"Immersivity. Philosophical Perspectives on Technologically Mediated Experience", ed. by J. Bodini, A. De Cesaris, "Azimuth. Philosophical Coordinates in Modern and Contemporary Age", X, nr. 20, 2022
The essay aims at developing a comparison between Feminist Studies and Visual Culture Studies on ... more The essay aims at developing a comparison between Feminist Studies and Visual Culture Studies on the cultural and historical forms of seeing stimulated by the new media (Virtual Reality, World Wide Web, Social Network) and the old media (Cinema). The critical debate, in the last thirty years, has developed – with a touch of over-simplification – two alternative options concerning the perceptual, cognitive, social, and cultural effects provoked by the apparition of the new technological devices. The first option underlines the continuity of the scopic regimes between the old and the new media and the dominant, disembodied male gaze stimulated by the Virtual Reality. On the other hand, the second option aims at promoting a new synesthetic, embodied form of perception connected with the experience of new media.
Through the analysis of the Film Theory (Laura Mulvey, Vivian Sobchack), and some experiences of Virtual Reality and Media Environments, the paper problematizes the opposition between the first and the second option, from the point of view of a post-identity gender perspective
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The essay focuses on two contemporary forms of audiovisual media reception, i.e. the aesthetics of delay developed by Laura Mulvey and the slow-motion video-installations by Douglas Gordon: these forms of media reception re-mediate a film pre-existent, and they encourage new interactive cultural habits of media reception.
The essay proposes a reading of one of Kafka’s last short stories, "A Hunger Artist", as an interpretive key to understanding some contemporary art practices marked by the poetics of silence, absence, subtraction, exile and isolation. Through an analysis of the reflections on gesture as a pure medium elaborated by Benjamin, Adorno and Agamben, the figure of the faster, like those of the trapeze artist and of the mouse Josephine the songstress, at the center of the Prague writer’s last literary collection, delineate a performative practice that shifts the center of gravity
of art from aesthetics to ethics, toward an art of living and everyday behaviour.
The art of the faster, in Kafka’s tale, assumes the character of a somatic-spiritual and ascetic technique, capable of suspending subservience to the natural impulse of hunger, loading itself with possible ethical-political meanings and regaining the original meaning of the artistic event. The bulimic collecting and enormous appetite of the protagonist of Balzac’s last great novel, "Cousin Pons", represent, on the other hand, the mirror reversal of the ascetic fasting of Kafka’s character and underscore another fundamental character of modernity: the impulse to accumulate signs, objects, and works in front of which is mirrored the silent withdrawal of the faster.
Through the analysis of the Film Theory (Laura Mulvey, Vivian Sobchack), and some experiences of Virtual Reality and Media Environments, the paper problematizes the opposition between the first and the second option, from the point of view of a post-identity gender perspective
L’intervento intende ricostruire la complessa vicenda della ricezione del Septime Sévère et Caracalla attraverso i documenti dei Processi verbali dell’Accademia, le testimonianze dei critici d’arte coevi (Bachaumont, Beaucousin, Fréron) e la lettera di risposta di Greuze apparsa su L’Avant Coureur nel settembre del 1769, con lo scopo di mettere in evidenza il complesso nodo di rapporti fra convenzioni pittoriche, trasgressione delle regole e fruizione delle opere da parte degli spettatori settecenteschi.
Contemporary Photograph investigates the human body in a fragmentary, partial dimension, quite different from the representation of the body’s organic unity. The essay aims to show the transformations of the body through the photographic representation: the body fragmented, the details of the body reveal the otherness and the strangeness inside the identity of the Self. The analysis of three works (John Coplans "Self-Portaits", Mona Hatoum’s "Van Gogh’s Back" and Erwin Wurm’s "One Minute Sculptures") points out the double condition of the body’s representation and the double status of photograph: the body as image and the body as medium, the photograph as performance and the photograph as image.
