María Gabriela de la Cruz

Este artículo reflexiona en torno a la propuesta de enseñanza implementada en el taller de cerámica de la Universidad Nacional de las Artes, en el marco de la pandemia durante el período 2020 y 2021. El planteo consiste en analizar cómo se dieron clases de cerámica sin cerámica en un tiempo detenido y por fuera del espacio de taller de la institución.

La relación arte – diseño ha tenido sus fluctuantes estados desde que empezaron a convivir en las sociedades como prácticas culturales. El ejercicio de la profesión en ambas contempla a lo proyectual como una metodología necesaria, pero, también, es una que las separa, en tanto que el arte se autodefine a partir de estatutos que son universales.

Desde el Programa Construyendo Lazos Sociales y la ONG Desfragmentando Lazos Sociales venimos desarrollando proyectos productivos en los diferentes talleres realizados tanto en los Barrios de Villa Elvira como en las instituciones de encierro como las carcelarias o de salud. Estos proyectos están realizados entre el diálogo entre diferentes profesionales ya que el proyecto abarca a las Facultades de Trabajo Social, Derecho, Artes y Psicología. Estos proyectos consideran a la producción como un sostenimiento económico posible que impacta directamente en las diferentes comunidades de tal manera que abre por un lado, al cumplimiento de derechos y por otro al empoderamiento de cada sujeto en la valoración de su participación. Pero esto no solo sucede en el intercambio o trascurso de los talleres sino que intentamos que se relacionen con la sociedad entera vendiendo esos productos y generando un impacto tanto en las relaciones sociales, subjetivas, identitarias, culturales siempre prevaleciendo el intercambio por sobre la individuación y el asistencialismo.

Los lenguajes combinados en las artes complejizan a las producciones llevándolas a un estatuto más amplio de las mismas. Pero cuando la combinación es entre dos disciplinas, los bordes se difuminan. Muchas veces sucede que lo que se presenta en el campo del arte pierde sus límites de definición debido a que el modo en que se presentan, los lenguajes utilizados aportan datos al usuario, espectador, receptor, etc. Esto sucede, sobre todo, cuando los lenguajes son combinados, presentando una obra, un objeto complejo para quienes lo recibe. Uno de los ejemplos más comunes sucede cuando las obras de arte contemplan lenguajes multimediales, que muchas veces hacen que las mismas estén presentadas como espectáculos, puestas en escena en donde el que ve o participa, determinará muchas veces que es lo que vio, si una obra interdisciplinaria o pondrá alguna por sobre las demás. Así es que para la misma obra puede que para uno sea multimedial, para otro una pintura, para otro simplemente un show.
Estos delineamientos entre disciplinas son característicos de las obras y el diseño de los últimos años. Lo que sucede es que en el campo de lo artístico el arte en sí se lo ha planteado muchas veces y el diseño no tanto debido a que sostiene diferenciarse del arte y tiene otros intereses.
Hay obras de arte que a primera vista son de diseño y otras que son de arte, pero cuando nos detenemos, empezamos a ver que esos límites no son tan claros y no se agotan ante la primera mirada sino que necesitan más tiempo para pensar en las interacciones posibles, así como el modo en que se presentan.
Tomaré como referencia las obras cerámicas de Adrián Villar Rojas. (2009). Mi familia muerta. Usuahia, Argentina. Gabriel Chaile, (2018). Instalación 70 veces 7,  Cosas que el ojo no vio. Del ciclo Colección en diálogos. Marco- Museo de Arte Contemporáneo de La Boca, Argentina. En cuanto al diseño, la obra de Cristian Mohamed y Santiago Lena, Raza (2021). Y la producción de joyería de Cabinet Óseo. Para desentramar lo espectacular, la combinación de lenguajes y cómo articulan esos lenguajes para intentar diferenciarse. Pero también para proponer a la cerámica como ese intersticio entre el arte y el diseño proponiendo escapes posibles ante los paradigmas vigentes.

En la materia Elementos epistemológicos y estéticos para Diseño Industrial consideramos que es fundamental desglosar las cuestiones fundamentales del capitalismo entendido desde Marx para, a partir de ahí, construir un campo epistemológico que por un lado, aporte un marco de realidad en donde poder actuar y por el otro, posicione a los futuros egresados en una perspectiva de la profesión que contemple la mirada sobre esa realidad, pero, no desde el punto de vista sino desde el actuar. Esto es debido a que consideramos al Diseño Industrial como parte fundamental de la producción en el proceso proyectual de bienes industriales, el cual debe abordarse desde las condiciones concretas emergentes de nuestro proceso histórico-cultural como país y su relación regional y global. En este marco, sostenemos que la ideología es la parte fundamental para la construcción de un campo epistemológico soberano.
Bajo estos lineamientos, el rol disciplinar del Diseño Industrial debería ocupar un espacio estratégico y significativo en los emprendimientos y organizaciones productivas. Y contribuir, así, desde su especificidad proyectual al mejoramiento del producto industrial y el hábitat.
Ubicando al Diseño Industrial como una de las disciplinas integrantes del colectivo proyectual de bienes materiales, en donde, inserto en el mismo, el diseñador industrial actúa en la creación y gestión de la dimensión tecno-morfológica de aquellos artefactos o problemas en que se verifica una interfaz física-psicológica entre el objeto, el usuario y el contexto.
Pensar que la formación de los diseñadores industriales supone dar cuenta de los contextos mencionados, modifica conceptos disciplinares y discursos ideológicos.
El siguiente trabajo intentará demostrar algunas cuestiones fundamentales entre ideología (Althusser y Gramsci) y razón instrumental (Adorno) como marcos que permiten analizar el contexto actual, y que, aunque llevan unos años en ejercicio veremos que hoy día siguen vigentes y necesarios para analizar el  sistema capitalista pero sobre todo cómo actúa en su variante neoliberal imponiendo ideas a través de los medios de comunicación corporativos y el marketing.
Sobre la premisa que la subjetividad neoliberal se configura en una serie uniformada, en la que lo humano se reduce a su mínima expresión: todo debe estar calculado, disciplinado y controlado, las personas se someten a los mensajes comunicacionales, que terminan funcionando inconscientemente como órdenes. De esta forma, incorporan los imperativos de la época y sustentan la creencia de que eligen libremente mensajes comunicacionales, mientras que en verdad son impuestos a fuerza de repetición y técnicas de venta. Tratar de desmenuzar ese proyecto colonizador, en su producción bio-política de subjetividad. Así, es necesario intentar diseminar un entramado teórico que permita ver estas estrategias como imperativas que replican en el Diseño industrial también y, por ende, en el marco de un proyecto de país determinado.

