EL ARTE GRIEGO - LA ESCULTURA

Características Generales

La escultura, además de una posible función práctica (religiosa), responde al deseo de

contemplación estética, atrae por sí misma, cobra autonomía respecto de la arquitectura.El
principal problema que plantea es la falta de piezas originales (mármoles y bronces). La plástica
griega es conocida por copias en mármol del período romano, imitaciones que, en muchos casos,
desvirtuaron la calidad y el sentido de los originales.

Materiales: Además del mármol y el bronce, destaca por el aprecio que se le tenía la técnica
crisoelefantina (oro y marfil).

Policromadas y con postizos en los bronces (láminas de plata en los labios, incrustaciones de
pasta vítrea en los ojos, rodetes de cuero para los pezones...)Es normal que las obras estén
firmadas, si bien en ciertos períodos domina el trabajo en escuela.Absoluta primacía en la
representación del cuerpo humano, en evolución constante. Belleza concebida como medida,
proporción entre las partes, anatomía armoniosa, idealización del cuerpo humano.

En líneas muy generales aplicaron tres conceptos a las estatuas:

 "proporción armónica" basada en la cabeza como módulo (7 cabezas en el S. V a.C. y 8

cabezas en el IV a.C.).
 "principio de la diartrosis" que concibe el desnudo como un esqueleto perfecto, regido
por la movilidad de las articulaciones y la relación de cada parte con el todo, lo que les
hace acentuar la división entre el tronco y las extremidades, y dentro del torso, marcar
nítidamente los pectorales, la cintura y el pliegue inguinal.
 "postura de contraposto", que rompe con la ley de la frontalidad. Una pierna actúa de
sostén y la otra se flexiona, desnivelándose la línea recta de las caderas.

La "expresión" entendida como la exteriorización de los sentimientos, es otra preocupación de

los escultores helénicos, especialmente a partir del S. IV.La representación del movimiento y la
preocupación por el volumen constituyen también objetivos básicos.

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Podemos hablar, en general, de una escultura en constante evolución que nos lleva desde lo casi
abstracto-geométrico del período arcaico hasta la extrema y dramática realidad de algunas
escuelas helenísticas, pasando por el naturalismo idealizado del período clásico.

Escultura Arcaica

KOUROS:

Es, ante todo, el tipo escultórico que crearon los griegos para representar el ideal de belleza
masculina. El esquema lo habían desarrollado ya los egipcios desde mucho tiempo atrás,
dotándolos de rasgos característicos fáciles de reconocer: frontalidad e hieratismo, pies
soladimente asentados en el suelo, pierna izquierda adelantada, brazos caídos a lo largo del
cuerpo,manos cerradas pegadas a los muslos,cabeza cúbica adornada por una melena larga y
maciza, ojos almendrados, sonrisa arcaica,volúmenes geométricos. No obstante lo anterior,
existen algunas diferencias estructurales básicas con respecto al modelo egipcio: ausencia de un
apoyo por la parte posterior (la griega es una escultura exenta que se sostiene a sí misma)
desnudez total. Los ejemplares más antiguos proceden de las islas de Delos, Naxos y Samos.

Kouros de Sounion (Ática): Son más descriptivos y demuestran el interés de los escultores por el
modelado.

Durante el segundo cuarto del S. VI dos obras, sin ser kouroi en sentido estricto, acreditan la
evolución emprendida:

El Moscóforo: joven que lleva un ternero sobre los hombros. Apariencia blanda y redondeada de
la superficie del mármol, a diferencia de las aristas y formas cúbicas preponderantes en la etapa
anterior.

El Caballero Rampincon el que se alcanza la cima de la primera etapa del arcaísmo. Es la estatua
ecuestre más antigua de Grecia. En atención a la calidad y al carácter oficial de la representación
se ha querido identificar con un personaje de la aristocracia ateniense.

Kouros de Tenea:Planteamiento más orgánico y modelado más minucioso, o sea, más pendiente
de la plasticidad de los detalles. Contornos movidos, dinamismo fluido por todo el cuerpo…,
incluso el peinado refleja el esfuerzo por ganar en movilidad.

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Kuros de AnavysosPredominan en él las formas blandas, más naturales, todo ello fruto de una
evolución estilística, en la que, además, deben ser valorados detalles como el ojo menos saltón,
con la mirada fija en un punto, y la oreja modelada conforme a un criterio más realista.

La cabeza Rayet: A finales de esta etapa se producen cambios importantes, como el del peinado.
Se impone la moda del pelo corto como una especie de casquete adherido al cráneo, cuya
redondez acentúa y se consigue una tensión unitaria que salta del mentón a los pómulos, de éstos
a los ojos y acaba en el contorno de la bóveda del cráneo.

