3.1 ¿ Qué es ?
Tras la finalización de la primera guerra mundial, los amantes de la corriente
vanguardista y aquellos que se hacían llamar así, tuvieron un afán por acercarse cada
vez más a lo que es la fotografía. Los logros en esta época, especialmente los años
30 y 20, de son varios y de muy buena calidad. Es aquí donde encontramos grandes
exponentes como László Moholy, Man Ray Helmar Lerski o Herbert Bayer, todos muy
conocidos; pero también algunos no tan conocidos como Lotte Jacobi o Claude Cahun.
Se da paso a la belleza interna de la persona y la representación del mensaje,
la transmisión de los sentimientos esto buscado por los autores, se apoyan con los las
expresiones, los diferentes puntos de vita, ángulos y luz para poder así, captar y crear
una fotografía que se adapte a su ideal transitorio de la emoción o sentimiento, muchos
de los autores de apoyaran de técnicas de otras corrientes para poder llegar a crear
las fotografías deseadas.
Se dejaron llevar por la experimentación, usaron diferentes ángulos,
perspectivas diferentes de visualización para poder crear sus fotografías. comenzaron
a producir trabajos con un enfoque nítido y un énfasis en cualidades formales,
explotando, en lugar de oscurecer, la cámara como una herramienta esencialmente
mecánica y tecnológica. Este enfoque abandonó el modo Pictorialista que había
dominado el medio durante más de 50 años en los Estados Unidos, América Latina,
África y Europa.
3.2. Representantes
Lazlo Moholy- Nagy
Nació en Bácsborsard, el 20 de junio de 1895 y murió en Chicago, Estados
Unidos en 1946. Hizo trabajos en Fotomontaje, Fotograma y Bauhaus. Realizó
estudios de derecho en Budapest y comenzó a colaborar con revistas Húngaras
desde 1915 hasta 1919. Fue miembro de vanguardia húngara de entreguerras y del
grupo MA. En 1921, se instala en Viena y realiza sus primeros fotomontajes. En
Berlín, durante los años 1923 y 1928 trabajó como profesor dentro de los cursos
preliminares de Bauhaus en Dessau, a petición de Walter Gropius. Emplea varias
técnicas artísticas: pintura, grabado, cine, e indaga en las nuevas formas
vanguardistas, sobre todo del Dadaísmo con los fotogramas. Fue pionero en la
abstracción, además defendió la idea que el arte debía desarrollarse a partir de los
materiales propios de su tiempo.
En sus obras fotográficas se plasma el sentido vanguardista y de constante
búsqueda: Balcón de Dessau (1926), Pont transbordeur de Marseille (1929). Deja
la Bauhaus para trabajar en publicidad y como diseñador de decorados en la Ópera
Nacional y el Teatro Piscator de Berlín, en colaboración con Erich Comerimer (1907-
1978). Se muda a América y dirige el nuevo Bauhaus en Chicago, desde 1937
hasta su muerte. A su labor fotográfica se une la de crítico.
Dentro de sus mejores trabajos, en los cuales trabaja con diferentes materiales
y juega con la luz y la percepción, encontramos algunos retratos como el que le hizo
a Ellen Frank, titulada originalmente “Die schauspieleri, Ellen Frank ” (Los actores,
Ellen Frank), en el cual podemos apreciar el inusual Angulo en el que se le tomo la
foto. El busca encontrar ángulos diferentes y otras maneras de poder experimentar
la fotografía.
Entre sus obras escritas se encuentran artículos como “Malerei, fotografie, Film”;
Bauhausbücher, vol. 8 (1925); “Fotoplastike Reklame” Offset, núm. 7 (1928); y los
libros The New Vision (1946) Vision in Motion (1947) y Reseña de un Artista 1963.
Dentro de sus exposiciones más famosas están: Der Sturm, Berlín, 1922
(I); Compositions, lumineuses, Photogrames (1922-1943). Musée national
d’Art Moderne, Centre George Pompidou, París, 1995 (I); Fotógrafos Made
in Hungrary. Los que se fueron los que quedaron. Caja San Fernando-
Fundación ICO, Sevilla- Madrid, 2002-2003 ©.