La propuesta de este trabajo es parte del Proyecto de Investigación cuyos desgloses conceptuales habilitan la posibilidad de compartir las experiencias docentes impartidas en la materia Estética (FDA-UNLP), en la cual, a través de los años fuimos potenciando la multi-disciplinariedad de los estudiantes porque son de diferentes carreras. Los textos propuestos contemplan el concepto desde una herencia occidental teórica, que en el contexto de esa multi-disciplinariedad y la producción dada, se genera la posibilidad de un pensamiento de la Estética propio y latinoamericano.
Esto es posible debido a que consideramos que la enseñanza no es el pasaje de una mera información puesto que en el arte las estrategias didácticas están relacionadas con las formas sensibles y expresivas de los estudiantes. Así, los espacios son propios para construir nuevas teorías a partir de la praxis generada en el aula. Desandar la brecha separatista que da la división entre teoría y práctica para una consideración de la materia y las artes en general como un campo de saber. Guiando y brindando herramientas conceptuales y prácticas al estudiante para que pueda reflexionar, crear hipótesis y desarrollar habilidades para poder explicar el mundo, el que los rodea y en donde van a actuar como profesionales con una mirada crítica y empoderada.

La propuesta de este ensayo es hacer un recorrido de los términos contemporaneidad, capitalismo, globalización, en el arte cerámico actual, con las obras de Ornela Tarzia y Florencia Fernández Frank para establecer relaciones posibles en tanto que son producciones artísticas que utilizan elementos industriales para su producción, en este caso, productos de objetos de consumo utilitarios cotidianos. La intención es experimentar en este texto cuales son los puntos de contacto o de lejanía entre las obras y  los términos propuestos.
En cuanto a contemporaneidad intentaré desglosar y poner en cuestión a Smith (2012) y  Agamben (2009). Para abarcar la globalización tomaré a Mosquera (2010) y Laddaga (2010). En cuanto al término capitalismo será abarcado desde los despliegues de Deleuze (2005) y sobre industria cultural se tomarán los conceptos básicos devenidos de los desarrollos de Adorno y Benjamin para la Escuela de Frankfurt. 
En cuanto a los conceptos de Arte tomaré Bourriaud (2007).
Para considerar lo que está pero también lo que no aparece, ese fantástico intersticio entre la presencia y la ausencia, lo dicho y lo no dicho. Teleológicamente, llenarse de preguntas.

En la actualidad la Estética es una disciplina que, si bien es autónoma, conlleva un estatuto que puede ser abarcado desde diferentes puntos de vista y hasta incluso, desde diferentes campos de saber. Desde la mirada del Diseño Industrial, la Estética ha quedado un poco rezagada a lo que se llama, en general,  estilismos o lenguaje visual. Este trabajo intentará hacer un recorrido de ciertos elementos que generen aportes a una nueva mira de la Estética enfocada al Diseño Industrial. La actualización social en el consumo genera efectos en la sociedad que permiten situar (nos) desde un nuevo pensamiento en tanto que posibilitan los cuestionamientos ante los sucesos. Pensar en el consumo es una actividad que oscurece, produce una objetivación oculta en tanto que sus condiciones de producción no aparecen en la superficie de los materiales y esa experiencia, usuario/consumidor,  es una experiencia que corporiza el deseo en la posesión del objeto. La Estética propicia y reafirma los status quo en el consumo del objeto y la relación con el otro, volviéndolas intersubjetivas y por eso, potenciando las posibilidades, en este sentido, ya no puede seguir buscando sus fundamentos en el terreno de la metafísica.

Verdades hacen Agua enmarcada en el concurso internacional INNOVART - DATATON del año 2017, bajo la cursada de la materia de Lenguaje Multimedial IV es una obra interactiva. Se emplazó en la Facultad de Artes (UNLP) de la ciudad de La Plata y consta de un cilindro de vidrio transparente (lleno de agua y noticias) rodeado en su altura por mangueras que en su extremo poseen 4 plumas de diferente color. La interacción está dada a través de una computadora y la construcción semántica se da a  partir del uso de la misma. Su capacidad reactiva varía según la elección del usuario y se refleja en el agua previamente mencionada. Para este trabajo, analizamos esta obra para la materia Estética durante el año 2020 tratando de hacer cruces entre lo que la obra dice y los conceptos de la materia. Recorremos las nuevas vías de experiencias estéticas a partir de los medios tecnológicos planteando a la obra como comunicación que abre un mundo a la vez que desencanta una verdad.