Kouros de Aristodikos (h. 500 a.C.): Postura más resuelta, relajada y natural, a consecuencia de
tener los hombros ligeramente cargados, el pecho henchido y el estómago plano. Contorno de
brazos y costados ya no van paralelos, lo que genera una relación más compleja y rica entre sus
miembros, sin olvidar que el modelado logra crear efectos de auténtica relación entre la
estructura ósea y la carne.

LA TRANSICION AL SIGLO V

Representada por “El Efebo de Kritios” y la aparición del CONTRAPOSTO: esquema definido
por la contraposición de los miembros a partir del juego de piernas, que marca y acusa la
diferencia funcional entre pierna de sostén, sobre la que recae el peso del cuerpo y, por tanto, se
mantiene tensa, y pierna exonerada, que se flexiona. Repercusión en todo el cuerpo:
desequilibrio en cadera, hombros, cabeza y cuello. Además, el contraposto dota a la escultura de
contenido, le da apariencia de cuerpo vivo, con el pecho henchido, la espalda ligeramente
arqueada, la musculatura activa.

De la misma época que el efebo de Kritios es: "La cabeza de efebo rubio“, de cuya inclinación y
giro se deduce que la obra respondía al mismo criterio de frontalidad y contraposto.

KORE:

Respecto del ideal femenino, el desnudo es tardío, y se identifica más bien con el atuendo digno.
Se diferencian también en la ausencia de inactividad. Las imágenes suelen sostener en una mano
una flor, un fruto, un animalillo,..., o bien recogerse los pliegues del vestido, o, sencillamente,
cruzar los brazos por delante del cuerpo.

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Por lo demás responden al mismo modelo que hemos caracterizado anteriormente. ¿Son
sacerdotisas?Formas compactas, estructuras cúbicas y pesadez en los volúmenes son las
características dominantes en las obras más antiguas, al estilo de La dama de Auxerre, obra con
fuerte carga abstracta y geométrica.

En la primera mitad del S. VI se dan algunos cambios, el más llamativo de los cuales es la
pérdida de relación entre el cuerpo y el vestido, a consecuencia de la frecuente superposición de
paños. Ejemplo claro es La diosa de Berlín (aprox.580-570 a.C.)

En ocasiones, más que el cuerpo, resalta la identidad y protagonismo del vestido, a causa del
esmerado trabajo de los pliegues, que dan a estas figuras apariencia de fustes de columnas. "Hera
de Samos" (h.570 a.C.).

"La Niké de Delos" (aprox. 550-530 a.C.) prodigio de ingenuidad y buena muestra del
convencionalismo esquemático imperante todavía a mediados del S. VI para representar a la
figura en movimiento veloz o carrera.

El atuendo jónico se impone en el último cuarto del S. VI y permite a los escultores crear un
juego de paños con motivos ricos y variados, a través de los cuales se adivinan las formas
anatómicas.Las korai de este período tienen un atractivo especial, no sólo por las excelencias del
modelado, sino por la variedad de expresiones y por el enorme refinamiento que acreditan
peinados y adornos, especialmente pendientes.

Kore de Euthydikos, fechada en 490 a.C. y relacionada con el mismo escultor de la cabeza del
efebo rubio antes comentada.

LA ESCULTURA CLÁSICA: GRANDES MAESTROS DEL S. V: FIDIAS Y POLICLETO

FIDIAS (490-430 a.C)

Datos Biográficos:

 Ateniense

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  Desplegó una intensa actividad, gozó de gran notoriedad y de la amistad de Pericles, y
creó una escuela floreciente de escultores.
 Se le atribuyen 15 obras (ningún original nos ha llegado), de las cuales la Atenea
Partenos y el Zeus de Olimpia son las que le reportaron mayor fama.
 Su figura ha sido idealizada desde la Antigüedad, tomándosele como ejemplo de artista
perfecto.
 Fruto de esa idealización es la idea, aún hoy vigente, de que Fidias es el responsable de la
decoración escultórica del Partenon.
 La realidad es que:Es imposible para un solo hombre, ni siquiera para un taller, esculpir
las distintas series escultóricas del Partenón -metopas, frisos y frontones- en el tiempo
que duraron los trabajos.
 Que durante ese tiempo Fidias está dedicado a la Atenea Partenos y, posteriormente, al
Zeus de Olimpia.
 Que su influencia, no obstante, es evidente y constatada por las fuentes literarias y
arqueológicas.
 Pudo ser una especie de “Director General” de las obras, coordinador,…

Características:

 Para muchos máxima figura de la escultura griega.

