el escenario para gloria o riesgo, conservada la memoria
de ese paso en las imágenes, las voces y el recuerdo de protagonistas,
prensa y espectadores.
Marita Fornaro Bordolli has obtained the Doctorate in Musicology
from the University of Valladolid, Spain; she has a DEA in Music (2000)
and Anthropology (1999) at the University of Salamanca, Spain, and a
B.A. in Musicology (1986), in Anthropological Sciences (1978), and in
Historical Sciences (1978) from the University of the Republic of Uruguay. Her research covers music and popular culture, music iconography, musical criticism and theaters; she has worked in Uruguay, Spain,
Portugal, Brazil, Cuba. Currently she is Coordinator of the Research
Center on Musical and Scenic Arts, University of the Republic. She is a
member of the Research Group “Diapente XXI”, University of Oviedo,
Spain. She makes up the Scholarly Committee of the Music Criticism
Network.
29
Iconography of Music and Classical Antiquity:
Topics, Goals and Methods
Daniela Castaldo
Universtà del Salento, Lecce
daniela.castaldo@unisalento.it
T
he study of the ancient Greek and Roman music allows scholars to
better understand the overall daily life, culture, and philosophical
and religious thoughts of the time. Visual sources are important in such
research, because a huge amount of musical scenes are represented in
a variety of media ranging from wall painting and sculpture to coins
and mosaics, enabling us to better understand the circumstances of
music-making. These sources document where performances were
taking place, what was their social meaning, which kind of interaction
musicians had with the audience, what was the status of musicians
and so on. Images can also document the religious, social, cultural and
symbolic implications of musical events.
Starting from these considerations, I will propose two case-studies:
in the first I am focusing on music in public performances of ancient
Greece, especially the theater and the musical contests; in the second
will be examined the place of music in the Roman cult of the Egyptian
goddess Isis, including also the reflection of these rituals in modern
music, such as Lully’s Isis and Mozart’s Die Zauberflöte. In both examples I am interpreting and contextualizing images by linking them to
the related texts, archaeological findings and architectural remains.
mitiéndonos entender mejor las circunstancias de la actividad musical.
Estas fuentes documentan los lugares de las performances, su sentido
social, las interacciones entre músicos y audiencia, el estatus de los
músicos, entre otros aspectos. Las imágenes pueden también testimoniar las implicancias religiosas, sociales, culturales y simbólicas de los
eventos musicales.
A partir de estas consideraciones, propongo dos estudios de caso: en
el primero me centro en la música de las performances públicas de la
antigua Grecia, especialmente en el teatro y en los concursos musicales; en el segundo examinaré el lugar de la música en el culto romano
de la diosa egipcia Isis, incluyendo la presencia de estos rituales en la
música moderna, como Isis de Lully y Die Zauberflöte de Mozart. En
los dos ejemplos interpreto y contextualizo las imágenes a través del
vínculo con textos relacionados, hallazgos arqueológicos y restos arquitectónicos.
Daniela Castaldo is Associate Professor of Musicology at the University
of Salento-Lecce (Italy). Her research fields are ancient Greek and Roman music, music iconography and archaeology, the reception of the
visual classical tradition in art from Renaissance to the 19th century.
She is member of the board of MOISA. The International Society for the
Study of Greek and Roman Music and its Cultural Heritage and of the
editorial board of Music in Art. International Journal for Music Iconography.
Iconografía musical y Antigüedad Clásica:
temas, objetivos y métodos
El estudio de la música antigua de Grecia y Roma permite a los investigadores entender mejor la vida cotidiana, la cultura y el pensamiento
filosófico y religioso de estas épocas. Las fuentes visuales son importantes en estas investigaciones, ya que una gran cantidad de escenas
musicales han sido representadas en gran variedad de soportes, desde
las pinturas murales y esculturas hasta las monedas y mosaicos, per30
31
PAPERS/PONENCIAS
Teatro Larrañaga - Salto, Uruguay / Photo: Marita Fornaro.
32
33
Mónica Vermes
Universidade Federal do Espírito Santo /
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico, CNPq,
mvermes@gmail.com
T
he attendance to theater, especially to watch the various genres of
musical theater then in vogue, was one of the main forms of leisure of the Cariocas during the Belle Époque (1890–1920). There were
shows every day, sometimes with activities at all theaters on the same
night. Going to the theater was a social ritual where one could read
and learn the values of that society. This occurred in the selection of
the works presented, in the choices of the production, including the
music that was played, and it also occurred in the rituals of the audience: the costumes, the gestures, the social interactions. Performing a
dual role both as exhibition channel and pedagogical tool, these rituals
reflected the process of elaboration of identities (of class, nationality,
modernity) in Rio de Janeiro that was experiencing a profound transformation in the search for a rupture with the colonial and Portuguese
past and in a contradictory relationship with cultural traits of African
origin. Among the sources that allow us to study the traits of these rituals is the journalistic chronicle, the memorialistic literature, the fiction
literature, the visual arts and the iconography present in the illustrated
magazines. These magazines, an information vehicle of this new way of
feeling and living in its various dimensions, provide us with abundant
material for the study of the representations of these theatrical rituals
and the conjugation of these identities between Rio de Janeiro and
Paris, bourgeois, aristocratic and popular, and mostly modern. In this
paper I present an analysis of the visual representations published between 1907 and 1920 in the magazine Fon-Fon! an illustrated magazine
of large circulation that began to be published in 1907, identifying the
visual resources mobilized to represent the rituals related to the theatrical frequency and to the constitution of this new identities.
34
Teatro Musical e identidad en la Belle Époque
carioca: los rituales de asistencia al teatro en las
imágenes de la revista Fon-Fon!
Ir al teatro, especialmente para ver los diversos géneros de teatro musical en boga (revistas, fairies, espectáculos de vodevil, etc.) fue una de
las principales formas de ocio para los cariocas durante la Belle Époque (1890-1920). Había espectáculos diarios, a veces con actividades
en todos los teatros en la misma noche. Ir al teatro era un ritual social
en donde uno podía leer y aprender los valores de esa sociedad. Esto
ocurría en la selección de los trabajos presentados, en la elección de
la producción, incluida la música utilizada, pero también en los rituales vinculados a la frecuencia a los espectáculos: ropa, gestos, interacciones sociales. En un doble papel como canal de exposición y herramienta pedagógica, estos rituales reflejan el proceso de elaboración de
identidades (clase, nacionalidad, modernidad) en un Río de Janeiro que
se transformaba rápidamente en busca de una ruptura con el pasado
colonial y lusitano y en un esfuerzo para alejarse de los rasgos culturales africanos. La documentación que nos permite estudiar los rasgos
de estos rituales es la crónica periodística, la literatura memorialística,
la literatura de ficción, las artes visuales y la iconografía de revistas
ilustradas. Estas revistas, un vehículo informativo de esta nueva forma
de sentir y vivir en sus diversas dimensiones, nos proporcionan una
gran cantidad de material para estudiar las representaciones de estos
rituales teatrales y la combinación de estas identidades, entre Río de
Janeiro y París, burguesas y aristocráticas y, sobre todo, moderno. En
este artículo propongo un análisis de las representaciones visuales publicadas entre 1907 y 1920 en la revista Fon-Fon! - una revista ilustrada
de gran circulación que comenzó a publicarse en 1907 -, identificando
los recursos visuales movilizados para representar los rituales vinculados a la frecuencia teatral y la constitución de esta nueva identidad.
Mónica Vermes is a musicologist, researcher of the Conselho Nacional
de Desenvolvimento Científico e Tecnológico and Associate Professor
at the Federal University of Espírito Santo, Brazil. She is the leader of
the Center for Literary and Musicological Studies (NELM) and participates in the activities of the Department of Arts Theory and Music
and Graduate Programs in Letters and in Communication and Territorialities. She was a fellow of the National Library (2016–2017) with the
project Musical Circuits in Rio de Janeiro: Theaters (1906–1920).
Uruguay, Montevideo, opera and its graphics.
Posters and program leaflets of the Teatro
Solís between 1985 and 2018: a close
relationship between promotional image and
tradition
Sergio Marcelo de los Santos
Universidad de la República, Uruguay
sermadelos@gmail.com
T
he proposed paper is connected with previous studies on iconography, the Teatro Solís from Montevideo, opera and the local musical canon; this is intended to give continuity to said research, relating
its results around the thematic axis of musical theatre, the object of
study of my work as a designer and researcher of the performing arts.
My interest is focused on showing how, during the last forty years, the
seasons dedicated to lyrical music have been incorporated into a line
of tradition which includes the dissemination of its contents.