Claude Cahun (Lucia Schwob)
De acuerdo con un artículo del The Art is Story Lucia Shnwob nació en 1894
en Francia en el seno de una familia de clase media judía, por los problemas
mentales que sufría su madre y el comportamiento antisemita de sus compañeros
de colegio, ella fue llevada a un internado escolar. Más adelante se convertiría en
Claude Cahun para surgir como artista, ella se mostro neutral en cuanto a su
género, trabajó el surrealismo, el autorretrato y fotomontaje. Estudió Filosofía en
Oxford y en la Sorbona. Ella llegaría a enamorarse de su hermanastra y luego
escaparía con ella. Viviría con su pareja Marcel Moore. Posteriormente se instaló
en París, con su compañera y colaboradora Suzanne Malherbe y empezó a publicar
artículos y relatos de contenida feminista. Más adelante pasaría a la fotografía a
finales de los años veinte. Realizó autorretratos, jugando con su propia identidad,
que publicó en la revista Bifur (1929).
En 1944 Claude y su pareja fueron acusadas de incitar a la rebelión a las tropas.
Encontradas culpables y condenadas a muerte las mantuvieron separadas y
encerradas en sus celdas hasta su liberación en 1945. Murió en Francia en 1954
luego de haber estado mal de salud un buen tiempo, su salud había empeorado
después de haber estado en prisión.
Ilustró con fotomontaje su autobiografía, Aveux non avenus, en 1930, año en
que se incorporó al surrealismo. Ilustró, en 1937, Le coeur de pic, 32 poèmes pour
infantes, contexto de Lise Deharme. Claude Cahun ha inspirado a varios artistas
con sus obras y su estilo de vida un tanto peculiar, como a David Bowie, quien
produjo una exhibición de su trabajo.
Dentro de sus exposiciones más famosas están: Zabriskie Gallery, Nueva York,
1992 (I); Claude Cahun, 1894-1954. Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 1995
(I); IVAM, 2001 (I).
Herbert Bayer
Según el portal web Design is history, Herbet nació en Austria en 1900 y murió
en Estados Unidos en 1985. Trabajo en Fotomontaje, Tipografía, Publicidad y
Bauhaus. Fue profesor y estudiante de la escuela de Buhaus y trabajo en una gran
cantidad de campos artísticos, luego pasó un tiempo trabajando con director de arte
para el Container Corporation. Se formó en el taller de artes decorativas y
arquitectura de Margold. Fue uno de los miembros más relevantes de la Bauhaus.
Algo interesante es que Bayer nuca siguió las visiones de László Moholy para
experimentos artísticos complejos, él tenia una visión más pragmática de la
comunicación de la publicidad. Bayer tenia preferencia, a la hora de tomar
fotografías desde puntos de vista improbables, especialmente desde puntos de
vista ventajosas.
Practico casi todos los campos del arte: pintura, escultura, fotografía y
arquitectura. Director artístico de la revista Vogue. (1925-1928). Fue durante este
periodo que el incursionó en la fotografía independiente de su adhesión de llos en
sus gráficos. Estas fotografías de sólidos geométricos se hicieron un puto de partida
para la publicidad en muchos otros artistas. Se le recuerda por la creación de una
tipografía de letra completamente minúsculas, consideraba la ornamentación de la
tipografía alemana como “muy ornamentada” y consideraba molesto el hecho de
poner mayúsculas en cada nombre propio; él desarrolló un alfabeto sans serif con
letras minúsculas llamado Universal .
Durante los juegos olímpicos de Berlín de 1936 el fue quien diseño un folleto en
celebración de los juegos,, celebrando el “Tercer Reich”, con esto su obra se
consideró “Arte degenerado” en la exposición de propaganda nazi. Consecuencia
de esto, Herbert dejo el país y se mudó Italia en 1937. En 1944 se caso una artista
Dada, Joella Syrara Haweis.
Creo las tipo-foto y las Fotoplastikon, en las que mezcla fotografía con otros
componentes: rueda, aro, marco. Con la subida nazi al poder se marcha a Estados
Unidos, ya para el año 1944 él obtuvo la nacionalidad y posteriormente trabajó para
distintas publicaciones, aunque se centrará en su trabajo como pintor y escultor.
Fue uno de los representantes más destacado de Bauhaus y hasta la actualidad
muchas de sus teorías de diseño se siguen enseñando en varias escuelas.
Sus exposiciones más famosas fueron: Kunstverein Merz, Linz, 1929 (I);
Staatlische Bauhaus, 1931 (I); Subjektive Fotografie, Saarbrücken, 1951 ©;
Retrospectiva. Arco Center for Visual Arts. Los Ángeles, 1977 (I)
Helmar Lerski
Israel Schmuklerski nació en 1971 en Estransburgo, en Alemania. Fue
hijo de una familia judía inmigrante original de Polonia. Se trasladaron a Zúrich
donde consiguieron obtener la ciudadanía suiza. A la edad de 22 se mudó a Nueva
York, donde trabajó como actor y fue en ese momento en el que cambió su nombre
a Helman Lerski. Paso mucho tiempo trabajando en un teatro alemán en Chicago
donde conoció su primera esposa quien era fotógrafa.