Este trabajo se propone analizar la construcción de las representaciones estéticas y políticas que constituyen las nociones sobre la identidad nacional argentina en su vinculación con el movimiento folclórico de dicho país. Para esto recuperaremos el análisis que realiza Eduardo Grüner (2004) sobre el devenir histórico de las nociones de identidad individual y nacional y las implicancias representacionales que estructuraron, en gran parte, el paradigma político y cultural de la Edad Moderna occidental. También recuperamos los aportes que realiza Nelly Richard (2009) sobre las tensiones políticas y estéticas que encierra la relación centro-periferia,  en este caso dentro de nuestro país. Haremos un breve desarrollo histórico sobre la constitución del movimiento folclórico y sus paradigmas representacionales, situándonos en una periodización que abarcará sus antecedentes en el siglo XIX, la conformación y consolidación del paradigma folclórico clásico desde la década del ‘30 del siglo XX hasta las renovaciones y rupturas en la década del ‘60 y del ‘70.

En este trabajo analizaremos la obra Entrenamiento en la cual el enfoque está dado en la representación del tiempo con los textos de la material Estética de la FDA-UNLP. Esta obra es un video que representa a un sujeto en un espacio cotidiano y por lo tanto aparece desde la representación de lo común. En este sentido, el rol del espectador, es fundamental en tanto que es receptor de la obra pero también de un tiempo (otro), para esto tomaremos el texto de Sánchez Vásquez (2006) para entender ese rol y a Barbero (2003) en su desentramado del tiempo a partir del propio dispositivo audiovisual. Tomamos a Michaud (2006) para plantear a esta obra como una obra que se enmarca en el contexto del fin del régimen del objeto en el arte. Por otra parte, planteamos a la obra como un fin en sí mismo a través del texto de Gadamer (1998), no solo por la representación dada, sino porque se plantea la interpretación mediada por interpretaciones previas de esa obra, así, el sentido no se reduce a un solo concepto, a algo unívoco cerrado o determinado.

En el marco de la cursada de la materia Estética hemos realizado un trabajo final en donde vinculamos la elección de una obra con los textos dados en la cursada. Elegimos la obra Limbo una producción musical y visual realizada en la cuarentena de forma hogareña. Analizaremos por qué ambas partes de Limbo funcionan como obra de arte, analizaremos sus rasgos formales para dar cuenta sobre el concepto de obra de arte, la dialéctica presencia-ausencia como un modo de comunicación alternativa y el impacto que generan las nuevas tecnologías y especialmente internet en la distribución de la obra.

En este trabajo analizaremos el corto Diáfano realizado en el marco de la cursada de la materia Realización 1 en el año 2008 de la Facultad de Artes, UNLP con los conceptos desarrollados en la materia Estética, de la misma Facultad. Esto puede ser posible debido a que la estructura del cortometraje  remite directamente a lo simbólico, a aquello que muestra y que oculta, dejando en nosotros, como espectadores, la oportunidad de re-significarlo, de interpretarlo y adherirlo según nuestros recuerdos. Pero, en base a su contenido y forma no convencional, surge el interrogante de si Diáfano puede ser considerado una obra de arte. El eje fundamental es intentar responder a la pregunta ¿se puede representar los sentimientos? ¿Esto es una obra de arte? ¿Es un medio de comunicación? Para esto elegimos a los autores Gadamer (1998), Grüner (2000 y 2004) y de Gyldenfeldt (2008).

La producción elegida para este trabajo es una instalación de la estudiante Julieta Reinaud Pavón que habla acerca de cómo se percibe una híper idealización del amor y de la persona estimada, al amor romántico como un fenómeno que todo lo puede, que les llega a todos quienes lo esperan, la creencia de una “media naranja” Para este trabajo, analizaremos esta obra con los conceptos de la materia Estética en tanto poder desentramar lazos que aporten al arte. Se analizarán los conceptos de reproductibilidad, aura, lo oculto pero también lo develado en tanto participación del espectador.

Cada año, en los barrios de la ciudad de La Plata, se lleva a cabo una celebración tradicional basada en la realización y quema de muñecos para despedir el año viejo y recibir el nuevo.
Esta celebración consta de un encuentro alrededor de distintos muñecos realizados en cartón, sobre una estructura de madera y alambre, luego revestidos con papel y pintura. Las representaciones varían cada año, según cada grupo, reunidos por zonas, por barrios o amistades. Dependiendo de la agenda anual vencida, eligen realizar entre personajes políticos, locales o internacionales, personajes de televisión, dibujos animados, representaciones de equipos de fútbol, etc…
Los vecinos de la región presencian la quema de una amplia variedad de muñecos o momos ubicados en diferentes barrios del partido. Suelen visitarlos durante los días previos para visualizar en detalle las creaciones y ni bien comienza el 1 de enero del siguiente año son quemados.
Proponemos aquí indagar acerca de la participación del espectador y cómo este factor fue direccionando varias producciones, motivando así la búsqueda de nuevas propuestas estructurales. Hablamos de mecanismos que fueron transformando la elaboración de los llamados momos a instalaciones complejas con características escenográficas, dialécticas entre sí y con la misma ciudad.

El presente trabajo tiene como objetivo el análisis exhaustivo de la producción artística contemporánea Candybar (2019), de Denise Pandiani. La instalación apunta a la facilidad con la cual las personas acceden a todo tipo de medicamentos, distribuidos por las farmacias; lo que conlleva a un abuso del auto medicarse y por lo tanto, un potencial peligro para la salud. ¿Es posible relacionar los medicamentos con las golosinas, igualando la facilidad con la cual la gente los adquiere? Esta es una de las tantas preguntas que deja en vela de juicio la obra.
Para el desarrollo de este trabajo se tomará como ejes de análisis el estatus ontológico de Martín Heidegger, el estatus sociológico de filósofos como Arthur Danto y George Dickie: ejes que permiten el análisis de las producciones artísticas contemporáneas. ¿Qué conlleva el desarrollo de una instalación? Este trabajo ahondará en lineamientos teóricos como los de Silvina Valesini (2014) para comprender a la instalación como forma ejemplar del arte contemporáneo.

