Papers by MARTA GARCIA SAHAGUN
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El objetivo principal del proyecto Metodologias alternativas y colaborativas en el uso de la foto... more El objetivo principal del proyecto Metodologias alternativas y colaborativas en el uso de la fotografia analogica en periodos de crisis era: “redescubrir un saber y una tecnica que se encuentra olvidada y establecer una metodologia colaborativa y nueva para su aprendizaje. Esto conlleva de forma fisica la recuperacion de unas instalaciones de la Facultad de CC.INF. que se encontraban en estado de desuso” (memoria del proyecto de innovacion docente 2016-2017, num. 139).
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Comunicación y Sociedad, 2019
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Revista de Comunicación
La Peste series (Movistar Plus+) represented a pre-pandemic benchmark in transmedia and hybrid (o... more La Peste series (Movistar Plus+) represented a pre-pandemic benchmark in transmedia and hybrid (online and offline) fictional storytelling. This research delves into the keys for the construction of suspense through the development of interactive actions that place the public in a leading position in the story through the dialogue between geographical, fictional and expanded space. Therefore, we will examine the resignification of the city through the image built up by the participation of the viewer –in the series– and the user –in the transmedia actions–. We address both the study of the fictional and augmented space, taking into account the territory occupied by the different strata that made up the city in the sixteenth century, and the processes of expansion of the contents through interactive cartographies, movie maps, and Alternative Reality Games (ARG). As a result, we observe an expansion of the series through the metaphor of the map in an expedition that flits between past...
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Investigaciones Feministas
Introducción. En el presente artículo se explora la relación entre el tema del doble y el género,... more Introducción. En el presente artículo se explora la relación entre el tema del doble y el género, que se desarrolla principalmente en el procedimiento de desdoblamiento por metamorfosis, donde las características de compatibilidad e identidad personal propias del doble clásico varían. Objetivos y metodología. En el análisis indagamos en las distintas posibilidades que surgen en estas historias, deteniéndonos en el concepto de identidad personal —a través de los elementos microtextuales del tema— y en las variantes del desdoblamiento dispuestas por Doležel —paradigmáticas, sintagmáticas, autenticidad y modos de construcción—. Para ello, se analizan las películas La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011), Laurence Anyways (Xavier Dolan, 2012) y Tomboy (Céline Sciamma, 2011). Resultados y conclusiones. Como conclusión, observamos que la identidad personal prevalece frente a la cuestión del cambio o confusión de género (voluntario o no), especialmente a través de los elementos microtex...
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Historia y Comunicación Social, 2020
Este trabajo analiza Muerte de un ciclista (Juan Antonio Bardem, 1955) como una película-evento, ... more Este trabajo analiza Muerte de un ciclista (Juan Antonio Bardem, 1955) como una película-evento, film-événement, e investiga la resignificación que su director otorga al espacio de la Ciudad Universitaria de Madrid. La película de Bardem se presenta como el primer film español que muestra un relato diferente de las consecuencias de la Guerra Civil en el bando vencedor y utiliza la Universidad y su valor como ejemplo de territorio crítico al régimen, sirviendo de antecedente simbólico para las primeras manifestaciones de estudiantes en España durante el franquismo
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En el capitulo "Ex Machina (Alex Garland)" del libro Cine Pensado reflexionamos sobre e... more En el capitulo "Ex Machina (Alex Garland)" del libro Cine Pensado reflexionamos sobre el rostro de la mujer androide como objeto de la mirada. La cosificacion de la figura femenina cobra una doble lectura en el film, donde atendemos al proceso de transformacion de objeto a sujeto de un ente no humano que, sin embargo, no logra liberarse de las connotaciones derivadas de pertenecer a su genero.
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Es muy probable que Inland Empire (2006) sea, en cuanto a los aspectos técnico-visuales se refier... more Es muy probable que Inland Empire (2006) sea, en cuanto a los aspectos técnico-visuales se refiere, la película que más ha modificado la manera de hacer cine del director norteamericano David Lynch. Esto se debe, entre otros aspectos menos relevantes, a que estamos frente al primer largometraje que rodó en formato digital, hecho que irremediablemente marcaría un punto y aparte respecto a su trayectoria previa. Si bien no podemos decir que esto fuera nuevo para el director, pues ya se había alejado del engorro analógico a través de distintas piezas como el corto The Darkened Room (2002) o la serie Rabbits (2002) —de la que incluye algunos fragmentos en la propia Inland Empire—, nunca antes lo había utilizado en ningún otro largometraje. Además, también es la primera vez que él mismo figura como director de fotografía en uno de sus films. En el pasado, Lynch había encargado esta tarea a profesionales de renombre como Frederick Elmes —(Eraserhead, 1977), (Blue Velvet, 1986), (Wild at H...