Ya para 1911 Lerski empezó a experimentar con la fotografía, usaba diferentes
exposiciones de la luz , usaba técnicas dramáticas de luz para poder elaborar sus
famosos retratos de sus compañeros en la actuación. En 1914 enseño literatura y
alemán en la Universidad de Texas en Austin. Posteriormente volvió a Alemania
donde al pidió ser camarógrafo en Universum Film Aktiengesellschaft studios, lo
cual consiguió cuando mostro sus retratos, él obtuvo el trabajo de camarógrafo
experto en efectos especiales.
Ya para 1931 Helmar publicó “Caras del diario”, que fueron una serie de retratos
tomados a personas de clase trabajadora. Donde vemos una de las principales
características de sus trabajos, donde la luz ocupa un lugar central, se aprecia el
uso de los primeros planos para poder retratar los gestos faciales de las personas,
explora el relieve de las caras de sus modelos con el fin de evocar “el alma de sus
temas”. Se puede ver el surrealismo de sus fotografías por el uso de los
primerísimos primeros planos en las caras, ojos y expresiones faciales.
En 1937 creo su gran trabajo llamado “ Metamorfosis a través de la luz” donde
tomo 175 fotos a un solo modelo, con diferentes exposiciones de luz, jugando con
los espejos para lograr los efectos deseados. A cerca de este trabajo Vince Alleti
dice:
Lerski tomó más de cien fotos de esa cara desde una distancia muy corta,
cada vez cambiando sutilmente el Luz con la ayuda de pantallas…() De la cara
original surgieron, evocadas por las luces variables, cien caras diferentes, entre
ellas las de un héroe, un profeta, un campesino, un soldado moribundo, una
anciana, un monje
Con lo que dice Alleti podemos darnos cuenta Helmar jugaba con luz proyectada
con varios espejos para que esta se proyecte y cree diferentes facetas en el modelo
haciendo que literalmente a través de la luz se de la metamorfosis. Él creía en la
subjetividad y sus fotografías tenían un tema surrealista. Helmar Lenski murió el 19
de septiembre de 1956 en la ciudad de Zurich.
Man Ray
Emmanuel Radnitzky, porveniente de una familia rusa judía inmigrante de
Filadelfia, nació en 1890, de padres humildes, su padre fue sastre y su madre
costurera. Emmanuel paso la mayoría de su infancia en el barrio Williamsburg en
Brooklyn, Nueva York. Luego paso a a cambiar su apellido a Ray por el miedo a la
actitud antisemita que tenían las personas en se entonces. Ya en 1908 se graduó
de la secundaria, fue ahí cundo rechazo una beca para poder estudiar arquitectura,
de ahí comenzó su carrera como artista, practico y estudio en casa de sus padres
también frecuentaba museos de arte para poder adentrarse en ese mundo.
En 1912 se inscribió en la escuela para poder formarse como un verdadero
artista, ya ahí empezó a se influenciado por las ideas anarquistas de otros artistas.
Durante un tiempo empezó a ir a la galería 291, es aquí donde conoció a Alfred
Stieglitz con el cual creo un estrecha amistas y fue Alfred quien lo introdujo al mundo
de la fotografía. Posteriormente conocería a una poeta belga de nombre Adon
Lacroix, con la que se casaría luego en 1914.
Comenzó a fotografiar sus pinturas, como una forma de documentación, luego
empezó a experimentar con la cámara. Tuvo una gran relación amistosa con el
famoso artista Duchamp; con el cual, en varios intentos, promovieron la cultura
Dada. En 1921 Ray se mudo a París, paso 18 años en el barrio de Montparnasse.
Pronto Ray accidentalmente desarrollaría una técnica fotográfica llamada
“Fotograma” conocido como fotografía sin cámara que utiliza papel sensible a la
luz, todo esto cuando hacia revelaciones en su cuarto oscuro. Entre los años 1923
y 1929 dirigió varios cortometrajes vanguardistas y colaboró en películas con
Marcel Duchamp y Fernard Léger.
Finalmente se mudó a los Ángeles, California donde se casó por ultima vez con
Juliet Browner. Su carrera en Hollywood fue muy buena aunque, según él en su
autobiografía, explica que los críticos de Estados Unidos no sabían comprenderlo.
Man Ray murió en 1976 de infección pulmonar.
