L'Art baroque

Introduction

Tout d’abord apparu en Italie, l’art baroque[1] fut, dans plusieurs pays, perçu comme une prolongation de la Renaissance. Selon certains, cette continuité serait issue d’une transition quasi imperceptible, qui s’achèverait autour de 1600 et qu’il est convenu de nommer la Renaissance tardive ou le maniérisme. Mais, qu’on le considère comme une simple variation, comme un abandon, voire comme un parfait achèvement du style de la Renaissance, il n’en demeure pas moins que l’art baroque fut dominant jusqu’à la première moitié du XVIIIe siècle. Pourtant, pendant longtemps, il resta inimaginable de l’envisager comme l’une des expressions artistiques les plus importantes de l’histoire de l’art. En effet, on avait plutôt tendance à regarder cette période, qui court de 1550 à 1750, comme un moment clos, au sein duquel plusieurs styles s’étaient exprimés.

Ainsi, pour nombre de spécialistes, le baroque n’était rien d’autre qu’une étape supplémentaire de la Renaissance, n’ayant fait que conjuguer les fondamentaux de cette dernière avec l’air du temps. Mais n’en va-t-il pas de même avec toutes les périodes de l’histoire de l’art, dans le sens où elles se sont toutes établies sur les bases du style précédent ? Le style gothique ne découle-t-il pas du roman qui, lui-même, est l’héritier de l’art paléochrétien ? En réalité, c’est l’art grec qui sert d’étalon à toutes les mouvances artistiques ultérieures, qu’elles aient cherché à s’en affranchir ou, au contraire, qu’elles l’aient imité.

L’art baroque, pour sa part, s’est tellement éloigné de la théorie fondamentale de l’art classique, que l’on n’y reconnaît à peine les rudiments antiques. Il est extrêmement difficile de marquer une frontière nette, ne serait-ce que géographique ou chronologique, entre la Renaissance et le baroque, tant les chemins des deux écoles se sont croisés et entrecroisés.

Le baroque est survenu à une époque de profonds bouleversements politiques, religieux et sociaux. Les guerres, la Réforme et d’autres désordres furent à l’origine d’une nouvelle donne politique et rendirent difficile le développement culturel et intellectuel. L’ordre moyenâgeux était peu à peu dissous, tandis que la Réforme marquait l’Histoire d’une empreinte indélébile.

2. Pietro Berrettini, dit Pierre de Cortone,

Le Triomphe de la divine providence, 1633-1639.

Fresque. Palazzo Barberini, Rome.

3. Niccolò Salvi (achevé par Niccolò Pannini),

La Fontaine de Trevi, 1732-1762.

Marbre. Piazza di Trevi, Rome.

Au sein du Saint-Empire romain germanique, les princes devenaient toujours plus puissants. En Autriche, les Habsbourg réunissaient en un même État les régions conquises, et résistaient aux assauts des Ottomans. C’est le fameux prince Eugène de Savoie, qui, en 1697, donna aux Turcs le coup final lors de la bataille de Zenta, dont l’issue victorieuse fut consacrée par Ferdinand Freiligrath dans un poème mis en musique plus tard par Johann Gottfried Lœwe : « Prince Eugène, noble chevalier, Voilà qui sonne comme une tempête, Toi qui a repoussé les Turcs au loin… »

D’un point de vue plus historique, l’art baroque commença avec la fin du prestigieux règne de la reine Élizabeth Ire, ainsi qu’avec la fin, en France, des guerres de Religion sous le règne d’Henri IV. En Italie, l’art changea de style avec Caravage, en Espagne, Cervantes publia Don Quichotte, tandis que depuis l’Angleterre, la dramaturgie shakespearienne inondait le monde.

Au cœur du Saint-Empire romain germanique, la guerre de Trente Ans faisait rage et dévastait la moitié de l’Europe. Parmi les personnalités marquantes de cet épisode, on peut citer, entre autres, le roi de Suède, Gustave II Adolphe, mort au combat, ainsi qu’Albrecht von Wallenstein, l’un des plus prestigieux généraux. Celui-ci, que l’on surnommait le Friedländer, fut assassiné, en 1634, à Eger. Le cardinal de Richelieu contribua au renforcement de la position dominante de la France de Louis XIII dans le concert européen, tandis qu’en Angleterre, Cromwell dirigeait la République. Dans les Flandres, Rubens puis Rembrandt donnaient le ton dans le domaine de l’art ; en France, Molière écrivait ses comédies, tandis que le Bernin, en Italie, ouvrait de nouveaux chemins à l’architecture et à la sculpture.

4. Giovanni Lanfranco, Le Paradis, 1641-1643.

Fresque. Cappella San Gennaro, Cattedrale, Naples.

5. Louis Le Vau et Jules Hardouin-Mansart

Château de Versailles,

façade donnant sur les jardins, 1661-1690. Versailles.