El presente trabajo analizará la película argentina, Sábado (2002) escrita y dirigida por Juan Villegas. Ésta hace hincapié en una generación indecisa, fragmentada, en busca de satisfacciones personales donde se representan las dificultades para relacionarse y hallar estabilidad emocional. Sábado invita abordar a múltiples debates acerca de los ejes centrales sobre la estética contemporánea cuestionándola a través de su estructura y un modo distinto de hacer cine. Mediante estos ejes analizaremos fundamentalmente los lineamientos retóricos (diálogos, encuadres, montaje), el modo de cómo desarrolla la historia narrativa y su relación con los lineamientos enunciativos. Se tomará como ejes centrales las nociones del debate modernidad y posmodernidad, el estatus ontológico a partir de los términos: cosa, útil y obra de arte, el rol del espectador y los conceptos de gusto estético y lo bello.Mesa H.Facultad de Bellas Arte

Las practicas artisticas y esteticas desarrolladas en y para las ciudades envuelven a los transeuntes sujetos en experiencias (a veces inconscientes y a veces consientes), desarrollando construcciones subjetivas y colectivas otorgandoles la posibilidad de encontrar en los terminos de vecindad modos de relacionarse antes no practicados. Estas practicas intra-accionan en la ciudad como convocatorias anonimas, desinteresadas, creando flujos de percepciones interpelando a los transeuntes, incitandoles a cambiar sus estados animicos, emocionales, vivenciales. Pero, hay otras convocatorias que nacen de las necesidades comunes entre practicantes de las disciplinas implicadas en arte y estetica y los transeuntes para activar memorias colectivas. Esta biparticion no es unica, pero funciona en la medida de este intento de desarrollo conceptual y experimental. Tomando como referencia estos modos intentaremos desglosar las experiencias desarrolladas en el marco de convocatorias de activacion de...

La potencia del objeto. Reflexiones teóricas sobre la reproductibilidad en la cerámica Tema: La reproductibilidad cerámica y la introducción del arte en las esferas de la cotidianidad. El rol del espectador-consumidor y el trabajo. La praxis artística en el análisis de la marca Maniera de objetos utilitarios cerámicos.

Reflexionar acerca del mundo de las artes es poder reflexionar acerca de la cultura y lo cultural en tanto construcción de identidades. La cultura es ese espacio dónde nos encontramos, dónde los deseos de cada uno pasan de individual a plural, es dónde las ideas y todos los comportamientos se pueden manifestar, es donde el saber aparece como un agenciamiento práctico, es dónde las materialidades son diferentes y es el concepto que destaca la diversidad de aquello que la acción reúne sin anular su naturaleza. La cultura ya dejó de ser el espacio condicionante y empieza a ser un espacio de ocasiones con sus plataformas dinámicas y sus entornos fluctuantes que trascienden las postpostproducciones y las formas de los saberes generando la aparición de una red, devolviendo imágenes o saberes más vulnerables a nosotros mismos. En este sentido, reflexionar sobre la unidad cultural latinoamericana es necesario hoy día para repensar esos espacios de subjetividades en la cultura. El trabajo propone un recorrido por los conceptos acerca de la unidad cultural latinoamericana desde la historiografía argentina en tanto que son portadores de identidades en el desenvolvimiento de las artes contemporáneas, cuestionando si se puede mantener la unidad entre tanta diversidad cultural.

Universidad Nacional de La Plata-Facultad de Bellas Artes-Cátedra Estética/Fundamentos estéticos Resumen: En la actualidad, los límites conceptuales que intentan definir al arte contemporáneo son muy endebles y movibles. Hay obras que, en su complejidad, demuestran un proceso antes que un objeto acabado y por ende, en sus permanencias, se van modificando ofreciendo múltiples interpretaciones en diversos espectadores. En este trabajo se propone indagar sobre la obra de una estudiante de la Facultad para poder analizarla bajos ciertos conceptos dados por la Cátedra. A veces enlazar-obra-artista espectador no alcanza para analizarlas producciones artísticas y es por esto que intentamos ampliar las categorías con conceptos que vienen de la estética y la filosofía con el fin de poder relacionar y encontrar puntos de contactos y acercamientos. Tomaremos como puntos de partida conceptos de útil y cosa para poder analizar la obra de arte de Gabriela Villareal Toro. Palabras claves: arte contemporáneo-útil y cosa-estética Surge la nebulosa de Orión El concepto de arte en la contemporaneidad es tan amplio que no sólo pone en constante cuestionamiento lo que es el arte en sí, indagando sobre sus fronteras-o sus puntos de encuentro-con otras disciplinas, sino que también explora los límites dentro de sus componentes internos, lo que mantiene al arte en un estado dinámico y versátil. Esto deja un margen inconcluso que promueve el cuestionamiento de los límites del arte, redefiniéndolo constantemente. Lo que se considera "arte" ya no es algo concreto ni universal, sino que varía de acuerdo a las propuestas particulares de cada obra. El filósofo alemán Martin Heidegger propone diferenciar los objetos que nos rodean clasificándolos en "útiles", "cosas" y "obras de arte" 1. "Heidegger dice que el arte no es algo que se le aparezca. Lo que aparecen son las obras de arte. Pero cualquier obra es ante todo una cosa. […]. La obra de arte tiene un nivel de cosa en tanto es un ente (como 1 Estas definiciones sobre Heidegger fueron desarrollados a partir del texto de Oscar de Gyldenfeldt, capítulo I, ¿Cuándo hay arte?. Paralelamente a lo expuesto este autor expone acerca del filósofo alemán que: "Hay arte si la obra se nos presenta o cumple con las siguientes condiciones: ser alegoría, ser símbolo, abrir un mundo, ser apertura de la verdad". (2009:30). El autor continúa explicando que estas consideraciones funcionan como "criterios de demarcación" para poder distinguir aquellas cosas que son obras de arte de las que no. Heidegger señala como útil: "…el útil es tanto más útil cuando desaparece, se oblitera, en su función. Al útil sólo lo usamos. Es en su funcionamiento que captamos lo que es". (Gyldenfeldt, 2009: 26). "La auténtica obra de arte, entonces, pone de manifiesto que la plasmación de un nuevo arraigo ha acontecido en la relación del hombre con su hacer, más allá de la mera relación con la cosa". (Gyldenfeldt, 2009:29)

