Curso I Arte y Tecnología

Autor I Lila Pagola

Maestría en Procesos educativos mediados por tecnología – CEA – UNC

Curso Arte mediado por tecnología

Introducción
Arte y tecnología: una relación dialéctica
En este seminario abordaremos la problemática específica de las prácticas artísticas
contemporáneas mediadas por tecnologías digitales, o lo que se conoce como “new
media art” o arte neomedial. Sin embargo, antes de introducirnos en la temática, caben
algunas aclaraciones acerca de este tan mentado grado de novedad, de modo de no
sobrevalorarlo ni tampoco perder de vista su especificidad y potencialidad exclusiva o
innovadora.
En la relación arte-tecnología, cuyo origen podemos situar en el invento de la fotografía,
se han sucedido diferentes dinámicas de acercamiento o rechazo, yendo desde
tecnofobias y purismos anti-maquinistas -al mejor estilo ludditas propios del siglo XIX-
hasta la incorporación apriorística y celebratoria de todo lo que está antecedido de una e-
de electrónico, característica de finales de siglo XX. En esta inversión del signo de la
relación arte-tecnología es necesario tener en cuenta que ambos campos de
conocimiento han mutado a su vez enormemente, incorporándose uno – la tecnología- de
manera omnipresente a casi toda actividad humana; y modificándose el otro -las artes- a
partir de un punto clave de inflexión autocrítica en la propia concepción de las prácticas en
todos sus aspectos -que situamos en las vanguardias históricas a principios del siglo XX,
y afectadas por procesos sociales de amplia escala como las transformaciones en la
comunicación que supone el surgimiento de lo medios de masas, derivadas a su vez de la
tecnología disponible.

En síntesis, el “arte mediado por tecnología” al cual nos referiremos, forma parte de un
conjunto de procesos autocríticos dentro del arte contemporáneo, que dialogan a nivel
interno con la historia del arte inmediata y pasada; y que además, por su afiliación
tecnológica simultáneamente dialogan con el contexto amplio de las prácticas
comunicativas no consideradas como “arte” por la tradición, ya sea en cuanto productos
de las clásicas industrias culturales, entendidas como entretenimiento o espectáculo de
masas (cine, tv, videojuegos, etc.) como aquellas más difusas y de producción muy
extendida como la fotografía y el video digital, la comunicación celular (sms, ringtones,
fotos y videos), la web 2.0 (podcasts, fotologs, blogs, wikis, etc.) por mencionar algunas
de las múltiples apropiaciones que las tecnologías digitales y la red internet han habilitado
para los “no-artistas”.

Arte para todos, autoría desmitificada, acceso a los medios de producción y circulación,
costo cuasi cero en la reproducción, experimentación simplificada y accesible: ¿Este
panorama es el sueño cumplido de las vanguardias?

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Autor I Lila Pagola

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Curso Arte mediado por tecnología

Unidad 1:
El Arte y los nuevos medios
Formas artísticas y tecnologías disponibles
La tecnología es una parte ineludible en la concreción de objetos o mensajes. Excepto las
corrientes más radicales del arte conceptual, toda manifestación artística y todo diseño de
comunicación implica la materialización de una idea en un determinado soporte, material
o virtual, pero que en cualquier caso es perceptible a través de alguno o varios de los
sentidos humanos. De ahí su carácter de experiencia estética, en el caso del arte.

La tecnología surge en momentos históricos determinados, nunca por azar o por la

iluminación de un genio aislado . Su origen siempre está ligado a procesos sociales,
políticos y económicos que termina potenciando, articulándose en fenómenos como p.e.
la Revolución francesa y la Revolución industrial.

Sin embargo, tampoco podemos afirmar que la responsable directa de los cambios -en el
arte en este caso- es la tecnología, como podría indicar una posición determinista
tecnológica1.
Paralelamente, o en oportunidades mucho tiempo antes2, algunos autores se adelantan a
los inventos imaginando sistemas u obras que aún son tecnológicamente imposibles, pero
que están en las necesidades y sensibilidad de esa generación o la siguiente.

Se trata generalmente de una relación dialéctica que algunos autores han llamado
“impulso o momento tecnológico”3 para referirse a una búsqueda coincidente de
científicos y artistas -muchas veces aislados entre sí- para dar solución tecnológica a
idénticos problemas, y que al materializarse en un invento modifican profundamente las
costumbres y concepciones de una época y todas las siguientes; convirtiéndose en
“compuertas evolutivas”4 hacia un modo de vida diferente. A veces, el “impacto” de la
introducción de una tecnología es tal, que nos hace pensarlos como causa de tal cambio
en nuestra vida.

Un paradigmático ejemplo es el invento de la fotografía, cuyos componentes tecnológicos

-la cámara oscura y las sustancias fotosensibles- eran conocidas por los científicos desde
las edad media y antes5, y fueron combinados en el invento de la fotografía por varios
investigadores aislados en los primeros 40 años del siglo XIX, cuando la sociedad
burguesa en ascenso necesitó un modo de autorrepresentación económico, rápido,
preciso y automático, acorde a la sensibilidad de esta clase que había protagonizado la
revolución industrial y la francesa con un proyecto racional y cientificista.
Más recientemente, la historia de la PC tiene un hito clave en los años 80s cuando surge
la Personal Computer de IBM en 1981, como el primer ordenador diseñado para el uso
doméstico, y sobre todo en 1984 con la introducción de las interfases gráficas de usuario
1 Ver Antonio Dieguez. El determinismo tecnológico: indicaciones para su interpretación . Publicado en Argumentos
de Razón Técnica, 8, 2005, pp. 67­87.
2 Ejemplos de Mallarmé, Verne, Cortazar.
3 Hughes, Thomas. (1994) "Technological momentum" citado en Wallace, Patricia. "La sicología de internet" (1999) .
Paidós. España. 2001. Pag. 300.
4 Piscitelli, A. Ciberculturas. En la era de las máquinas inteligentes.
5 Ver Historia de la Fotografía. Beaumont Newhall. Editorial Gili. Barcelona.

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o GUI (graphical user interface), en el modelo Macintosh de Apple.

Las irrupción de las distintas tecnologías van a poner en crisis en nuestra sociedad -con
su propia forma técnica- todas aquellas características del mundo material que hasta
entonces lo habían dominado. Si poseer y controlar la materia es clave hasta el siglo XIX,
desde entonces y aceleradamente la clave se traslada al saber, inmaterial y en
permanente cambio.

Las tecnologías de información y comunicación trasladan la función secundaria que el

universo simbólico había tenido hasta entonces en la economía (la cual funcionaba bajo el
paradigma del objeto en cuanto mercancía con valor de cambio) hacia un lugar central: el
acceso, procesamiento y la circulación de información se convierten en factores
económicos determinantes en la llamada “sociedad de la información”6.