 Proclamado “Escultor de Dioses” o IMAGINERO además de la belleza, consigue
provocar la devoción del fiel.
 Transmitió al panteón olímpico el "nous“ o "espíritu“, ofreciendo sus creaciones divinas
las características de la imagen devota: hermosura de rostro, honesto ademán y gallarda
postura
 Roma y la Iglesia Católica mostraron idéntica admiración, acudiendo a Fidias cuando
cristianizó los modelos paganos y convirtió a Zeus en el Padre Eterno, a Apolo en Cristo,
a Palas Atenea en la Virgen María, etc…
 Uso magistral de los pliegues de las vestiduras (técnica de los “paños mojados”).
 Artista en permanente evolución y con una sensibilidad y tacto especiales para expresar
los aspectos más sublimes y profundos con tanta belleza como naturalidad.

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Atenea Lemmia: Consagrada en la Acrópolis de Atenas h.450 a.C. Presenta a Atenea en actitud
pacífica, vestida con peplo abierto por un costado y ceñido con la égida terciada sobre el pecho y
la cabeza descubierta e inclinada, fija la mirada en el casco que sostiene la mano derecha,
generando un dinámico ritmo.Conocida en la antigüedad como la "belleza eximia“, el mayor
atractivo de la obra reside en la cabeza convertida en prototipo en el ideal de la belleza femenina
clásica. Su estructura se resalta admirablemente por medio de la taenia que la ciñe. La forma
esférica de la cabeza y la belleza severa del rostro adquieren toda su fuerza en el perfil, a la que
contribuye tanto el modelado de las facciones como el tratamiento del peinado a base de
mechones pequeños, independientes y finamente articulados.

Atenea Parthenos, obra con la cual Fidias alcanza su plenitud. Técnica crisoelefantina (oro y
marfil); Tamaño colosal (11 o 12 m. de altura). Lleva el peplo abierto por un costado con caída
de pliegues en zigzag y ceñido. Sobre el pecho lleva la égida, se toca con casco ático, apoya la
mano izquierda en el escudo que la flanquea y sostiene en la derecha una Niké (la Victoria).
Sensación de energía que causa, como si estuviera dispuesta a moverse y actuar.La réplica más
valiosa es la "Atenea de Varvakeion", copia romana del S. II d.C de aprox. 1 metro.

"Zeus de Olimpia", destinada a ocupar la cella del templo. Formato colosal y técnica
crisoelefantina. “Zeus entronizado con el torso desnudo y el manto en torno a las piernas; la
cabeza coronada de olivo y la mirada, dirigida hacia abajo, le confería aspecto paternal; y en la
mano derecha sostenía una Niké y en la izquierda el cetro rematado por un águila..." "Fidias
había logrado añadir algo nuevo a la religión tradicional ... cada cual había tenido una idea de
Zeus hasta que Fidias fijó la idea de lo que el dios era".

"Anacreonte", representa, en cambio, al hombre maduro que disfruta con la vida y se atrae a la
juventud con el encanto de su canción y de su lira.

DECORACIÓN DEL PARTENON

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Como ya comentamos, los relieves del Partenon no pueden ser atribuidos sin más a Fidias. La
imposibilidad material de llevarlos a cabo, las diferencias evidentes que presentan entre sí y otros
datos demuestran que fue obra colectiva.

Es posible que Fidias coordinara los trabajos, distribuyera instrucciones, elaborara modelos, pero
la ejecución y la interpretación de los diversos temas debió ser libre. Ahora bien, en esa aparente
anarquía fraguó un estilo depurado y único, el estilo Partenón. El programa iconográfico tiene
como finalidad la de proclamar la gloria de Atenea y de Atenas. Representan el comienzo de los
trabajos escultóricos y, en consecuencia, son la serie menos cohesionada. Ni siquiera dentro de
las de un mismo lado hay una estricta unicidad. Ahora bien, conforme se desarrolla y avanza la
labra de las metopas, los escultores evolucionan hacia un estilo cada vez más afín, que culmina
en el friso jónico.

Influidos por el estilo Partenón, los escultores del último tercio del S. V, desarrollan un estilo
preciosista y pulcro conocido con el nombre de "estilo bello“, caracterizado por la delicadeza de
los rasgos y el virtuosismo en el tratamiento de los paños. Sirva como ejemplo este relieve de la
balaustrada del templo de Atenea Niké de la Acrópolis de Atenas.

POLICLETO:

Broncista de la Escuela de Argos (Peloponeso). Sus obras y sus escritos alcanzaron gran
difusión, creando el concepto de “Kanon” (norma) aplicado a la representación de la figura
masculina desnuda. Destaca por la aplicación del principio básico de la "simetría", o sea, la
relación de las partes entre sí y de cada una de ellas con el conjunto de la obra, en la que radica la
fuerza rítmica de las figuras. Y por la elasticidad y la perfecta expresión de la potencialidad del
movimiento en sus esculturas.