Las nuevas expansiones en las representaciones a expandido sus límites hacia nuevas recepciones, nuevos espacios y nuevos soportes. Esta nueva situación que atraviesa el arte contemporáneo en la actualidad encuentra en estas deslimitaciones un lugar que implica la pluralidad de miradas, la democratización de saberes y nuevas relaciones sociales que abren a nuevas convivencias. En este caso, trabajaremos sobre la obra de Daniel Díaz Teruggi, para poder abarcar algunas cuestiones que intervienen en las nuevas recepciones en públicos nuevos. Palabras claves: arte urbano-nuevas recepciones-arte contemporáneo "Con el lenguaje, la ciudad es la más grande obra de arte creada por el hombre." Lewis Mumford En estos últimos años, el arte en la calle forma parte de la vida cotidiana de las personas, día a día la cuidad va mutando, transformándose para ser re interpretada, vivenciada y compartida. Las prácticas artísticas y estéticas que antes eran parte de circuitos cerrados, han tomado a la ciudad como contexto, soporte albergando distintos tipos de expresiones. El arte urbano es una de esas expresiones, comprendiendo una gran variedad de técnicas, soportes y formatos. Una de sus características fundamentales a la hora de analizarlo es la posibilidad que tiene en interpelar a los transeúntes de la ciudad, sorprendiéndolos y construyendo nuevos lazos sociales de vecindad que aportan a las nuevas teorías relacionales del arte contemporáneo. El espectador casual, expuesto a la vorágine de la calle y la contaminación visual puede distinguir, divisar algo que le atraiga, que capte su atención, generar un diálogo, una receptividad con la obra. Esto es debido a que las prácticas artísticas en la calle despliegan sus acciones comprometiendo a un espectador activo, a lo que Sanchez Vazquez refiere como estética de la participación, este autor dice: "Partiendo de la concepción del hombre como ser de la praxis, sosteníamos que su capacidad creadora-enajenada en la sociedad capitalista-encuentra en el arte un firme reducto, incluso en esta sociedad enajenada. Pero en ella la capacidad artística-creadora se concentra en un sector social restringido: el de los artistas profesionales, en tanto que los sectores más amplios de la sociedad quedan al margen de esa creatividad. Y los que-como receptores-tienen acceso a ella sólo lo tienen como contempladores pasivos de lo ya creado. […] Esto requería, a su vez, una nueva concepción de la praxis artística de acuerdo con la cual sus productos-las obras de arte-no sean sólo

Resumen Este trabajo es el resultado de un proceso que las estudiantes han tenido a lo largo de la cursada en la materia de estética en la Facultad de bellas Artes UNLP. A través de la bibliografía extensa, ellas han seleccionado a los autores más pertinentes para poder analizar un trabajo visual de otra materia. Así, han podido analizar y disrrumpir teóricamente lo visual utilizando conceptos claves en la propia disciplina y con un compromiso hacia el espectador y su contexto social. A la vez, aportando y entrecruzando con conceptos aportados por ellas. Es así que el trabajo presenta conceptos como puente ontológico, juego, fiesta, símbolo, nuevos espectadores y ojos críticos como algunos puntos de partida para plantear la experiencia artística inmersa en un proceso reflexivo sobre su propia producción. Palabras claves Puente ontológico-Mapping-Nuevo espectador Introducción El mundo Griego se convirtió en la base fundante de muchas de las concepciones que tenemos del mundo en la actualidad. Pero al estar tan incorporados en el día a día, pasan desapercibidos y no tenemos en cuenta su procedencia. Por ello es que "Acanthus" nos propone mediante una trivia ver cuán influyente son las creaciones y nociones del universo y del hombre. Esta obra es un mapping 1 interactivo que posee una interfaz gráfica y una física con las que el usuario deberá responder una serie de preguntas sobre el mundo griego basado en tres categorías: astronomía, filosofía y matemáticas. Para responder el usuario contará con tres vasijas que representan las posibles respuestas a la pregunta planteada. La forma de interacción se da tapando con su mano la luz que sale de esta interfaz física. Para la realización del análisis elegimos como texto de referencia "La actualidad de lo bello" de Georg Gadamer y "Recepción estética/ Públicos Plurales" de Oliveras. Acanthus El antiguo Mundo Griego se convirtió en la base fundante de muchas de las concepciones que tenemos del mundo en la actualidad. Pero al estar tan incorporados en el día a día, pasan desapercibidos y no tenemos en cuenta su procedencia. Por ello 1 Un mapping podemos definirlo como una proyección sobre un soporte no convencional, la imagen se relaciona morfológicamente con el soporte, difuminando las barreras entre esta y cuerpo proyectado.