La tecnología digital radicaliza ese proceso iniciado por los medios de comunicación de
masas, relativizando incluso el “resto” material presente en casi todas las tecnologías,
como la imprenta, la fotografía, el cine, etc.
La lógica de la distribución y el consumo de la información propia de los siglos anteriores
se ve trastocada, invertida a veces. Antes, la preocupación era que la información llegara
físicamente al receptor: o sea, cantidad de ejemplares, alcance de la señal, etc. Ahora, la
preocupación pasa por los filtros que hacen que la información se encuentre con el
receptor adecuado, sin perderse en el tráfico incesante de mensajes que nos atraviesa7.
La relación del arte con la tecnología -si bien como adelantamos, toda manifestación
artística implica el uso de técnicas, puede rastrearse al menos hasta la invención de la
fotografía. En su historia encontramos las discusiones mas interesantes acerca de cómo
un dispositivo tecnológico cuestiona la producción artística primero, y luego a toda la
institución-arte8.

Algunas de esos cuestionamientos coinciden

con los que la tecnología digital actualiza
hacia el arte: la noción de autoría, la
participación del “espectador”, la obra única,
la obra cerrada y acabada, la
interdisciplinariedad en la producción y la
creación colectiva.

Soundtoy de Brian Mackern. Los sound toys son

interfaces lúdica de composición musical interactiva
basada en una serie de sonidos (y a veces imágenes o animaciones asociadas) que el usuario dispara
mediante controles (botones, teclas, etc.) Ver ejemplos en www.netart.org.uy

6 Castells, M.
7 Algunos autores hablan de “censura por sobreinformación” como un fenómeno propio de nuestra experiencia en
internet especialmente. Otros nos recuerdan que la superabundancia de información no implica necesariamente que
sea incorporada como conocimiento por quienes acceden a ella.
8 Ver Burger, Peter. Teoría de la vanguardia.

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¿Herramienta o lenguaje?
Una discusión clásica sobre arte y tecnología plantea esta pregunta: el uso de
ordenadores para hacer obras de arte ¿es igual al uso de cualquier otra herramienta que
requiera un proyecto? (un pincel, ¿es lo mismo que una
computadora?), o ¿se trata de un nuevo lenguaje, que
traduce una experiencia contemporánea de los sujetos
que están siendo modificados por la tecnología misma en
sus modos de vida?

Una producción artística que puede ser realizada

indistintamente con varias herramientas (tradicionales y/o
digitales), donde la elección de una u otra corresponde
sólo a una cuestión de rapidez, economía o facilidad, no
aporta elementos nuevos que ameriten preguntarnos
como modifica la tecnología a la producción artística. Por
ejemplo, una fotografía digital, en cuanto que se percibe
similar a su equivalente analógica, no merece mayores
reflexiones que señalar las ventajas que implica la
rapidez, la ecología, y el acceso no limitado a la técnica
por cuestiones económicas o de conocimiento que aporta
the face of tomorrow es un proyecto fotográfico del artista Mike Mike, que compone digitalmente “el rostro
del mañana” a partir de 100 fotografías tomadas en espacios públicos paradigmáticos de grandes ciudades.
Arriba, la mujer de Buenos Aires, una serie realizada en la Estación de Retiro.

(todos factores, que a la larga producen modificaciones estructurales). Lo mismo cabe

pensar en relación a la grabación digital
de una pieza de música, que sonaría igual
– o mejor- almacenada en medios
analógicos.

Las producciones que tienen la posibilidad

de cuestionar y modificar un estado de
cosas dado y generar una nueva realidad
a partir de su existencia, son aquellas que
se apropian de las características mas
específicas de los nuevos medios y las
exploran hasta sus extremos teóricos o
sensibles, creando los signos de un nuevo
lenguaje, inexistente antes de ellas.

La introducción de una nueva tecnología, una nueva forma de hacer las cosas, siempre
conlleva un cambio de paradigmas, tanto mas pronunciado cuanto mas distinta sea esa
nueva técnica de su predecesora. A su vez, la introducción siempre dialoga, durante una
etapa más o menos larga, con las concepciones precedentes, que intentan caracterizarla,
diferenciarla y encontrar su especificidad.

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¿Qué tan nuevo es lo nuevo?

Son múltiples los ejemplos de transición entre nuevas y viejas tecnologías, donde la
innovación no excede lo instrumental o explora tímidamente lo específico del nuevo medio
para no poner en crisis a su predecesor o resultar “legible” desde los parámetros que los
receptores manejan.

Volviendo a la fotografía, es paradójico señalar que entre los principales inventores sólo
uno de ellos se interesó en un procedimiento que permitía copias (Talbot, introduciendo el
proceso negativo-positivo, mientras los demás buscaban un positivo directo y único) y
para saturar la contradicción, fue este mismo inventor quien prácticamente impidió la
difusión de su invento “protegiéndolo” con una patente que establecía el pago de un
canon para todo aquel que quisiera usarlo; a diferencia del daguerrotipo, comprado por el
Estado Francés y puesto inmediatamente en dominio público.

Pasaron varios años hasta que los inventores, de la mano de los comerciantes de la
fotografía, se percataron de la posibilidad revolucionaria de las múltiples copias
fotográficas. Y si tal precaución con la copia se perdió relativamente rápido en el “negocio”
fotográfico, no fue hasta avanzado el siglo XX que el arte logró regular (no aceptarla) esa
característica desestabilizadora, con la “copia de museo”, la “copia de época” y la edición
limitada; retrocediendo en las aventuras de las vanguardias en el uso de imágenes de
otros -en el collage principalmente, o la creación colectiva o compartida – en los juegos
surrealistas como el “cadáver exquisito” o en las experiencias de la Bauhaus.

En el caso de la música, la introducción del registro de sonido modificó a su vez

profundamente la experiencia social de escuchar música y la circulación de obras y
autores: antes limitados al espectáculo en vivo, lograron trascender tiempo y espacio para
encontrarse la obra, a solas con el receptor. En el presente, la música es la punta de
lanza del proceso transformador de los modelos de circulación que las personas practican
en la red internet. La música se busca, se elige, se comparte y se escucha de un modo
nuevo, habilitada por un conjunto de tecnologías masivas siendo actualizadas por miles
de usuarios en el mundo, más allá de regulaciones legales y prácticas precedentes.

¿Programar o colaborar?
¿es arte aquello producido con tecnologías digitales?