Cet article propose une réflexion esthétique sur la représentation contemporaine de la précarité sociale et économique à travers l’analyse de trois photographies contemporaines de Tom Hunter (Woman Reading a Possession Order), Jeff Wall (Insomnia) et Andreas Gursky (Nha Trang Vietnam), caractérisées par une attention sensible à la construction de l’image. Les trois auteurs d’une part partagent une certaine conception commune de la forme tableau de l’image photographique, d’autre part ils articulent d’une façon personnelle leur sujet. Hunter donne forme à la précarité sociale à travers une sacralisation de la vie quotidienne qui développe une relation sophistiquée avec le modèle pictural du tableau de Vermeer. Wall opère un décalage qui permet d’envisager la précarité du quotidien à la fois comme sujet et comme médium de la photographie contemporaine. Cette dimension de réflexivité du dispositif, approfondie dans la théorie critique de Wall, se traduit par un effort vers l’abstraction dans la recherche de Gursky.
In particolare, il saggio intende concentrarsi da una parte sulle sofisticate strategie retoriche e letterarie di inclusione dello spettatore e del lettore all’interno dell’immagine artistica elaborate da Diderot nei "Salons" (1759-1781), che si configurano come una grande impresa di descrizione e attraversamento dall’interno delle opere d’arte, culminante nella "Promenade Vernet". Dall’altra parte, esso intende analizzare, fra i molti possibili esempi offerti dal cinema, un documentario-saggio di Alexander Sokurov, "Elegia del viaggio" (2001), che si presenta come un onirico viaggio attraverso le immagini, dalla Russia all’Olanda, e che si conclude con l’ingresso della macchina da presa e del suo invisibile protagonista all’interno di un quadro di Saenredam, "La chiesa nella piazza di Santa Maria a Utrecht". La pittura è rimediata in un caso dalla scrittura, nell’altro dal cinema.
Diderot mette in scena, con una consapevole ripresa di strategie ecfrastiche già utilizzate dai retori antichi, una “cinematizzazione” dell’immagine pittorica attraverso la scrittura che non solo restituisce
il procedere dell’occhio (promenade de l’oeil) sulla tela ed esalta l’illusoria trasparenza del quadro, producendo un effetto di realtà nel lettore. La scrittura, raddoppiando i segni iconici, istituisce un
punto di sguardo che dalla soglia della cornice del quadro si proietta all’interno dell’immagine (in particolare di fronte ai quadri di paesaggio e alla pittura di genere). L’obiettivo finale di questa strategia,
attraverso l’assorbimento del soggetto dentro l’opera, sembra tendere alla costruzione di una nuova, inedita figura di spettatore, di uno sguardo e di un corpo interno all’immagine, prodotto e generato dalla scrittura stessa. Nel film di Sokurov è la voce off del regista che accompagna l’apparizione delle immagini e che si offre come un doppio della nostra voce interiore o come un fantasma del nostro sguardo, con un analogo effetto di raddoppiamento dell’occhio della macchina da presa. L’effetto di presenza generato dall’ingresso all’interno delle immagini, abitate dallo sguardo del regista, si realizza quindi al prezzo di una doppia mediazione, quella visiva e quella sonora.
Questa inclusione dello spettatore-lettore all’interno dell’immagine produce infine un effetto paradossale: da una parte sfarina il confine fra lo spazio dell’esperienza reale del soggetto e lo spazio rappresentato
nell’opera, dall’altra parte riafferma, sia in Diderot sia in Sokurov, in ultima istanza la distanza, l’alterità e l’insularità dell’immagine artistica, sia essa pittorica o cinematografica.
vingtième siècle, la catégorie du sublime a connu une reformulation critique marquée par les
textes de Barnett Newman, « The sublime is now » (1948) et de Robert Rosenblum, « The Abstract
Sublime » (1961), qui d’une certaine façon encadrent la riche période de l’école artistique de New
York. La proposition vise, tout d’abord, à analyser le lien conceptuel entre le choix artistique de
l’abstraction (et le dépassement du paradigme de la mimésis qui en découle) et la possibilité de
produire un effet esthétique, mais aussi moral ou psychologique, sur le public qu’on peut ramener à
la dynamique du sublime.