El “Doríforo” es su obra principal, y la que da forma a la máxima aspiración de los escultores

griegos, que era la perfecta proporción dentro de un ideal naturalista. Policleto es el último
escultor interesado por el viejo problema del kouros, y el que consigue dar una nueva expresión
al contraposto, destacando como innovaciones.

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Especialmente Rithmós: Belleza de las posturas aplicado a la estatuaria. Movimiento en la
quietud, por el cual se desequilibra la composición, pero no se destruye la armonía del conjunto.
Un ritmo oscilante, en forma de "S“, como si una corriente dinámica fluyera por todo su cuerpo,
resultado del equilibrio entre los efectos de carga y descarga del peso del cuerpo.

Eurithmia: Sintaxis de la forma, concatenación clara, armónica, ordenada de las formas. El

Doríforo tiene rithmós, ya que es la base para la creación del contraposto. La eurithmia muestra
ese contraposto.Contraposto: Conjunto de asimetrías que dotan de animación a la imagen. Se
carga el peso sobre una pierna algo más adelantada y la otra se mantiene flexionada más atrás.
Un brazo está estático y otro en movimiento. Se sube una cadera y se baja otra. Se sube el
hombro contrario. El resultado de este esquema ofrece un contraste muy armónico entre el flanco
derecho cerrado, que acentúa el giro de la cabeza, y el izquierdo, abierto y con concesiones a la
profundidad.

Proporción armónica: del "Doríforo" se basa en la aplicación de módulos aritméticos, como la

altura total determinada por 7 cabezas, y otros geométricos que nos son desconocidos.El factor
numérico juega, por tanto, un papel decisivo en la expresión rítmica de la simetría, aunque ésta
también responde a un conocimiento riguroso del cuerpo humano obtenido a base de una
detallada observación, hecho que explica la importancia de otro principio rector, la "diarthrosis"
o articulación, el engranaje de piezas y miembros en el conjunto del cuerpo.

Hablando sobre el Doríforo de Policleto:

 “Aunque no se ha llegado a ninguna conclusión sobre las proporciones del canon, parece
ser que el diámetro de la falange de un dedo, es el módulo para construir el dedo, que es
módulo para la mano, y ésta para el antebrazo y luego el brazo, etc…
 La cabeza es la séptima parte del cuerpo;
 el rostro está dividido en tres partes iguales: la frente, la nariz y la distancia de ésta al
mentón;
 el pie es tres veces la palma de la mano; del pie a la rodilla, seis palmos, de la rodilla al
centro del abdomen, seis palmos;
 las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de circunferencia cuyos
centros coinciden en el ombligo.

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  La cabeza del Doríforo es perfectamente esférica (figura perfecta en la parte más noble
del hombre), de tal guisa que el cabello se adapta a ella perfectamente gracias a su
particular peinado.

En otra obra maestra, "El Diadumeno”, se mantiene el ritmo alternante.Comparado con el

Doríforo, el Diadumeno se concentra más en la acción, definida mediante el recurso de ceñirse la
cabeza con una taenia.Por otra parte, el Diadumeno acredita un cambio de mentalidad en el
maestro, más suavizada y, si se prefiere, más dulce y espiritual, cambio que se atribuye al influjo
ático y fidíaco”

"La Amazona", ganadora del célebre consurso en competencia con Fidias, Crésilas y Phradmón,
está en perfecta consonancia con su típico ideal viril. La redondez de la cabeza, el tratamiento del
pelo y las proporciones del rostro siguen al Doríforo y al Diadumeno. La única variante es la
cabeza, que gira en la dirección de la pierna exonerada..

Guerrero de Riace“, original de bronce fechado entre 460 y 430 a.C., que nos da una idea muy
cercana de la verdadera apariencia de las obras de Policleto.

NUEVA INTERPRETACIÓN del DORÍFORO:

Mano izquierda: índice y meñique sobresalen respecto del mayor y anular, como sosteniendo un
asa curva, como la de un escudo, y no un asta cilíndrica como la de una lanza.Brazo derecho:
lejos de caer relajado, tiene los bíceps contraídos y los tendones de la mano en tensión; asimismo
los dedos de esta mano parecen rodear un objeto cuadrangular que bien podría ser la empuñadura
de una espada. Así, el "Doríforo" no sería el "portador de lanza", sino un joven que sostiene con
la izquierda un escudo junto a su cuerpo, portando una espada en la derecha. Estos atributos
designarían al héroe ateniense Teseo, al que se vinculaba con la formación civil y militar de los
jóvenes griegos.

LA ESCULTURA CLASICA: GRANDES MAESTROS DEL S. IV: PRAXITELES ,

ESCOPAS y LISIPO

Tres nuevas "tendencias" iluminan la plástica griega del siglo IV a.C.:

 la "charis" praxiteliana, caracterizada por expresar las emociones líricas;

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  el "pathos" de Escopas, que tiende a explotar el estado dramático;
 y la fusión que hace de ambas tendencias Lisipo, el último de los clásicos, acuñando un
nuevo canon de belleza ideal del cuerpo humano.