Una pregunta clásica acerca de los conocimientos del nuevo medio que los artistas deben
tener en función de poder hacer arte con él, o si existen requisitos procedimentales o
características “inmanentes” a las obras de arte producidas con tecnología, que debamos
tener en cuenta. Vilem Flusser, en su libro “Hacia una filosofía de la fotografía” caracteriza
los aparatos tecnológicos como “cajas negras” que ocultan su modo de funcionamiento a
quienes las usan, impidiéndoles apropiarse de ellas y subvertir o modificar ese uso
prediseñado por la industria. Flusser sostiene, que el artista debe penetrar el interior de la
caja negra y volverla transparente como la única manera de extraer productos artísticos
que no estén pre- programados por el fabricante del aparato, el cual está alineado
ideológicamente con un sistema del cual forma parte; y con el que la obra podría no estar

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de acuerdo a nivel contenido, produciendo (entre otras cosas) una contradicción técnica-
forma-contenido.

Penetrar en el interior de la caja negra

¿porqué conocer el
funcionamiento de la “caja
negra” sería clave en relación
al arte, mientras que no lo es
para por ejemplo, para operar
un automóvil o un horno a
microondas? Flusser distingue
en la función del arte aquella
que en cuanto símbolo,
presenta visiones del mundo,
representaciones de la
sensibilidad de una época, por
lo que resulta altamente
problemático suponer que

El colectivo Jodi fue el pionero en trabajar desocultando las interfaces de la web, exponiendo el código o
modos de interpretación alternativos para los mismos datos. En otras obras, explotan el fenómeno de los
virus y los comportamientos asociados de los usuarios.

existe un programa industrial en los dispositivos de creación, condicionando con una

cantidad finita de opciones la producción y que conducirían, tarde o temprano, a la
repetición de las producciones.
En términos prácticos, esto implica que el artista debería comprender el funcionamiento
del ordenador tanto como para poder hacerle hacer tareas para las cuales no fue
diseñado, o bien programar nuevas tareas, o funciones distintas a las que provee el
software comercial, como una condición sine qua non para que los resultados del trabajo
de un artista con un aparato técnico puedan asimilarse a la categoría obra de arte.

Flusser sin embargo advierte, respecto de la fotografía, que a pesar de que el aparato es
opaco a una gran cantidad de sus usuarios (los "funcionarios" que hacen sólo lo que el
aparato les permite), aún así el programa de la cámara fotográfica no parece haber sido
agotado y los artistas encuentran vías de subversión o ampliación del programa industrial
sin necesariamente conocer las bases físicas, mecánicas u ópticas ni químicas de los
procesos compilados en el dispositivo fotográfico9.

En el campo del new media art, muchos artistas han encarado este problema
respondiendo con el desarrollo de software artístico (software-art) programado por ellos

9 Ejemplos de estos casos pueden ser las Photo­Transformations de Lucas Samaras citadas arriba, como experimentos
con la cámara Polaroid modificando la forma de revelado. La fotodinámica futurista o las obras de Michael Wessely,
entre otros artistas que se preguntan por el registro fotográfico del tiempo experimentan modificando el dispositivo
para reducir la sensibilidad de la película y capturan acciones que toman meses, como fantasmas irreconocibles pero
“verdaderos” en cuanto huellas.

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mismos, o funciones nuevas, de uso estético basadas en lenguajes como C, php,

Javascript, Lingo o Actionscript.
Algunos ejemplos de código de artistas, pueden verse en una exhibición online realizada
para el Withney Museum, llamada CodeDOC, que muestra el código abierto y su
contraparte funcionando.

Mark Napier
http://artport.whitney.org/commissions/codedoc/Napier/code.html
http://artport.whitney.org/commissions/codedoc/Napier/app/wave.html

Otros artistas optan por la

colaboración con
especialistas,
programadores, ingenieros
electrónicos, etc. para
desarrollar conjuntamente
las partes de la interfase
lógica o de hardware que
requiera el proyecto.

Mark Napier. 3 points.

Algunos ejemplos:

Adaweb. Proyectos de colaboración entre artistas y técnicos.

Please change beliefs / Jenny Holzer
Palomas y juicio final León Ferrari/Bastián
Rara Avis - Eduardo Kac/Ed Bennet

En un tercer grupo, los artistas “intuitivamente” realizan usos no convencionales de los

dispositivos tecnológicos simplemente forzando su programa de fábrica, usándolos
incorrectamente, o capitalizando los errores en el hardware, ante efectos fortuitos e
irrepetibles.

Machado menciona los ejemplos de Carlos Fadón y las impresoras modificadas, al que
podemos agregar los clásicos experimentos de Nam June Paik con imanes y televisores,
entre otros.

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Conceptos clave: Interactividad, multimedia e interdisciplinariedad.

Interactividad
La interactividad define la especificidad irreductible de las obras de new media art, como
una de las contribuciones centrales aportadas por las TICs a la producción artística. Si
bien la interactividad no es excluyente de los soportes digitales, es específica a ellos y es
su canal más “disponible”.

¿qué es la interactividad? La posibilidad del

receptor de manipular y modificar directamente
su experiencia con los medios. En esa línea, un
diccionario es primitivamente interactivo, pero lo
es en mayor medida que ver una película en una
sala de cine.
Un videojuego o una obra de net.art es una
experiencia interactiva por definición, puesto que
si el “receptor” no colabora con la pieza, ésta no
se manifiesta físicamente frente a él.

Tapa de CDROM del juego Eve de Peter Gabriel fue la segunda de sus experiencias interactivas y
multimediales, en la cual se invita al interactor a recorrer un espacio fotográfico algo surrealista, con
distintas propuestas lúdicas al tipo de los videojuegos comerciales, pero con una narrativa más
experimental.

Tendencias en las prácticas artísticas digitales: Neo

formalismos y artivismos.
Neoformalismos en el arte con nuevos medios

Por neoformalismos entendemos aquellas tendencias interesadas en explorar las

posibilidades de un nuevo medio, especialmente aquellas que no tienen salida “mediática”
o comercial, cuya fruición masiva es “difícilmente aceptada”, por su grado de
experimentación y novedad, pero donde lo experimental no necesariamente surge de una
intención crítica o de provocación hacia un público adormecido, sino de un ejercicio lúdico
por parte del artista con sus “nuevos materiales”. En este difuso límite se confunden arte-
diseño-moda con grados de indefinición crecientes cuando los experimentos resultan
aceptados por el público, deviniendo espectáculo. En ese punto, muchos de estos
espacios-eventos-autores experimentan como una forma de “entrar” en la institución-arte,
o en la publicidad creando un nuevo canon: el suyo propio.

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Muchas de las producciones

neoformalistas, surgen de proyectos
complejos de colaboración entre artistas
e informáticos o técnicos, que brindan el
know how al artista para realizar su
obra. En esos casos hablamos de
proyectos high-tech (alta tecnología)
puesto que suponen una política, unos
presupuestos, unas instalaciones e
inteligencias puestas al servicio de la
experimentación artística.

Luciérnaga Sonora – Julia Masvernant. CDRom. En esta obra la artista explora posibilidades formales e
interactivas de formas simples animadas y con sonido interactivo, en las que el usuario puede intervenir
configurando color, posición y otras variables.