Si, comme il est rappelé par Baldine Saint Girons, « le sublime semble d’ordre plus pictural que
musical », en vertu « de cette violence qui me situe face à lui d’abord en position d’infériorité », la
peinture américaine du vingtième siècle a exploré les limites de la toile (pure surface sensible opaque,
grandeur du format, dépassement du cadre, réduction iconoclaste) à fin de produire chez le spectateur
une expérience nouvelle de l’œuvre d’art, marquée par l’inquiétude et le dessaisissement du sujet. À
travers les écrits et les œuvres de Barnett Newman et de Mark Rothko, on va essayer, en
deuxième lieu, de mettre en évidence la nature de l’expérience subjective provoquée par des tableaux
qui se présentent comme des événements ou des performances placés dans le temps qui exigent la
présence du spectateur. Les enjeux de cette expérience dépassent la dimension esthétique pour aboutir
à une interrogation sur la liberté et l’autonomie morale et spirituelle du sujet humain.
The essay focuses on two contemporary forms of audiovisual media reception, i.e. the aesthetics of delay developed by Laura Mulvey and the slow-motion video-installations by Douglas Gordon: these forms of media reception re-mediate a film pre-existent, and they encourage new interactive cultural habits of media reception.
The essay proposes a reading of one of Kafka’s last short stories, "A Hunger Artist", as an interpretive key to understanding some contemporary art practices marked by the poetics of silence, absence, subtraction, exile and isolation. Through an analysis of the reflections on gesture as a pure medium elaborated by Benjamin, Adorno and Agamben, the figure of the faster, like those of the trapeze artist and of the mouse Josephine the songstress, at the center of the Prague writer’s last literary collection, delineate a performative practice that shifts the center of gravity
of art from aesthetics to ethics, toward an art of living and everyday behaviour.
The art of the faster, in Kafka’s tale, assumes the character of a somatic-spiritual and ascetic technique, capable of suspending subservience to the natural impulse of hunger, loading itself with possible ethical-political meanings and regaining the original meaning of the artistic event. The bulimic collecting and enormous appetite of the protagonist of Balzac’s last great novel, "Cousin Pons", represent, on the other hand, the mirror reversal of the ascetic fasting of Kafka’s character and underscore another fundamental character of modernity: the impulse to accumulate signs, objects, and works in front of which is mirrored the silent withdrawal of the faster.
Through the analysis of the Film Theory (Laura Mulvey, Vivian Sobchack), and some experiences of Virtual Reality and Media Environments, the paper problematizes the opposition between the first and the second option, from the point of view of a post-identity gender perspective
L’intervento intende ricostruire la complessa vicenda della ricezione del Septime Sévère et Caracalla attraverso i documenti dei Processi verbali dell’Accademia, le testimonianze dei critici d’arte coevi (Bachaumont, Beaucousin, Fréron) e la lettera di risposta di Greuze apparsa su L’Avant Coureur nel settembre del 1769, con lo scopo di mettere in evidenza il complesso nodo di rapporti fra convenzioni pittoriche, trasgressione delle regole e fruizione delle opere da parte degli spettatori settecenteschi.
Contemporary Photograph investigates the human body in a fragmentary, partial dimension, quite different from the representation of the body’s organic unity. The essay aims to show the transformations of the body through the photographic representation: the body fragmented, the details of the body reveal the otherness and the strangeness inside the identity of the Self. The analysis of three works (John Coplans "Self-Portaits", Mona Hatoum’s "Van Gogh’s Back" and Erwin Wurm’s "One Minute Sculptures") points out the double condition of the body’s representation and the double status of photograph: the body as image and the body as medium, the photograph as performance and the photograph as image.