Sus obras más influyentes, fueron The Enigma of Isidore Ducasse (1920);
Rayography El beso(1922); Le Violon d'Ingres (El violín de Ingres) (1924); Noire et
Blanche (Black and White) (1926); l'Heure de l'Observatoire: les Amoureux (La hora
del observador: los enamorados) (1936); Les Larmes (Glass tears) (1932); L’Object
Indestructible (Objeto para destruir).
3.3 Técnicas Resaltantes
Si se quiere llegar a retratar lo que ese movimiento representa debemos tener
en cuenta unas cuantas técnicas. Lo que este tipo de pensamiento quería dar a conocer
en sus fotografías era esa nueva concepción que se tenia por el ser humano. Con los
retratos podremos ver que se quería resaltar los aspectos faciales de la persona, poder
transmitir las emociones. Esto nos lleva a nuestra primera técnica que será el Retrato
Parcial, una serie que Moholy comenzó a fines de la década de 1920, en la que empujó
las convenciones para crear un nuevo tipo de fotografía de retrato. A cerca de esto el
portal web Artsy habla sobre esta técnica:
Dentro de su ensayo de 1928 "La fotografía es creación con luz", él trazó un
nuevo curso para la fotografía con cámara, afirmando que los límites de la
fotografía son incalculables; todo es tan reciente que incluso el mero acto de
búsqueda puede llevar a resultados creativos. En el mismo ensayo, él aboga,
entre muchas otras prescripciones importantes para la creatividad con la
cámara.
El hecho es tomarle la foto retrato a la modelo, pero de forma no tan convencional;
parcialmente. Las fotografías pueden ser hechas con diferentes vistas inusuales,
transversales, superiores y vistas inferiores. Para agregar detalle a las fotos se puede
hacer uso de patrones creados por luz que a traviesan pedazos de cartón o cartulina
cortados, con cierto patrón, previamente. Pueden ser líneas o rombos, eso dependerá
del gusto del fotógrafo.
Dentro de este pensamiento también se buscaba en el cuerpo poder retratar la
descontextualización de este, retratar a la persona como si fuese un objeto, se desubica
al cuerpo, se le puede ver desde otro ángulo. Para poder llegar a retratar este ideal
podemos usar la técnica de la Mimetización, que se encuentra en la naturaleza. La
Mimetización es un mecanismo usado por muchos animales en la naturaleza para poder
camuflarse y sobrevivir, pero aquí en la fotografía lo usaremos para poder
descontextualizar partes del cuerpo humano, dándoles un nuevo significado. Hay una
ocultación del objeto visible.
Se puede ver que en las fotografías Man Ray y Herbert Bayer usaron esto para
poder realizarlas, ejemplos como: La hora del observador: los enamorados y En busca
de tiempos pasados, respectivamente. En estas fotografías podemos ver que partes del
cuerpo humano están colocadas en otras situaciones como si estas fueran parte de otro
objeto, se le ha descontextualizado.
Para poder lograr a esta técnica podemos comenzar con selección de una parte
del cuerpo humano y pensar donde es que este podría ser parte de otro contexto u
objeto, posteriormente se pasara tomar la foto del contexto y de la parte del cuerpo
humano. Posteriormente se utilizará un programa de edición para poder cortar las partes
y colocarlas en el contexto.
Finalmente esta última forma de capturar la forma, no es exactamente una
técnica pero retrata una forma de poder interpretar y ver el mundo interior de la persona,
pero no solo eso sino que refleja los conflictos internos que muchas veces tienen las
personas. Esto lo vemos en un autorretrato de la fotógrafa Calude Cahun, Que me veux
tu?. La página oficial del MET dice sobre la fotografía:
En este autorretrato policefálico, aparece ligada magnéticamente a su propio
doppelgänger en una encarnación monstruosa de la lucha interna.
Para poder lograr este efecto de lucha interna primero debemos pensar en dos
emociones totalmente opuestas, posteriormente procedemos a tomar la foto (se
recomienda el uso de trípode y un fondo de color completo, para cuando se edite sea
más fácil limpiar) Para tomar la foto tenemos 2 opciones: La primera es usar larga
exposición, colocamos la cámara en un trípode con la velocidad en 30’’, hacemos que
la modelo pose 14’’ de un lado expresando el sentimiento, luego de cumplido los
segundos le pedimos que se mueva rápidamente hacia el otro lado y que exprese la
emoción opuesta lo que queda de tiempo. La segunda opción es tomar las dos
expresiones por separado a la modelo y luego lo arreglamos con un programa de
edición.