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aDResearch ESIC International Journal of Communication Research, 2021
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Ejercer cualquier actividad al margen ha implicado, tradicionalmente, la presencia de un comporta... more Ejercer cualquier actividad al margen ha implicado, tradicionalmente, la presencia de un comportamiento desobediente —y, en ocasiones, radical— respecto a la norma establecida. Sin embargo, lo que esta concepción pone de manifiesto es el carácter fronterizo de ciertos actos que no se guían por direcciones ya tomadas e ideas fundadas, sino que buscan nuevos enfoques inéditos a través de caminos escasamente recorridos. La inquietud es, por tanto, el motor que impulsa a los individuos que se adentran en lo desconocido, en lo que está más allá de lo socialmente —y, en nuestro caso, lo académicamente— establecido. Las investigaciones universitarias se han visto influidas por distintas oleadas de estilos y teorías; unas con más suerte que otras. Sin embargo, el germen de toda innovación siempre es rupturista y, por tanto, surge desde más allá de lo ya instaurado, desde el margen. Allí es donde se acude cuando nos salimos de la visión centrípeta de algunas corrientes y donde surgen otras nuevas que, quizá, terminen convirtiéndose en futuros pilares de la investigación académica. Según decía George Steiner, “todo arte, música o literatura serios constituyen un acto crítico”. Pero esto nos remite a una cuestión primordial que consiste en preguntarnos qué es exactamente un arte serio hoy en día. En una época donde la democratización del conocimiento ha desembocado en una sobreexplotación informativa el problema reside precisamente en el criterio, en el acto crítico. Los nuevos medios de comunicación han influido en cómo concebimos el arte; en especial, aquellas disciplinas relativas a la imagen como la fotografía o el cine. Lo que podíamos considerar un arte serio está hoy en día al alcance de cualquier individuo, lo que puede hacernos dudar acerca de si, por ello, se debe silenciar su presencia en el marco académico. Las reflexiones que se muestran a continuación responden a esta pregunta. La fotografía en Instagram y en Snapchat, el fenómeno vidding o el cine de acción son algunos de estos ejemplos que demuestran que, en una sociedad en plena evolución tecnológica y conectiva, se puede —y se debe— abordar estos temas que, desde un enfoque purista, podrían ser desdeñados. A lo largo de estas páginas también tienen cabida las reflexiones sobre otras manifestaciones artísticas que llevan tiempo esperando ganar más visibilidad en el ámbito académico, como es el caso de la danza, el cómic o el paleoarte. Del mismo modo, se abordan nuevos enfoques sobre la Tercera Vía, la contracultura madrileña, la música en Studio Ghibli, los videojuegos, la influencia británica en la fotografía de moda en España o el suspense visto desde una perspectiva formal. Estas revisiones contrastan con caminos menos transitados como el estudio de la discapacidad en el cine o las repercusiones del digital en la estética. Todos ello no hace sino reafirmar la necesidad de investigar la imagen desde una perspectiva no convencional, fluida y en constante evolución. En 1923 Le Corbusier publicó su polémico Vers une architecture, que reunía una serie de artículos publicados en la revista L'Esprit Nouveau. En uno de estos, “Ojos que no ven... III. Los automóviles”, el autor se atrevía a asemejar ciertas construcciones clásicas —como el Partenón— a los coches de la época. Según Le Corbusier, se trataba de dos productos de selección, uno terminado —el templo— y otro en marcha hacia el progreso —el automóvil—, lo que ennoblecía a este último. Como apuntaba el arquitecto, “entonces nos queda por confrontar nuestras casas y nuestros palacios con los automóviles”. Su atrevimiento no hace sino reafirmar la necesidad de instaurar en la norma campos que, a primera vista, se encuentran lejos de compararse con elementos tradicionalmente estudiados. La necesidad de rescatar el templo de manera rupturista vuelve años después, cuando en 1962 Erwin Panofsky escribía su ensayo “Los antecedentes ideológicos del radiador del Rolls- Royce”. En él, el autor reflexionaba sobre el espíritu anglosajón en sus jardines, construcciones y obras de arte, para terminar hablando de la alada Silver Lady que corona el templo frontal palladiano que no es sino el radiador del coche. No obstante, esta obra se encontró al margen durante casi treinta años, hasta que fue finalmente publicada en 1995 por The MIT Press. Quizá hubiera sido demasiado rompedor, del mismo modo que fue comparar el clásico templo griego con el automóvil, escribir desde un enfoque serio sobre el radiador de un coche de lujo. Ambos autores remiten a lo clásico sin dejar de ser conscientes del momento en el que viven y sus adelantos técnico-artísticos, que no dudan en incluir en su obra. Los textos que siguen a continuación no siempre buscan el enfoque rupturista que poseen los escritos de Le Corbusier o Panofsky. Sin embargo, deben ser leídos sin los prejuicios académicos que su tema pueda despertar. Cada uno de ellos se erige como una valiosa aproximación en su campo; firme y valiente. A fin y al cabo, las…