Lo más creativo del arte griego a partir de este momento se basa en:

 Apariencia antes que esencia. En este sentido, los pintores serán los que más
profundamente se comprometan, inventando (o descubriendo) dos útiles esenciales:
a) el sombreado b) la perspectiva
 Representación del "pathos", la expresión de los sentimientos momentáneos, un campo
prácticamente ignorado por el arte griego. Empezará pues a ponerse de relieve el mundo
del sentimiento personal y a valorarse las pasiones del alma.

Cuando, hacia 375 a.C. cambia la situación y Atenas vuelve a recuperar el liderazgo, los talleres
van saliendo de su letargo, la nueva mentalidad y los nuevos mecenas (una burguesía
comerciante desarrollada al amparo de la evolución económica) harán que, junto al arte pagado
con dinero público y a los exvotos puestos en los santuarios, se desarrolle el arte privado, el
adorno de jardines, la colección particular, y la sociedad ateniense se interesa por lo íntimo, por
la nueva sensibilidad de lo inmediato y de los sentimientos individuales.

PRAXÍTELES (Atenas.400-330a.C.)

Aprendiz de Cefisódoto el viejo, se formó viajando con él por Grecia, contrastando

conocimientos con otros maestros y escuelas, efectuando obras en común, intentando unificar
estilos, aprendiendo todas las novedades y, a la vez, dedicándose a estudiar las grandes obras del
pasado (especialmente a Policleto).

Características Generales:

 Temas agradables, llenos de encanto y tratados con suavidad.

 Representa en sus obras la gracia, las formas blandas y delicadamente bellas.

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  Dioses en actitudes muy humanas y cotidianas.
 Rompiendo con la tradición, desnuda a las diosas.
 Reflejados a través de un rítmico contoneo sinuoso, que se ha dado en llamar "curva
praxiteliana";
 Juega con los volúmenes esculpidos para que generen contrastes de luz y sombra.

Sátiro escanciador:Obra de juventud, es toda una declaración de principios de Praxíteles. Su

punto de arranque se halla en el "Diadumeno" de Policleto, pero la sensación es absolutamente
nueva: allí donde Policleto afirmaba las masas musculares y su estabilidad, Praxíteles sugiere la
preeminencia de los perfiles y la ligereza de las formas.

Afrodita de Cnido: una de sus obras más famosas. Pese a su condición de imagen de culto, se
pensó enseguida en su contemplación estética: situada en el centro de un templete redondo, los
visitantes le daban la vuelta por completo, aunque es una obra concebida, como todas las de
Praxíteles, según un punto de visión principal. La primera Afrodita absolutamente desnuda y, a
la vez, el primer ideal de un cuerpo femenino basado precisamente en una anatomía femenina, y
no, como en época de Pericles, en una estructura corpórea de varón.

Apolo Sauróctono: de una novedad plástica impresionante. El suave torso se desequilibra hasta
tal punto que no puede sostenerse por sí solo; la ondulación del cuerpo, estructurada sabiamente
por Policleto, se deshace en una bella curva continua, la "curva praxiteliana", que un árbol debe
soportar.El propio árbol añade, con su lagarto, una dimensión nueva a la estatua: Apolo aparece
idealmente inmerso en un paisaje idílico. Jamás hasta entonces la absoluta felicidad divina había
sido plasmada de forma tan directa y espontánea.

Hermes con Dionisos o Hermes de Olimpia: posible único original que nos haya quedado del
escultor, aunque ciertos detalles (musculatura, cabello, abombamiento de la frente, realismo del
manto...) ponen en duda esta atribución.

ESCOPAS (Isla de Paros. Aprox. 400 – 330 a.C.)

Sigue, como Praxíteles la senda de Policleto, pero se distancia de la simpatía de éste y ahonda en
los estímulos patéticos, dando origen a unos individuos atormentados e inflamados de pasión.A

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raíz de sus trabajos en la tumba de Mausolo (Halicarnaso), hacia el 350 a.C., se convirtió en una
de las grandes figuras del arte griego.Típica cabeza del maestro: redonda, con la cara recogida
bajo una pesada frente, con los ojos profundos, las bocas anhelantes, capaces de expresar
cansancio, drama o tensión, "pathos" en una palabra.

“Frontones del Templo de Atenea en Tegea". Obra cumbre en la que Escopas da rienda suelta a
su gusto por los rostros apasionados, a su sentido dramático de la mitología.Apenas quedan unos
fragmentos, pero, por lo menos, las cabezas conservadas son de un patetismo brutal, realzado
incluso por una talla sin pulir. Desde luego, este acabado imperfecto se justificaba por la lejanía
del espectador, pero también tenía algo de rasgo estilístico, de entusiasmo por lo inmediato.