Resumen Este trabajo es el resultado de un proceso que las estudiantes han tenido a lo largo de la cursada en la materia de estética en la Facultad de bellas Artes UNLP. A travez de la bibliografía extensa, ellas han seleccionado a los autores más pertinentes para poder analizar un trabajo visual de otra materia. Así, han podido analizar y disrrumpir teóricamente lo visual utilizando conceptos claves en la propia disciplina y con un compromiso hacia el espectador y su contexto social. A la vez, aportando y entrecruzando con conceptos aportados por ellas. Es así que el trabajo presenta conceptos como endoestética, simulación, inmersión, propiocepción y estereoscopía como algunos puntos de partida para plantear la experiencia artística inmersa en un proceso reflexivo sobre su propia producción. Palabras claves Violencia patriarcal-Obra virtual-Simulación-Endoestética Introducción Violencia Patriarcal, es un trabajo de los alumnos Aversa Nicolás, Beltramone Constanza, Camacho Marcelo, Coronel Leandro, Collard Bovy Eric, Oficialdegui Agustina y Salgado Joaquina dentro de la cátedra Lenguaje Multimedial III, en la carrera de Diseño Multimedial, UNLP. Es un video-arte en donde la idea es que el usuario vivencie las situaciones de violencia que el patriarcado ejerce, de diferentes formas, sobre gran parte de la sociedad. Este trabajo hace hincapié en como se refleja un problema actual, sobre todo la violencia psicológica que ejerce el patriarcado en la sociedad, dado, en su mayoría, a través del uso de propagandas de los últimos cinco años y de la materialización de las normas sociales establecidas, las cuales, a su vez, y paradójicamente, generan una crítica hacia el interior de la sociedad en la que vivimos. En estas propagandas es en donde se desprenden mensajes como reflejos de los ejercicios de los actores sociales que diferencian por género ciertas tareas de lo cotidiano y que son juzgadas si no se cumplen, como por ejemplo que las mujeres se deben encargar de la limpieza del hogar, los niños y de satisfacer al hombre de la casa, mientras que éste último se encarga de trabajar y traer el dinero a la casa. Tales imperativos se mantienen en la actualidad tan vigente como en la misma época en dónde nació la publicidad, haciendo referencia a los años´40años´40 o ´50. Salvando diferencias de retóricas en las imágenes, el discurso aparece casi intacto pero incluso con una cierto sottovoce que hace que no sea tan literal ni tan contundente como en los inicios pero con el mismo énfasis diferencial de género.

Resumen El presente trabajo analizará la película argentina, Sábado (2002) escrita y dirigida por Juan Villegas. Ésta hace hincapié en una generación indecisa, fragmentada, en busca de satisfacciones personales donde se representan las dificultades para relacionarse y hallar estabilidad emocional. Sábado invita abordar a múltiples debates acerca de los ejes centrales sobre la estética contemporánea cuestionándola a través de su estructura y un modo distinto de hacer cine. Mediante estos ejes analizaremos fundamentalmente los lineamientos retóricos (diálogos, encuadres, montaje), el modo de cómo desarrolla la historia narrativa y su relación con los lineamientos enunciativos. Se tomará como ejes centrales las nociones del debate modernidad y posmodernidad, el estatus ontológico a partir de los términos: cosa, útil y obra de arte, el rol del espectador y los conceptos de gusto estético y lo bello. Modernidad-Posmodernidad-Individualismo-Sujetos fragmentados-Estética El arte del decir La película argentina, Sábado (2002) escrita y dirigida por Juan Villegas. Cuenta el trascurso de un sábado de seis jóvenes que conforman tres parejas de novios, se encuentran fortuitamente y se generan extrañas relaciones entre ellos. El film retrata el humor, la tristeza y las dificultades para relacionarse de una generación indecisa, que pide algo sin saber exactamente qué es, que busca las razones de su melancolía y a la que le cuesta hallar estabilidad. Sábado además de contar estas historias, invita abordar a múltiples debates acerca de los ejes centrales sobre la estética contemporánea cuestionándola a través de su estructura y un modo distinto de hacer cine. Mediante estos ejes analizaremos fundamentalmente los lineamientos retóricos (diálogos, encuadres, montaje) del film, el modo de cómo desarrolla la historia narrativa y su relación con los lineamientos enunciativos. Se tomará como ejes centrales desarrollados por la Cátedra de Fundamentos Estéticos/Estética, las nociones del debate modernidad y posmodernidad, estatus ontológico de tres términos: cosa, útil y obra de arte, el rol del espectador, nociones sobre el concepto de gusto estético y lo bello. Sujetos y relaciones fragmentadas

Resumen En el marco de la propuesta de la materia Estética, hemos seleccionado una performance para ser analizada y atravesada por los textos estudiados a lo largo del año. La performance no solo es una muestra, sino una nueva vista contemporánea hacia el arte social y activo en donde aparece la relación del arte y el contexto vivencial actual, lo político, la mutación del arte y las experiencias sobre la expectación de la obra. La performance aparece como un señalamiento a las situaciones de violencia naturalizada que viven las mujeres y es en esta obra que la valoración estética cumple su papel primordial enlazándose con valores morales y políticos.