Artivismos

Un grupo importante de obras de nuevos medios surgen de la vertiente crítica cuyo origen
está en las vanguardias históricas, que cuestionan radicalmente la función del arte en la
sociedad y con diferentes estrategias intentan desestabilizarla.

La tecnología digital representó en ese sentido, un horizonte utópico muy

singular en los 90s, que fue caracterizado como una “zona temporalmente autónoma”, en
donde artistas e intelectuales confluyeron en comunidades virtuales en las cuales la
subversión del presente parecía inminente, habilitada especialmente por la potencia de
internet y las redes que allí se conformaron.

Sitio web Vote Auction. Realizado anónimamente durante

las elecciones de USA, en el cual se proponía
abiertamente la subasta de votos por parte de las
corporaciones, para determinar los resultados.

Con diversas estrategias dijimos, los artistas críticos del mundo del arte, y seducidos por
el nuevo medio autónomo, anárquico y en febril construcción colectiva, desarrollaron
proyectos dentro de lo que hoy llamamos net.art.

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Los primeros años de esos

experimentos -técnicamente
primitivos pero
conceptualmente potentes, se
conocen como el “período
heroico” del net.art y la
denominación no sólo
responde a la dificultad con la
cual los artistas se acercaban
al nuevo medio (evitando una
de las conocidas y
problemáticas instancias de
colaboración con técnicos),
sino al cuestionamiento que se
Pantalla de Form art competition. Una convocatoria de Alexei Shulgin a realizar usos no convencionales de
los elementos de formulario disponibles en el lenguaje html.

escuchó por aquella época respecto de considerar “arte” a unas “páginitas web”, por más
raras, críticas o experimentales que parecieran. Igual que en el caso de la fotografía, el
amplio uso del medio en la sociedad (que atraía a los artistas buscando público genuino
fuera del mundo del arte) era también una razón para negarle status de obra.

Pasado el período heroico, y luego de que internet se consolidara como un medios de

masas – con su lógica comercial asociada - muchos artistas continuaron trabajando en
una corriente crítica que aprovecha la potencialidad de internet como medio de
comunicación descentralizado y global, para lanzar sus proyectos de activismo desde el
arte.

Algunos sitios destacables en este grupo de iniciativas

pueden ser:
www.gatt.org de The Yes men (un sitio web que simula ser el
de la World Trade Organization)
technologies to the people (un proyecto de Daniel García
Andujar sobre los sueños de democratización que internet
haría realidad)
vote auction (un proyecto que se lanzó previo a las
elecciones presidenciales de USA en 2003, donde se ofrecía
una subasta por el valor de los votos, en relación al peso
diferencial que tenían ciertos estados de USA (como Florida,
que determinó el triunfo de Bush)
rtmark (un sitio de sabotaje a corporaciones, que opera como
una plataforma de proyectos, recursos y documentación de lo
realizado. Entre otras cosas, rtmark se adjudica el sabotaje
de un lote de muñecas Barbie que hablaban como el muñeco
Gi-Joe; o el sabotaje al videojuego Simcopter)
Critical art ensemble

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Unidad 2:
La circulación de las obras de arte en entornos digitales

Introducción:
Características de la obras interactivas

Las obras interactivas tienen características e introducen problemáticas específicas, que

varían según se analice el proceso desde la producción o desde la recepción. En esta
unidad estableceremos algunos de los problemas clave que los autores enfrentan, y en la
unidad 3 nos ocuparemos de las transformaciones en la recepción.

Problemática en el proceso de producción:

El diseño de un interactivo implica -para el autor- la concepción de un programa o una

estructura, un conjunto de instrucciones que el receptor será quien actualice
efectivamente en una “obra”. Su característica más relevante es la NO linealidad en la que
está estructurada la información.

El autor tiene que diseñar la experiencia de recepción del interactor, dándole una serie de
opciones que configuran obras distintas en cada elección particular. Lo que diseña, en
última instancia, es una obra potencial, un programa para hacer obra, o unas reglas de
juego que es el interactor quien finalmente, materializa en una forma concreta.

En el caso de la ficción interactiva, presenta un desafío para el escritor o el guionista que

debe dar coherencia o interés estético, o crear “tensión narrativa” en todas las
combinaciones posibles habilitadas.

La literatura y también el cine, registran múltiples ejemplos anteriores a la tecnología

digital, como Un coup de des jamas abolira l'hazard o su proyecto Livre nunca realizado,
la novela Rayuela o Ultimo round de Cortazar, 1014 Poemas de Raymond Queneau, las
películas Corre Lola Corre, Smoking/No smoking de Alain Resnais, o los clásicos libros de
la colección Elige tu propia aventura.

La mayoría de estas obras pueden considerarse ejemplos del adelanto de sus autores
respecto de la tecnología digital, que hoy sería (y es, en algunos casos que se han
reversionado) el soporte ideal para realizarlas.

Un temprano ejemplo es el poema de Mallarme. “Un coup de des jamas abolira l'hazard”
que permite varias lecturas: si se elige leerlo de corrido, o si se sigue sólo las palabras en
mayúsculas, o en tal tipo de letra.

Programa, conjunto de instrucciones o diseño de recorrido, en cualquier caso la obra

interactiva se presenta como una tarea que debe conceder al tradicional “receptor” un rol
configurador activo del mensaje y la forma final de la obra, la cual pierde con ello, el
carácter de obra cerrada y acabada característica de la obra maestra donde nada está de
más ni nada falta.

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La obra abierta es un concepto introducido por Umberto Eco en 1975 pare referirse a las
obras cuyo sentido no está completamente determinado por el autor, sino que éste espera
que su receptor colabore de manera activa en la interpretación, dándole al mismo tiempo,
un grado de libertad en lo interpretado, en el cual radica la “apertura”.

El concepto se extendió frente a las obras interactivas, en cuanto la apertura de la obra

estaría dada ahora por dos factores:

– la acción efectiva que debe realizar el “interactor” entre una cantidad de opciones,
cuya combinatoria conduce a distintas “versiones” de la obra, algunas imprevisibles
por el autor si las opciones combinables son numerosas (el paradigmático ejemplo es
el poema de Queneau)

– el desarrollo en etapas de una misma obra, propuesto como “work in progress” por el
autor, imitando en un aspecto el desarrollo del software en versiones (beta, 1.0, etc.).
Si bien el work in progress es una práctica anterior en el arte -vinculada al
desplazamiento hacia lo procesual en el arte contemporáneo- a la introducción de
tecnologías digitales, también encontrará el modus operandi “natural” en estos nuevos
procesos digitales que permiten cambios, correcciones y mejoras de un modo muy
simplificado, a diferencia de los soportes materiales.

La autoría compartida

Sobre el tema de la autoría conviene hacer una mínima aclaración para relativizar ciertos
entusiasmos propios de la primera hora, acerca de este carácter más “democrático” de la
obra interactiva versus otro “autoritario” de las obras tradicionales.