El pathos alcanzado por Escopas, solución magistral al problema de la expresión psíquica,

recibía adhesión general, de ahí que nuestro autor siguiese explotando sus logros y analizando
variantes:

-"Ménade furiosa", retratada en plena orgía, con un cabrito muerto sobre los hombros, retorcida
bajo el efecto de la locura báquica.

LISIPO

 Broncista del Peloponeso.

 Considerado por muchos como la cumbre hacia la que se había ido encaminando la
estatuaria griega en su progreso.
 Igual que los anteriores, su punto de partida es Policleto.
 Se mantuvo en la senda tradicional de representación de jóvenes desnudos.
 Escultor muy prolífico al que se atribuyen más de 1500 esculturas.
 Trabajó para Alejandro Magno

Reformula su canon de belleza, alargándolo y estilizándolo: la altura total del cuerpo es ocho
veces la medida de la cabeza.

Augias: Se nos presenta como una obra de Policleto transformada. Advertimos en ella cómo: El
atleta se apoya en su pierna derecha, pero su brazo activo es también el derecho, doblado y
sosteniendo una palma, y no el izquierdo, como exigiría el canon de Policleto. Además, las

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proporciones del cuerpo se han alargado. Consecuencia: el cuerpo entero vibra y parece
aligerarse, incluso con sus dos talones pegados al suelo.La cabeza cobra movimiento, al
inclinarse hacia la izquierda sobre un cuello torcido hacia la derecha. Todo esto se acentúa, como
en Scopas, dándole importancia a la cara a través de un rostro más expresivo y unos ojos
profundos.

Eros de Tespias: Análisis de la anatomía infantil directamente basado en la realidad. Postura

compleja, que se enfrenta de lleno con un principio clásico indiscutible: el del culto a la
musculatura del torso.

Apoxiomeno: Obra básica para explicar la conquista de la tercera dimensión, para iniciar la
realización de esculturas que no tengan un punto de vista esencial, sino que inviten a darles la
vuelta. La idea de lanzar hacia adelante los brazos del atleta vencedor que se limpia el sudor y
polvo de la ejercicio con el estrígil, brazos que sólo pueden verse si se gira en torno a la estatua,
constituye una absoluta novedad, y abre unas posibilidades enormes para el futuro.

Heracles en reposo, conocido sobre todo por la copia -de músculos exagerados- llamada
"HerculesFarnesio“, también avanza un pie y esconde su mano tras la espalda para invitarnos a
rodearla. Tras Lisipo, el arte quedaría liberado de casi todas sus trabas clásicas, y abierto a
múltiples posibilidades antes inconcebibles.

El PERIODO HELENÍSTICO

Período comprendido entre la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) y la desaparición del
último reino helenístico –Egipto-, convertido en provincia romana (30 a.C.). Se conjugan
elementos griegos y orientales, convirtiéndose el arte en factor de unión. Las cortes de los reyes
y los ricos ciudadanos ofrecen un mecenazgo que produce una gran variedad de obras. Surge un
eclecticismo en el que caben todas las tendencias. Los principales órganos del helenismo van a
ser las ciudades, que fundan los nuevos soberanos como plataforma de sus florecientes cortes. Su
urbanismo suele ser reticular, con calles trazadas en ángulo recto, divididas en manzanas
regulares, como un tablero de ajedrez.En medio se alza el "ágora": una espaciosa plaza con
pórticos o "stoas".Los gobernantes sembraron las poblaciones con majestuosos edificios de
carácter privado, público y religioso: palacios, mausoleos, mercados, bibliotecas, teatros,

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gimnasios y santuarios. Las ciudades costeras remodelan la zona portuaria, erigiendo
monumentos que se convirtieron en "maravillas del mundo", como el "Coloso de Rodas" y el
"Faro de Alejandría".Característica arquitectónica de estos programas será la presencia de varias
plantas en los edificios, con columnas gigantes y órdenes superpuestos, reservando el jónico para
el primer piso y el corintio para el segundo. Roma se aprovechará de tan fecundas innovaciones
artísticas.

Con todo, las grandes creaciones del arte helenístico pertenecen al campo de la escultura. Las
esculturas pierden el exclusivo punto de vista frontal en favor de que puedan ser vistas desde
todos los ángulos, con el propósito de que puedan erigirse en el centro de una plaza y el
observador las contemple desde cualquier perspectiva.Se estudia el problema de la
representación del cuerpo humano en torsión.Es frecuente la representación de grupos
escultóricos en los que se relacionan varios personajes.Se exploran las emociones y los
sentimientos.Los temas mitológicos conviven con otros más cotidianos y que afectan a
individuos de toda condición social. Los personajes esculpidos son de todas las edades, no sólo
jóvenes y bellos.Las esculturas alegóricas adquieren gran desarrollo.