I will follow the methodology of a researcher artist, a particular case of
participant observation. I will explain how, despite the installation of
public policies aimed at democratizing access and attracting new audiences, the commitment to literality or abstraction in the graphics of
posters and hand programs encrypt preconceptions and stereotypes
that are present in the history of national culture from the very origins
of Uruguay as a Nation-State. In this sense, it is important to highlight
the role of the Teatro Solís as a building created by the impulse of a
select group, the “popular” use of its stage since the opening, its installation in the cultural imaginary as an “opera temple”, and the changing
importance of the genre across three centuries.
Thursday
Music Theater and Identity in the Tropical
Belle Époque:
The Rituals of Theater Attendance in the
Images of Fon-Fon!
35
Uruguay, Montevideo, la ópera y su gráfica:
Afiches y programas de mano del Teatro Solís
entre 1985 y 2018. La estrecha relación entre
imagen promocional y tradición.
La presentación que se propone está conectada con estudios previos
sobre iconografía, el Teatro Solís de Montevideo, la ópera y el canon
musical local; investigaciones a las que se pretende dar continuidad
relacionando sus resultados en torno al eje temático del teatro musical, objeto de estudio de mi trabajo como diseñador e investigador de
las artes escénicas.
Mi interés está focalizado en mostrar la manera en que, durante los
últimos cuarenta años, las temporadas dedicadas a la lírica se han incorporado a una línea de tradición también en la difusión de sus contenidos.
Seguiré una metodología de artista investigador, caso particular de la
observación participante. Expondré cómo a pesar de la instalación de
políticas públicas tendientes a democratizar el acceso y captar nuevos
públicos, la apuesta por la literalidad o la abstracción en las gráficas de
carteles y programas de mano, encriptan preconceptos y estereotipos
presentes en la historia de la cultura nacional desde los orígenes mismos de Uruguay como Estado-Nación. En este sentido, es importante
destacar el papel que tiene el Teatro Solís como edificio creado por impulso de un grupo selecto, el uso “popular” de su escenario desde la inauguración, su instalación en el imaginario cultural como “templo de la
ópera”, y la importancia cambiante del género atravesando tres siglos.
36
Ya ha sido demostrada la jerarquía relativa de este lugar de performance y del género como tradicional y ritual, por movilizar aspectos
fundacionales de un legado tanto material como intangible. Esos resultados, como conjunto de antecedentes, puestos en relación me permitirán profundizar el análisis de las fuentes gráficas disponibles en
archivo, a través de indicios de las escenificaciones a las que sirvieron
en contacto con sus audiencias respectivas.
Sergio Marcelo de los Santos es Especialista en Gestión Cultural (Posgrado Diploma en Gestión Cultural, Facultad de Ciencias Sociales –
Universidad de la República/UdelaR, 2015). Diseñador Teatral egresado de la Escuela de Arte Dramático de Montevideo (2000). Desarrolla
su actividad profesional como diseñador en Montevideo. Desde 2004
es funcionario del Teatro Solís. Está cursando la Maestría en Ciencias
Humanas, opción Teoría e historia del teatro (desde 2016) en Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación – UdelaR, Trabaja en
el Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas del litoral
Norte (CIAMEN), Centro Universitario Regional (CENUR) Sede Salto,
UdelaR. En ese ámbito universitario es actualmente integrante del
Programa I+D Grupos “Artes performáticas, corporeidades, teatralidad:
un análisis de manifestaciones populares y académicas uruguayas”,
Científica (CSIC, 2019-2022); del Grupo I+D “Música y Sociedad” (GIDMUS) y del Grupo Interdisciplinario “Cuerpos, Arte, Sociedad” (CAS).
Thursday
The relative hierarchy of this place of performance, and of the genre as
traditional and ritual, has already been demonstrated, since it mobilizes foundational aspects of both a material and intangible legacy. These
results, as a set of antecedents, when compared, will allow deepening
the analysis of the graphic sources available on archives, through the
traces of the stagings where they served, in contact with their respective audiences.
37
Rafael Andrés Reyes Rodríguez
Universidad Nacional de Colombia
raareyesro@unl.edu.co
T
he Italian composer, instrumentalists, impresario, singer and opera conductor August Azzali lived in Bogota for almost a decade
(1891–98) and there he premiered his opera Lhidiak (1993) at the Teatro Colón, working also as a teacher of music theory, composition and
conducting at the Academia Nacional de Música. Something is known
about his musical activities in Mexico (Jalisco), Venezuela, the United
Stated and other countries, but so far we do not have a clear account
of his career and his contribution to the development of music in Colombia. This paper will provide a first exploration of the few known
sources, the majority of them being photographs and a few performing
parts of the Bogotá production of his opera Ermengarda (1886).
Augusto Azzali (1863-1907) y sus óperas: fuentes
iconográficas
El compositor, instrumentista, empresario, cantante y director de opera
italiano Augusto Azzali vivió en Bogotá durante casi una década (189198); allí estrenó su ópera Lhidiak (1893) en el Teatro Colón de la ciudad
y fue profesor de materias teóricas, composición y dirección en la Academia Nacional de Música. Se conoce algo de su actividad en México
(Jalisco), Venezuela, Estados Unidos y otros países pero hasta ahora no
contamos con un recuento claro de su contribución al desarrollo de la
música en Colombia. Este es el objetivo de este trabajo, una primera
exploración sobre este tema a través de las pocas fuentes localizadas,
la mayoría de ellas fotografías y unas pocas partes de ejecución de su
ópera Ermengarda (1886).
Rafael Andrés Reyes Rodríguez studied music and voice at the Conservatorio de Música, Universidad Nacional de Colombia. As a soloist,
he has participated in opera and oratorio productions in Bogotá and
38
other locations in Colombia. Currently he is a member of the Youth
Philharmonic Choir of the Orquesta Filarmónica de Bogotá, assistant
teacher at several courses, and a student of the Master of Musicology
at the Universidad Nacional.
de las carátulas de discos de música pop-rock y diferentes tipos de
metal-rock, que exploran a fondo esta temática: grupos como Queen y
Emerson Lake and Palmer y en América Latina, Ship (Colombia) y Arco
Iris y Spinetta (Argentina), entre otros.
Music and Sci Fi:
An Iconographic Approach (1960–1980)
María Fernanda Bernal is graduated in Audiovisual Media, with major
in Cinema, at the Politécnico Grancolombiano (Bogotá) and received
Master of Arts in aesthetics and history of art at the Universidad de
Bogotá Jorge Tadeo Lozano. He is a researcher and teacher in design
history, script writing and Colombian design at the Escuela de Artes y
Letras, focusing lately on aesthetics and iconography of extreme metal,
rock and sci-fi music productions.
María Fernanda Bernal
Escuela de Artes y Letras, Colombia
mariafernanda.pentagram@gmail.com
Curtain of Teatro Larrañaga. Photo: Marita Fornaro
S
cience fiction (Sci Fi), born in the transition of the 19th to 20th century, arrived in music from literature and affects its sound coinciding with technological advances and with the new look to reality of
pulp fiction, comics and sci-fi novels. In the 1960s the space race and
nuclear experiments also impacted record covers including elements
from cinema, pop culture and reality that again proposed new ideal
worlds in the wake of our imminent destruction. This paper focuses on
record covers of pop-rock and metal rock, including groups as Queen,
Emerson Lake & Palmer, Ship (Colombia), Arco Iris, and Spinetta (Argentina).
Ciencia Ficción (Sci Fi) y música:
una visión iconográfica (1960-1980)
La Ciencia Ficción (Sci Fi), que nace en la transición de los siglos XIX y
XX, llega a la música desde la literatura y provoca un impacto en ella,
coincidiendo con los avances tecnológicos y con la nueva mirada de
la realidad de las revistas pulp, cómics y novelas del género. En la década de 1960, la carrera espacial y los experimentos nucleares le dan
un nuevo impulso en las carátulas de discos, incorporando elementos
del cine, de la cultura pop y de la realidad a través de distopías y utopías, que dan cuenta de nuestra destrucción inminente y una vez más
plantean mundos ideales. Este trabajo aborda las fuentes y contenidos
Thursday
Augusto Azzali (1863–1907) and His Operas:
Iconographic Sources
39
Nina Baratti
Harvard University
baratti@g.harvard.edu
A
ccording to a complex system of popular beliefs once widespread
across the Mediterranean area, dance and music were the fundamental remedies for curing those who were—or were said to be—
bitten by the mythic spider, the so-called tarantula. As witnessed by
numerous written and visual records, for centuries the musical-choreutic exorcism, known as tarantism, was endemic in the rural areas of
Apulia, Southern Italy. Although this phenomenon disappeared in the
second half of the twentieth century, a folk music revival movement
emerged in the 1990s and gradually transformed the rite into a highly
spectacularized commodity within the world music market. Removed
from its original socio-cultural milieu and its historical dimension, today the ritual needs to be properly investigated in order to illuminate
once again its gestures, emotions, and voices that barely surface in its
current reenactments.