Cet article propose une réflexion esthétique sur la représentation contemporaine de la précarité sociale et économique à travers l’analyse de trois photographies contemporaines de Tom Hunter (Woman Reading a Possession Order), Jeff Wall (Insomnia) et Andreas Gursky (Nha Trang Vietnam), caractérisées par une attention sensible à la construction de l’image. Les trois auteurs d’une part partagent une certaine conception commune de la forme tableau de l’image photographique, d’autre part ils articulent d’une façon personnelle leur sujet. Hunter donne forme à la précarité sociale à travers une sacralisation de la vie quotidienne qui développe une relation sophistiquée avec le modèle pictural du tableau de Vermeer. Wall opère un décalage qui permet d’envisager la précarité du quotidien à la fois comme sujet et comme médium de la photographie contemporaine. Cette dimension de réflexivité du dispositif, approfondie dans la théorie critique de Wall, se traduit par un effort vers l’abstraction dans la recherche de Gursky.
In particolare, il saggio intende concentrarsi da una parte sulle sofisticate strategie retoriche e letterarie di inclusione dello spettatore e del lettore all’interno dell’immagine artistica elaborate da Diderot nei "Salons" (1759-1781), che si configurano come una grande impresa di descrizione e attraversamento dall’interno delle opere d’arte, culminante nella "Promenade Vernet". Dall’altra parte, esso intende analizzare, fra i molti possibili esempi offerti dal cinema, un documentario-saggio di Alexander Sokurov, "Elegia del viaggio" (2001), che si presenta come un onirico viaggio attraverso le immagini, dalla Russia all’Olanda, e che si conclude con l’ingresso della macchina da presa e del suo invisibile protagonista all’interno di un quadro di Saenredam, "La chiesa nella piazza di Santa Maria a Utrecht". La pittura è rimediata in un caso dalla scrittura, nell’altro dal cinema.
Diderot mette in scena, con una consapevole ripresa di strategie ecfrastiche già utilizzate dai retori antichi, una “cinematizzazione” dell’immagine pittorica attraverso la scrittura che non solo restituisce
il procedere dell’occhio (promenade de l’oeil) sulla tela ed esalta l’illusoria trasparenza del quadro, producendo un effetto di realtà nel lettore. La scrittura, raddoppiando i segni iconici, istituisce un
punto di sguardo che dalla soglia della cornice del quadro si proietta all’interno dell’immagine (in particolare di fronte ai quadri di paesaggio e alla pittura di genere). L’obiettivo finale di questa strategia,
attraverso l’assorbimento del soggetto dentro l’opera, sembra tendere alla costruzione di una nuova, inedita figura di spettatore, di uno sguardo e di un corpo interno all’immagine, prodotto e generato dalla scrittura stessa. Nel film di Sokurov è la voce off del regista che accompagna l’apparizione delle immagini e che si offre come un doppio della nostra voce interiore o come un fantasma del nostro sguardo, con un analogo effetto di raddoppiamento dell’occhio della macchina da presa. L’effetto di presenza generato dall’ingresso all’interno delle immagini, abitate dallo sguardo del regista, si realizza quindi al prezzo di una doppia mediazione, quella visiva e quella sonora.
Questa inclusione dello spettatore-lettore all’interno dell’immagine produce infine un effetto paradossale: da una parte sfarina il confine fra lo spazio dell’esperienza reale del soggetto e lo spazio rappresentato
nell’opera, dall’altra parte riafferma, sia in Diderot sia in Sokurov, in ultima istanza la distanza, l’alterità e l’insularità dell’immagine artistica, sia essa pittorica o cinematografica.
vingtième siècle, la catégorie du sublime a connu une reformulation critique marquée par les
textes de Barnett Newman, « The sublime is now » (1948) et de Robert Rosenblum, « The Abstract
Sublime » (1961), qui d’une certaine façon encadrent la riche période de l’école artistique de New
York. La proposition vise, tout d’abord, à analyser le lien conceptuel entre le choix artistique de
l’abstraction (et le dépassement du paradigme de la mimésis qui en découle) et la possibilité de
produire un effet esthétique, mais aussi moral ou psychologique, sur le public qu’on peut ramener à
la dynamique du sublime.