Principales centros artísticos: Pérgamo, Rodas , Alejandría, Atenas

ESCUELA DE PÉRGAMO

Actual Bergama (Turquía), fue durante los siglos III y II a.C. una de las ciudades más prósperas
del mundo helenístico, y en ella va a surgir quizás la más importante de todas sus escuelas.

Gálata moribundo: Defensora de las polis griegas frente a los celtas (gálatas) hacia la mitad del
S.III, se convierte en una nueva Atenas, ensalzando sus victorias militares con las
representaciones de los enemigos derrotados. La importancia de la victoria era proporcional a la
fuerza y la ferocidad de los vencidos

Gálata Herido: Los escultores de la escuela de Pérgamo crearon un estilo basado en estructuras
de tipo piramidal, variados puntos de vista, estudiadas combinaciones de realismo y un
dramatismo en unas ocasiones teatral y, en otras, contenido.

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En otras obras de estilo semejante, como “Marsias y el escita”, nos encontramos de nuevo con el
análisis de una raza no griega, un asiático, y lo que es más interesante: un estudio anatómico de
un cuerpo colgado de las manos llamado a tener una gran proyección en el arte europeo.

En el S.II, Pérgamo acrecentó su poder y se convirtió en un verdadero conjunto monumental, del

que sobresale: "El Altar de Zeus", un gigantesco podio macizo -de unos 7 m. de alto- con una
amplia escalera para salvar el desnivel. En el friso que decora el podio (más de 120 m.) se relata
mediante altorrelieve la Gigantomaquia, es decir, la lucha entre dioses y gigantes, versión
mitológica del triunfo de los reyes de Pérgamo sobre la barbarie de los celtas
invasores.Característico de este relieve es la confusión de telas, formas animales y musculaturas
humanas, el grandioso ritmo de todo el conjunto, la tensión reflejada en los rostros y donde
cualquier calidad -tela, piel, escamas- recibe un tratamiento individualizado y convincente.

Además de los grupos encontramos esculturas donde el realismo se recrea, como en la magnífica
muestra de anatomía de la ancianidad que es la "Vieja borracha ".

ESCUELA DE RODAS

Activo puerto mediterráneo, gobernada por acaudalados comerciantes deseosos de hacer fuentes
y monumentos públicos, templos y también adornos para los jardines y pórticos de sus
mansiones.

Victoria de Samotracia, de estructura ondulante, ascendente; sus finísimas telas pegadas por el
viento al cuerpo, crean un efecto que supera incluso en fuerza y en realismo la técnica clásica de
"paños mojados". Efecto teatral del entorno: colocada sobre su nave, la figura aparecía en un
templete, como metida en una hornacina y destacando sobre un fondo oscuro; y delante de ella,
al pie de la proa, se abría un estanque del que surgían rocas y por el que corrían cascadas de
agua.

Fauno Barberini: Estudio muy realista del rostro. Análisis anatómico que conserva un recuerdo
de las proporciones ideales del clasicismo. Pero el desenfado completo en la actitud, con el
cuerpo yaciendo en desorden sobre la roca, descuidado de toda estructura que lo sostenga, es
algo muy novedoso.

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Laocoonte y sus hijos , uno de los mejores ejemplos del barroquismo helenístico: grupo
escultórico lleno de dramatismo, que explora en las emociones humanas y la expresividad de
rostros y cuerpos atormentados, cargado también de desequilibrio compositivo y movimiento.

ESCUELA DE ATENAS

Destacó desde siempre por los avances en el Retrato, desarrollándose una verdadera fiebre por
representar a los grandes intelectuales de la Hélade.Además, desde mediados del s. II a.C.,
cuando la aristocracia romana empieza a convertirse en cliente ávido de todo lo griego, se
inaugura una corriente de nostalgia por el pasado (NEOATICISMO), que, con copias del período
clásico y otras obras, inunda las villas de los ricos coleccionistas en un conglomerado ecléctico y
decorativo. Podemos destacar:

Hermafrodita Desnudo: en el que se plantea un problema nuevo: un cuerpo relajado e

inconsciente destinado a ser visto desde arriba.