In my paper, I will try to answer to the following questions: what does
the analysis of the historical visual archive of tarantism tell us about
the stratification of various temporalities within the ritual through the
medium of sound and movement? How does the practice of contemporary performers dialogue with the visual and aural records of this
phenomenon? And what is the role of scholars in this scenario?
Drawing on Rebecca Schneider’s intervention from 2001 concerning
the positioning of performance in archival thinking, I will explore the
visual representations of tarantism as sites of performance, the socalled “performing remains”. Therefore, I will pay attention to the ways
in which the archival materials convey the affective dynamics of the
healing music and the bodily and temporal experience of rhythm in
the ritual.
40
By doing so, I hope to offer a critical insight into the historical phenomenon and its more recent revival in Southern Italy. Moreover, I wish to
illuminate the necessity in this area to find new and creative ways to
engage with historical sources in order not only to limit the dangers of
process of commodification but also provide local communities crucial
tools for dealing with their own musical heritage.
Restos del ritual:
repensando el cuerpo, el tiempo y la presencia en
el tarantismo de Apulia
Según un complejo sistema de creencias populares diseminado en
el área mediterránea, la danza y la música eran los remedios fundamentales para curar a quienes habían sido – o se decía que habían
sido – mordidos por la mítica araña llamada tarántula. Como ha sido
establecido en numerosos escritos y registros visuales, durante siglos
el exorcismo músico-coreográfico conocido como tarantismo fue endémico en las áreas rurales de Apulia, en el sur de Italia. Si bien el fenómeno desapareció en la segunda mitad del siglo XX, un movimiento
de revival de su música emergió en la década de 1990 y transformó
gradualmente el rito en una mercancía de carácter espectacular dentro del mercado de la world music. Sacado de su medio sociocultural
original y de su dimensión histórica, actualmente el ritual necesita ser
investigado adecuadamente con el fin de aclarar una vez más gestos,
emociones y voces que emergen a la superficie en las actuales representaciones.
En esta ponencia trataré de contestar a las siguientes interrogantes:
el análisis de los documentos visuales históricos sobre el tarantismo,
¿nos informa, mediante el sonido y el movimiento, sobre la estratificación de varias temporalidades dentro del ritual? ¿Cómo dialoga la
práctica de los intérpretes contemporáneos con los registros visuales
y sonoros de este fenómeno? ¿Cuál es el papel de los investigadores
en este escenario?
A partir del trabajo de Rebecca Schneider (2001) en relación con el
posicionamiento de la performance en el pensamiento archivístico,
exploraré las representaciones visuales del tarantismo como lugares
de performance, los llamados “performing remains”. En consecuencia,
atenderé a los caminos a través de los que los materiales de archivo
transmiten las dinámicas afectivas de la música terapéutica y la experiencia corporal y temporal del ritmo en el ritual. Con este enfoque,
espero ofrecer una mirada crítica sobre el fenómeno histórico y su más
reciente revival en el sur de Italia. También deseo aportar a la necesidad, para esta área, de encontrar caminos nuevos y creativos para
vincularse con las fuentes históricas, con el fin de no sólo limitar los
peligros del proceso de mercantilización, sino también proporcionar
a las comunidades locales herramientas útiles para manejar su patrimonio musical.
Nina Baratti is a Ph.D. candidate in ethnomusicology at Harvard University. Originally from Italy, she graduated in classical violin at the
Conservatory of Music “Arigo Boito,” Parma, and received her MA in
Musicology at the University of Milan. During her master, she conducted an ethnography of migrant artistic networks in Lisbon, in collaboration with the Institute of Ethnomusicology INET-md at Universidade
Nova de Lisboa. Her studies of the musical flows in the Lusophone
world inspired her current doctoral project on the economy and politics of Angolan popular music in present-day Luanda. Her research
interests include the traditional music of Apulia (Southern Italy), West
African griot music, music and migration and sensory ethnography.
The Music in São Lourenço Colony Pomeranian
Weddings through Visual Sources
Danilo Kuhn Silva
Universidade Federal de Pelotas
danilokuhn@yahoo.com.br
P
omeranians have Slavic origin (WILLE, 2011, p. 16) – descending
from Wende people (COSTA, 2007, p. 69). They were originally pagans, Christianized in the 12th century (SEIBEL, 2010, p. 19), Germanized
in the 15th century (MALTZAHN, 2011, p. 85) and inhabited the Pomerania region – now part of Germany and Poland – when the German
Friday
Remains of Ritual:
Rethinking Body, Time, and Presence in
Apulian Tarantism
41
emigration to Brazil began, in the mid-19th century. The São Lourenço
Colony, founded in 1858, is the southernmost Brazilian colony of immigrants, located on the São Lourenço do Sul Municipality, Rio Grande
do Sul State, where many Pomeranians emigrated (SCHRÖDER, 2003,
p. 123). Among its current intangible heritage, one can cite a profusion
of cultural manifestations that take place during the Pomeranian wedding ceremony, such as traditional dances (broom dancing, cake dancing, basket dancing) and procedural events (soup dancing, reception
dancing, barbeque dancing), in addition to the party animation itself,
all linked to local Pomeranian music. Through ethnomusicological research (KUHN SILVA, 2019), I was able to gather considerable collection
of visual sources that contribute to the understanding of such intangible Pomeranian heritage, revealing instrumentations and procedures.
In addition, previous photographs continents of the music presence
in the São Lourenço Colony – a collection also constituted during the
ethnomusicological research –, even of Pomeranian weddings, collaborate for a comparative analysis, evidencing discontinuities and permanencies.
42
Os pomeranos têm origem eslava (WILLE, 2011, p. 16) – descendem do
povo wende (COSTA, 2007, p. 36) –, eram originariamente pagãos, foram
cristianizados no século XII (SEIBEL, 2010, p. 69), germanizados no século XV (MALTZAHN, 2011, p. 85) e habitavam a região da Pomerânia
– hoje pertencente uma parte à Alemanha e outra à Polônia – quando
iniciou a emigração alemã para o Brasil, em meados do século XIX. A
colônia São Lourenço, fundada em 1858, é a colônia de imigração alemã
mais ao sul do Brasil, localizada atualmente em terras do município
de São Lourenço do Sul, estado do Rio Grande do Sul, para onde emigraram muitos pomeranos (SCHRÖDER, 2003, p. 123). Dentre seu patrimônio intangível atual, pode-se citar uma profusão de manifestações
culturais que têm lugar durante a cerimônia do casamento pomerano, como danças (dança da vassoura, dança do bolo, dança do cesto)
e eventos processuais (dança da sopa, dança da recepção, dança do
churrasco) tradicionais, além da animação da festa em si, todas atreladas à música pomerana local. Através de pesquisa etnomusicológica
(KUHN SILVA, 2019), pude reunir considerável acervo de fontes visuais
que contribuem para o entendimento de tal patrimônio pomerano
intangível, revelando instrumentações e procedimentos. Ademais,
fotografias pretéritas continentes da presença da música na colônia
São Lourenço – acervo este também constituído durante a pesquisa
etnomusicológica –, incluso de casamentos pomeranos, colaboram
para uma análise comparativa, evidenciando descontinuidades e permanências. Assim, utilizando-se da Etnomusicologia e da Iconografia
(bem como da Organologia), a presente pesquisa se dispõe a analisar fontes visuais vinculadas à música em casamentos pomeranos da
colônia São Lourenço.
Danilo Kuhn da Silva is a musician, composer, poet, writer, teacher, and
researcher. He graduated in music (Universidade Federal de Pelotas,
2004), has postgraduate degrees in teaching English and Spanish languages (Universidad Católica San Antonio de Murcia, 2018), the Master
in Music Composition (Universidade Federal do Paraná, 2010), and PhD
in Social Memory and Cultural Heritage (Universidade Federal de Pelotas, 2019).
Alegorias, adereços and fantasias in the
escuelas de samba of Artigas City.
An iconographic example of encounter of
knowledges
The elaboration of allegorical figures and costumes has the goal of creating objects for admiration; in particular, alegorias intend to achieve
a spectacularity that implies a substantial work of constant improvement and innovation. They are ephemeral artistic objects since, in
principle, they could be considered as items built only to be appreciated in their presentation at the public festivity.
Ana Virginia Lecueder Arbiza
Universidad de la República, Uruguay
anavirginialecueder@gmail.com
Alegorias, adereços y fantasias en las escuelas de
samba de la ciudad de Artigas.