Si, comme il est rappelé par Baldine Saint Girons, « le sublime semble d’ordre plus pictural que
musical », en vertu « de cette violence qui me situe face à lui d’abord en position d’infériorité », la
peinture américaine du vingtième siècle a exploré les limites de la toile (pure surface sensible opaque,
grandeur du format, dépassement du cadre, réduction iconoclaste) à fin de produire chez le spectateur
une expérience nouvelle de l’œuvre d’art, marquée par l’inquiétude et le dessaisissement du sujet. À
travers les écrits et les œuvres de Barnett Newman et de Mark Rothko, on va essayer, en
deuxième lieu, de mettre en évidence la nature de l’expérience subjective provoquée par des tableaux
qui se présentent comme des événements ou des performances placés dans le temps qui exigent la
présence du spectateur. Les enjeux de cette expérience dépassent la dimension esthétique pour aboutir
à une interrogation sur la liberté et l’autonomie morale et spirituelle du sujet humain.
Traduzioni di: Pietro Allia, Michele Bertolini, Lorenzo Lattanzi, Maddalena Mazzocut-Mis, Massimo Modica, Claudio Rozzoni, Adeline Thulard, Paola Vincenzi.
balloons in the cloudless sky and disappear from sight like space rockets
towards the infinite, imbue them with transparent air like sponges and
become all of a piece with the surrounding empty space: these idées fixes
have for a long time been the order of the day in the Agenda of Yves
Klein. Many projects, a few patents, few creations, in an unstable and
ambiguous balance between utopia and irony, the sublime and the kitsch,
the will to create art without works and the legend of the artist with a
masterpiece. And a fable, in which the artist abandons the monument of
himself to the world of art and becomes a worldly photo-reporter, and goes
around recording everything that happens in the life world.
https://www.cambridgescholars.com/abstraction-matters
Michele Bertolini, "Teorie dell’attore nella Francia del Settecento”, in "Paradossi settecenteschi. La figura dell’attore nel secolo dei Lumi", a cura di M. Accornero, K. Angioletti, M. Bertolini, C. Guaita, E. Oggionni, Led, Milano 2010, pp. 65-122.
Autori come Focillon, Bayer e Souriau, qui oggetto di un articolato studio, hanno sviluppato la loro riflessione morfologica a partire da una approfondita lettura critica dei testi di Henri Bergson, come testimonia in particolare il saggio "L'estetica di Bergson" di Raymond Bayer, qui tradotto per la prima volta in italiano.
La riflessione di Bergson d'altra parte è ancora attivamente presente nel panorama filosofico francese contemporaneo.
di una serie di letture critiche che hanno colto nell’opera del grande enciclopedista uno snodo decisivo per la formazione di uno sguardo estetico della modernità, capace di dialogare con le istanze contemporanee che attraversano gli studi di cultura visuale, le svolte metodologiche della storia e della critica d’arte novecentesche (Fried, Marin, Arasse), la riflessione sulla rappresentazione teatrale e sul ruolo dell’attore (Szondi, Barthes, Ejzenštejn) così come l’interrogazione nei confronti del soggetto e del linguaggio rivolta dal pensiero filosofico contemporaneo (Lyotard, Lacoue-Labarthe). Dall’incontro fra il Novecento e Diderot, qui ricostruito attraverso una selezione di saggi per lo più inediti in italiano, emerge l’immagine di un pensatore al tempo stesso a noi prossimo e distante, capace di parlare alla contemporaneità con forza attraverso la polifonia della sua scrittura, l’apertura alle differenze e alla molteplicità dei saperi e dei discorsi che rendono i suoi testi degli organismi ibridi, dei mostri testuali capaci di dare voce alla “parola degli altri” (Starobinski), come di intercettare e catturare nelle maglie della scrittura le immagini del suo tempo, mettendo in opera un esercizio dello sguardo che lavora negli interstizi fra il visibile e il dicibile.