Una obra interactiva no es más democrática porque permita a su receptor elegir entre
unas (mínimas) opciones planteadas, dado que finalmente quien configura las opciones y
sus posibles combinaciones es el autor, igual que en una obra lineal tradicional.

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Schredder, de Mark Napier. Una web que re-interpeta los datos del lenguaje html tornándolos ilegibles, al
modo de las máquinas destructoras de papeles importantes.

Por otra parte, el concepto de autor que cuestiona básicamente el diseño de una obra
interactiva es aquel que se pretende como un individuo único, con capacidades innatas,
naturales, que crea desde la nada, sin historia, sin contexto, sin saberes previos y sin
influencias. De hecho, mas allá de que las prácticas de la firma, la propiedad intelectual y
el concepto de originalidad lo desdibujen u omitan, la creación es un proceso siempre
cruzado de factores colectivos, que un individuo logra sintetizar.

Posiciones respecto de los derechos de autor y de copia en el arte

Sobre las cuestiones de la circulación de la información y los derechos de autor, la

evolución de las posiciones respecto del tema se ha polarizado en dos posturas:

Pro-copyright: Aquellas que adscriben al sistema vigente de derechos de autor y

copyright, y desestiman la lógica de la circulación digital, especialmente de la web (muy
difícil de controlar y sobre todo, restringir o vender) y buscan mecanismos para aplicar las
limitaciones de los objetos materiales en un entorno inmaterial; como por ejemplo aquellos
sitios que impiden copiar imágenes (que se pueden copiar de todos modos) o que limitan
el acceso a la información con passwords, o aplican alguna de las medidas técnicas de
restricción conocidas como DRM. Estas acciones en su mayoría están encabezadas por
las gestoras colectivas de derechos de autor (SADAIC en Argentina, RIIA en USA, SGAE
en España para mencionar las más conocidas) en asociación o paralelamente a los
intermediarios del negocio de la edición: discográficas, editoriales, etc.

Algunos sitios web publican material que por su fecha de realización está en dominio público, pero le
colocan “marcas de agua” o firmas digitales de modo de entorpecer su copia, u obligar a los visitantes a
pedir permisos de uso.

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Un clásico video anti-piratería que hemos visto en Argentina en las salas de cine, es el
ejemplo de esta posición: asimilar de manera directa la copia digital al robo de bienes
materiales (un auto, una cartera, una tv).

Copyleft: alrededor de este principio general acerca de las copias digitales, se

crea un tipo de licencia -originalmente elaborada para el software libre- sobre la base de
que algunos autores entienden que la
difusión del conocimiento aporta a su
progreso en cuanto más inteligencias
se sumen a una determinada
búsqueda, siguiendo el modelo del
conocimiento científico.
La primera licencia copyleft, la GPL
(1984), es una acuerdo de uso de
obras intelectuales que no desconoce
los derechos del autor, sino que exime
al usuario o receptor de la obligación
de pagar por usar o publicar la
producción, al mismo tiempo que le
permite modificar la obra y hacer su
propia versión (o traducirla, cambiarla
de formato, etc.), citando su origen.

ej: Peintre de peintres de Antoine Moreau. Un experimento sobre las creación colectiva en soporte material
(pintura). El artista hace circular una pintura de su autoría entre un grupo de amigos, que la intervienen de
modo definitivo, dejando en algunos casos parte de la obra previa, y en otros ocultándola por completo. Los
distintos estados de la obra son digitalizados y archivados en su web.
En el arte, la licencia se conoce como Licencia de arte libre, Francia (2000), y supone la
liberación de la obra a su copia y modificación por otros, sin que ello signifique plagio o
violación del copyright.

El video mencionado arriba “No robarías”, ha sido respondido por organizaciones y

artistas que apoyan la libre circulación de los bienes culturales en esta nueva versión, que
puede descargarse en http://www.iwouldntsteal.net/ donde se cuestiona este traslado
literal de la ilegalidad de robar bienes materiales hacia los inmateriales, que supone el
término “piratería”. El punto central del planteo es que no puede compararse un delito que
despoja a otro de su posesión, con otro que la duplica sin permiso. Ni la acción (en
términos morales) ni las consecuencias son equiparables, por lo tanto “piratería” es una
denominación ideológicamente posicionada, que en realidad refiere a “copia no
autorizada”: una práctica social ampliamente extendida, especialmente en Latinoamérica.
Otro interesante video que analiza la criminalización de esta práctica es Don't download
this song.

Crítica a la noción de autor

Cierto residuo de la concepción maquinal que condenara a la fotografía a no ser

considerada “arte” hasta entrado el siglo XX, ha jugado un doble papel en relación a la

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noción de autor en obras que usan tecnología. Doble papel porque por un lado, ha atraído
a los artistas críticos de la figura del artista-genio, oponiendo un rol limitado, reducido,
pero no ensombrecido por el “pero con esa máquina cualquiera lo hace...”.

Es el caso de algunas de las vanguardias históricas y sus proyectos pedagógicos, como

el constructivismo ruso o la Escuela de diseño Bauhaus, que veían en la máquina el
instrumento ideal para evitar “la vanidad artística” que el gesto individual sedimenta en
“estilo propio”, por las características de ciertas herramientas. Es para ellos, una especie
de conjuro a la tentación del artista de caer en la ficción de superioridad que lo aleja de
alguna función social, que le otorga alguna dimensión política a su hacer. La máquina
será reivindicada, desde esta crítica al artista “burgués” como una herramienta de acceso
y lenguaje universal, y que por su capacidad de producir copias o múltiples, es el medio
más adecuado para la comunicación visual orientada a las masas.

Tatlin y Heartfield sostienen un cartel que dice: “El arte ha muerto, Viva el arte de la máquina de Tatlin”.

Por otro lado, ha sido la misma razón que ha alejado dos

campos de conocimiento, ubicándolos casi en extremos
opuestos de la sensibilidad. En cualquier caso, se está
acordando con el carácter al menos difuso, en el que se da
la creación con tecnología, de acuerdo a los parámetros del
canon clásico: esto es, que el autor posee y da cuenta de
destreza manual, unas habilidades innatas no aprendidas, y
crea originales únicos e irrepetibles. Esa autoría “difusa”,
característica de la creación con tecnología, se usa en un
caso para rechazar la posibilidad de que las máquinas
puedan producir arte (como lo harán los artistas románticos
y neoclásicos) y en el otro, para rescatar precisamente en
esa debilidad el “potencial crítico” hacia la institución-arte,
que la vanguardia acusa de ser funcional al poder de turno,
dando el sustento ideológico necesario10.