Un ejemplo iconográfico de conjunción de saberes
his paper proposes an approach to the study of the conception and
materialization of alegorias, adereços and fantasias in the escuelas
de samba of the city of Artigas, Uruguay, bordering with Brazil. The Artigas Carnival follows the model of the Rio de Janeiro Carnival.
T
Esta ponencia propone un acercamiento al estudio de la concepción y
materialización de las alegorias, adereços y fantasias en las escuelas de
samba de la ciudad de Artigas, Uruguay, frontera con Brasil. El carnaval
de Artigas sigue el modelo del carnaval de Río de Janeiro.
The alegorias, the gigantic figures upon the parading floats, constitute
the highlighted iconographic elements of the presentation, the visual-plastic aspect where is best appreciated the development of the
enredo or theme of a escuela de samba. Their confection goes through
several stages, which begin with the design by the carnavalesco, responsible of projecting and materializing each annual theme. The visuals aspects are related to the musical, vocal and instrumental theme
established by the samba-enredo.
Las alegorias, figuras gigantescas que desfilan sobre carros, constituyen los elementos iconográficos destacados de la presentación, el
aspecto plástico-visual donde mejor se aprecia el desarrollo del enredo o tema de una escuela de samba. Su confección transita por varias etapas que comienzan con el diseño por parte del carnavalesco,
encargado de proyectar y materializar cada tema anual. Los aspectos
visuales están en relación con el tema musical, vocal e instrumental,
que constituye el samba-enredo.
Very frequently, the enredo is based on characteristics of other cultures. Currently, much of the information on African or indigenous
cultures (widely used as a theme) is obtained through the internet.
This information undergoes a process of reworking or idealization. This
process culminates in the materialization of the great floats and rich
costumes that are exhibited in the parade.
Es muy frecuente que el enredo se base en características de otras
culturas. Actualmente, gran parte de la información sobre culturas africanas o indígenas (muy empleadas como tema) es obtenida a través
de internet. Sobre esa información tiene lugar un proceso de reelaboración o idealización de las mismas. Ese proceso culmina en la materialización de los grandes carros alegóricos y el rico vestuario que se
exhibe en el desfile.
In the course of these phases, a series of different professionals (blacksmiths, carpenters, carvers, decorators, tailors, painters) are involved,
so alegorias are considered objects of collective artistic creation. In this
case study, the professionals involved are from Uruguay and different
regions of Brazil, allowing an exchange of knowledges that the Uruguayans managed to turn to their advantage.
En el transcurso de esas etapas intervienen una serie de profesionales de distinta índole (herreros, carpinteros, talladores, decoradores,
costureras, pintores) por lo que son considerados objetos de creación
artística colectiva. En el caso de estudio los profesionales que intervienen son oriundos de Uruguay y de diferentes regiones de Brasil, lo
que genera un intercambio de saberes que los uruguayos han sabido
capitalizar.
Friday
A música em casamentos pomeranos da Colônia
São Lourenço através de fontes visuais
43
La elaboración de figuras alegóricas y vestimenta tiene como finalidad
la admiración; en especial las alegorias apuntan a una espectacularidad que implica un gran trabajo de constante superación e innovación. Son bienes artísticos efímeros, pues en principio, se los podría
considerar objetos construidos para ser apreciados únicamente en su
presentación en la fiesta pública.
Ana Virgina Lecueder es Doctora en Derecho y Ciencias Sociales (UdelaR), Diplomada en Estudios en Gestión Cultural (UdelaR) y estudiante
avanzada de la Licenciatura en Musicología, (UdelaR). Fue becada por
la Comisión Sectorial de Investigación Científica (CSIC, UdelaR), para el
estudio del “Carnaval Samba” de la ciudad de Artigas. Integra el Grupo
I+D “Música y Sociedad” (GIDMUS). Es miembro de la Rama Latinoamericana de la Asociación Internacional para el Estudio de la Música
Popular (IASPM-LA). Ha presentado trabajos en congresos realizados
en Uruguay y América Latina. Ha trabajado como docente en la Escuela
Universitaria de Música y en el Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas del Litoral Norte (CENUR del Litoral, UdelaR). Integró
equipos de investigación en varios proyectos en archivos musicales
del Teatro Solís, SODRE y Teatro Larrañaga de Salto.
Invented Traditions and Their Music:
The Carnival and the Desfile de los Genitores
from Ocaña (Northwest Colombia), 1946–60
Felipe Calle
Universidad Nacional de Colombia
fcallep@unal.edu.co
appear in the new celebrations as symbols of the Conservative regime
and the Bolivar cult, peculiar to the presidential term of Laureano Gómez (1889–1965) whose family was from Ocaña.
Tradiciones y músicas inventadas: El Carnaval y
el Desfile de los genitores de Ocaña (noreste de
Colombia) 1946-60
El objetivo de este trabajo es el análisis de dos momentos en la historia de los Carnavales de Ocaña: su establecimiento por decreto en
1946 y la posterior incorporación del Desfile de Genitores en 1959 a
la luz de sus fuentes iconograficas y del concepto de ‘tradición inventada’ de E. Hosbawn. Este proyecto liderado por un grupo de intelectuales y políticos de la ciudad sirvió para la consolidación de identidad
regional a través de un imaginario histórico con nociones de orden
político del gobierno del Partido Conservador (1946-51). A través de las
fuentes iconograficas disponibles (fotografías históricas) se mostrará
como la música y el baile aparecen ligados a ellos como parte de los
símbolos del régimen Conservador y el culto a Bolívar imperantes en
el gobierno de Laureano Gómez (1889-1965), presidente de la republica
y cuya familia era oriunda de esta ciudad.
Felipe Calle is a pianist with minor in Chamber Music from the Conservatory of the Universidad Nacional de Colombia and from the
Cleveland Institute of Music, Ohio. He performed as a soloist with the
Orquesta Sinfónica Juvenil and the Orquesta del Conservatorio, and as
an accompanist at the Teatro Colón voice workshops and at the Nacional, Central, Javeriana and Los Andes universities in Bogotá. He is
currently performing pianist and a student at the Master of Musicology
program at the Universidad Nacional de Colombia.
he paper presents two moments in the history of Carnival in Ocaña:
its establishment by law in 1946 and the adoption of the Desfile de
los Genitores in 1959. The source material are historical photographs,
which are examined in the light of E. Hobsbawm concept of invented
tradition. These phenomena, led by local intellectuals and politicians,
helped to consolidate regional identity through a historic imaginary
and notions of political order belonging to the Conservative Party, in
power from 1946 to 1951. Our analysis will show how music and dance
44
Friday
T
45
Nuevas celebraciones para un nuevo estado:
Aspectos visuals y sonorous de las pubbliche feste
en la República de Milán (1796-1802)
Dr. Alessandra Palidda
Oxford Brookes University, School of Arts
apalidda@brookes.ac.uk
Luego de la ocupación francesa de 1796 y de la proclamación de la
República Cisalpina en los años siguientes, el estatus de Lombardía
cambió de una provincia del Imperio de los Habsburgo a una república
fuertemente sometida a Francia. Su capital, Milán, se transformó en el
principal centro cultural y administrativo del nuevo Estado. Además de
un cuidado empleo de las artes visuales, la música y el teatro musical,
el gobierno republicano promovió un programa de eventos públicos –
celebraciones, festivales, festividades - meticulosamente planificado y
ampliamente implementado.
F
ollowing the French occupation of 1796 and the proclamation of the
Cisalpine Republic the following year, Lombardy’s status changed
from a province of the Habsburg Empire to a republic strongly subjected to France, its capital Milan thus becoming the main cultural and
administrative centre of a newly informed state. In addition to a careful
employment of visual arts, music and their merging into musical theatre, the republican government promoted a carefully designed and
widely implemented programme of public events such as celebrations,
festivals and feasts.
Organized in the city’s public spaces such as streets, squares and gardens, these events involved highly ritualized moments mainly focused
around the celebration of political and military authorities and of the
new republican system of values. For this purpose, both public space
and the perception of time (previously structured around the succession of religious holidays) were systematically altered; at the same
time, ritualized celebration was supported by performative apparatuses making programmatic use of all available tools, from music to the
visual modification of the city’s landscape, from military elements to
the spectacular display of the government’s goodwill.
Using mainly primary archival sources coming from several Milanese
institutions, the paper will operate an analysis of the spectacular dimension of the public feasts of republican Milan (1796–1799 and 1800–
1802), focusing specifically on the interplay between visual and sound
aspects within the embedded ritualized homage to the republican authority and postulating some links with the coeval as well as the later
theatrical sphere.