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Escritura e Imagen
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Área Abierta, 2016
El carácter innovador y feminista del mediometraje Margarita y el lobo (1969) supuso la censura t... more El carácter innovador y feminista del mediometraje Margarita y el lobo (1969) supuso la censura total de la película y el ostracismo hacia su directora, la entonces estudiante de la EOC, Cecilia Bartolomé. En este artículo repasamos sus anteriores cortometrajes para desgranar los primeros matices de protesta así como la utilización de la expresión musical como vehículo del discurso feminista en Margarita y el lobo. A través de los planteamientos de la musicóloga Susan McClary que abordan sexualidad, género y feminismo concluimos con una visión del análisis de género en las obras musicales, al vincular sus estudios al film de Bartolomé. Del mismo modo, analizamos la función que cumple la música en el mediometraje. Para ello, examinamos el repertorio de canciones presente en Margarita y el lobo para terminar reconociendo la función discursiva y referencial como piezas claves en la película de la directora.
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Fotocinema revista científica de cine y fotografía
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Escritura e imagen, 2018
En el presente texto se aborda el tratamiento de la violencia en la película griega Canino (Kynód... more En el presente texto se aborda el tratamiento de la violencia en la película griega Canino (Kynódontas, Yorgos Lanthimos, 2009). En concreto, trata la presencia de la violencia objetiva –aquella que Žižek considera invisible a nuestra mirada e inherente a un estado “normal” y pacífico de las cosas– en la imagen cinematográfica. A través del contraste de elementos opuestos en la forma –composición, iluminación, color– y en el contenido –contexto de la escena– descubrimos un lenguaje visual cinematográfico basado en la contención; en una violencia que se ejerce pero que no es posible ver a primera vista. Esta caracteriza una sociedad que, como señala Han, elimina la negatividad para suplirla por positividad y que finalmente nos devuelve, paradójicamente, una imagen perversa.
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Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, 2018
El presente artículo analiza el tratamiento del paisaje mítico norteamericano en la película de T... more El presente artículo analiza el tratamiento del paisaje mítico norteamericano en la película de Terrence Malick Malas tierras (Badlands, 1973) y en el fotolibro de Christian Patterson Redheaded Peckerwood (2011); dos interpretaciones de un caso real: los asesinatos cometidos por Charles Starkweather y Caril Ann Fugate y su huida por el Medio Oeste americano. Se establece un diálogo comparativo entre el cine, la fotografía y el libro, reflexionando sobre las especifidades de cada medio.
This article analyzes North American landscape in Terrence Malick's Badlands (1973) film and Christian Patterson’s Redheaded Peckerwood (2011) photobook. These are two interpretations of a real case: the murders committed by Charles Starkweather and Caril Ann Fugate and their getaway through the American Midwest. A comparative dialogue between cinema, photography and the book reflecting the specificity of each medium is established.
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Papers by MARTA GARCIA SAHAGUN
This article analyzes North American landscape in Terrence Malick's Badlands (1973) film and Christian Patterson’s Redheaded Peckerwood (2011) photobook. These are two interpretations of a real case: the murders committed by Charles Starkweather and Caril Ann Fugate and their getaway through the American Midwest. A comparative dialogue between cinema, photography and the book reflecting the specificity of each medium is established.
This article analyzes North American landscape in Terrence Malick's Badlands (1973) film and Christian Patterson’s Redheaded Peckerwood (2011) photobook. These are two interpretations of a real case: the murders committed by Charles Starkweather and Caril Ann Fugate and their getaway through the American Midwest. A comparative dialogue between cinema, photography and the book reflecting the specificity of each medium is established.