Posproducción y cultura Remix

El arte contemporáneo ha sido caracterizado por algunos autores, como un ejercicio de

posproducción, donde poco se crea o inventa, sino por el contrario, el artista pone en
funcionamiento elementos de la realidad posproduciéndolos: recortándolos, señalándolos,
modificándolos, registrándolos, etc. El autor ya no crea, no produce sino recicla:
posproduce, genera efectos de sentido a partir del incesante flujo simbólico y material
proporcionado por lo real.

Por lo tanto, sus habilidades y sus acciones son muy diferentes a la de su homónimo del
siglo XIX: ya no se trata de originalidad o estilo, sino de efecto de sentido, ligado
10 Ver Marcuse, H. Sobre el carácter afirmativo de la cultura y también Burger, Peter. Teoría de la vanguardia.

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estrechamente al contexto inmediato y a la tradición crítica de las vanguardias históricas.

La formalidad completo de la “obra” puede no pertenecerle o ser efímera, sin valor
objetual alguno a destacar o conservar.

Dentro de las tendencias en la relación arte-tecnología se perfilan dos grandes grupos

que pueden separarse en función de su interés formalista, o crítico. Coincidentemente,
estas divisiones suelen coincidir con la ubicación geopolítica de sus autores, y determinan
dos grupos de abordaje hacia la tecnología, que podemos denominar high-tech y low-
tech.

Cita y apropiación: antecedentes en la historia del arte

En los 60s las llamadas neovanguardias retoman algunos postulados de las vanguardias
históricas y vuelven sobre la crítica a la autoría, la originalidad, la autenticidad y sus mitos
derivados, pero influenciados por la inmediata presencia de los medios de comunicación
de masas, y la naciente sociedad de consumo.
La cita a artistas u obras ha sido un procedimiento muy recurrido en la historia del arte, en
cuanto estudio u homenaje al maestro o como forma de sugerir su superación.

La apropiación de imágenes o recursos formales de otros autores o incluso géneros fue

un procedimiento usado ampliamente en el pop-art, que tomó de la iconografía de los
medios de masas (cine, diarios, publicidad) producciones concebidas para circular
masivamente en afiches, noticias o packaging de productos, convirtiéndolas en objetos
únicos del arte de élite. Nótese que es la operación opuesta a la que

las vanguardias históricas aspiraban en la intención de usar medios de comunicación

potencialmente masivos como la fotografía o el cine, buscando llegar a múltiples
espectadores a costos reducidos. Ese potencial técnicamente será concretado por los
medios de masas, pero ideológicamente no podrá realizarse porque los medios son
funcionales al poder establecido, del mismo modo que lo era el arte burgués según el
diagnóstico de la vanguardia11.

Restringidos al ámbito del museo, algunos artistas sostendrán esta tradición de la

autocrítica a la autoría jugando con límites cada vez difusos en la “realización” de la obra.
La obra de Sherry Levine tiene en ese grupo, un lugar relevante. Ella reproduce algunas
obras “clásicas” de la fotografía pura de los años 30 en EEUU, exactamente iguales y se
las adjudica como propias. Juega con el límite que le permite el museo en cuanto obra
conceptual, señalando dos problemas: por un lado, el desbalance entre el anonimato de
los personajes retratados por el fotógrafo original, a quien esta serie tornó muy reconocido
como autor, y el hecho de que la misma operación (fotografiar) se juzga de modo diferente
cuando se hace sobre la realidad directa, que cuando se hace sobre una reproducción de
una realidad previa, registrado a nombre de otro.

La diferencia entre la propuesta de Levine y el simple plagio es que ella elige una obra
muy conocida y su “creación” consiste en hacerle preguntas a través de un acto tan
11 Ver Peter Burger, Teoría de la vanguardia. op. cit.

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simple como fotografiarla con precisión. No pretende atribuirse el contenido original para
sí, sino que busca cuestionar el punto en el cual ciertos objetos y/o personas están
sobrevalorados según nuestra noción de autor.

En el arte con nuevos medios la cuestión de la autoría y las copias ha estado presente
desde el inicio, en cuanto retoma estos planteamientos originados por la fotografía y el
cine y los lleva a su extremo práctico: distancia cero entre original y copia, autoría
compartida en cuanto obra interactiva potencial.

Algunos autores han trabajado críticamente el tema, proponiendo abiertamente la

intervención o colaboración del receptor en la creación, invitando a la desacralización del
medio deconstruyéndolo lúdicamente, habilitando interfases de creación.

Copyleft y las licencias de contenido abierto para el arte

Un componente de atracción y reflexión para muchos artistas trabajando con tecnología

digital ha sido su potencial de circulación ilimitada, derivada del costo-cero y la calidad no
degradada de las copias. Esas características, nuevas en su especificidad terminaron de
instalar la discusión acerca del valor del original, los mecanismos de control de copias y
autenticidad de las obras, etc. en el
mundo y el mercado del arte, así
como en el resto de la sociedad
conectada.

En el año 2000, algunos artistas en

contacto en el modelo de creación y
circulación de conocimiento
promovido por el software libre,
reconocieron una opción adaptable a
las obras de arte, creando así una
licencia similar a la GPL para el
software, pero para obras de arte.

Fotos intervenidas en el blog Sin cita - sobre copyleft y cultura libre de Fabricio Caizza
www.sincita.wordpress.com

Esta licencia pionera, es un contrato legal que permite a los “receptores” usar con
cualquier propósito una obra, copiarla todas las veces que lo deseen, modificarla en todo
o en parte, y redistribuir esos cambios bajo una licencia idéntica, reconociendo la autoría
original. Es decir, la licencia mantiene los derechos de autor, pero elimina el copyright.
Esta operación de “hackeo” legal que inventara Richard Stallman para el software libre, se
conoce como copyleft.

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Cita, apropiación, plagiarismo y obras derivadas.

La práctica de la cita, la apropiación o el plagiarismo en el arte contemporáneo son, sin

embargo mucho anteriores al año 2000.
Como estrategias discursivas públicas de un artista, pueden remontarse al menos a la
paradigmática obra “Fuente” de Marcel Duchamp, que consistió en el envío con un
seudónimo a un salón de artistas independientes de Nueva York, donde no había
selección ni jurado, de un urinario común. La obra no fue expuesta, pero Duchamp publicó
luego un artículo con la fotografía de la “obra” denunciando que el artista había sido
rechazado sin explicación alguna, generando la estrategia conceptual a partir de la cual la
obra pasó a la historia del arte.

Entre otras cosas, Duchamp inaugura un campo recurrente de la auto-crítica de los

artistas, que es el de la autoría: ¿que tenía de original, auténtico o único aquel objeto en
relación al artista que lo enviaba? Absolutamente nada: un objeto industrial, producido en
serie, anónimamente, que lucía exactamente igual que aquel en el cual descargaban sus
aguas los organizadores del salón. Esta obra de Duchamp es también es primer
deslazamiento desde lo objetual hacia lo conceptual, la idea como obra, en el arte
contemporáneo.