VENUS DE MILO - la obra más famosa del neoaticismo

Contexto Histórico

 La Venus de Milo pertenece al período helenístico. Durante este período se mezclan

elementos griegos y orientales. El arte se convierte en un factor de unión entre culturas.
 El período helenístico comprende desde la muerte de Alejandro Magno a la desaparición
del último reino helenístico, Egipto (323 a.C – 30 a.C)
 Entre los años 322 a.C. y 275 a.C. se produjeron una serie de guerras provocadas por los
desacuerdos surgidos con el reparto del imperio de Alejandro Magno.
 Las ciudades pasan a ser los principales órganos del helenismo. Las ciudades costeras se
convirtieron en maravillas del mundo: Coloso de Rodas, Faro de Alejandría

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La Venus de Milo, una de las esculturas del arte griego más conocidas, representa a Afrodita,
Diosa del amor y la belleza.Autor es desconocido.Escultura es realizada entre el 150-100 a.C.
Hoy está ubicado en el Museo del Louvre.

La Venus de Milo corresponde al “Neoaticismo”, una corriente de nostalgia por el pasado que
copiaba obras clásicas.Pertenece a la “Escuela de Atenas” y es una adaptación de una obra del S.
IV a. C. de Lisipo, la Afrodita de Capua.Es considerada un ideal de belleza femenina, por su
pureza y la sensualidad que desprende.

Características

 Está realizada en mármol blanco;

 Mide de 2 metros aproximadamente;
 Utiliza la técnica deltrépano; profundas incisiones para dar efecto de gran relieve
con claroscuros;
 Tiene múltiples puntos de vista;
 Dotada de un gran movimiento ondulante.

La Venus de Milo sigue la proporción armónica del siglo IV a.C.La proporción armónica se basa
en la cabeza como medida. La altura total de la Venus de Milo es de ocho veces su cabeza, lo
que la hace más estilizada que otros cánones.Su rostro apenas presenta expresión.Su rostro
apenas presenta expresión. Su mirada, perdida, se dirige al frente. La Venus de Milo tiene forma
serpenteante sigue el contoneo sinuoso de la curva praxiteliana "forma de S".

Esta en contraposto, posición en la que la pierna derecha le sirve de apoyo mientras la izquierda
queda exonerada, con la rodilla flexionada.Presenta un desnivel muy marcado en las caderas y
los hombros.Sus formas, las líneas de su cuerpo dan a la escultura un toque muy realista. En la
escultura se marcan las líneas corporales.La Venus posee espalda arqueada y cabeza ladeada.El
cabello, perfectamente realizado y muy marcado, está recogido en un moño que deja caer parte
de su melena.Hay un claro contraste entre su torso desnudo y los paños con pliegues que cubren

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sus piernas y la parte baja de sus caderas. Aunque su pie derecho queda descubierto.Dichos
paños dan a la escultura movimiento y realismo.

Esta escultura fue encontrada en 1820, en dos pedazos, en la isla de Melos por un campesino.Un
oficial naval francés arregló su compra y después de una restauración fue regalada al rey Luis
XVIII.Junto a ella se encontraron otros fragmentos con inscripciones que mencionaban a dos
artistas de Antioquía llamados Agesandros y Aleixandros. Aunque no se sabe con certeza si fue
uno de ellos su autor.También hay otra teoría que sitúa a Praxiteles como su autor.

Se le adjudica la obra dada la curva praxiteliana que presenta la escultura.Su brazo derecho le
cruzaba el cuerpo, su brazo izquierdo podría estar sobre una columna sujetando una
manzana.Cerca de la estatua se encontraron un fragmento de uno de los antebrazos y la mano
con una manzana. Estos restos son considerados parte de sus brazos.

Esta sería una posible reconstrucción a partir de los restos hallados.

El nombre de la isla donde fue encontrada la escultura es Melos, que

en griego se traduce por Manzana.

Por lo que La Venus de Milo seria la Afrodita de Melos.

Esta idea apoya la teoría de la manzana que podría sostener la

escultura

El niño de la espina: cuyo eclecticismo es tal que logra dar aspecto clásico a un esquema realista
de hacia 200 a.C., añadirle una cabeza inspirada en las de principio del S. V a.C. y hasta
hacernos olvidar que los bucles del cabello cuelgan en sentido horizontal hacia la espalda.

Suplicio de Dirce o Toro Farnesio: Acabamos con tres obras que, junto al Laocoonte antes
citado son representativas del “monumentalismo barroco”, caracterizado por un renovado gusto
por lo expresivo, con composiciones forzadas, de musculaturas exageradas, muy apropiado para
grandes conjuntos monumentales muy decorativos.

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LA LITERATURA:

1..José Ramón Méndez, El arte Griego - la

escultura(http://iesjorgejuan.es/sites/default/files/apuntes/sociales/historiadelarte2/tema3artegrie
go/3.0_arte_griego_2011-12.pdf)

2. Alma M. Olmedo Mariscal, Identifica, analiza y comenta la Venus de Milo

(http://iesjorgejuan.es/sites/default/files/apuntes/geografiaehistoria/historiadelarte/VENUS%20D
E%20MILO.pdf)

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