Introducción-advertencias: En un encuentro de colegas, de esta Facultad, se ha expuesto, en lo cual nosotros también concordamos, que debemos (nos debemos) pensar-accionar desde un lugar latinoamericano propio como identificación de comunidad y que una de las razones por las cuales las producciones artísticas se encontraban en una situación de deslocalización tenía que ver con algunas "autoinvasiones disciplinarias" que al hacer ejercicio de ellas no tienen soporte desde la misma disciplina, su interior: nuestra disciplina. Y que, nos debemos poder armar nuestras propias teorizaciones en acciones colaborativas y democráticas entre nosotros mismos como productores. Pero, también creemos que, a partir de teorías ya realizadas, se pueden ver a priori los casos de los que se quiere tratar para poder partir desde un punto en común, en intenciones de abrir los campos para una construcción colectiva en una particularidad. En este caso, para arte urbano, nosotros vemos la necesidad de poder encontrar palabras que describan aquello que vemos y que interactúa en campos más extensos que el arte contemporáneo. Es por esto, que, en nuestras búsquedas y, antes de poder encontrar un lugar propio, encontramos términos que provienen de otras disciplinas y que tratamos de tenerlos en cuenta para poder abrir una brecha extensa de análisis. Estos términos no son cerrados ni son aplicables en una traducción literal entre campos disciplinares, sus características son tenidas en cuenta pero, al trasladarlas a nuestro propio campo, nos tomamos una libertad, que irrespetuosa o no, tiene más relación con el arte, su acción y la vida en la ciudad, tienen más relación con nosotros como productores de arte y teorías.

Concibiendo a la ciudad como un espacio donde es posible la visibilización de producciones artísticas, creemos que se podría abordar, atravesar, transitar, extender, ampliar, disrrumpir, cruzar, las producciones, los experimentalismos y los abordajes entre estas producciones como medio o espacio de reflexión y acción democrática acerca de las diversidades, interculturalidades e identidades socio-culturales desde múltiples miradas, aportando a las políticas públicas culturales. Partiendo de y suponiendo que las políticas públicas tienen entre uno de sus ejes, la regulación, la incentivación de las participaciones plurales y abiertas, ¿cómo relacionarlas con el arte urbano cuando éste nace como contravención a ciertas regulaciones legales? Considerando al arte urbano como revelador de identificaciones intersubjetivas culturales y capaces de habilitar una tolerancia y convivencia en disensos sociales importantes en los reconocimientos de las diversidades todas y, a las políticas públicas, como propiciadora del fortaleciendo de la ciudadanía, la diversidad de identidades y la equidad en la asignación de 1 Profesora e investigadora en la Facultad de Bellas Artes, UNLP y en UNA. La pertenencia de este escrito deviene de la participación en el proyecto de investigación perteneciente a la Secretaría de Ciencia y Técnica de la Facultad de Bellas Artes UNLP titulado: La producción contemporánea de arte grafica urbana, experiencias en contextos locales. La ciudad de La Plata como laboratorio artístico de desarrollo de prácticas especificas. análisis de obras, contextos y textos, cuyo director es Carlos Servat.

Las prácticas artísticas y estéticas desarrolladas en y para las ciudades envuelven a los transeúntes sujetos en experiencias (a veces inconscientes y a veces consientes), desarrollando construcciones subjetivas y colectivas otorgándoles la posibilidad de encontrar en los términos de vecindad modos de relacionarse antes no practicados. Estas prácticas intra-accionan en la ciudad como convocatorias anónimas, desinteresadas, creando flujos de percepciones interpelando a los transeúntes, incitándoles a cambiar sus estados anímicos, emocionales, vivenciales. Pero, hay otras convocatorias que nacen de las necesidades comunes entre practicantes de las disciplinas implicadas en arte y estética y los transeúntes para activar memorias colectivas. Esta bipartición no es única, pero funciona en la medida de este intento de desarrollo conceptual y experimental. Tomando como referencia estos modos intentaremos desglosar las experiencias desarrolladas en el marco de convocatorias de activación de la memoria, los pedidos de derechos y las reacomodaciones políticas y culturales en el marco de la inundación de la ciudad de La Plata efectuada el 2 de abril del 2013 con el propósito de compartir hechos y consecuencias vivenciales. Desbordes es un conglomerado de autoconvocados a producir imágenes a partir de una catástrofe social y política. Aquí, su análisis y registro. Palabras claves: arte urbano-desbordes-inundación de La Plata-políticas públicas y culturales-intersubjetividades Advertencias 1 : La historia occidental propone una forma de exponer el tiempo e interactuar con el de manera lineal, esto implica establecer una sucesión de hechos históricos expuestos casi en estado de causa consecuencia totalmente encadenados uno de otros. El proceso por el cual establece estos parámetros tiene que ver con una elección binaria en la cual la consecuencia es opuesta o contradictoria desde algún punto a la causa. 1 Algunos de estos desarrollos fueron ideados y trabajados en el seminario sobre "Las artes contemporáneas del siglo XXI" realizadas por Alicia Romero y Marcelo Gimenez en Cromos, Caba, 2010.