6. Georges de La Tour,

La Madeleine à la veilleuse, vers 1640-1645.

Huile sur toile, 128 x 94 cm. Musée du Louvre, Paris.

7. Jan Vermeer van Delft, dit Johannes Vermeer,

La Dame au collier de perles, vers 1664.

Huile sur toile, 55 x 45 cm. Gemäldegalerie,

Staatliche Museen zu Berlin, Berlin.

En Allemagne, les ordres, qui bénéficiaient auparavant de nombreux privilèges, perdirent beaucoup au cours de la guerre de Trente Ans. Avec la création de l’état de Prusse, en 1701, le centre de gravité politique, artistique et économique se déplaça, peu à peu, du Sud vers le Nord. Les guerres avaient engendré pauvreté et désordre au sein de l’ensemble du tissu social, n’épargnant personne, des plus malheureux jusqu’à la noblesse, en passant par la bourgeoisie. En outre, la guerre avait laissé les mœurs se dégrader, tant et si bien que la création artistique fut considérablement négligée. Seules les riches familles princières pouvaient se permettre le luxe de posséder des œuvres d’art. Dans ce domaine, la cour du roi de France servait de modèle ; c’est pourquoi les résidences des princes tendaient à ressembler aux résidences françaises, en imitant le luxe et la décoration. À la fin de cette époque, l’influence du Nord, avec son expression artistique plus froide et plus réfléchie, était évidente, tandis que dans les contrées plus septentrionales, l’expression artistique demeurait pleine de fantaisie et d’esprit. Le protestantisme ne demeura pas sans influence sur le développement des arts. En effet, tandis que les temples étaient modestement décorés, l’Église catholique essayait d’asseoir son autorité sur la masse très pauvre des fidèles, à grand renfort de richesse dans la décoration de ses lieux de culte.

En Italie, on pouvait déceler, plus ou moins, le même schéma. À l’exception de Venise, ceux qui menaient le jeu dans le domaine de l’art étaient les princes des cités-États. De même, dans ce contexte d’appauvrissement général – dû au déclin commercial de l’Italie – seuls les princes avaient les moyens de s’offrir des maisons aux somptueuses décorations.

En France, les choses étaient complètement différentes. Alors que la guerre de Trente Ans ravageait l’Allemagne, le roi de France agrandit et renforça son royaume, devenant ainsi le monarque le plus puissant d’Europe. Grâce à la puissance de l’État, la France fut relativement épargnée par la violence des guerres de religions. L’édit de Nantes de 1598 assura aux calvinistes – les huguenots – la liberté religieuse et le maintien de leurs droits civiques, tout en déclarant le catholicisme religion d’État. L’unité du peuple français et la centralisation du pouvoir donna à la France cette place de premier rang dans le concert international. Cette place de choix s’exprimait également dans le domaine des arts. L’Europe entière imitait la cour du roi de France tandis que le goût français servait pour ainsi dire d’étalon.

L’Espagne, pour sa part, avait accédé au statut de grande puissance avant le XVIe siècle, grâce à la conquête d’un immense empire colonial. De sa richesse, elle édifia de nombreux bâtiments à l’architecture splendide. À partir du XVIIIe siècle, le roi d’Espagne devint issu de la même famille que celle des rois de France, ce qui permit à l’influence française de s’enraciner un peu plus encore, au moins dans les sphères de la haute société. En dépit de sa richesse toutefois, l’Espagne, suite à sa défaite lors de la bataille navale de Cadix en 1607, perdit le contrôle des mers, et donc du commerce.

Les nombreux bouleversements de politique intérieure qui touchèrent l’Angleterre – affaiblissement de la monarchie et renforcement du Parlement – ne l’empêchèrent pas de devenir la première puissance commerciale et, par là-même, le pays le plus riche du monde. Les arts se développèrent et on nota même l’apparition d’un style local, même si l’art officiel continuait largement de s’inspirer de celui dominant à la cour du roi de France.

8. Francisco de Zurbarán,

La Méditation de saint François, vers 1635-1640.

Huile sur toile, 152 x 99 cm.

The National Gallery, Londres.

9. Gian Lorenzo Bernini, dit le Bernin,

L’Extase de sainte Thérèse, 1647-1652.

Marbre, H. : 350 cm. Cappella Cornaro,

Santa Maria della Vittoria, Rome.

I. L’Art Baroque En Italie

L’Architecture et la sculpture

L’art baroque italien se développa de manière indéniable dans l’architecture et dans la sculpture. Héritier de la Renaissance, il suivit l’esprit de son temps et poussa au maximum l’effet des détails décoratifs, au moyen d’une accumulation de sujets, d’une modification volontaire des formes classiques. En outre, tout ce qui était droit devint courbe, cintré, arqué, tant et si bien que même les colonnes, symbole de stabilité par excellence, se transformèrent, chez le maître baroque Gian Lorenzo Bernini,