46
Organizados en los espacios públicos de la ciudad, tales como calles,
plazas y jardines, estos eventos incluyeron momentos fuertemente
ritualizados, centrados alrededor de la celebración de las autoridades
políticas y militares del nuevo sistema republicano de valores. Para
este propósito, el espacio público y la percepción del tiempo (previamente estructurado alrededor de la sucesión de celebraciones religiosas) fueron sistemáticamente alterados: al mismo tiempo, la celebración ritualizada estaba basada en un sistema performativo que
utilizaba todas las herramientas posibles, desde la música a las modificaciones visuales del paisaje urbano, desde los elementos militares al
despliegue espectacular de la benevolencia gubernamental.
A partir de fuentes primarias archivológicas de varias instituciones milanesas, esta ponencia propone un análisis de la dimensión espectacular de las fiestas públicas de la República de Milán (1796-1799 y 18001802), centrándose específicamente en la relación entre los aspectos
visuales y sonoros dentro del homenaje ritualizado a las autoridades
republicanas; se postulan vínculos con la esfera teatral contemporánea
y posterior a estas festividades.
Alessandra Palidda has studied up to MA level in Milan, where she has
attended the Conservatorio “Giuseppe Verdi” (BMus Singing 2007) and
the Università degli Studi di Milano (BA Musicology 2010, MA Musicology 2013) before moving to Cardiff University, where she completed her
PhD Historical Musicology in 2017. Her research project focused on the
relationship between political change and the musical environment in
Habsburg and Napoleonic Milan during the late eighteenth and early
nineteenth century. Her research has been published both in the UK, Italy and beyond, and she has been awarded grants from the Music and
Letters, the Galpin Society and the British Society for Eighteenth-Century Studies. She is a Lecturer in Music at Oxford Brookes University.
The Organ of Tibasosa (Boyacá):
An Iconograhic Approach
José Luis Castillo Higuera
Universidad Nacional de Colombia
jlcastilloh@unal.edu.co
I
n the choir of the Nuestra Señora del Rosario church in Tibasosa,
Boyacá (northeast from Bogotá) is preserved a rare historical organ
of the region and of the whole of Colombia. The instrument was built at
the end of the 19th century by Ceferino Antonio Cavieles, born in Cerinza (in the same region). Using photographs, the paper will demonstrate the recent transformations of the instrument. The organ has
nine registers, a keyboard of 49 keys and maintains its original bellows.
The Principal is located on the façade and shows human faces whose
lips coincide with the labia of the tubes.
El órgano de Tibasosa (Boyacá):
Una visión iconográfica
En el coro de la iglesia de “Nuestra señora del Rosario” en Tibasosa,
Boyacá, al noreste de Bogotá. se encuentra uno de los pocos órganos
históricos que se conservan en la región. El instrumento fue construido por Ceferino Antonio Caviedes, oriundo de Cerinza (en la misma
zona), a finales del siglo XIX. A través de documentación iconográfica,
este trabajo pretende mostrar los cambios y transformaciones recientes del instrumento y el estado actual del mismo. El instrumento
cuenta con nueve registros y un manual de 49 teclas y conserva sus
fuelles originales. El flautado mayor está colocado en la fachada del
instrumento y en él se destacan rostros humanos dibujados en los tubos, cuyas bocas coinciden con los ‘labios’, es decir, con los filos de las
flautas que producen el sonido.
José Luis Castillo is graduated in music education from the Universidad Pedagógica Nacional. He studied church music, chamber music, violin and organ, and currently is adjunct organist at the Nuestra Señora
de Lourdes Basilica and cantor in the Inmaculada Concepción parish.
He is also a student of the Master in Musicology at Universidad Nacional de Colombia.
The rite of image: the logotype in La Quena
magazine as a political manifesto of the
nineteenth-century Argentine musical
nationalism
Adriana Valeria Cerletti
Universidad de Buenos Aires
Universidad Nacional de las Artes/Dto. Artes Musicales y Sonoras
adrianacerletti@yahoo.com.ar
M
agazine La Quena was published in Buenos Aires from 1919 to
1936, and acted as the main means to promote the activities of the
Conservatory of the City of Buenos Aires, founded in 1893 by Argentine
composer Alberto Williams (1862–1952); said Conservatory, which was
hugely influential in Argentina, would spread its subsidiaries to over
100 all over the country.
This iconographic study presents the hypothesis that the image in
their logo could reveal much more than the name, as it symbolizes the
strategic crossroad between the native and the European proposed by
nineteenth-century Argentine musical nationalism, of which our composer considers himself to be a founder. The representation is meaningful as it highlights the political project of the ruling elite during the
stage in which the intellectual and cultural foundations of the emerging Argentine nation-state were laid.
Friday
New celebrations for a new state:
visual and sound aspects of the pubbliche
feste in republican Milan (1796-1802)
47
Este estudio iconográfico presenta la hipótesis de que la imagen de
su logo podría decirnos mucho más que su nombre, al simbolizar el
estratégico lugar de cruce entre lo nativo y lo europeo propuesto por
el nacionalismo musical decimonónico argentino, del cual nuestro
compositor se considera fundador. La representación es significativa
en tanto pone en evidencia el proyecto político de la elite dirigente
en la etapa en que se sientan las bases intelectuales y culturales del
naciente Estado–nación argentino.
The analysis of the source will consider the image in Bourdieuan terms
as a tool of action and power that understands and covers but transcends beyond the communicative dimension. Likewise, García Canclini suggests examining cultural ritualization operations focusing on
“mise-en-scenes” as a tradition-legitimation mechanism, in this sense
he states that heritage exists as a political force insofar as it is dramatized in commemorations, monuments and museums. Within this
context, the magazine logo would play the role of the “mise-en-scene”
of a ritual, as it crystalizes and sets, by repeating it on each issue, a
conception of the compositional model in line with the country model.
The research method will follow Roubina’s proposal (2010), differentiating four types of evidence: organological, musicological, anthropological and theophilosophical. In this paper, the homonymous logo of
Williams’ publisher will also be compared; it is notoriously different to
the one in the magazine.
El rito de la imagen: el logo de la revista La Quena
como manifiesto político del Nacionalismo
musical decimonónico argentino
La revista La Quena se publicó en Buenos Aires de 1919 a 1936, y funcionó como el principal organismo de difusión de las actividades del
Conservatorio de la Ciudad Buenos Aires, fundado en 1893 por el compositor argentino Alberto Williams (1862–1952); dicho Conservatorio,
48
El análisis de la fuente considerará a la imagen en términos bourdieuanos como instrumento de acción y poder que comprende pero trasciende la dimensión comunicativa. Así también García Canclini propone examinar las operaciones de ritualización cultural haciendo foco
en las puestas en escena como mecanismo de legitimación de tradiciones, en este sentido afirma que el patrimonio existe como fuerza política en la medida en que es teatralizado en conmemoraciones,
monumentos y museos. En este contexto, el logo de la revista jugaría
el rol de la “puesta en escena” de un ritual, en tanto cristaliza e instala
a base de su repetición en cada número una concepción de modelo
compositivo en consonancia con el modelo de país.
El método de investigación seguirá la propuesta de Roubina (2010)
distinguiendo cuatro tipos de evidencia: organológicas, musicológicas,
antropológicas y teológico-filosóficas. En esta ponencia se comparará
también el logo homónimo de la editorial de Williams, notoriamente
distinto al de la revista.
Adriana Valeria Cerletti es egresada de la Licenciatura en Artes, orientación Música (Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos
Aires) y del Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo”
en Piano y Dirección Orquestal; doctoranda por la UBA y la EHESS (París). Fue becada por el Fondo Nacional de las Artes, el Fondo Metropolitano de Artes y Ciencias, la Biblioteca Nacional y el Ministerio de Cultura
de Nación. En 2006 recibió el Premio Latinoamericano de Musicología
“Samuel Claro-Valdés”. Desde 2001 participa de sucesivos proyectos de
investigación radicados en la UBA, publicando en diversas revistas especializadas, en Argentina, USA, Chile, México, Australia. Se desempeña
como docente en la Universidad Nacional de las Artes (Departamento
de Artes Musicales y sonoras), en la Universidad de Buenos Aires, en el
Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires Astor
Piazzolla y en la Escuela de Música Popular de Avellaneda.
Nicolás Cortés Pardo is a Colombian musician graduated from the
Universidad Nacional National de Colombia with major in conducting
(2018). He studied organ and liturgical music at the University of Los
Andes and currently works as an organist. He is also a student of the
Master in Musicology program at the Universidad Nacional.
Bogotá’s Soundscape through the Lens of
Gumersindo Cuellar (1891–1958)
Nicolás Cortés Pardo
Universidad Nacional de Colombia
ncortesp@unal.edu.co
T
he collection and photographic archive of Gumersindo Cuellar, digitized and made available by the Biblioteca Luis A. Arango (Bogotá)
in 2018, portrays the realities as well as the political, social, economic
and technological transformations of Bogotá (amongst other Colombian villages and towns) in the middle decades of the 20th century.