Otros artistas insistirán positivamente en las posibilidades artísticas de las máquinas o la

obra seriada, en la cual el artista no interviene como artesano en su factura.
A diferencia de Duchamp, a quien no le interesa el resultado objetual, estos artistas si las
valoran en cuanto objetos, especialmente para demostrar que ya no son producto de las
habilidades “innatas” del genio, sino de una máquina de acceso cuasi-universal.
Los más notables ejercicios en ese sentido se harán en la Escuela Bauhaus, en Alemania
durante la breve y brillante república de Weimar. Uno de los docentes más activos y
relevantes para los vínculos entre arte y tecnología es Laszlo Moholy Nagy, cuya
experimentación intensiva sobre nuevos materiales y procesos ha sido clave para la
fotografía y el diseño visual contemporáneos. Entre algunas de sus investigaciones
críticas a los procesos creativos centrados en el “individuo” y su gesto manual (que tan
perjudiciales resultaban a la incorporación de la tecnología y para la valoración artística
del diseño) Moholy Nagy realiza una obra “por teléfono”, encargando a los operarios de
una fábrica de cerámica un diseño cuyas instrucciones trasmite por teléfono. En una clara
provocación, Moholy Nagy interpela a artistas y receptores de su época acerca de que
diferencia una operación artística de otras que no lo son, en donde radica la autoría, y
porque los procedimientos industriales no podrían dar resultados estéticamente
aceptables. A su vez, reivindica el rol de la máquina y de la habilidad de los operarios
especializados a quienes confía su trabajo.
Las obras realizadas mediante esta experiencia tienen una fuerte referencia a las
vanguardias abstractas como el suprematismo o el movimiento De Stijl.

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Unidad No. 3:
La recepción: de espectadores a interactores

Obras interactivas: Problemática desde el proceso de recepción

Otra característica usualmente asignada a las obras interactivas -desde la euforia

tecnológica de los primeros tiempos- es aquella que afirma que la recepción de un
interactivo transforma al espectador “pasivo” en un “receptor activo”, “usuario” o
“interactor”.
La interpretación de una obra siempre es un proceso activo. Sin acción, no hay
comprensión posible. El receptor pasivo no es tal, la sola percepción es un proceso activo
que implica la colaboración
del receptor.

Una pieza de música

clásica necesita para ser
disfrutada de la
cooperación activa de su
receptor en la misma
medida que una obra para
hacer música
interactivamente como la
React Table, Fmol o el Jam
Studio en línea.
Pantalla de JamStudio, un compositor musical en línea.

La única diferencia es que la primera necesita de una cooperación estrictamente

intelectual o sensible, y la segunda requiere además, de una cooperación física con los
elementos de la obra para que
ésta se manifieste frente al
interactor.

Un comportamiento característico
de los receptores de obras
interactivas es su tendencia a la
acción física, al hacer en
detrimento del reflexionar o
simplemente interpretar lo
percibido. Algunos autores hablan
del interactor como el “clicking
monkey”, para referirse a la
imposibilidad de estar quietos sin
hacer algo, clickear el mouse,
teclear, etc. frente a la pantalla de

Imagen de la React Table mientras las personas interactúan, generando y modificando sonidos en tiempo
real, a partir de los objetos dispuestos sobre la mesa.

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una computadora, necesidad que no experimentamos frente a la televisión, el cine o un

equipo de audio cuando escuchamos música.

La interactividad o la interacción, etimológicamente se refiere a la acción que ejercen dos

agentes entre sí. Interactividad es sinónimo de diálogo, de retroalimentación y de
cooperación.

El modelo de la interactividad es el del diálogo en cuanto que dos agentes realizan una
acción conjunta que se va construyendo en base a las acción sucesiva de uno de ellos
que responde a la intervención del otro agente y es modificado a su vez por ésta. La
comunicación se produce en un diálogo, en la medida que yo comprenda y reaccione a lo
que mi interlocutor me dice. Esos dos agentes pueden ser sujetos y/o objetos, y pueden
ser múltiples.

Interactividad e interface

Hablamos de interactividad en la relación que establecemos con una computadora a

través de una interfase común, una “superficie de contacto” que permite que agentes tan
disímiles interactúen. La interfase de un programa de computadora o de una obra
interactiva puede compararse con el lenguaje común que comparten dos personas que
dialogan, y también, como cualquier artefacto o idea que permita que dos agentes entren
en relación: un enchufe es una interfase que permite conectar un aparato a la red
eléctrica, no es imprescindible, pero es sumamente útil.

Naturalmente, el diálogo entre dos agentes inteligentes será muchísimo mas flexible y
potencialmente rico que el que puede establecerse entre un ser humano y una máquina
que está respondiendo en función a un programa que analiza entradas del “interactor”.

Tipos de interacción

Los diseños interactivos, considerando su flexibilidad de respuesta frente a las entradas

del usuario, se pueden clasificar en reactivos o interactivos.

Los diseños reactivos son aquellos que tienen una serie de respuestas programadas
frente a ciertas entradas del interactor, y siempre que esas condiciones se produzcan
darán el mismo resultado. El programa no se modifica independientemente de lo que el
usuario haga con él, si bien en algunos casos la cantidad de opciones den la impresión de
ser infinitas.
Los diseños verdaderamente interactivos son aquellos donde la intervención del usuario
introduce nuevos datos que el programa procesa y que lo modifican, ya sea aumentando
una base de datos en tiempo real, o modificando alguna variable en las operaciones que
se realizan en el programa, p.e. un weblog, un foro o un grupo de correo, el proyecto
sodaplay, las historias sin fin, los wiki, los entornos AI (Inteligencia artifical) o simulación
de comportamiento (los juegos como Second Life, los Sims, o Creatures) y otros.

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Calidad de la interacción

Esta característica12 se
refiere a las destrezas
requeridas para navegar el
interactivo y también a la
forma en que la interacción
del usuario modifican la
aplicación.

Implementación del software chat-Eliza, un bot que responde preguntas al estilo de un sicoanalista. Fue
desarrollado por Joseph Weizenbaum.

Mínima: Opciones reducidas y simples: navegación, secuencia lineal.

Ej: E-motion, de Igor Stromajer, Truisms de Jenny Holzer

Exploratoria: Búsqueda de opciones que no están a la vista. Aunque la acción es

simple (click), la destreza es de encontrar el control explorando.
Ej: Form competition, Superbad, jodi
Ejemplo: My boyfriend came back from war. Olia Lialina.

Condicionales: opciones que se activan/desactivan de acuerdo a acciones

previas: recoger elementos en los juegos de rol o las aventuras gráficas, p.e.,
visitar zonas como requisito para que otras se habiliten, etc.
Ej: La piedra de Anamara, Xplora de Peter Gabriel, el juego Myst.