Interventi e saggi di: Jeffrey A. Bell, Michele Bertolini, Sara Criscuolo, Gilles Deleuze, Marco Fortunato, Armando Fumagalli, Clotilde Simond, Tommaso Tuppini, Alberto Zanetti, Slavoj Zizek.
Il colore della pelle dei diversi popoli non europei diventa nel Settecento oggetto di una riflessione anatomico-scientifica, estetica e filosofica, in cui la giustapposizione cromatica del bianco e del nero della pelle si apre a una lettura polisemica e stratificata. I diversi livelli di indagine risultano intrecciati nella “messa in scena” dello straniero nero, nella misura in cui il canone estetico moderno, che trova la sua definitiva codificazione proprio nel Settecento e che si fonda sul giudizio di gusto del bello, traduce sul piano visivo un’articolazione problematica di differenze culturali e simboliche, etniche e sociali.
Nell’iconografia politica rivoluzionaria del ritratto di Girodet, Belley, ex schiavo di origine senegalese liberato dopo il suo arrivo sull’isola di Santo Domingo ed eletto deputato alla Convenzione Nazionale, rivendica il suo status di uomo libero e di deputato con un abito occidentale che mette in evidenza la piuma e la sciarpa repubblicana tricolore, posando di fronte al bianco busto marmoreo dell’abate Raynal.
L’orizzonte dell’empatia umana attraversa e caratterizza diverse narrazioni e rappresentazioni mediali contemporanee, in particolare quelle forme espressive che coinvolgono i nuovi media digitali (realtà virtuale, ambienti mediali, installazioni immersive, cinema). La promozione dell’empatia viene giustificata in virtù dei suoi potenziali effetti positivi sul piano antropologico, etico e sociale: l’altro con cui empatizzare non deve limitarsi all’essere umano, ma può coinvolgere anche gli animali, gli androidi, gli oggetti, gli enti fittizi, secondo il modello di un “emotional turn” [Pinotti, 2011] che si declina oggi, soprattutto nei modelli di simulazione virtuale, nelle narrazioni seriali e letterarie, così come nella cultura visuale, come un “nonhuman turn” [Grusin, 2015]. Non mancano tuttavia posizioni critiche che tendono a problematizzare la svolta empatica contemporanea, mettendone in luce i limiti e le contraddizioni interne [Donise, 2019; Pinotti, 2021; Ercolino, Fusillo 2022].
L’intervento intende riflettere sul potenziale distopico racchiuso nella promozione dell’empatia o viceversa nella sua critica e decostruzione, concentrandosi in particolare su alcuni esempi di narrazioni cinematografiche fantascientifiche. Se nel racconto di fantascienza novecentesco l’elemento discriminante definitivo tra l’umano e l’alieno, in assenza di altri tratti distintivi, è stato spesso individuato nell’assenza di empatia di quest’ultimo ("Invasion of the Body Snatchers" di Don Siegel , "Village of the Damned" di Wolf Rilla ), configurando come una minaccia un futuro distopico dominato da replicanti dell’uomo privi di sentimenti e affetti e incapaci di empatizzare con gli altri, questo paradigma viene messo in discussione e rovesciato già alla fine del Novecento con "Blade Runner" di Ridley Scott , dove i replicanti si dimostrano capaci, più dell’uomo, di provare amore, odio, nostalgia, compassione.
Le recenti produzioni del regista e sceneggiatore britannico Alex Garland ("Ex machina" del 2015 e "Annihilation" del 2018 ), su cui si focalizzerà l’intervento, sembrano aprire e suggerire una nuova fase di riflessione, attraverso il confronto dell’uomo con una forma più sfumata e indeterminata di alterità, quale quella rappresentata dall’intelligenza artificiale dall’aspetto umano ("Ex machina"). Il film di Garland complica il rapporto tra l’umano e l’altro da sé, mettendo in scena una raffinata simulazione e macchina dell’empatia e del desiderio, incarnata dall’affascinante androide Ava. L’oscillazione tra desiderio e paura nei confronti dell’intelligenza artificiale interroga criticamente il valore e la funzione sociale, etica e politica dell’empatia nel mondo contemporaneo.