The archive contains a significant number of representations of musical events and instruments, its genres and functions, which altogether constitute important documents for the understanding the city’s
soundscape. This musical panorama is shown in the cultural and social
context of Colombia in the decades from 1930 to 1960.
El panorama musical bogotano a través de la lente
de Gumersindo Cuéllar (1891-1958)
La colección del archivo fotográfico de Gumersindo Cuéllar, publicada y
digitalizada por la Biblioteca “Luis Ángel Arango” en el año 2018, retrata realidades y transformaciones políticas, económicas, tecnológicas,
sociales y culturales de la Bogotá (entre otras ciudades y poblaciones
colombianas) de mediados del siglo XX. El archivo contiene un gran
número de representaciones gráficas de objetos y actividades musicales asociados a diferentes usos, géneros o funciones, y constituye un
acervo importante para la comprensión del panorama musical de la
ciudad. Este trabajo presenta el panorama musical que revelan estas
fotografías en el contexto de la realidad cultural y social del país en las
tres décadas comprendidas entre 1930 y 1960.
Jose J. Dueñas (1903–85) through His Images:
Performer, Activist, Educator and Composer
Néstor Dueñas-Torres
Universidad “Sergio Arboleda”, Bogotá
nduenast@unal.edu.co
T
he surviving photographs of the composer, educator, performer
and music activist Jose J. Dueñas are fundamental sources to understand his career and legacy. Dueñas started his musical studies at
the local band in Guayatá (Boyacá, northeast of Bogotá) and continued them at the Bogotá Nacional Conservatory of Music. There he
played the clarinet in the Nacional Band and cello in the orchestra of
the Sociedad de Conciertos del Conservatorio and in the Quinteto Luis
A. Calvo. In Ibagué, he was a cello teacher and director of the local conservatory orchestra. In the 1930s he participated in the creation of the
Mutualidad Artistica, the first Colombian cooperative for musicians.
This paper presents Dueñas’s career through the photographs from his
personal archives, and properly contextualizes his social, cultural and
musical contexts.
J. J. Dueñas (1903-85) a través de sus imágenes:
intérprete, activista, educador y compositor
Las fotografías del compositor, educador, intérprete y activista musical
José J. Dueñas son fuentes esenciales para la compresión de su carrera
y legado. Inicialmente Dueñas se formó en la banda de su pueblo natal
Guayatá (al noreste de Bogotá) y continuó sus estudios en el Conservatorio Nacional en Bogotá. En Bogotá fue clarinetista de la Banda
Nacional, chelista de la Sociedad de Conciertos Sinfónicos del Conservatorio y del Quinteto “Luis A. Calvo”; en Ibagué se desempeñó como
Friday
de enorme influencia en la Argentina, llegaría a extender sus filiales a
más de 100 en todo el país.
49
Néstor Dueñas-Torres is a sound engineer and a student in the Master in Musicology program of the Universidad Nacional de Colombia.
He played cello in the Symphonic Youth Orchestra, and bass in rock/
pop bands. He is interested in music history and in Colombia’s plucked
strings ensembles. He has composed music for documentaries and
works in audio postproduction, music production, podcast and sound
design. Currently, he teaches music business at the Universidad “Sergio
Arboleda”.
Symphonic Instruments and Plucked String
Ensembles in Música Colombiana,
1960–2000: An Iconographic Approach
Alejandra Vargas Muñoz
Universidad Nacional de Colombia, Bogotá
avargasmu@unal.edu.co
I
n the second half of the 20th century in the cities of central Colombia, we witness the revival of the plucked strings ensembles born as
Estudiantinas in the last years of the previous century. Such revival
obeys to the establishment of venues, festivals, institutional programs
and audiovisual promotion of the so called “músicas colombianas”.
Through the examination of the existing record covers and photographs, the paper will document the role of these instruments (especially double basses, violoncellos, violins, traverse flutes and clarinets)
in these ensembles.
50
Instrumentos sinfónicos y conjuntos de cuerdas
pulsadas en la música colombiana, 1960-2000:
una visión iconográfica
the main features of musical life at El Socorro (northeastern Colombia)
in the period between the Comuneros popular insurrection of 1781 and
the consolidation of the new republic after the definite expulsion of
the Spanish government in the first years of the 1820s.
En la segunda mitad del siglo XX se evidencia en las ciudades del centro de Colombia, un resurgimiento de las agrupaciones nacidas como
estudiantinas a finales del siglo anterior. Dicho fenómeno obedece a
la instauración de varios escenarios, festivales, encuentros institucionales y programas audiovisuales para la promoción de las “músicas
colombianas”. A través del amplio material iconográfico (carátulas de
discos, fotografías) existente, en este trabajo se intenta documentar
históricamente el papel que los instrumentos sinfónicos (contrabajos,
violonchelos, violines, flautas traversas y clarinetes) han desempeñado
en ellas.
Fuentes iconográficas y actividad musical en la
periferia. Un caso colombiano: El Socorro, 17801820
Alejandra Vargas Muñoz is a student in the Master of Musicology program of the Universidad Nacional de Colombia. He graduated from the
BA Program in Music at the Universidad Sergio Arboleda, with major in
cello. He worked as a teacher in juvenile music programs and as member of duet “Maderas al Viento”.
Iconographic Sources and Music at the
Peripheries. A Colombian Case: El Socorro,
1780–1820
Egberto Bermúdez
Universidad Nacional de Colombia
ebermudezc@unal.edu.co
W
e have very little information on the musical activities in marginal urban contexts and on the peripheric regions of the former
Virreinato del Nuevo Reino de Granada (present day Colombia) at the
end of the colonial period and the beginning of its life as Republic.
Starting with a unique iconographic source and complementing it with
historical and musical documents this works aims at reconstructing
Son muy pocas las noticias que tenemos sobre la actividad musical
en los sectores marginales urbanos y en las regiones periféricas de lo
que fue el Virreinato de la Nueva Granada (actual Colombia) a finales
del periodo colonial y el comienzo de la vida republicana. Partiendo de
fuentes iconográficas y complementando esa información con fuentes
documentales históricas, este trabajo se enfoca en la reconstrucción
de los rasgos principales de la vida musical de algunos casos de ciudades como Santafé (hoy Bogotá) y Cartagena, y la villa de El Socorro
(al noreste de Santafé) en el periodo comprendido entre la insurrección popular de 1781 llamada “de Los Comuneros” y la consolidación
de la nueva república después de la expulsión definitiva del gobierno
español en los primeros años de la década de 1820.
Egberto Bermúdez studied early music performance practice and musicology at the Guildhall School of Music and King’s College, University
of London. Profesor Titular at the Universidad Nacional de Colombia,
Bogotá, and author of Los instrumentos musicales en Colombia (1985),
La música en el arte colonial de Colombia (1994) and Historia de la
Música en Bogotá, 1538–1938 (2000), he has published numerous articles on organology, colonial, traditional and popular Colombian and
Latin American music. He was President of the Historical Harp Society
(1998–2001) and presently he is editor of Ensayos. Historia y Teoría del
Arte. Since 2017 he is Vice President of the International Musicological
Society (IMS) and since 2018 correspondent member of the Academia
Colombiana de Historia.
Friday
profesor y director de la orquesta del Conservatorio. En la década de
1930 participó de la formación de la primera cooperativa de músicos
en Colombia, la Mutualidad Artística. Este trabajo presenta las etapas
y aspectos esenciales de la vida y carrera de Dueñas a través de las fotografías de su archivo personal, que contribuyen a ubicar mejor a este
músico colombiano en sus contextos social, cultural y musical.
51
Carlos M. Benítez
Universidad INCCA de Colombia, Bogotá
cmbenitezh@unal.du.co
F
rom the late 1950s to the mid-1970s, the slow introduction of stereo
records in the market was reflected in the design of their covers.
Illustrators and designers strove to coincide with music producers,
sound engineers and technicians, and introduced a new dimension to
the sound enjoyed by the audience. Their common objective was to
suggest how to listen to a stereo recording, partly, through the record
cover. This paper examines how European, North American and Caribbean records and covers arrived in Latin America and Colombia, and
focuses on local titles especially those produced by Discos Fuentes.
Ver y oír la estereofonía:
discos, carátulas y orquestas.
El caso de Colombia.