Contributoria: el usuario añade cosas al programa, modificándolo. P.e: Schredder,

Knowbots, sodaplay, Googlepoem.
Ejemplo: C-bots. Mark Napier. Una interfase para crear bots. El usuario elige entre componentes y
pueden almacenarse y ser votados en un ranking de popularidad.
http://www.potatoland.org/cbots/index.html

12 Citado en Berenguer, Xavier. Escribir programas interactivos. Publicado en Formats 2. 1997.

http://www.iua.upf.es/formats/formats1/a01et.htm

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Apéndice:

Interactividad fuera y dentro del soporte digital

Antecedentes del hipertexto

Experiencias no digitales en la literatura, entre otras

● Mallarmé / un coup de des / Livre (inconcluso, el libro de los libros porque

contendría todos los libros en potencia)
● Cent mille millard de poemes / Raymond Queneau 10 a la 14 / 10 sonetos, 14
líneas. Líneas intercambiables dan como resultado cien mil millones de poemas
posibles
● Historias sin fin: un usuario empieza una historia y otro la continúa desde donde
éste la dejó, siguiendo el hilo de la trama.
● Rayuela y Ultimo Round / Julio Cortázar: experimentos sobre lectura no secuencial
en base a indicaciones (Rayuela) o diagramación (Ultimo round)
● El jardín de los senderos que se bifurcan / Borges. Una historia lineal que sugiere
el paralelismo de los sucesos.

Experiencias hipertextuales en el cine

● Corre Lola corre

● Los amantes del círculo polar (2 finales)
● Efecto mariposa
● Smoking/No smoking

entre otros

El hipertexto en la teoría crítica literaria y en la informática

Siguiendo las ideas de George Landow, descubrimos que el hipertexto tiene dos aspectos
que se fueron desarrollando paralelamente: la reflexión teórica sobre la intertextualidad, y
la tecnología informática para crear, asociar y recuperar información y que confluyeron en
un fenómeno que reúne a la teoría crítica y a la informática.
Los aspectos culturales que posibilita y cuestiona esta nueva tecnología fueron
anticipados y proyectados por algunos teóricos como por ejemplo:

Roland Barthes, semiólogo, en su libro S/Z explica acerca de una nueva idea de texto:

"En este texto ideal, abundan las redes (reseaux) que actúan entre sí sin que
ninguna pueda imponerse a las demás; este texto es una galaxia de significantes y
no una estructura de significados; no tiene principio, pero sí diversas vías de
acceso, sin que ninguna de ellas pueda calificarse de principal; los códigos que
moviliza se extienden hasta donde alcance la vista, son indeterminables ...; los
sistemas de significados pueden imponerse a este texto absolutamente plural, pero

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su número nunca está limitado, ya que está basado en la infinidad del lenguaje."

En la misma línea, otros autores como Foucault, Eco, Derrida, proponen ideas sobre una
textualidad concebida como una red, una compleja trama de los textos y sus conexiones
internas y externas.

Vannevar Bush y el Memex

El autor que intentará un aporte práctico a esta idea de textualidad, por lo que se lo
considera uno de los padres del hipertexto, es Vannevar Bush, quien, en 1945 publica As
we may think. En ese artículo explica sus concepciones acerca del funcionamiento
asociativo del pensamiento y como potenciarlo a través de una máquina diseñada para
facilitar ese comportamiento humano.

Bush reflexiona a partir de detectar que la cantidad de información producida por el

hombre excede las capacidades de éste para encontrarla, al menos con los modos de
catalogación que le eran contemporáneos; una problemática clave del presente en las
redes de información en línea.
Esa máquina que él imagina, Memex (memory expander) nunca fue realizada, fue
pensada antes de la tecnología digital, y se proponía como un dispositivo que permitiera
al usuario crear sus propios caminos asociativos en la búsqueda de información, así como
modificar los textos originales agregando sus aportes personales.

Ted Nelson

En 1965, Ted Nelson, propone la palabra Hipertexto para designar el tipo de texto que se
genera en la creación de una estructura de documentos relacionados por enlaces en
soporte digital.

Xanadú

El proyecto de Nelson, llamado Xanadú, está pensado como un concentrador de

información relacionada mediante enlaces digitales, con lo que se accede a un sistema
abierto y potencialmente ilimitado de información de toda naturaleza. El proyecto así
concebido sería como un gran hipertexto donde los documentos están conectados por
vínculos digitales. Para referirse a ese nuevo tipo de texto surgido de esta aplicación de la
tecnología, Nelson inventa el término Hipertexto.

Engelbart y el NLS

En 1963, Douglas Engelbart, empieza a desarrollar su Proyecto para el Aumento del

intelecto humano, conocido como el Augment Project, que es una forma de materializar
las ideas de Bush, que Engelbart desarrolla en los años 50.

Como parte de este proyecto, Engelbart desarrolla NLS (On line system) que era un
conjunto de programas destinados a facilitar el acceso y la manipulación de las

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publicaciones del centro de investigación al que pertenecía, en la misma línea que Bush
había propuesto el funcionamiento del Memex, como una forma de organizar la
información según criterios de la asociación de la mente humana.

El desarrollo adecuado de este entorno de trabajo implicó algunos dispositivos que lo

trascendieron en importancia: una interfase gráfica que hiciera mas accesible la aplicación
a no-programadores, el mouse, como complemento para moverse y señalar en esa
interfase y el sistema de ventanas, usado hasta la actualidad en varios sistemas
operativos.

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Bibliografía obligatoria

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Freund, Giselle. La fotografía como documento social. Capitulo 1: las formas artísticas y la
sociedad. 1976. Ed. Gustavo Gili. España.

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http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/2.5/ar/
 Curso I Arte y Tecnología
Autor I Lila Pagola

Maestría en Procesos educativos mediados por tecnología – CEA – UNC

Curso Arte mediado por tecnología

Maldonado, Tomás. Crítica a la razón informática. (1997) Barcelona. Paidos. 1998.

Popper, Frank (1980). Arte, acción y participación: el artista y la creatividad de hoy.
Madrid. Ed. Akal, 1989.
-Art of the Electronic Age. London, Thames and Hudson Ltd., 1993.

Líneas de tiempo de arte medial

Media art internacional. http://www.mecad.org/digiarts/unesco.htm (español)

http://www.artmuseum.net/w2vr/index.html
Net art history. California Institute for the arts, 2000. http://www.calarts.edu/
%7Eline/history.html (inglés)
Media art research. http://netzspannung.org/media-art/hilfe_timeline/hilfe_en.htm (inglés)
IdeaLine http://artport.whitney.org/commissions/idealine.shtml (inglés)

Lila Pagola
Apunte del seminario Arte mediado por tecnologías de la Maestría en Procesos
educativos mediados por tecnología – CEA – UNC
2008

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