"sentimos en un mundo, nombramos en otro" Proust EPOJÉ ​ SOBRE ALGUNAS HETEROTOPÍAS ​ ARTÍSTICAS 1 2 co­presencia de conceptos y operaciones en las prácticas artísticas situadas en la calle María Gabriela de la Cruz Las prácticas artísticas realizadas en la calle en los últimos tiempos, presentan ciertas 3 dificultades en el momento de poder nombrarla o definirlas debido a su sentido de amplitud en sus operaciones, pertenencias y acciones; a la vez que la ciudad se convirtió en dispositivo de mediación que genera una percepción colectiva y simultánea, también imposible de definirla debido a que se presentan en una relación de intra­acción ​. 4 En el marco del Proyecto es necesario poder alcanzar cierta aproximación conceptual 5 para poder entender estas prácticas así también como para poder encontrar códigos comunes que hagan que todos hablemos de lo mismo. En esta complejidad de época, tanto estas prácticas como el entorno que las contiene, son partes de un sistema y, ambos, además de estar interesados en puntos de irritación y de maravillas ​ , son considerados extraordinarios, debido a que llaman la atención sobre 6 su propia improbabilidad, sostenidos a la distancia y contenidos en su propia fuerza, construyen su enigma ​. 7 Palabras claves: prácticas artísticas-ciudad­conceptualizaciones 1 Suspención del juicio, parentización de la realidad, volver a las cosas mismas para que se puedan mostrar tal cual es, represión de todas las tesis cogitativas, interrupción de la vida cotidiana. 2 (Del griego heteros, otro, y topos, lugar). Que está situado en un lugar anormal. Foucault tomó este término y lo redefinió como un concepto que define en un sistema de negociación social relacionado a la ubicación espacial, aparentemente contradictorio al concepto utopías, en: FOUCAULT, MICHEL: http://www.mxfractal.org/RevistaFractal48MichelFoucault.html 3 Para no poner un nombre que determine estas prácticas, hemos decidido definirlas por el lugar en donde son realizadas. Hasta ahora, se han definido con múltiples nombres, tal cual sus características de acción. A lo que nos referimos son a aquellas prácticas denominadas Street art, arte callejero. 4 Intra­acción: situaciones de contacto donde los términos alcanzan su definición en el contacto mismo. Son relacionales. 5 Título del proyecto: "La producción contemporánea de arte grafica urbana, Experiencias en contextos locales. La ciudad de La Plata como laboratorio artístico de desarrollo de prácticas especificas. Análisis de obras, contextos y textos en el período comprendido entre los años 2008 al 2011". UNIDAD EJECUTORA: FACULTAD DE BELLAS ARTES Sobre campos de actividad transparente cuya singularidad no reside solamente en los materiales que reúnen sino en la singularidad de la reunión de individuos y espacios, de organizaciones y recursos que provocan. En: LADDAGA, REINALDO: estética de la emergencia. Adriana Hidalgo editora. Argentina. 2010. 7 El carácter enigmático de las obras de arte permanece íntimamente ligado a la historia … todas las obras de arte, y el arte en general, son enigmas: esto siempre irritó a las teorías del arte. El hecho de que las obras de arte digeran algunas cosas y en el mismo instante ocultaran coloca al carácter enigmático sobre cualquier aspecto del lenguaje. En: ADORNO, THEODOR. Teoría estética.

Docente e investigadora UNLP María Gabriela de la Cruz: Docente e investigadora UNLP-IUNA Introducción Esta ponencia que hemos escrito, es en el marco de las jornadas propuestas por la Universidad Nacional de La Plata, no lo habíamos trabajado antes y es nuevo para nosotras, es por esto que necesitamos de la comprensión de que nuestra intención este radicada en la apertura de diálogos posibles que habiliten el despliegue conceptual enmarcadas en las pluralidades y la democracia i. Creemos que es necesario, al menos para nosotras, poder plasmar el cruce que encontramos entre ciertas acciones o prácticas sensibles de imágenes pero sin intención artística y aquellas que si las tienen, en su cauce común para nosotros, por nuestros intereses, que son enmarcadas en el formato sticker o pegatinas. Este cruzamiento entre ambas prácticas develan múltiples relaciones en los movimientos socio culturales que enmarcándolas en un análisis exhaustivo y amplio, podrían llegar a demostrar cuáles son sus alcances, aunque con límites pocos demarcatorios ii. Es en este contexto que solo pretendemos dar cierto inicio compartiendo algunos, enmarcados en lo que sería el término de aportes que tiene una relación intima con nuestra mirada subjetiva de aquello que observamos en los espacios públicos y que pueden ser sesgados bajo cierto formato dialógico, tanto entre nosotras como entre los conceptos mismos. Hemos denominado al trabajo Cadena Alimenticia, porque consideramos que en el marco de esos movimientos socio culturales múltiples manifestados en las ciudades denominadas en las líneas de tiempo e históricas como ciudades posmodernas, esas relaciones son parte de un sistema complejo del contexto, en donde las zonas de intercambio que habilitan estos lugares dependen una de las otras en tanto acciones, interacciones y participaciones de un gran sistema simbólico retroalimentándose constantemente. Si bien en el resumen hemos publicado en el marco de los espacios públicos argentinos, queremos resarcir esa intención y reducirla para poder tener una mejor comprensión, por alcances, al contexto local, la ciudad de la plata. El contexto en nuestro tema es muy importante debido a que a través de él, se pueden vislumbrar las relaciones que pretendemos encontrar, en el cual poder movernos y encontrar ejemplos pertinentes. Cuando en primera instancia, debemos circunscribir el espacio público, nos vemos en la necesidad de empezar a ver ciertas cuestiones que delimitan el concepto ciudad, como marco local y no el termino país que contendría una diversidad cultural propia interlocal (así preferida).

Resumen Puede la ciudad como tejido urbano accionarse desde la acción artística urbana ¿Cómo pensar que esta interacción y articulación de la memoria y la identidad, se activan en el proceso creativo y, cómo este puede dar lugar a un modelo de la espacialidad y de la territorialidad en el arte? La poética de la creación busca reflexionar sobre las posibles interacciones que se manifiestan en el proceso de creación de un nuevo espacio subjetivo, en la construcción o de-construcción de los territorios simbólicos o físicos sociales y culturales que forman parte de la rutina diaria (del artista y del público/transeúnte), en esta búsqueda de problematizar el contexto surge el Arte Relacional. Bourriaud dice: "EL Arte Relacional crea y problematiza las relaciones en lugar de concentrarse en los objetos artísticos, buscando crear una "utopía de la proximidad". Pensar el territorio, nos hace reflexionar en tanto territorio subjetivo, territorio simultáneo, territorio opuesto, por lo tanto, el desafío es definir el territorio de las acciones artísticas contextuales, en donde subvertir la identidad de los lugares, la presencia y la memoria.