Desde finales de la década de 1950 hasta casi la de 1970, la introducción
paulatina del sonido estereofónico en el mercado de las grabaciones
tuvo reflejo en el diseño de sus carátulas, especialmente en los discos
LP. Mediante una gama de recursos gráficos y estéticos, ilustradores
y diagramadores de carátulas buscaron coincidir con los productores musicales, técnicos e ingenieros de sonido quienes, por su parte,
agregaron una nueva dimensión a la audición que gozaba el público
de la industria discográfica. Su objetivo común era guiar y sugerir el
modo de apreciar una grabación estereofónica, en parte, a través de
la carátula.
Este fenómeno incluyó el easy listening, conocido en Colombia como
música ‘estilizada’ o ‘brillante’. Este trabajo examina cómo los discos y
carátulas del mercado anglosajón, norteamericano y del Caribe -prin52
cipalmente en grabaciones orquestales- llegaron al resto de Latinoamérica y a Colombia, y estudia especialmente los títulos locales estereofónicos producidos por Discos Fuentes.
música y las letras de las canciones. Este trabajo aborda tal cuestión en
el ámbito específico del Metal colombiano y discute la relación entre el
contenido de algunos discos y sus carátulas como un estudio de caso.
Carlos M. Benítez is sound engineer majoring in production at the Universidad Javeriana (2009), with Master of Musicology degree from the
Universidad Nacional de Colombia (2017). He is producer, composer,
musician and radio programmer and currently teaches audio and music production courses at the Universidad Innca de Colombia (Bogotá).
He is curator of collections of scores and sound recordings, and music
librarian at the Fundación Nacional Batuta (2017).
Rafael Oliver is a historian from the Universidad Javeriana and a student of the Master in Musicology of Universidad Nacional de Colombia. He teaches and researches in music history and has worked in the
fields of audiovisual production, cultural management, and publishing.
He is currently researching on metal music in Colombia.
Metal in Colombia: Records and Their Covers
Rap LP Records and Their Covers in Bogotá:
La Etnnia and His LP Malicia indígena, 1997
Rafael Oliver
Universidad Nacional de Colombia
roliver@unal.edu.co
Adriana Moreno
Universidad Nacional de Colombia
amorenoba@unal.edu.co
I
T
El Metal en Colombia, sus discos y sus carátulas
Carátulas y discos de rap en Bogotá:
La Etnnia y su disco Malicia indígena, 1997
A pesar de que en la música rock y pop la relación entre las carátulas
de los discos y su música puede ser un tema de amplio debate tanto en
círculos académicos como periodísticos, se puede insitir en enfocarlo
en establecer si existen dichas relaciones y explicar en que consisten.
Esto parece ocurrir en el denominado Metal extremo pues pareciese
que sí hay una correspondencia entre la imagen de las carátulas, la
El segundo trabajo discográfico del grupo de rap bogotano La Etnnia
muestra una clara intención por retratar el ámbito social que toma lugar en el barrio Las Cruces en Bogotá durante la década de 1980 vinculando historias de desaparición forzada, violencia y asesinato. Esta
presentación se concentra en la carátula de esta producción y como en
ella el grupo trata de materializar la anterior situación a través de su
n spite of the fact that in rock and pop the relationship between records and their covers can be a matter of ample discussion in academic and journalistic circles, one can insist in narrowing it to establishing
that such a relationship exists and explain what it is. This appears to
happen in extreme metal, where it seems that a relationship exists between the records, their covers and the music and lyrics of the songs.
As a case study, this paper examines this relationship focusing on in
groups, records and covers of Colombian metal.
he second LP of La Etnnia rap group from Bogotá shows a clear intention to portrait the social environment of the Las Cruces Barrio
in Bogota during the 1980s, referring to stories about violence, murder
and forced disappearance. This paper studies the LP cover and how the
group materialized with it their thoughts through the design, typography, photocollage and color; and also, to establish a link of continuity
with its first LP, El Ataque del Metano from 1995.
Saturday
Hearing and Seeing “Stereo”:
Records, Covers and Orchestras.
The Case of Colombia
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Adriana Moreno has BA in electronic and digital arts with minor in
music from the Universidad de Los Andes (Bogotá). He studies arts and
culture strategies at the University of Pennsylvania along with National
Art Strategies (US). He is currently a student at the Master of Musicology at Universidad Nacional de Colombia. He teaches visual arts at
international programs, such as the International Baccalaureate and
Continuing Education programs at Universidad de los Andes.
Use of the Rectangular Apulian Sistrum in
Religious Contexts
Fabio Vergara Cerqueira
Universidade Federal de Pelotas
abiovergara@uol.com.brE
T
he iconography of Italiot vases reveals a very singular instrument,
testified in images produced between 370 and 290 bc. The presence of Apulian sistrum occurs mainly on Apulian vases, but also on
Siceliot, Paestan and Campanian ware, especially during their Apulianizing phases. In Apulian pottery, it occurs in a high number of red-figured and Gnathian style. Since the issue of its identification as a musical
instruments is already solved, the current research is concerned with
its performance contexts. I propose here to study the different uses of
the Apulian sistrum in religious contexts, and its classification based
on two types of situations: (1) its musical performance as an element
of the worship music; and (2) its use as a cult instrument, due to its
mystic symbolism, which is effective in two domains, the love and funerary domains.
La iconografía de los vasos italiotas revela un instrumento singular,
mostrado en imágenes producidas entre 370 y 290 B.C. La presencia
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del sistro apuliano se da sobre todo en vasos de Apulia, pero también
en cerámica siceliota, de Paestum y de Campania, especialmente durante sus fases apulianizadas. En la cerámica de Apulia aparece un alto
número de figuras rojas de estilo de Gnathia. Puesto que el tema de su
identificación como instrumentos musicales ya está resuelto, la investigación actual se interesa por los contextos de performance. Propongo en esta ponencia estudiar los diferentes usos del sistro apuliano en
contextos religiosos, y su clasificación basada en dos tipos de situaciones: a) su performance musical como un elemento de la música de
oración; y 2) su uso como un instrumento de culto, en atención a su
simbolismo místico, el cual es efectivo en dos esferas, la amorosa y la
funeraria.
Fabio Vergara Cerqueira, Professor of Ancient History at the Federal University of Pelotas (UFPel), is involved with research on Classical
archaeology, ancient Greek history, ancient music, music iconography,
music instruments and reception of antiquity in Brazil. His current research project concerns music archaeology in the Apulian-Tarentine
region, in particular the Greek-indigenous intercultural environment of
Magna Graecia in the context of Greek colonization and decolonization
(6th–3rd century bc). He has been visiting researcher at the Institut
für klassische Archäologie at the Universität Heidelberg (2014–2017),
research fellow of the Humboldt-Foundation (since 2014), and at the
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (since
2013). He was President of the Brazilian Society of Classical Studies
(2001–2003) and coordinator of Ancient History in the National Association of History, in Brazil (2007–2009).
Curtain of Teatro Larrañaga,
Reverse. Photo: José Luis La Greca.
Atawallpa and Wáskar:
Music to Move the World
Claudio Mercado
Museo Chileno de Arte Precolombino, Santiago de Chile
cmercamu@gmail.com
S
an Pedro de Tongos is a small town in the Huaura province, in the
Peruvian highlands, situated at 3400 meters above the sea level in
the Peruvian Sierra. Every year, the town celebrates the feast of San
Pedro, patron saint of the town. This seven-day celebration features
a collective theatrical performance commemorating the death of the
Inka kings from the hands of the Spanish conquistadors. Three groups
participate in the play: the Inka Atawallpa, the Inka Wáskar, and the
Pizarro (the Spanish conqueror). Each group has its own orchestra. Every moments of the play are strongly linked to the music performance.
Nothing can be done if music is not playing.
Atawallpa y Wáskar; música para mover el mundo
San Pedro de Tongos es una pequeña localidad de la provincia de
Huaura, en las tierras altas peruanas, situada a 3.400 metros sobre el
nivel del mar, en la Sierra. Cada año el pueblo celebra la fiesta de San
Pedro, su santo patrón. Estos siete días de celebración se caracterizan
por una performance teatral colectiva que conmemora la muerte de
los reyes inca a manos de los conquistadores españoles. Tres grupos
participan en la obra: el Inka Atawallpa, el Inka Wáskar y Pizarro, el
conquistador español. Cada grupo tiene su propia orquesta. Cada momento de la obra está fuertemente ligardo a la performance musical;
nada puede ser actuado si no se está interpretando la música.
Saturday
diseño, tipografía, uso del fotomontaje y color, así como de establecer
una continuidad con su primera producción, El Ataque del Metano de
1995.
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Claudio Mercado holds degree in anthropology, and archaeology, and
master in musicology, both obtained at the University of Chile. He has
participated in numerous projects in archaeology, anthropology and
ethnomusicology, focusing his research on the central area of Chile and
the communities of the Salado River, northern Chile. He has carried out
the anthropological research focused on visual anthropology, pouring
its results in numerous books and documentary videos. He has taught
at various universities. He has been the head of the audiovisual department of the Museo Chileno de Arte Precolombino since 1989, curating its audiovisual archive and in charge of the museum’s website.