Las investigaciones universitarias se han visto influidas por distintas oleadas de estilos y teorías; unas con más suerte que otras. Sin embargo, el germen de toda innovación siempre es rupturista y, por tanto, surge desde más allá de lo ya instaurado, desde el margen. Allí es donde se acude cuando nos salimos de la visión centrípeta de algunas corrientes y donde surgen otras nuevas que, quizá, terminen convirtiéndose en futuros pilares de la investigación académica.
Según decía George Steiner, “todo arte, música o literatura serios constituyen un acto crítico”. Pero esto nos remite a una cuestión primordial que consiste en preguntarnos qué es exactamente un arte serio hoy en día. En una época donde la democratización del conocimiento ha desembocado en una sobreexplotación informativa el problema reside precisamente en el criterio, en el acto crítico. Los nuevos medios de comunicación han influido en cómo concebimos el arte; en especial, aquellas disciplinas relativas a la imagen como la fotografía o el cine. Lo que podíamos considerar un arte serio está hoy en día al alcance de cualquier individuo, lo que puede hacernos dudar acerca de si, por ello, se debe silenciar su presencia en el marco académico.
Las reflexiones que se muestran a continuación responden a esta pregunta. La fotografía en Instagram y en Snapchat, el fenómeno vidding o el cine de acción son algunos de estos ejemplos que demuestran que, en una sociedad en plena evolución tecnológica y conectiva, se puede —y se debe— abordar estos temas que, desde un enfoque purista, podrían ser desdeñados. A lo largo de estas páginas también tienen cabida las reflexiones sobre otras manifestaciones artísticas que llevan tiempo esperando ganar más visibilidad en el ámbito académico, como es el caso de la danza, el cómic o el paleoarte. Del mismo modo, se abordan nuevos enfoques sobre la Tercera Vía, la contracultura madrileña, la música en Studio Ghibli, los videojuegos, la influencia británica en la fotografía de moda en España o el suspense visto desde una perspectiva formal. Estas revisiones contrastan con caminos menos transitados como el estudio de la discapacidad en el cine o las repercusiones del digital en la estética. Todos ello no hace sino reafirmar la necesidad de investigar la imagen desde una perspectiva no convencional, fluida y en constante evolución.
En 1923 Le Corbusier publicó su polémico Vers une architecture, que reunía una serie de artículos publicados en la revista L'Esprit Nouveau. En uno de estos, “Ojos que no ven... III. Los automóviles”, el autor se atrevía a asemejar ciertas construcciones clásicas —como el Partenón— a los coches de la época. Según Le Corbusier, se trataba de dos productos de selección, uno terminado —el templo— y otro en marcha hacia el progreso —el automóvil—, lo que ennoblecía a este último. Como apuntaba el arquitecto, “entonces nos queda por confrontar nuestras casas y nuestros palacios con los automóviles”. Su atrevimiento no hace sino reafirmar la necesidad de instaurar en la norma campos que, a primera vista, se encuentran lejos de compararse con elementos tradicionalmente estudiados.
La necesidad de rescatar el templo de manera rupturista vuelve años después, cuando en 1962 Erwin Panofsky escribía su ensayo “Los antecedentes ideológicos del radiador del Rolls- Royce”. En él, el autor reflexionaba sobre el espíritu anglosajón en sus jardines, construcciones y obras de arte, para terminar hablando de la alada Silver Lady que corona el templo frontal palladiano que no es sino el radiador del coche. No obstante, esta obra se encontró al margen durante casi treinta años, hasta que fue finalmente publicada en 1995 por The MIT Press. Quizá hubiera sido demasiado rompedor, del mismo modo que fue comparar el clásico templo griego con el automóvil, escribir desde un enfoque serio sobre el radiador de un coche de lujo. Ambos autores remiten a lo clásico sin dejar de ser conscientes del momento en el que viven y sus adelantos técnico-artísticos, que no dudan en incluir en su obra.
Los textos que siguen a continuación no siempre buscan el enfoque rupturista que poseen los escritos de Le Corbusier o Panofsky. Sin embargo, deben ser leídos sin los prejuicios académicos que su tema pueda despertar. Cada uno de ellos se erige como una valiosa aproximación en su campo; firme y valiente. A fin y al cabo, las siguientes aportaciones constituyen un acto crítico y dan visibilidad a distintos vacíos que necesitaban ser considerados. El margen también puede, como se demuestra con este libro, ser el centro.