A. Donise, Critica della ragione empatica. Fenomenologia dell’altruismo e della crudeltà, Il Mulino, Bologna 2019
S. Ercolino, M. Fusillo, Empatia negativa. Il punto di vista del male, Bompiani, Milano 2022
R. Grusin (ed.), The Nonhuman Turn, University of Minnesota Press, Minneapolis 2015
A. Pinotti, Empatia. Storia di un’idea da Platone al postumano, Laterza, Roma-Bari 2011
A. Pinotti, Alla soglia dell’immagine. Da Narciso alla realtà virtuale, Einaudi, Torino 2021
La fortunata formula coniata da Michael Baxandall all’interno di Painting
and Experience in Fifteenth Century Italy (1972), “l’occhio del Quattrocento”, ha inaugurato all’interno della storia dell’arte un interesse
storico e teorico nei confronti dei processi culturali di fruizione delle
immagini artistiche e del ruolo e della posizione dello spettatore (Svetlana
Alpers, Michael Fried, Norman Bryson, Daniel Arasse). La tesi di Baxandall
peraltro ha conosciuto feconde applicazioni in ambiti disciplinari distinti
come l’antropologia culturale o la sociologia, trovando ad esempio in Pierre Bourdieu un interprete illustre. Questa ricerca ha rinnovato il dibattito teorico intorno a una questione fondamentale per gli studi di cultura visuali contemporanei: il rapporto fra la percezione visiva e la storicità dello sguardo, che trova proprio nello storico britannico un punto di difficile equilibrio.
Michael Baxandall assegna un ruolo decisivo all’incorporazione cognitiva
di capacità visive (visual skills) e di stili cognitivi (cognitive styles) che
avrebbero permesso agli spettatori di quel periodo storico di decodificare e comprendere i diversi livelli di senso delle opere d’arte sullo sfondo di
un’esperienza visiva e sociale più ampia.
La relazione intende problematizzare alcuni nodi tematici della riflessione
di Baxandall, come gli “stili cognitivi” e le “abitudini percettive incorporate”, alla luce delle ricerche contemporanee sulla percezione visiva e l’epistemologia storica: ad esempio, la difficoltà, per lo storico della
cultura, di accedere a una reale comprensione dell’occhio storico;
l’oscillazione fra la dimensione individuale e sociale degli stili cognitivi; il
rapporto fra continuità e rottura nei regimi dello sguardo e delle abitudini visive.
Intervento: "Gusto e spirito documentario nella collezione artistica del conte Giacomo Carrara".
À travers les écrits et les œuvres de Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, on va essayer de mettre en évidence la nature de l’expérience subjective provoquée par des tableaux qui se présentent comme des événements ou des performances placés dans le temps qui exigent la présence du spectateur. Les enjeux de cette expérience dépassent la dimension esthétique pour aboutir à une interrogation sur la liberté et l’autonomie morale et spirituelle du sujet humain.
FEMMINILE E MASCHILE NEL SETTECENTO
Marina di Massa, 27-29 maggio 2013 (Torre Marina, via Fortino di San Francesco, 1) .
Relazione: "La rappresentazione della sessualità nei Salons di Diderot: tra identità di genere e metamorfosi ibride".
"Non un psicologia, ma una metafisica dell'attore": il metodo di Jean Renoir fra regola e libertà.
Notes on Sculpture, published in the 1960s. Morris epitomizes the
historical and anthropological idea of sculpture, and his connection with
the human body and the beholder’s place. The change of scale produces a perceptual alteration and a new experience of sculpture whose identity
swings between the monument and the object. The contemporary abstract sculpture requires a complex experience and consciousness from the beholder, inciting a new reflection on space and time.
Recensione pubblicata il 14 ottobre 2018 sull'inserto culturale de Il Sole 24.