The Festival de Música Religiosa de Popayán:
Music and the Semana Santa Processions
Germán Aguirre Ordoñez
Universidad Nacional de Colombia
gaguirreo@unal.edu.co
P
rocessions are a fundamental element of the Holy Week celebrations at Popayan, south of Colombia. Sculpted images (imagenes)
and floats (pasos) refer to the Spanish traditions arrived there during
the conquest years. These images and floats, their carriers and what
happens in them are in themselves iconographic sources important
for understanding the ritual. On the other hand, the Festival de Música
Religiosa was established in 1964 to complement the religious celebration with a series of concerts of sacred vocal and instrumental music
of all times in the city’s churches and in the neighboring villages and
towns. Through the mentioned iconographic sources, this paper aims
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at characterizing the presence of music in the processions and its ritual; and its relationship with the musical activities of the Festival.
El Festival de Música Religiosa de Popayán, la
música y las procesiones de Semana Santa
Las procesiones son los elementos fundamentales de la celebración
de la Semana Santa en Popayán (sur de Colombia). Las imágenes de
cada uno de los “pasos” hacen referencia a la identidad cultural y religiosa traída desde España en años de la conquista. Estas imágenes, los
pasos, quienes los ‘cargan’ y lo que ocurre durante su recorrido son en
sí mismas, importantes fuentes iconográficas para la comprensión del
ritual. Por su parte, el Festival de Música Religiosa de Popayán se creó
en 1964 como un complemento cultural a esta celebración religiosa
y se desarrolla a través de series de conciertos de repertorio religioso
vocal-instrumental de todos los tiempos en las iglesias de la ciudad y
los municipios circunvecinos. A través de dichas fuentes iconográficas,
este trabajo intenta caracterizar el uso de la música en las procesiones,
su ritual y su relación con las actividades musicales del Festival.
German Aguirre Ordóñez is trombonist with a degree from the Universidad del Cauca, and Master in Performance from the Conservatori
Liceu of Barcelona. He has performed in venues in Colombia (Teatro
Colon, Bogotá; Teatro Metropolitano, Medellín; Festival Petronio Álvarez, Cali) and elsewhere (the United States, Jamaica, Spain, Central
America, Holland). He is a student at the Master of Musicology program
at the Universidad Nacional de Colombia.
Russia’s Olympic Spectacles
Inna Naroditskaya
Bienen School of Music, Northwestern University
in-narod@northwestern.edu
tederse como oriental y occidental y el marco conceptual del Oleg de
Catalina. Su argumento supuestamente guió los hechos históricos que
condujeron a la guerra con los otomanos en 1786. Los Juegos Olímpicos
de 2014 sirvieron como un preludio a las acciones militares en Ucrania sobre Crimea. Esta investigación, al comparar los Juegos Olímpicos
con Oleg, busca iluminar la fórmula reciclada, quizás conservada en el
tiempo, de una gran representación que expresa el absolutismo ruso.
F
inishing the script of her future opera, The Early Reign of Oleg (1786),
within a month, the author/autocrat Catherine the Great launched
several month long monumental journey first to Kiev and then down
the river Dniepr to the recently conquered Taurida/Crimea. The production of the opera four years later involved a cast of seven hundred,
including military regiments, and displayed an ancient Greek capital,
a Greek theater, and Olympic Games. About two hundred thirty years
later, the spectacular Finale of the Olympic Games in Sochi on the Black
Sea evoked the location, the metaphorical allusions, the magnitude of
the production, the references to ancient Greece, the dual self-fashioning as Eastern and Western, and the conceptual frame of Catherine’s Oleg. Her plotline seemingly guided the real events leading to
the 1786 war with Ottomans. The Olympic Games of 2014 served as a
prelude to military action in Ukraine over Crimea. This research transcribing and comparing Olympic Games with Oleg illuminates a recycled, perhaps sustained formula of the grand performance manifesting
Russian absolutism.
Los espectáculos olímpicos rusos
Cuando estaba finalizando el guión de su futura ópera, El antiguo reina
de Oleg (1786), la autora y autócrata Catalina la Grande se embarcó en
un largo viaje, primero a Kiev y luego bajando el río Dniepr hacia la recientemente conquistada Taurida/Crimea. La producción de la ópera,
cuatro años más tarde, involucró un reparto de setecientas personas,
incluyendo regimientos militares, e incluyó una ciudad griega antigua,
un teatro griego y los Juegos Olímpicos. Cerca de 230 años más tarde, el
espectacular final de los Juegos Olímpicos en Sochi, sobre el Mar Negro,
evocó estas locaciones, las alusiones metafóricas, la magnitud de la
producción, las referencias a la Grecia antigua, la doble forma de en-
Visualizing the Ritualistic Kandy Pageant in
Temple Wall Paintings in Sri Lanka
Manoj Alawathukotuwa
University of Peradeniya
alawathukotuwa.manoj@gmail.com
A
mong perahara (pageant festivals) in Sri Lanka, the procession at
the Temple of Tooth Relic in Kandy, held every year in August, is
an ancient Buddhist ritualistic performance honoring the Sacred Tooth
relic of the Lord Buddha and the four Guardian gods known as Natha,
Vishnu, Kataragama and Goddess Paththini. One of its purposes is requesting blessings from gods to obtain rain for the cultivation of crops
and fertility. This colorful event is performed with whip crackers, fire
dancers, flag holders, drummers and musicians, and decorated tuskers.
The alignment or the order of the procession symbolizes the rain in
conceptual manner by imitating sounds and colors. The sound of whip
crackers symbolizes the thunder, while fire dancers stand for lightning,
and dark clouds symbolize through elephants. The origin of the procession goes back to the third century bc, and it is performed today
with certain modifications.
History of this ritualistic and religious ceremony has been portrayed in
wall paintings in Sri Lankan temples both in realistic and non-realistic
ways. In some occasions contemporary incidents of the so-called processions have been embedded into temple wall paintings to narrate
Saturday
The film Atawallpa and Wáskar: This Is Not a Game (2018) will be
shown following the paper.
Directed by Claudio Mercado
Filmed and edited by Claudio Mercado and Pablo Villalobos
Postproduction: Benjamín Gelcich
Produced by Museo Chileno de Arte Precolombino, 2019
Duration: 67 min
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the teaching of Load Buddha, and to depict the previous birth stories
about him. Information on the history, social status of musicians, dancers, musical instruments, costumes and ornaments of dancers, and
local and foreign influences can be seen and identified through this
paintings.
La procesión de Kandy en las pinturas murales de
Sri Lanka
Entre los perahara (procesiones festivas) de Sri Lanka, la procesión del
Templo del Diente de Buda, en Kandy, tiene lugar cada año en Agosto,
en una antigua performance ritual en honor a la reliquia del Diente
Sagrado de Buda y los cuatro dioses guardianes conocidos como Natha, Vishnu, Kataragama y la diosa Paththini. Uno de sus propósitos es
solicitar bendiciones de los dioses para obtener lluvia en los cultivos y
fertilidad. Este evento, pleno de color, incluye en su performance juegos con látigos y banderas, bailes con fuego, tamboreros y otros músicos, colmillos decorados. El orden de la procesión simboliza la lluvia,
imitando sonidos y colores. El sonido de los látigos simboliza al trueno,
mientras que los bailarines con fuego representan los relámpagos; las
nubes oscuras son representadas por elefantes. El origen de la procesión se remonta al S. III B.C., y es llevada a cabo actualmente con ciertas
modificaciones.
Manoj Alawathukotuwa received his BA and MPhil degrees from the
University of Peradeniya, Sri Lanka, and PhD from the University of
New Delhi. As a trained musician, he has composed for Sri Lanka’s musicians. He has published papers on Sri Lankan music, and presented
his research both in local and international conferences. His research
interests are North Indian music, ethnomusicology and influences on
Sri Lankan music. He is the Head of the Department of Fine Arts, University of Peradeniya.
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La historia de esta ceremonia religiosa, ritual, ha sido representada en
las pinturas murales de los templos de Sri Lanka de manera realista y
no realista. En algunas ocasiones incidentes contemporáneos se han
incorporado a las pinturas murales con el fin de narrar las enseñanzas
y las historias de Load Buddha. A través de estas pinturas se dispone
de información sobre la historia, el estatus social de los músicos, bailarines, instrumentos musicales, vestuario y ornamentos de los danzantes, y sobre las influencias locales y extranjeras en esta manifestación.
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Impreso en: IMPRENTA MOSCA & CIA.
D.L. 376.172
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